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Nattiez, Jean-Jacques. "Modèles linguistiques et analyse des structures musicales." Canadian University Music Review 23, no. 1-2 (March 6, 2013): 10–61. http://dx.doi.org/10.7202/1014517ar.
Full textAbstract:
Au cours de la seconde moitié du XXesiècle, l’analyse musicale s’est tournée vers les modèles linguistiques d’inspiration structuraliste pour tenter de renouveler et de rendre plus explicites les méthodes traditionnelles. Dans cet article, qui est à la fois une bibliographie critique et un bilan épistémologique, Jean-Jacques Nattiez examine dans quel contexte musicologie et linguistique se sont rencontrées. Il présente tour à tour les applications du modèle phonologique, du modèle paradigmatique (avec une discussion des propositions et de la postérité de Ruwet) et les diverses grammaires musicales descriptives d’inspiration génératives qui ont été proposées. Il examine aussi bien les travaux qui portent sur la musique occidentale que sur les répertoires qu’étudient l’ethnomusicologie et les spécialistes de musique populaire.
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Andreatta, Moreno. "Une introduction musicologique à la recherche « mathémusicale » : aspects théoriques et enjeux épistémologiques." Circuit 24, no. 2 (August 13, 2014): 51–66. http://dx.doi.org/10.7202/1026184ar.
Full textAbstract:
Cette contribution se propose de présenter certains aspects théoriques et discuter quelques enjeux épistémologiques des recherches menées par l’auteur dans le domaine des rapports entre mathématiques et musique. Après une introduction générale sur le contexte de la recherche « mathémusicale » à l’Ircam et la place du projet misa (Modélisation informatique des structures algébriques en musique) au sein des activités de recherche de l’équipe Représentations musicales, nous discutons le problème de la formalisation algébrique de la théorie des ensembles de classes de hauteurs (Set Theory) et de la théorie transformationnelle (Transformational Theory), deux paradigmes analytiques dont nous avons étudié les aspects théoriques et computationnels à travers une démarche de modélisation informatique des structures et processus musicaux. L’analyse musicale basée sur les ensembles de classes de hauteurs et leurs transformations soulève des questions philosophiques intéressantes, notamment dans ses rapports avec la phénoménologie et les sciences cognitives. En particulier, en confrontant notre point de vue musicologique avec la phénoménologie, nous pouvons avancer l’hypothèse d’une pertinence de la catégorie de « structuralisme phénoménologique » dans une relecture/réactivation de la tradition structurale en analyse musicale.
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Tack, Lieven, and Stephan Weytjens. "Tensions, parallèles et interférences entre texte et musique. Le cas de Pierrot lunaire d’Arnold Schoenberg." Hors dossier 29, no. 2 (April 12, 2005): 115–23. http://dx.doi.org/10.7202/030631ar.
Full textAbstract:
Cet article vise un double objectif. Il propose d’abord un examen détaillé des interférences entre le texte (forme et sémantique) et les structures musicales dans Pierrot lunaire d’Arnold Schoenberg. Les résultats de cette analyse suggèrent que le rapport texte-musique de cette oeuvre ne se conçoit que sur un mode hétérogène et extrêmement ambigu. Le deuxième objectif est de montrer que l’examen des exemples doit être étayé par une réflexion théorique sur les conditions de possibilité des interférences musico-textuelles, et sur les outils de description dont l’analyste dispose pour les mettre à jour.
4
Fréchette, Charles-Antoine. "L’Écomimétisme ou les reflets des manifestations sonores de l’environnement." Circuit 25, no. 2 (September 9, 2015): 19–37. http://dx.doi.org/10.7202/1032933ar.
Full textAbstract:
Le compositeur Charles-Antoine Fréchette présente les enjeux reliés à sa méthode de composition dite écomimétique. Avec cette méthode, il est question d’analyser des prélèvements sonores de l’environnement au sonagramme pour en tirer des contenus fréquentiels, dynamiques et rythmiques. Ces données récoltées et classées à travers des axes typologiques multiples, différenciés et superposés, concourent à l’élaboration de processus formels qui permettent de relier progressivement les composantes des matériaux entre eux. Ainsi, toutes les structures et les procédés structurels découlent de la manipulation des informations provenant des sources environnementales. Cette approche rigoureuse distingue l’écomimétisme des naturalismes traditionnels anecdotiques. Les résultats des analyses permettent aussi d’explorer les instruments afin de découvrir des techniques instrumentales mimétiques pour révéler métaphoriquement des sons de l’environnement. L’idée de la métamorphose se retrouve donc dans le transfert des sources sonores aux instruments, et dans la transformation progressive des matériaux, continuellement déduits les uns des autres. Formellement, il s’agit d’envisager des situations musicales immersives comme des territoires plus ou moins concrets, virtuels ou abstraits.
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Meric, Renaud, and Makis Solomos. "Écosystèmes audibles et structures sonores émergentes dans la musique d'Agostino Di Scipio. Une collaboration entre philosophie de la musique et analyse musicale." Musurgia XVIII, no. 3 (2011): 39. http://dx.doi.org/10.3917/musur.113.0039.
Full text
6
Maniez, François. "Traitement de l’ambiguïté syntaxique et sémantique en TA neuronale : analyse de la traduction de l’anglais vers le français, l’espagnol et l’italien." Traduction et Langues 21, no. 1 (August 31, 2022): 10–27. http://dx.doi.org/10.52919/translang.v21i1.872.
Full textAbstract:
Syntactic and Semantic Ambiguity Processing in Neural MT from English to French, Spanish and Italian
Despite recent advances in artificial intelligence, human translators outperform MT for at least three types of tasks: identifying referents in anaphora (especially of the interphrastic kind), resolving semantic ambiguity (which is mainly due to polysemy or homonymy), and resolving syntactic ambiguity (especially with poorly inflected source languages such as English). Using the results obtained by two freely available online machine translation programs, Google Translate and DeepL, we examine how these two types of ambiguity are processed in translation from English into French, Spanish and Italian. Our results show that the two programs perform well overall in resolving the simplest cases of syntactic ambiguity, with difficulties arising more frequently for noun phrases featuring atypical syntactic divisions and rarely used collocations. MT output for ambiguous structures involving verb roots followed by the –ING morpheme (flying planes, growing pains) is studied, as well as syntactic structures in which two or more nouns are preceded by one or more adjectives. MT handles relatively well the longest of those structures (ADJ ADJ N N N N), probably because their subsets are part of the bilingual or target language monolingual corpora that underlie MT systems. Structures involving head modification and coordination (ADJ N AND N) are also known to pose problems for MT and human translators alike. But since many of the most frequent N AND N structures involve cohyponyms (men and women, brothers and sisters), antonyms (rights and duties, costs and benefits) or near- synonyms (aid and advice), their translation as a whole unit generally triggers the choice of correct syntact dependencies in translation. Structures in which the adjective only modifies the first noun (fresh air and exercise, social sciences and humanities) are much less frequent and are also probably translated as a whole unit. Structures involving premodification, coordination and post-modification may give rise to four distinct types of structures depending on whether long-range dependencies apply (detailed [knowledge and understanding] of the IT industry, [ethnic group] and [place of birth], invaluable [context and [source of information], [close friend] and confidant] of Mr Jones. Structures in which both long-range dependencies apply (integrated prevention and control of pollution) are the ones which most frequently cause errors for MT. Semantic ambiguity cases have been processed with increasing success by MT, especially when collocates vary widely for the main two meanings of homonyms (a well-known example is the word pen). Processing polysemy (for instance the medical use of conditions in pre-existing conditions) is a bit more of a challenge for MT. Other cases involving concentration of several polysemic terms in the same sentence (Changing the placement of beams relative to the staff involves changing the direction of the stems in the beam) also create difficulties for MT when the polysemic terms are used without any of their usual collocates (here in the specialised field of musical edition). Homonymy cases involving grammatical category changes (N-to-V or V-to-N conversion) seem to continue to pose the most difficulties to neural MT, despite increasing consideration of intra- and extraphrastic context. Potentially ambiguous word sequences (treatment increase in as the daily dose and duration of treatment increase), which were processed incorrectly before neuronal MT, are now correctly translated. But word sequences in which one word belongs to a part of speech which is not the most commonly used one (e.g. the noun remains in what remains can be considered) may cause occasional errors. Several examples that involve the verb founder are studied, and they frequently trigger translation of the noun in all three Romance languages (or translations of the verbs find or found due to incorrect segmentation).
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Rusu, Mihaela, and Ciprian Costin. "Discovering music cryptograms in the works of Viorel Munteanu through computer aided methods." Artes. Journal of Musicology 23, no. 1 (April 1, 2021): 165–73. http://dx.doi.org/10.2478/ajm-2021-0008.
Full textAbstract:
Abstract This analytical approach aims to demonstrate the connection between music and technology in the creation of composer Viorel Munteanu. The purpose of this paper is to identify and analyse the music cryptograms in Symphony No. 1 “Glossa” using digital analysis tools. Viorel Munteanu is a modern composer characterised by avangardist tendencies, but with a desire to revive the past. In his creations, the composer uses folkloric themes and byzantine chant, while evoking important personalities of Romanian culture. In Symphony No. 1 “Glossa”, Munteanu uses the music cryptogram of poet Mihai Eminescu and composer George Enescu, these structures being used as thematic material and cyclic motifs. For graphical illustration of the music cryptograms we used the digital library LibRosa and for the identification process we use a musical software which identifies these structures in a MIDI score. Also, we would be analysing the cryptograms’ functions, rhetorics and aspects influencing the form and genre of the symphony.
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Leicester, H. Marshall. "Discourse and the film text: Four readings of Carmen." Cambridge Opera Journal 6, no. 3 (November 1994): 245–82. http://dx.doi.org/10.1017/s0954586700004328.
Full textAbstract:
‘Quoi du reste’, to paraphrase Derrida on Hegel in Glas, ‘ici, maintenant, d'une Carmen?’ What's left of Carmen here and now? Aside from its intrinsic interest, the question seems worth asking in light of a bias that recent treatments of opera – particularly those influenced by poststrucuralist theory – seem to betray. The most prominent, Catherine Clément's Opera, or The Undoing of Women, Michel Poizat's The Angel's Cry and Jeremy Tambling's Opera, Ideology, and Film, regard opera as an institution rather than as a body of texts. Each of the authors, to my mind at least, allows a prior structure or structures – the systemic presence of male domination and its construction of women in society, a quasi-Lacanian understanding of unconscious fantasy, the bourgeois construction of operatic experience – to constrain what operas, and opera, can mean. They thus produce what are in effect reception studies or analyses of the audience, which is perhaps why they operate at some distance from the detail of the texts, musical or verbal, of the operas they analyse.
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YANG, PEIHONG. "Neo-Folklore Motifs in a Chen Yi’s Piano Work." Revista de etnografie și folclor / Journal of Ethnography and Folklore 2023, no. 1-2 (2023): 184–97. http://dx.doi.org/10.59277/jef.2023.1-2.11.
Full textAbstract:
"The blending of traditional and cross-cultural musical elements improves musical compositions and piano playing techniques. The research purpose is to investigate the main features of neo-folklore motifs in the piano work of Chen Yi and analyse the specifics of piano art in the work To E. The research used different methods of analysis, comparison, and calculation for the Socio-Metric Rating Index and the Efficiency Ratio. The analysis revealed that the main indicator was a novelty in music that was evident in the development of different cultures, the new artistic ideas, and the use of a modal system, new rhythmic intonations and structures. The practical significance is in the use of neo-folklore features in the process of creating new compositions and improvising on the piano. Future research is needed to investigate neo-folklore features and compare several pieces of music reflecting cross-cultural traditions. Keywords: artistic effect, instrumental performance, intercultural influence, intonation flexibility, rhythmic beat. "
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Neary, Clara. "‘Please could you stop the noise’: The grammar of multimodal meaning-making in Radiohead’s ‘Paranoid Android’." Language and Literature: International Journal of Stylistics 28, no. 1 (February 2019): 41–60. http://dx.doi.org/10.1177/0963947019827073.
Full textAbstract:
This article uses Zbikowski’s theory of ‘musical grammar’ to analyse Radiohead’s song ‘Paranoid Android’ from their 1997 album OK Computer. Invoking the close structural and compositional parallels between language and music, Zbikowski’s approach appropriates some of the core elements of cognitive linguistics to provide a means of ‘translating’ music into meaning-bearing conceptual structures via the construction of ‘sonic analogues’, which are a type of conceptual construct formed when incoming perceptual information is compared to existing cognitive knowledge stored as image schemas. The result is an analysis of the interactions between the linguistic and aural constructions of a multimodal text that not only sheds new light on the text’s meaning-making devices, but also endeavours to unlock the strategies through which such distinctive semiotic modes act and interact within texts to create meaning potential.
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Cohen, Paul. "“Zouk Is the Only Medicine We Need”." French Historical Studies 45, no. 2 (April 1, 2022): 319–53. http://dx.doi.org/10.1215/00161071-9532010.
Full textAbstract:
Abstract This article demonstrates how the history of Kassav, the French Caribbean music group founded in 1979, sheds light on the cultural politics of French Caribbean music and the history of “global France.” It argues that Kassav's music represents an inventive cultural and commercial response to patterns of neocolonial and capitalist exclusion in the French Caribbean, one that drew on the islands' own cultural resources to fashion a new musical form, called zouk, that has had lasting influence. Kassav owes its commercial success in part to a global music industry hungry for new musics from postcolonial peripheries and to Paris's role as a world music capital. That Kassav was seen in metropolitan France as “Caribbean” or “world” music, rather than “French,” speaks to the historical and racial fault lines that obscure the Frenchness of the French Caribbean to many in the Hexagon. Cet article analyse comment l'histoire de Kassav, le groupe musical antillais fondé en 1979, permet de mieux comprendre la politique culturelle de la musique des Antilles françaises ainsi que l'histoire « mondiale » de la France. La musique de Kassav représente une réponse culturelle et commerciale inventive à des structures d'exclusion néocoloniales et capitalistes dans les Antilles françaises, une réponse qui puisait dans les ressources culturelles propres aux îles, afin de façonner un nouveau genre de musique (le zouk) qui a exercé une influence importante. Kassav doit son succès commercial en partie à une industrie musicale mondialisée à l'affût de musiques issues des périphéries postcoloniales et au rôle de Paris comme capitale de la « musique du monde ». Que la musique de Kassav ait été perçue en France métropolitaine comme « antillaise » ou « du monde », plutôt que « française », témoigne des lignes de faille historiques et raciales qui occultent l'appartenance française des Antilles aux yeux de nombreux habitants de l'Hexagone.
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Noreau, Denyse. "Le Stabat Mater II, un oratorio de la douleur." Dossier 25, no. 3 (August 28, 2006): 471–85. http://dx.doi.org/10.7202/201498ar.
Full textAbstract:
Résumé Cet article se veut une introduction à l'étude de l'emploi des formes musicales comme procédé architectonique dans l'oeuvre de Normand Chaurette. Une présentation historique du thème du Stabat Mater, l'image de la mère douloureuse dans la chrétienté, suivie d'une analyse d'oeuvres musicales construites à partir de ce même thème (Palestrina, Pergolese, Schubert, Pärt) permettront de démontrer la parenté qui existe entre les procédés de composition présents dans ces oeuvres musicales et ceux utilisés par Chaurette dans Stabat Mater II.
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Stahrenberg, Carolin. "‘Meine Heimat ist der Wagen’: Negotiation of mobility and settledness in two German post-war musicals." Studies in Musical Theatre 16, no. 3 (December 1, 2022): 237–43. http://dx.doi.org/10.1386/smt_00106_1.
Full textAbstract:
Persecution and expulsion due to Nazi terror and the Second World War led to massive population shifts within Europe. First was the mass exodus from the German Reich, as a result of racist and political persecution. Then, after the end of the war, millions of German refugees and up to 12 million displaced persons – former forced labourers and foreign concentration camp prisoners – had to find new homes or be repatriated. These movements led to the discursive negotiation of wandering, mobility and settledness in German language musical theatre of the 1950s. This article analyses such relations by looking at the musicals Feuerwerk (1950) and Katharina Knie (1957) and focusing on their structures, receptions and evolutions; in both cases, special attention is paid to the dream ballets. Both musicals (at that time referred to as ‘musical comedies’ or ‘musical folk plays’) premiered at Munich’s Gärtnerplatztheater and, as part of their plots, thematize the nomadic life of circus people opposed to a settled existence.
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Clemente, Miguel, Joaquim Mendes, André Moreira, Ricardo Vardasca, Afonso Ferreira, and José Amarante. "Wind Instrumentalists and Temporomandibular Disorder: From Diagnosis to Treatment." Dentistry Journal 6, no. 3 (August 23, 2018): 41. http://dx.doi.org/10.3390/dj6030041.
Full textAbstract:
Introduction: Temporomandibular disorders (TMD) involve the presence of pain or dysfunction on certain areas of the Cranio-Cervico-Mandibular Complex (CCMC), such as the masticatory muscles, the temporomandibular joint (TMJ) and associated structures like the postural muscles of the cervical region, can be considered as a sub-group of musculoskeletal disorders. Wind instrument players, as a consequence of their musical performance and its relation with the CCMC, can develop a TMD associated to muscle hyperactivity of certain elevator muscles, or even an increase of the intra-articular pressure in the functioning of the TMJ throughout musical activity. Aim: The objective of this paper is to describe the necessary and elementary steps in the diagnoses and treatment of a wind instrumentalist with a temporomandibular disorder, with the introduction of infrared thermography during this procedure. This case study also has the purpose of presenting the usefulness of piezoresistive sensors in the analysis of the clarinettists’ embouchure. Methodology: A Caucasian, 30-year-old female clarinettist was assessed through a clinical examination following the Diagnostic Criteria for TMD (RDC/TMD), as a complementary tool of diagnosis, a thermal imaging infrared camera, Flir E60 (Wilsonville, OR, USA), was used in order to analyse the above referred articular and muscular regions. The complementary examination protocol implemented with this clarinet player also involved the analyses of the embouchure with the support of piezoresistive sensors. Results: The clinical outcomes resulting from this work were based on the RDC/TMD diagnoses indicated that the clarinet player had an internal derangement on both TMJ, with an osteoarthritis on the left TMJ and an anterior disc displacement with reduction on the right TMJ. The infrared thermograms that were analysed, verified the existence of a temperature differential of the anterior temporal muscle (0.1 °C), the TMJ (0.1 °C) and the masseter muscle (0.7 °C), and after the occlusal splint therapy the asymmetry related to the master muscle reduced to 0.3 °C. The high pitches can reach values of 379 g of force induced to the tooth 21 comparing to the 88 g of force applied on tooth 11. The embouchure force measurements consistently presented greater forces during the higher notes, followed by the medium notes and finally the low notes and this happened with higher pressures being transmitted always to tooth 21. Conclusion: Performing arts medicine should understand the major importance of the dentistry field in the daily life of a professional musician, and the significance of implementing routine screening procedures of dental examinations, with infrared thermograms examination of distinct areas of the CCMC, as well as the use of sensors on the analyses of an eventual asymmetrical embouchure. Employing these techniques in dentistry will create the chance of preventing the overuse of some anatomical structures, with an early diagnosis and the correct monitoring of these areas.
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Imberty, Michel. "Formes de la répétition et formes des affects du temps dans l'expression musicale." Musicae Scientiae 1, no. 1 (March 1997): 33–62. http://dx.doi.org/10.1177/102986499700100104.
Full textAbstract:
Cet article se propose de montrer ce que la psychologie récente du développement peut apporter pour la compréhension des phénomènes affectifs de nature temporelle qui sous-tendent l'écoute musicale et ses effets sur l'auditeur. L'article part de l'analyse du phénomène de répétition, tant dans les situations interactives chez le nourrisson que dans les structures les plus élémentaires des langages musicaux. La répétition, dans un cas comme dans l'autre, engendre le temps, la durée, mais y introduit une régularité qui permet au sujet l'anticipation et la maîtrise du futur. Cette régulatité et cette prévisibilité rendent possible la Variation, principe générateur du développement psychologique par les adaptations successives à une réalité changeante, mais aussi principe créateur du développement musical. Cette analyse conduit alors aux concepts centraux développés ici à partir des travaux du psychologue et psychanalyste, Daniel Stern. L'hypothèse est que l'unité d'une expérience interpersonnelle ou interactive chez le très jeune enfant est sa structure temporelle. Sur elle, par la suite, se greffent les expériences sensorielles, motrices et affectives pour construire des représentations intériorisées. Mais ce qui caractérise fondamentalement une expérience affective, c'est sa courbe temporelle, le rythme d'alternance des moments de tension et des moments de détente, c'est sa ligne de tension dramatique, ce que Daniel Stern appellera trame temporelle du ressenti… L'expérience affective, dans la vie relationnelle comme dans la musique, est partagée, communiquée, sur la base d'un accordage affectif qui n'est autre qu'une interrégulation temporelle, cellelà měme qui régit les rapports des musiciens dans le quatuor par exemple. L'article s'achève enfin par des considérations sur la sémiotisation du temps musical et la notion d'enveloppe proto-narrative: celle-ci est définie comme sens d'une trame temporelle du ressenti, orientée par une motivation ou un désir vers un but. La musique apparaî;trait alors comme la représentation de la matrice originelle de toutes les formes symboliques, de toutes les formes de langage, c'est-à-dire de toutes les formes de mise en ordre du temps dans la vie humaine.
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Tarte, Kendall. "Quelle musique pour La Puce de Madame des-Roches ?" Albineana, Cahiers d'Aubigné 33, no. 1 (2021): 85–98. http://dx.doi.org/10.3406/albin.2021.1671.
Full textAbstract:
Cet article se propose de montrer les dimensions musicales du recueil La Puce de Madame Des-Roches (1582) et du contexte de sa genèse : le salon des Dames Des Roches à Poitiers à la fin des années 1570, au cours des guerres de religion. Après avoir montré l’intérêt que Catherine Des Roches portait à la musique, il analyse des poèmes d’Estienne Pasquier et d’Odet de Turnèbe qui illustrent les qualités musicales de La Puce.
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Hougaard, Anna Katrine. "Architectural Drawing - An Animate Field." Open House International 40, no. 2 (June 1, 2015): 44–53. http://dx.doi.org/10.1108/ohi-02-2015-b0007.
Full textAbstract:
Architectural drawing is changing because architects today draw with computers. Due to this change digital diagrams employed by computational architectural practices are often emphasized as powerful structures of control and organisation in the design process. But there are also diagrams, which do not follow computational logic worth paying attention to. In the following I will investigate one such other kind of diagram, a sketch diagram, which has a play-like capacity where rules can be invented and changed as you go. In that way, sketch diagrams are related to steered indeterminacy and authorial ways of directing behaviour of artefacts and living things without controlling this behaviour completely. I analyse a musical composition by John Cage as an example of a sketch diagram, and then hypothesize that orthogonal, architectural drawing can work in similar ways. Thereby I hope to point out important affordance of architectural drawing as a ¬hybrid between the openness of hand-sketching and the rule-basedness of diagramming, an affordance which might be useful in the migrational zone of current architectural drawing where traditional hand drawing techniques and computer drawing techniques are being combined with each other.
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Stráner, Zsófia. "Formes Musicales Dans le Texte Littéraire—Analyse desNouvelles Orientalesde Marguerite Yourcenar." Verbum 10, no. 2 (December 2008): 413–36. http://dx.doi.org/10.1556/verb.10.2008.2.10.
Full text
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JOHNSON, JAKE. "The Music Room: Betty Freeman's Musical Soirées." Twentieth-Century Music 14, no. 3 (October 2017): 391–409. http://dx.doi.org/10.1017/s1478572217000330.
Full textAbstract:
AbstractFor over ten years, Los Angeles arts patron Betty Freeman (1921–2009) welcomed composers, performers, scholars, patrons, and invited guests into her home for a series of monthly musicales that were known as ‘Salotto’. In this article, I analyse Freeman's musicales within a sociological framework of gender and what Randall Collins calls ‘interaction rituals’. I contextualize these events, which took place in a space in her Beverly Hills home known as the Music Room, within a broader history of salon culture in Los Angeles in the twentieth century – a history that shaped the city's relationship with the artistic avant-garde and made Los Angeles an important amplifier for many of the most important voices in contemporary Western art music of the last sixty years.
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Filiatrault, André. "Analyse des structures." Canadian Journal of Civil Engineering 20, no. 6 (December 1, 1993): 1081–82. http://dx.doi.org/10.1139/l93-145.
Full text
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Bardoux Lovén, Cécile. "Théorie et analyse musicales à Stockholm : inventaire des contenus et pratiques pédagogiques." Musurgia XXIV, no. 1 (2017): 65. http://dx.doi.org/10.3917/musur.171.0065.
Full text
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Theodosopoulou, Irene. "Semiotic approaches to “traditional music”, musical/poetic structures, and ethnographic research." Semiotica 2019, no. 229 (July 26, 2019): 123–50. http://dx.doi.org/10.1515/sem-2017-0123.
Full textAbstract:
AbstractThis text is a first attempt of approaching traditional music, musical/poetic structures and ethnographic research semiotically. The basic elements of traditional music (motives, rhythms, phonetics, performance speeds, modal systems, musical instruments, repertoire), the musical/poetic structures with morphological types and formulas (musical and poetic), musical and non-musical codes (verbal and nonverbal) during a musical performance (nods, movements, etc.) as well as the ethnographic research itself with its own “performances” (discussions with musicians, recordings, transcriptions, analyses) constitute groups of “signs” and codes that, combined together, create complex frames of meanings and re-definitions not only among musicians and revelers but also among ethnographers and their interlocutors and among ethnographic “texts” and their representations after multiple readings. This text presents elements that emerged after an enduring field research in Crete (1998–2008). The use of semiotics in the study of traditional music and musical analysis can constitute a useful analysis tool for ethnographic research from planning to composing ethnographic “texts” (texts, transcriptions, analyses). This text highlights the necessity of initiating a dialogue concerning the aspects and perspectives of a semiotic approach to musicology and music ethnography.
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Nattiez, Jean-Jacques. "La recherche des universaux est-elle incompatible avec l’étude des spécificités culturelles ?" Anthropologie et Sociétés 38, no. 1 (July 10, 2014): 217–43. http://dx.doi.org/10.7202/1025815ar.
Full textAbstract:
Après avoir rappelé les arguments avancés par certains auteurs contre la légitimité des recherches sur les universaux de la musique, l’auteur souligne que l’un d’entre eux repose sur l’affirmation que, chaque culture présentant des caractéristiques spécifiques, les cultures ne sont pas comparables. Empruntant aux deux ouvrages fondateurs de l’approche anthropologique de la musique,The Anthropology of Musicd’Alan Merriam (1964) etHow Musical is Man ?de John Blacking (1973), il rappelle que, chez eux, les structures musicales sont conçues comme le produit de la culture. Conséquence méthodologique : c’est par l’étude du contexte culturel que l’investigation ethnomusicologique doit commencer. La conséquence de cette position, très largement répandue dans la discipline jusqu’à une date récente, a été de mettre l’emphase sur l’environnement de la musique plutôt que sur l’analyse de ses structures, à quelques notables exceptions près.A fortiori, la recherche des universaux, taxée d’ethnocentrique, a-t-elle été longtemps considérée dans la profession comme irrecevable. L’auteur examine alors comment Blacking aborde la question du lien entre culture et structures musicales, puis il réexamine ses positions en ce qui concerne les universaux et les éventuels fondements biologiques de la musique. Sur la base de ses textes, il est amené à démontrer que ses conceptions étaient beaucoup plus favorables qu’on aurait pu le penser à une orientation de la recherche ethnomusicologique tournée vers les universaux et que nombre de ses propositions prennent un relief inattendu par rapport aux préoccupations actuelles de la neuropsychologie de la musique. L’article se termine par un plaidoyer en faveur de la réconciliation, dans l’ethnomusicologie de demain, du point de vue anthropologique, de la prise en compte des déterminations culturelles, de l’étude comparée des structures musicales et de la quête des universaux.
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Rea, John. "Ite, Symphonia est." Circuit 11, no. 3 (October 2, 2002): 21–31. http://dx.doi.org/10.7202/004694ar.
Full textAbstract:
Résumé Lisant la Symphonie du millénaire sous l'angle d'une analyse des éléments crypto-religieux et musicoreligieux, John Rea propose que l'oeuvre, dans sa forme et dans son contenu, se révélât au public telle une action liturgique, à la fois sacrée et profane. À travers un encadrement binaire qui réunit les catégories de l'espace et du temps, la discussion identifie certains traits communs avec le judaïsme biblique, le christianisme médiéval, et avec des oeuvres musicales antérieures.
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Galluzzo, Anthony. "Au-delà de la musique." Revue Française de Gestion 47, no. 294 (January 2021): 99–113. http://dx.doi.org/10.3166/rfg.2021.00501.
Full textAbstract:
Cette recherche analyse la façon dont les communautés de fans de stars musicales réalisent un travail narratif, en co-écrivant le récit de leur idole. Les résultats portent sur trois communautés de fans, qui ont fait l’objet d’une enquête ethnographique et netnographique. L’article détaille six étapes par lesquelles se déploie le processus de co-construction narrative de la star par ses fans. Il examine selon quelles politiques les managers peuvent orienter ce travail.
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Zhou, Yuxuan. "On the western myth of Takarazuka fantasy: japanese women playing men and westerners on stage." dObra[s] – revista da Associação Brasileira de Estudos de Pesquisas em Moda 38 (August 1, 2023): 158–76. http://dx.doi.org/10.26563/dobras.i38.1572.
Full textAbstract:
This work investigates the female performers from Takarazuka Revue in Japan, who play the role of Westerners and men in several musicals and which challenges the traditional power orientation of Orientalism. The construction of the Western identity is analysed through the outer shell of the body, the costumes, stage props and musical plots, and the body presented on the stage with make-up and other bodily techniques. The visual elements are analysed following a semiotical approach, investigating how the layered up meanings express the romanticised Occident distant from the image of the West in today’s society. The ritualistic bodily techniques of Takarazuka performers reveal the performative nature of gender and race. While Ahmed’s phenomenological Orientalism supports the analysis of the orientation between the Occident and Orient, otokoyaku (male impersonators) and musumeyaku (female impersonators), performers and audience, presenting the dynamic power flow in the Occidentalist/Orientalist structures, hence explaining the transgender and transcultural image of the otokoyaku, and their importance in the revue’s image and, ultimately, the “hybrid” discourse it manipulates.
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Guerpin, Martin. "L’exotisme en question." Revue musicale OICRM 3, no. 1 (June 6, 2019): 1–15. http://dx.doi.org/10.7202/1060119ar.
Full textAbstract:
L’introduction du jazz en France et son utilisation dans la musique savante sont souvent assimilées à l’émergence d’un nouvel exotisme, compris au sens large de rapport fasciné à l’Autre. Ainsi utilisée, cette catégorie tend à masquer la diversité bien réelle, et remarquable pour l’époque, de la réception du jazz dans la musique française de l’entre-deux-guerres. Afin de mettre en évidence cette diversité, deux œuvres représentatives de Darius Milhaud et de Jean Wiéner font l’objet d’une analyse qui, s’appuyant sur des définitions de l’exotisme en vigueur dans les décennies 1920 et 1930, prend en compte les sources musicales utilisées par ces compositeurs ainsi que les connotations extra-musicales qu’elles véhiculent. Une fois reconsidéré, le prisme de l’exotisme permet de proposer, au sein des œuvres savantes empruntant au jazz, une distinction entre celles qui relèvent de ce qu’on définira comme un « exotisme nègre » et celles qui ne recourent à cette musique que dans le cadre de l’exploration de nouveaux procédés musicaux.
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Savage, Patrick E., Steven Brown, Emi Sakai, and Thomas E. Currie. "Statistical universals reveal the structures and functions of human music." Proceedings of the National Academy of Sciences 112, no. 29 (June 29, 2015): 8987–92. http://dx.doi.org/10.1073/pnas.1414495112.
Full textAbstract:
Music has been called “the universal language of mankind.” Although contemporary theories of music evolution often invoke various musical universals, the existence of such universals has been disputed for decades and has never been empirically demonstrated. Here we combine a music-classification scheme with statistical analyses, including phylogenetic comparative methods, to examine a well-sampled global set of 304 music recordings. Our analyses reveal no absolute universals but strong support for many statistical universals that are consistent across all nine geographic regions sampled. These universals include 18 musical features that are common individually as well as a network of 10 features that are commonly associated with one another. They span not only features related to pitch and rhythm that are often cited as putative universals but also rarely cited domains including performance style and social context. These cross-cultural structural regularities of human music may relate to roles in facilitating group coordination and cohesion, as exemplified by the universal tendency to sing, play percussion instruments, and dance to simple, repetitive music in groups. Our findings highlight the need for scientists studying music evolution to expand the range of musical cultures and musical features under consideration. The statistical universals we identified represent important candidates for future investigation.
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Olivier Baudon. "Simbals : analyse et traitement de données musicales. Entretien avec Pierre Hanna et Matthias Robine." Bulletin 1024, no. 9 (November 2016): 111–14. http://dx.doi.org/10.48556/sif.1024.9.111.
Full text
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Jedrzejewski, Franck. "Nœuds Polychromes et Entrelacs Sonores : Vers de Nouvelles Catégories Musicales." Musicae Scientiae 7, no. 1_suppl (September 2003): 73–83. http://dx.doi.org/10.1177/10298649040070s104.
Full textAbstract:
L'article présente deux applications de la théorie des nceuds et des entrelacs à l'univers musical. La première application est une classification des séries de douze sons selon des structures particulières appelées diagrammes de cordes. Cette taxinomie conduit à une nouvelle hiérarchie des structures profondes du lexique dodécaphonique. La chiralité et les degrés de symétrie des formes sérlelles sont directement accessibles sur ces diagrammes qui rŕsument les propriétés intrinsèques de la série, La forme schématique nodale remplit ainsi la double fonction d'integration méronymique et de contrôle combinatoire. La deuxlème application est une approche des problèmes du tempérament musical et de l'analyse des systèmes acoustiques contemporains par coloration des entrelacs. A chaque arc de la représentation planaire d'un nœud est associée une fréquence (appelée aussi couleur) du système acoustique envisagé. Lors du passage d'un arc à un autre par croisement des brins du nœud, la fréquence évolue selon les règles d'une grammaire prédéfinie, L'entrelacs ainsi étiqueté — appelé nœud polychrome — décnt complètement l'accord du système acoustique. Des questions théoriques comme la transposition des échelles tonales dans des univers nontempérés ou les variations micro-intervalliques dans Ie champ compositionnel s'etudient de manière naturelle à l'aide de ces nouvelles catégories musicales.
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Kiš Žuvela, Sanja, and Ana Ostroški Anić. "The embodied and the cultural in the conceptualization of pitch space in Croatian." Jezikoslovlje 20, no. 2 (December 11, 2019): 199–219. http://dx.doi.org/10.29162/jez.2019.7.
Full textAbstract:
Most conceptual metaphors that conceptualize musical pitch rely heavily on human perception, images and experience structured through spatial and orientation image schemas such as the schema of verticality. The paper analyses conceptual metaphors that structure pitch relations in terms of vertical space, thickness and size as they appear in the Croatian musical terminology. The image schemas of verticality and size are analysed within the conceptual metaphors pitch relations are relations in vertical space and pitch relations are relations in size in order to define to what extent their motivation is embodied and universal, and what can be attributed to cross-cultural and cross-linguistic influences present in the creation and understanding of music terminology in Croatia.
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Wong, Anna, and Koji Matsunobu. "DOES MUSICKING IMPROVE WELL-BEING IN LATER LIFE? USING BASIC PSYCHOLOGICAL NEEDS THEORY TO EXPLORE THE QUESTION." Innovation in Aging 3, Supplement_1 (November 2019): S312—S313. http://dx.doi.org/10.1093/geroni/igz038.1144.
Full textAbstract:
Abstract Older adults are vulnerable to developing poor mental health as they experience significant life changes such as retirement, widowhood, living alone, institutionalisation, physical and/or cognitive deterioration in oneself or one’s partner, which are associated with increased depression and loneliness. Understanding the mechanisms and identifying effective measures that strengthen their capacities to cope are therefore very important. Extensive research has suggested that active music-making with others has many psychosocial benefits for older adults. This study explored in detail the musical experiences drawn from different settings of Japanese and Hong Kong music communities. Semi-structured group interviews were conducted for members of music-making groups in Japan and Hong Kong who regularly practised, rehearsed, and performed their instruments together in community settings. A phenomenological approach was used to capture and analyse their lived experiences. A needs satisfaction theoretical framework was adopted to shed light on links between their musical engagement and wellbeing outcomes. Active musical engagement was found to be an important source of support for older musicians’ psychological needs. It was central to their positive identity development and sense of purpose in old age. The presentation will further elaborate on underlying mechanisms that linked social, emotional, and artistic experiences of active musical engagement to wellbeing. This study identified active musical engagement as an effective agent in healthy ageing. Differential manifestations of need-supportive practices in musically and culturally distinct communities in Japan and Hong Kong were also described, giving evidence for the positive value of community music groups for promoting mental health and wellbeing.
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Phan, Chantal. "Structures poético-musicales du chant mélismatique chez Guiraut Riquier et Alphonse le Sage." Tenso 11, no. 2 (1996): 163–78. http://dx.doi.org/10.1353/ten.1986.0003.
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Bolduc, Jonathan. "La musique dans la vie des jeunes enfants : recension, analyse et critique de quelques théories du développement musical." Articles 27, no. 2 (September 13, 2012): 19–35. http://dx.doi.org/10.7202/1013111ar.
Full textAbstract:
Les recherches concernant le développement des capacités musicales chez les jeunes enfants sont en plein essor. Inspirés par différentes théories constructivistes et socioconstructivistes, quelques psychologues de la musique ont, depuis les 30 dernières années, élaboré différents modèles afin d’éclairer les savoirs musicaux présents à la période préscolaire. Cet article recense, analyse et critique cinq des principaux modèles qui ont été développés au cours de ces trois décennies. Il réitère également l’importance qui doit être accordée à l’éducation musicale au cours de la petite enfance, et du rôle positif quelle peut jouer dans le cadre d’un enseignement interdisciplinaire.
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Lefebvre, Marie-Thérèse. "La musique de Wagner au Québec au tournant du XXe siècle." Canadian University Music Review, no. 14 (February 22, 2013): 60–76. http://dx.doi.org/10.7202/1014311ar.
Full textAbstract:
Résumé Cette étude présente une série de faits mettant en évidence la présence de la musique de Wagner au Québec au tournant du siècle grâce aux échanges culturels entre les États-Unis, la France et le Canada et grâce à deux personnalités musicales importantes de cette période : le chef d’orchestre américain Theodore Thomas et le compositeur canadien Guillaume Couture. L’auteure étudie d’abord les premiers contacts entre l’Amérique et la musique de Wagner avant 1883, puis analyse les événements musicaux de la période 1884–1914 et termine par un survol des concerts de l’Orchestre symphonique de Montréal donnés entre 1938 et 1948.
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Robinson, Georgina, and Dennis Nigbur. "Experiences of musical performance anxiety in final-year undergraduate music students: An interpretative phenomenological analysis." Social Psychological Review 20, no. 1 (2018): 18–32. http://dx.doi.org/10.53841/bpsspr.2018.20.1.18.
Full textAbstract:
Musical performance anxiety (MPA) is a common problem for musicians. However, the majority of work in this area is quantitative in nature, meaning that analyses of musicians’ individual experiences are lacking. This study therefore explored the subjective experiences of performance anxiety in undergraduate music students through the use of semi-structured interviews. Interpretative phenomenological analysis (IPA) was used to analyse the experiences of four undergraduate music students, including how MPA feels, how it is dealt with, and what causes it. Three themes emerged from the analysis: the psychological impact of the audience, issues of trust, and the musical identity. These results are compatible with several quantitative studies and contribute an original idiographic perspective on how music students experience and understand MPA. This has implications for both amateur and professional musicians: If the underlying mechanisms are better understood, it may be possible to introduce interventions to help musicians cope with their anxiety.
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St-Laurent, Méi-Ra. "Quand le metal flirte avec ABBA : Analyse des transformations formelles et thématiques de « Summer Night City »." Articles 34, no. 1-2 (May 26, 2015): 135–51. http://dx.doi.org/10.7202/1030873ar.
Full textAbstract:
Une des caractéristiques fondamentales de la musique populaire demeure la réutilisation constante du matériel musical en provenance d’une multitude de styles et de courants (remix, adaptation, échantillonnage, etc.). Cette pratique nommée la transphonographie provient de l’intertextualité, un concept élaboré par le littéraire Gérard Genette et adapté à la musique populaire par le musicologue Serge Lacasse. Dans ce texte, l’auteur emploiera la transphonographie pour relever les différentes transformations musicales et thématiques survenant dans la chanson « Summer Night City » de ABBA, lorsque celle-ci est reprise par le groupe de gothique metal symphonique Therion. En plus des éléments musicaux propres à la musique d’ABBA modifiés pour correspondre à l’esthétique de Therion, ces transformations induisent aussi un changement dans la signification même de la chanson.
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Janata, Petr, and Hellmuth Petsche. "Spectral Analysis of the EEG as a Tool for Evaluating Expectancy Violations of Musical Contexts." Music Perception 10, no. 3 (1993): 281–304. http://dx.doi.org/10.2307/40285571.
Full textAbstract:
The generation and updating of expectancies is a crucial process for our understanding and appreciation of music. We present evidence that the dynamic process of musical expectancy can be studied by using several electroencephalographic (EEG) parameters such as amplitude or coherence in various frequency bands between 1.5 and 31.5 Hz. At specific electrodes (amplitude parameter) or electrode pairs (coherence parameter), values of these parameters depend on how an established musical context is completed, that is, if the expectancy generated by the context is violated, the pattern of the brain's electrical activity differs significantly from when the expectancy is fulfilled. The various parameters are also sensitive to the ease with which subjects classify a musical resolution. In our study, musically trained subjects heard repeated trials consisting of cadence primes in various major keys and inversions. Each cadence resolved either to the tonic, the relative minor, or a chord based on the tonic of the most distantly related major key. The three resolutions represented the "best," an "ambiguous," and "worst" possible fulfillments of the expectancy (resolution to the tonic) generated by the priming cadence. In a "response" condition, subjects expressed a yes/no judgment of how well the resolution matched their expectancy of the best possible resolution; in a "no response" condition, subjects were asked to make the same judgment but no overt response was required. Analyses of variance snowed that reaction times, response accuracies, and some EEG parameters differed between the various resolutions. In addition to confirming that a form of expectancy operates in musical contexts, the results point towards the brain structures responsible for the processing of complex musical stimuli. In particular, EEG parameters changed not only at recording sites located above the auditory cortices, but also at sites above right frontal and parietal regions.
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Brachat, Patrice, Claude Dedeban, Philippe Ratajczak, and Thierry Bousquet. "Analyse de structures tridimensionnelles inhomogenes quelconques." Annales Des Télécommunications 52, no. 9-10 (September 1997): 489–502. http://dx.doi.org/10.1007/bf02998478.
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Goulpeau, Louis. "Analyse archéomagnétique de structures en hypocauste." Revue d'Archéométrie 18, no. 1 (1994): 43–51. http://dx.doi.org/10.3406/arsci.1994.914.
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OKITA, TAISUKE, and KOUICHIRO OKAMURA. "ANALYSE DE LA FLEXIBILITE DES STRUCTURES." Journal of Architecture, Planning and Environmental Engineering (Transactions of AIJ) 348 (1985): 38–45. http://dx.doi.org/10.3130/aijax.348.0_38.
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Hunter, Aaron. "When is the now in the here and there? Trans-diegetic music in Hal Ashby’s Coming Home." Alphaville: Journal of Film and Screen Media, no. 3 (August 8, 2012): 36–48. http://dx.doi.org/10.33178/alpha.3.03.
Full textAbstract:
While it would be a stretch to classify Hal Ashby as a postmodernist filmmaker (with that term’s many attendant ambiguities), his films of the 1970s regularly evince post-Classical stylistic and narrative strategies, including non-linear time structures, inter-textual self-references, open endings, and nuanced subversions of the fourth wall. Ashby’s most consistently playful approach to form comes by way of his integration and development of trans-diegetic musical sequences within his body of work. Music in Ashby films creates a lively sense of unpredictability, and each of his seven films of the 1970s employs this strategy at least once. Moreover, trans-diegetic music in Ashby’s films becomes a device that allows the director to elide moments in time. It functions as an editing tool, creating a bridge between often disparate events. However, it is also a narrative device that both compresses and stretches time, allowing for an on-screen confluence of events that at first appear to take place simultaneously or sequentially, but which actually occur over different moments or lengths of time. Yet while Ashby is not alone as a Hollywood director interested in exploring the formal possibilities that trans-diegesis might bring to his movies, film studies has begun only relatively recently to explore and analyse this technique. After briefly discussing the current critical discussion of trans-diegetic music and explicating patterns of its use in Ashby’s career, this paper explores an extended display of the strategy in the film Coming Home (1978). By interrogating its use as both narrative device and formal convention in this instance, the paper attempts both to understand trans-diegesis as a key component of Ashby’s filmmaking style and also to forge ahead in expanding the discussion of trans-diegesis within film studies.
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Donin, Nicolas. "Pour une « écoute informée » de la musique contemporaine : quelques travaux récents." Circuit 16, no. 3 (January 29, 2010): 51–64. http://dx.doi.org/10.7202/902412ar.
Full textAbstract:
L’une des raisons de l’actuelle difficulté d’accès à la musique contemporaine pour un large public est la quasi inexistence d’outils d’écoute contemporains, permettant une écoute dite « active » et non pas une simple consommation passive. L’auteur fait le bilan de l’un des projets allant dans cette direction, réalisé par l’équipe de recherche « Analyse des pratiques musicales » dont il est responsable à l’Ircam. Une étude approfondie, reliant analyse musicale et anthropologie cognitive, sur l’oeuvre Voi(rex) de Philippe Leroux aboutit à un DVD-Rom interactif comportant des documents hypermédia articulant esquisses, fichiers sonores, entrevues, animations, extraits de partitions, etc., et qui pose de différentes manières la question de la transmissibilité de l’écoute de son oeuvre par le compositeur. Ces « guides d’écoute contemporains », en proposant des resynthèses plus ou moins fines du travail compositionnel, ont pour vocation d’« informer » leurs lecteurs-auditeurs, c’est-à-dire à la fois de leur fournir des informations précises et d’in-former leur écoute.
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Lebray, Sébastien. "Éléments pour une définition (plus) musicale de la French touch." Musurgia Volume XXX, no. 2 (December 1, 2023): 27–54. http://dx.doi.org/10.3917/musur.232.0027.
Full textAbstract:
L’expression « French touch » désigne un courant de musique électronique parisien qui a connu une grande popularité internationale de la fin des années 1990 au début des années 2000, incluant parmi ses artistes les plus représentatifs Daft Punk, Air, Stardust, Cassius, Motorbass, Étienne de Crécy, St Germain et Mr. Oizo. Alors que la French touch est généralement définie prioritairement sur la base de critères géographiques, historiques et sociaux, le présent article se propose de mettre en évidence ses caractéristiques musicales spécifiques à partir d’une analyse musicale comparative. Réalisée sur un corpus principal de huit œuvres représentatives de la French touch et de la deep house, cette analyse permet de confirmer le rôle prépondérant du filtrage de fréquences, ainsi que l’importance des influences disco passant notamment, mais pas seulement, par l’usage de samples. Elle met également en évidence l’hétérogénéité harmonique de la French touch, son goût prononcé pour les instruments analogiques et sa tendance à désincarner les voix par divers traitements électroniques.
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Cervera Salinas, Vicente. "La clave crítica bien temperada: Baquero Goyanes en su partitura." Monteagudo, no. 28 (May 10, 2023): 59–78. http://dx.doi.org/10.6018/monteagudo.550791.
Full textAbstract:
his article traces an itinerary through the critical work of Mariano Baquero Goyanes from his recognized love of the art of music. Since his first investigations in the fifties, as in "Tiempo en tempo en la novela" (1954), the references to musical techniques and forms as well as to the history of music fertilize and illuminate his scientific contribution in an original and pioneering way. to literary criticism. The pages devoted to musical structures in contemporary novels, already in the seventies, reveal his critical maturity and the breadth of the field of vision of the artistic phenomenon. Este artículo traza un itinerario por la obra crítica de Mariano Baquero Goyanes desde su reconocida afición al arte de la música. Desde sus primeras investigaciones en los años cincuenta, como en "Tiempo en tempo en la novela" (1954), las referencias a las técnicas y formas musicales así como a la historia de la música fecundan e iluminan de modo original y precursora su aportación científica a la crítica literaria. Las páginas dedicadas a las estructuras musicales en la novelística contemporánea, ya en los años setenta, revelan su madurez crítica y la amplitud del campo de visión del fenómeno artístico.
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O'Loughlin, Niall. "Interconnecting Musicologies: Decoding Mahler's Sixth Symphony." Musicological Annual 39, no. 1 (December 1, 2003): 31–49. http://dx.doi.org/10.4312/mz.39.1.31-49.
Full textAbstract:
This paper aims to establish a possible model for a multi-dimensional approach to understanding a complex musical work, using a number of interconnecting musicologies. In the 19th century the symphony was often considered an abstract musical creation, but in other cases a programmatic work. The first four symphonies of Gustav Mahler are programmatic in that three set words to music, while extra-musical interpretations can easily be inferred for all four. The next three symphonies can be variously understood as abstract symphonies because they adhere to a pattern of four or five movements of contrasting character without any explicit programme. By using the musicology of traditional formal methods one can analyse and thus understand the workings of themes and motives and of the structures of sonata form, rondo and scherzo, but this seems in the studies of some commentators to have only limited application. All three have features which suggest programmatic elements, even the most 'classical' of the three, the Sixth Symphony. Investigations of the musicology of the musical imagery of this work, e.g. the Fate motive, the hammer blows in the finale, the 'pastoral' episodes, and the use of cowbells, indicate that there are other forces at work in the symphony. To uncover the implications of these we must look in other directions, to other musicologies. The next is biographical and points to some difficulty on the part of the composer to establish the order of the two middle movements, something which has a strong bearing on the overall meaning of the work. While the scherzo preceded the Andante in the score published before the premiere, Mahler reversed the order for all performances that he conducted and for the revised score. This order was reversed again by Erwin Ratz for the collected edition on some very slender evidence and some which is now discredited. Musical arguments have continued but the biographical evidence is so strong that Ratz's views are substantially if not totally undermined. Tonal evidence reinforces this position, making it possible now to understand Mahler's plan in an unambiguous way. At this point we can introduce the musicology of narrative. With the musicologies of traditional analysis, of imagery, of biography, and of tonality revealed, one can now proceed to investigate the progress of the work from beginning to end. In this way all the elements come into proper perspective with an overall plan suggesting a positive interpretation of the first two movements, with an idyllic situation at the end of the slow movement, and a pessimistic outcome of the combination of a sinister scherzo and overwhelming finale. In conclusion it is a mistake to think that each of these musicologies presented here as mutually exclusive and of no significance to another. In order to derive the most from a multi-faceted work such as Mahler's Sixth Symphony, it is essential to take account of all these procedures, not singly but fused together as a co-ordinated unit.
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Fincker, Myriam. "II -Le théâtre : analyse préliminaire des structures." Aquitania : une revue inter-régionale d'archéologie 17, no. 1 (2000): 167–79. http://dx.doi.org/10.3406/aquit.2000.1299.
Full text
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Noirot, F. "Analyse d'inserts pour les structures sandwich composites." Mécanique & Industries 1, no. 3 (May 2000): 241–49. http://dx.doi.org/10.1016/s1296-2139(00)00110-x.
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Bazin, Paul. "Les chroniques musicales de Léo-Pol Morin — vecteur d’influence pour une réception québécoise de la modernité musicale française." Articles 32, no. 1-2 (September 9, 2013): 43–60. http://dx.doi.org/10.7202/1018578ar.
Full textAbstract:
Figure d’importance du milieu musical québécois au début du XXe siècle,Léo-Pol Morin (1892–1941) a largement contribué à l’intégration du répertoire de la modernité surles scènes musicales du Canada français. Sa solide formation musicale, acquise autant au Québecqu’en France, ainsi que sa plume agile, ont fait de Morin un nom incontournable de la vie musicalemontréalaise. Interprète chevronné, ses idées et ses convictions sur la musique de son tempstrouvèrent une tribune de choix pendant plus de vingt ans dans des journaux tels que LaPatrie,La Presse et Le Canada. Cet article propose un survol des premières années de laparticipation de Léo-Pol Morin à la vie des concerts ainsi qu’une analyse de ses nombreux écritsportant sur les compositeurs de l’école moderne française, au coeur de laquelle il place GabrielFauré, Claude Debussy et Maurice Ravel.
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Santerre, Ariane. "L’intertextualité dans Le Verfügbar aux Enfers et d’autres témoignages concentrationnaires." Revue musicale OICRM 3, no. 2 (June 6, 2019): 55–77. http://dx.doi.org/10.7202/1060107ar.
Full textAbstract:
Le Verfügbar aux Enfers ne laisse pas de surprendre, à la fois par son contexte de rédaction que par son contenu. Si les citations musicales sont évidentes dans cette œuvre, la présence d’un intertexte littéraire est également perceptible et mérite d’être approfondie. Or, afin de bien mesurer le caractère particulier du Verfügbar aux Enfers, une analyse comparative s’avère nécessaire. Cet article se propose de se pencher sur l’intertextualité dans les textes concentrationnaires rédigés pendant deux périodes distinctes, l’époque de l’incarcération et celle de l’après-guerre. Cette contribution s’attache d’abord à une différence fondamentale entre ces deux périodes, celle de l’identité du lecteur. Il s’agira ensuite de s’interroger sur la manière dont cette caractéristique influence les procédés intertextuels utilisés dans les textes, opérant ainsi des transformations importantes d’une période de rédaction à l’autre.