Zeitschriftenartikel: „Studd“

1

Montgomery, John Warwick. „C.T. Studd“. Evangelical Quarterly 85, Nr. 2 (30.04.2013): 135–49. http://dx.doi.org/10.1163/27725472-08502004.

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Among the contributors to The Fundamentals there was hardly a more colourful figure than C(harles) T(homas) Studd (1860–1931). One of the greatest cricketers of his day; converted to Christ through the impact of Dwight Moody; a ‘rich young ruler’ who, rather than ‘going away sorrowful’, gave up his vast wealth to serve his Lord; a leading member of the ‘Cambridge Seven’ university graduates who made China their mission field; and the founder of what would become one of the most influential independent missionary organisations in the world – Studd has provided the evangelical world with a worthy counterpart to Roman Catholicism’s Mother Teresa.

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2

Savvas, Mike, und Nick Panay. „Obituary – Professor John Studd“. Post Reproductive Health 27, Nr. 4 (21.11.2021): 235–36. http://dx.doi.org/10.1177/20533691211057179.

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3

Meeta, Meeta, und VishalR Tandon. „John studd—A tribute“. Journal of Mid-life Health 12, Nr. 4 (2021): 251. http://dx.doi.org/10.4103/jmh.jmh_1_22.

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4

Savvas, Mike, und Mark Brincat. „John Studd (4th March 1940–17th August 2021)“. Climacteric 24, Nr. 6 (11.10.2021): 629–30. http://dx.doi.org/10.1080/13697137.2021.1987098.

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5

Singh, Y. „Women's Sexual Health by Gilly Andrews and John Studd.“ Medical Journal Armed Forces India 65, Nr. 1 (Januar 2009): 93. http://dx.doi.org/10.1016/s0377-1237(09)80074-9.

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Bower, Richard. „Marginality and the Third Space of Unadopted Plotlander Roads“. Space and Culture 20, Nr. 4 (09.07.2017): 485–99. http://dx.doi.org/10.1177/1206331217707474.

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This article explores the characteristics and relationships of marginality in informal space and plotlander housing in the context of Homi K. Bhabha’s cultural hybridity and Third Space. To illustrate and examine the processes of marginalization that defined informal space in the United Kingdom, this article will critically analyze the previously undocumented plotlander community at Studd Hill on the North Kent coastline.1 Examining key aspects of this sites social origins and its marginal spatial context reveals the positive implications and challenges of informal space and social hybridization. In this analysis, issues of spatial vulnerability and marginality of plotlander communities are critically reframed as analogous to the sociospatial characteristics and innovative practices highlighted by Bhabha in postcolonial hybrid space. Focusing specifically on the challenges of the unadopted roads at Studd Hill, this article’s comparisons reveal how the anarchistic emergence of plotlander housing in the United Kingdom has produced innovative solutions to their social marginality that reflect the spatial values of postcolonial hybrid spaces.

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Chassay, Jean-François. „Les technologies de la voix : espace culturel et hybridation dans Le mal de Vienne de Rober Racine“. Études 22, Nr. 3 (29.08.2006): 548–56. http://dx.doi.org/10.7202/201325ar.

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Résumé Dans Le mal de Vienne de Rober Racine, Studd, le personnage central, est obsédé par l'écrivain Thomas Bernhard. Mais de manière générale, c'est la culture dans son ensemble qui le hante. À travers les « technologies de la voix » qui reviennent de manière récurrente dans ce roman (du magnétophone au téléphone en passant par la radio), Racine propose une lecture singulière de la culture dans l'univers postindustriel où le relativisme occupe une place centrale.

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Chapman, Roxana. „The menopause. Edited by John W. W. Studd and Malcolm J. Whitehead, published by Blackwells, 1988“. Stress Medicine 5, Nr. 3 (Juli 1989): 203. http://dx.doi.org/10.1002/smi.2460050314.

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RANDOLPHJR, J. „Christian Lauritzen and John Studd, Editors, Current Management of the Menopause, Taylor & Francis, Hilton Park, Abingdon, Oxfordshire, United Kingdom (2005) 1–448. Price $149.95.“ Fertility and Sterility 86, Nr. 4 (Oktober 2006): 1033. http://dx.doi.org/10.1016/j.fertnstert.2006.07.1447.

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Tadrak, Konstancja. „Use of Coolsticks in district general hospital“. Impact Surgery 1, Nr. 2 (12.04.2024): 65. http://dx.doi.org/10.62463/surgery.16.

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Introduction: Ethyl chloride spray is conventionally used for testing cold sensation during spinal or epidural blocks.Coolsticks are reusable, durable, non-toxic stainless steels wants that can be cooled and are a cheaper alternative to ethyl chloride spray. The aim of this studd was to estimate the cost and carbon savings of switching from ethyl chloride spray to Coolstick use. Methods: The use of Coolsticks at a single district general hospital’s (Good Hope Hospital, Sutton Coldfield, UK) main theatres was audited in July 2023. The volume of ethyl chloride use in the obstetric theatre in 2022-23 was calculated based on pharmacy requisition forms. Estimates of CO2 equivalent emissions per stick and per ethyl chloride spray use were based on published data (Green Ward study from Dorset). Cost and CO2 equivalent emissions savings with cold sticks were calculated and extrapolated onto all seven theatres within Good Hope Hospital. Results: Only 25% of anaesthetists used Coolsticks, despite all being aware of their availability. The main reason stated for this was “adherence to usual practice”. In the obstetric theatre in 2022-23, 104 cans of ethyl chloride were used. Switching to Coolstick use would save £2,080 and 1,693kg CO2 equivalent per theatre per year. Extrapolating across the hospital, the potential saving was £14,560 and 11,852 kg CO2 equivalent per year. Conclusion: Use of Coolsticks is cost-saving and carbon-efficient. National associations should consider publishing formal recommendations to support their uptake. Research around clinical efficacy and patient satisfaction would speed uptake into clinical practice.

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Óskarsdóttir, Guðbjörg Ingunn, und Ragna Kemp Haraldsdóttir. „Innleiðing jafnlaunakerfis hjá skipulagsheildum: Stuðningur, hindranir og næstu skref“. Tímarit um viðskipti og efnahagsmál 18, Nr. 1 (25.08.2021): 21–44. http://dx.doi.org/10.24122/tve.a.2021.18.1.2.

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Ísland er fyrsta þjóðin til að lögfesta jafnlaunastaðal en tilgangur hans er að koma á og viðhalda launajafnrétti kynja á vinnustað. Samkvæmt lögunum ber vinnustöðum að fá jafnlaunavottun að undangenginni úttekt. Markmið rannsóknarinnar var að kanna hvernig skipulagsheildir sem hlotið höfðu jafnlaunavottun hefðu staðið að innleiðingu jafnlaunakerfis í samræmi við kröfur jafnlaunastaðalsins. Tilgangurinn var að varpa ljósi á hvaða þættir reyndust styðja við innleiðingarferlið og hverjar væru helstu hindranir. Þá var kannað hvernig skipulagsheildum gekk að mæta auknum kröfum um skjalfestingu gagna samhliða innleiðingu. Rannsóknin byggist á eigindlegri aðferðafræði. Tekin voru tíu hálfstöðluð viðtöl, níu þeirra við sérfræðinga innan sex skipulagsheilda og eitt við úttektaraðila. Þá var höfð til samanburðar textagreining á kröfum ÍST 85:2012 til skjalfestingar og erindum í 437. þingmáli um lögfestingu jafnlaunakerfis frá 146. löggjafarþingi 2017-2018. Niðurstöður benda til þess að innleiðing jafnlaunastaðals hafi styrkt annað gæðastarf og öfugt. Þannig virtust skipulagheildir sem þegar höfðu innleitt gæðastaðla og/eða unnu skilvirkt að skjalastjórn hafa forskot á aðrar. Styrkur þeirra fólst í sérþekkingu starfsfólks á sviði mannauðsmála, gæðamála og skjalamála sem og formföstu umhverfi sem var vel undirbúið fyrir innleiðingu gæðastaðals. Með innleiðingu jafnlaunakerfis komust á agaðri vinnubrögð og aukið gagnsæi í launasetningu. Skjalfesting ýmissa mannauðsgagna jókst í samræmi við kröfur jafnlaunastaðals. Niðurstöður leiddu einnig í ljós að helstu hindranir við innleiðingu voru tímaskortur og aukið vinnuálag. Starfaflokkun reyndist að auki tímafrek og var ekki studd af íslenskri starfaflokkun ÍSTARF95. Þá komu fram gagnrýnisraddir sem beindust að lögleiðingu jafnlaunastaðals almennt sem og að eftirlitsaðilum sem skorti fjármagn og mannafla til að sinna lögbundnu hlutverki sínu. Það er áhyggjuefni því að fjölmargir vinnustaðir eiga eftir að innleiða staðalinn fyrir lok árs 2022.

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Lowe, Nicola M., William D. Fraser und Malcolm J. Jackson. „Is there a potential therapeutic value of copper and zinc for osteoporosis?“ Proceedings of the Nutrition Society 61, Nr. 2 (Mai 2002): 181–85. http://dx.doi.org/10.1079/pns2002154.

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Osteoporosis is almost universal in very old age, and is a major cause of morbidity and mortality in the elderly of both sexes. Bone is lost at a rate of 0·2–0·5 %/year in both men and women after the age of 40–45 years. The causes of age-related changes in bone mass are multifactorial and include genetic predisposition, nutritional factors, endocrine changes, habitual exercise levels and body weight. Bone loss is accelerated to 2–5 % year immediately before and for up to 10 years post-menopause (Heaney, 1986). In women hormone-replacement therapy is effective in reducing the rate of bone loss caused by this peri-menopausal decrease in hormone levels (Smith & Studd, 1993); however, in men and older women (>10 years post-menopause) nutrition plays a key role in the rate of bone loss. One factor contributing to bone loss in the elderly may be a subclinical Zn and/or Cu deficiency, due to a reduced dietary intake of micronutrients and reduced absorption (Thomson & Keelan, 1986). Zn and Cu are essential cofactors for enzymes involved in the synthesis of various bone matrix constituents. Paradoxically, Ca supplementation may accentuate the problem of reduced Zn and Cu levels by impairing the absorption of simultaneously-ingested Zn and the retention of Cu (Snedeker et al. 1982; Grekas et al. 1988). The present paper will review the current literature on the potential benefits of Cu and Zn supplementation in reducing bone loss, and present new information on the effect of Ca supplementation on Zn and Cu status in post-menopausal women with osteoporosis.

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Hochmann, Michel. „"El retratto del quondam Zuan Polo che sona de lauto". Les portraits de bouffons et la naissance de la peinture comique en Italie du nord au XVIe siècle“. Studiolo 7, Nr. 1 (2009): 41–54. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2009.1230.

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<i>"El retratto del quondam Zuan Polo che sona de lauto". I ritratti dei buffoni e la nascita della pitturacomica nell'Italia del nord nel XVI secolo.</i> Ci si è spesso interrogati sui rapporti tra l'apparizione dei primi dipinti comici, all'inizio del XVI secolo, e le esperienze teatrali di quel periodo. Uno studio sistematico degli inventari veneziani permette di fornire nuove informazioni sull'argomento. Vi si trovano infatti, ben presto, molti quadri comici che mostrano come Giorgione e i suoi successori abbiano, con ogni probabilità, giocato un ruolo nella creazione di questo nuovo genere. La menzione, in particolare, di un ritratto di Zuan Polo Liompardi, imo dei protagonisti principali della scena veneziana nei primi decenni del XVI secolo, mostra che tali quadri talvolta si ispirarono, effettivamente, al teatro dell'epoca. Il ritratto scomparso permette così di ricostruire l'inizio dell'incontro tra quella che sarebbe stata la commedia dell'arte ed i pittori.

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De Stefani, Alessandro. „Modigliani alla Cité Falguière: la prima fase della scultura nel suo contesto immediato“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 242–67. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.1006.

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Modigliani at the Cité Falguière : the First Phase of his Sculpture in its Immediate Context Modigliani embarked on sculpture in an unusual environment – the studios at 14, Cité Falguière in Paris – whose actual physical and social aspects are examined here. The story of Modigliani''s various places of residence has been neglected to date, and yet useful information concerning the chronology of his sculpture can be gleaned from the places where the artist lived and the testimonies of his neighbours. The still controversial dating of some works, including the stone caryatid at the MoMa in New York, can thus be firmly established. This article also shows, through drawings, how his transition to sculpture developed ; it traces the guiding principles of his graphic production in 1910 – a year that seems to have disappeared from critical studies – and it is on these that the identification of Modigliani's first sculpture is based.

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Costamagna, Philippe. „De l'idéal de beauté aux problèmes d'attribution. Vingt ans de recherche sur le portrait florentin au XVIe siècle“. Studiolo 1, Nr. 1 (2002): 193–220. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2002.1099.

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From the ideal of beauty to issues of attribution. Twenty years of research on 16th century Florentine portraiture. Considered too familiar in its overall evolution or not eminent enough in relation to Quattrocento portraiture, 16th century Florentine portraiture has become a topic of research only since the 1980s, thanks to important exhibitions on art in Tuscany during the Medici rule and to studies on Medicean portraiture. The latter's magnitude, along with ancient sources, bear witness to the genre's success amongst painters. However, the recent and abundant bibliography reveals the difficulty of establishing a corpus of works by an artist for this genre and of identifying their models. It also highlights new fields of research, such as the importance of the concept of beauty, the constitution of a model of Florentine portraiture, or the practice of portraiture within the Academy.

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Rinuy, Paul-Louis. „L'art et l'église en France au XXe siècle, de Maurice Denis à Jan Dibbets“. Studiolo 2, Nr. 1 (2003): 277–92. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2003.1124.

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Paul-Louis Rinuy, Kunst und Kirche im Frankreich des 20. Jahrhunderts, von Maurice Denis bis Jan Dibbets ; Dieser Aufsatz stellt systematised Grundlegendes der Bibliographie vor, die sich seit vier Jahrzehnten mit den Beziehungen beschaftigt, die zwischen der Kirche und der künstlerischen Bildung im Frankreich des 20. Jahrhunderts bestanden. Nach einer Analyse der Besonderheit dieses Studiengebietes, präsentiert der Autor eine diachronische Untersuchung der verschiedenen Phasen vor, die die religiöse Kunst während des Jahrhunderts durchlief. Dabei hebt er besonders die Emeuerung der modemen Sakralkunst der 50er Jahre imd die Rückkehr von Vitalität in den 80er und 90er Jahren hervor. Von einem historiographischen Blickwinkel aus gesehen, bilden sich zwei Hauptphasen heraus : Bis zu den 90er Jahren sind die Studien rar und punktuell, ab 1990 vervielfachen sich die Wiederentdeckungen und die Analyse-Methoden werden vielfältiger. Der Artikel endet mit den aktuellen Perspektiven der Forschung, ihren Verbindungen mit anderen Dis-ziplinen und ihrem Platz innerhalb einer emeuerten Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts, die sich zur Zeit herausbildet.

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Fabbri, Francesca. „Marmi e statue fra le regioni francesi e la Liguria in epoca barocca : le ragioni di un commercio, i risultati di un interscambio“. Studiolo 6, Nr. 1 (2008): 65–87. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2008.1212.

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Marbres et statues dans les régions françaises et la Ligurie à l'époque baroque : les motifs d'un négoce, les résultats d’un échange. Le commerce et l'exportation de marbre blanc et coloré, symbole de luxe et d'éternité, a été l'un des ressorts du réseau étroit de relations artistiques, culturelles et économiques que la France et l'Italie ont tissé durant les XVIIe et XVIIIe siècles. Cet article vise à présenter, d'une part, le commerce du marbre, notamment le marbre blanc de Carrare et le marbre rouge de Narbonne. Gérées par les sociétés lombardo-ligures par l'intermédiaire du port de Gênes, ces transactions s'effectuaient du Sud de la France vers l'Italie et des côtes méditerranéennes vers la cour parisienne. D'autre part, il s'agit d'analyser les moyens et les buts des commandes de sculptures génoises baroques par d'éminents prélats, des ordres religieux et de riches marchands et de leur intégration dans différentes régions françaises, particulièrement dans la région provençale.

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Monte, Maria-Gabriella de, und Alessandra Gariazzo. „Nuova luce sulla statua colossale della Dea Roma a Villa Medici“. Studiolo 10, Nr. 1 (2013): 290–98. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2013.915.

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Hérubel, Florence. „Les centres universitaires d'histoire de l'art en Italie“. Studiolo 2, Nr. 1 (2003): 293–314. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2003.1126.

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Whitfield, Clovis. „Domenichino and the ‘Carracci’ Landscape“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 214–41. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.1005.

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Domenichino e la pittura di paesaggio in “stile Carracci” Questo articolo si propone di esaminare il dipinto Il riposo durante la fuga in Egitto conservato alla galleria Doria Pamphilj di Roma. Dopo la mostra L’ideale classico del Seicento e la pittura di paesaggio del 1962, a Bologna, il dipinto è stato considerato elemento centrale di una visione che vedeva in Annibale Carracci l’iniziatore della pittura di paesaggio, pratica che conobbe tanta fortuna, a Roma come ovunque in Europa. L’esiguo numero di paesaggi dipinti da Carracci risalgono tuttavia agli anni in cui il pittore viveva a Bologna e, considerate le cattive condizioni di salute e la scarsa attività di quel periodo, una sua partecipazione a uno schema decorativo – e specialmente nel palazzo di una famiglia con la quale il suo datore di lavoro, Odoardo Farnese, era da lungo tempo in disputa – è da considerarsi altamente improbabile. Sarebbe dunque più sensato far risalire le origini di questa particolare pratica al Domenichino.

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Hofman, Jean-Marc. „Une collection de plâtres méconnue. Les moulages de sculpture du Moyen Âge français de la Villa Médicis“. Studiolo 13, Nr. 1 (2016): 184–96. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2016.1037.

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Eine Sammlung von missverstandenen Gipsabgüssen. Die Abgüsse von Skulpturen des französischen Mittelalters der Villa Im Jahr 1918 bietet Albert Besnard der Villa Medici eine patriotische Propaganda und künstlerische Ausstellung von Gipsabgüssen von mittelalterlichen französischen Skulpturen. Mit dieser Veranstaltung wollte man den Italienern den Kapitalverlust auf französischem Boden beweisen. Dies wurde mit zwei Veranstaltungen, wo der künstlerische und architektonische Reichtum hervorgehoben wurde, unterstrichen. Die Abgüsse mittelalterlichen Skulpturen, benannt “ Musée de Sculpture“ und heute in Villa Medici ausgestellt, sind die letzten Zeugen dieser Veranstaltung und die, im Juni 1919, die französische Kunst in Italien förderte.

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Longo, Sara. „L’Annonciation en Toscane, enjeux méthodologiques et historiographiques. Autour du colloque florentin de 1986“. Studiolo 10, Nr. 1 (2013): 24–32. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2013.890.

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Die Verkündigung in der Toskana, methodologische und historiographische Implikationen. Anmerkungen zum florentinischen Symposium von 1986 Im Herbst 1986, zu einem Zeitpunkt, als Daniel Arasse seit fast vier Jahren das französische Institut von Florenz leitete, organisierte er in Zusammenarbeit mit The Harvard University Center for Italian Renaissance Studies in Villa I Tatti ein dreitägiges Symposium unter dem Titel L'Annunciazione in Toscana nel Rinascimento. Dieses Symposium wurde ein Erfolg für die Forschung und den fächerübergreifenden Austausch, ein Misserfolg aber, was das Verlegerische betrifft. Zu seinem gröten Bedauern gab Daniel Arasse nämlich sein florentinisches Amt auf, ohne die Veröffentlichung der Beiträge dieser Studientage zu Ende geführt haben zu können. Dieser Artikel, der als Vorwort zur Publizierung des unveröffentlicht gebliebenen Beitrags von Daniel Arasse gedacht ist, soll die Erinnerung an dieses Symposium festhalten, dessen schriftliche Spuren aus den Archiven des französischen Instituts von Florenz zutage gefördert worden sind. Durch eine kritische und thematische Zusammenfassung der wiedergefundenen Texte schlägt die Autorin einen rückwirkenden Blick auf die italienischen Verkündigungen vor sowie auf ihre völlig spezifische Entwicklung im Quattrocento.

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Surlapierre, Nicolas. „La fabrique de l'Atelier : les trajets italiens de Ferdinand Springer (1926-1939)“. Studiolo 1, Nr. 1 (2002): 177–92. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2002.1097.

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The fabric of the Atelier : the Italian journeys of Ferdinand Springer (1926-1939). The influence of Italy in Ferdinand Springer's work allows not only to assess the ascendancy of contemporary Italian painting but also to broach the issue of surrealism and metaphysical painting. In addition to the «Old Masters», Ferdinand Springer's two main references are Carlo Carrà and Giorgio Morandi. Morandi's «anti-rhetoric of the everyday» contrasts with Carlo Carrà's metaphysical painting which multiplies the references to a reflection on art and the wider dialogue between modernity and memory. Ferdinand Springer's production clearly enjoys the merger of these two characteristics ; he persistently bestows the «anti-rhetoric of the everyday» with features of metaphysical painting having found, in Italy, the «unrealising» origin of the «disquieting strangeness». His painting is thus marked by syncretism, halfway between the familiar and the bizarre, always abetting the emergence of unclear identities.

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Guidi, Barbara. „Boldini, Whistler e Montesquiou. Due celebri ritratti alla luce di alcune lettere inedite“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 213–27. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1300.

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Il presente contributo indaga per la prima volta il rapporto intercorso tra Boldini e due dei suoi più celebri modelli, Robert de Montesquiou e James Whistler, durante gli anni Novanta dell' Ottocento, momento chiave per la consacrazione del pittore italiano quale ritrattista dell'elite cosmopolita della fin de siècle. Attraverso il vaglio di alcune lettere inedite e fonti a stampa dell'epoca si delinea un sotteso legame sia tra i personaggi che tra i due ritratti eseguiti dal ferrarese nel 1897 e l'effigie di Montesquiou che Whistler aveva realizzato qualche anno prima. Nella prospettiva di un complesso rapporto di stima e rivalità tra i due pittori, emerge con forza il profilo di un Boldini lucidamente impegnato nella risoluta ricerca della propria affermazione raggiunta attraverso la strategica scelta di raffigurare personaggi chiave della scena artistica, culturale e sociale del proprio tempo.

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Vale, Teresa Leonor. „Uno scultore portoghese a Roma: José de Almeida (1708-1770) e l’Accademia di Portogallo nella prima metà del Settecento“. Studiolo 13, Nr. 1 (2016): 58–67. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2016.1026.

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A Portuguese sculptor in Rome : José de Almeida (1708-1770) and the Academy of Portugal in the first half of 18th century José de Almeida (1708-1770) trained as a sculptor in the Academy of Portugal based in Rome where he was appreciated for his talent when he won the second prize of the first class of sculpture in the ’ Concorso Clementino’, an academic competition, in 1725. That same year, Pietro Bracci and Filippo della Valle won first prize ex aequo. Almeida did not experience his dépaysement in Rome, as one might think, but in his own country. After returning to Portugal in 1728, Almeida was neither appreciated by John V (1689-1750) and the court nor commissioned to work, which was actually something supposed to happen, considering its Roman formation and its artistic merit. Maybe Almeida was not roman enough for a king who was fascinated by Roman art and culture, but it was definitely too much for normal Portuguese clients of the period.

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Beuzelin, Cécile. „Le Double portrait de Jacopo Pontormo : vers une histoire du double portrait d'amitié à la Renaissance“. Studiolo 7, Nr. 1 (2009): 79–99. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2009.1233.

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Jacopo Pontormos Doppelporträt : ein Beitrag zur Geschichte des Doppelporträts von Freunden in der Renaissance. Ausgehend von der Bildanalyse des von Jacopo Pontormo um 1523-1524 gemalten Doppelporträts sowie von der neueren Lektüre der antiken Abhandlungen über die Freundschaft, setzt sich dieser Artikel zum Ziel, die Geschichte des Doppelporträts von Freunden nachzuzeichnen und eine Differenzierung innerhalb der Doppelporträts der Renaissance vorzunehmen. In der Nikomachischen Ethik und der Großen Ethik nimmt Aristoteles eine Hierarchisierung gefühlsmäßiger Bindungen vor, indem er die wahre Freundschaft von Freundschaften, die auf ungleicher Basis beruhen, und von der Liebe unterscheidet. Dem Philosophen zufolge ist der ?wahre Freund ? ein anderes Ich. In der Renaissance wird diese Hierarchisierung weitgehend von Leon Battista Alberti übernommen, insbesondere in seinem De familia. Hierbei ist bemerkenswert, dass Pontormo in dem Doppelporträt eine Passage aus Ciceros De amicitia darstellt, einem damals sehr beliebten Buch, das von Aristoteles' Überlegungen zu diesem Thema abgeleitet ist. So stellt Pontormo sehr wahrscheinlich die von Aristoteles, Cicero und Alberti beschriebene "wahre Freundschaft" dar, indem er die Komposition nach dem Begriff des Doppelgängers und der Austauschbarkeit zwischen den zwei Protagonisten anordnet. Zudem scheint wie bei anderen seltenen Doppelportrts, etwa von Raffael und Metsys, das Doppelportrat ein Freundschaftspfand zwischen drei oder vier Freunden (den Auftraggebern, dem Empfänger und dem Maler) zu werden, das den Betrachter als gleich-wertige Person miteinbezieht. Pontormos Bild liefert somit einen Hinweis zum Verständnis der Freundschaftsbeziehungen und ihrer Darstellung in der Renaissance.

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Verhagen, Erik. „Rendre l’inexplicable accessible. Les Annonciations d’après Titien de Gerhard Richter“. Studiolo 10, Nr. 1 (2013): 166–75. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2013.899.

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Das Unerklärliche zugänglich machen. <i>Die Verkündigungen nach Tizian von Gerhard Richter</i>. Gerhard Richter hat 1973 eine Serie von Gemalden nach einer Verkünsdigung von Tizian geschaffen. Dieser aus einer „figürlichen“ Neuinterpretation und vier mehr oder weniger „abstrakten“ Variationen bestehende Zyklus brächte nach Richters Aussagen ein Scheitern zum Ausdruck und zwar das Scheitern einer „Abmalung“, die jedoch das Entstehen verschiedener „Vermalungen“ provoziert habe. Das Verfahren, das diese letzteren charakterisiert, besteht darin, ein gegenständliches Bild zu malen in der Absicht, seine Eigenschaften in dem Ma e umzuändern, dass es sich in ein fast „abstraktes“ Werk verwandelt. Wozu uns die Verkündigungen nach Tizian des deutschen Künstlers auffordern ist demnach das Sich hineinversetzen in eine Art von Malerei, welche unter dem Zeichen der Unsicherheit, des Unvollendeten und der Verwandlung steht. Diese Gegebenheiten sind mit dem malerischen Vorgehen Richters aufs engste verknüpft, aber auch der „verkörperten Malerei“ des Meisters der Renaissance eigen.

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Mouquin, Sophie. „Entre curiosité et science : lithothèques et marmothèques au XVIIIe siècle“. Studiolo 9, Nr. 1 (2012): 74–98. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2012.859.

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Sophie Mouquin. Tra curiosità e scienza : litoteche e marmoteche nel XVIII secolo ; Fin dall’antichità il marmo affascina gli appassionati, che ne apprezzano venature e colori. Con la diffusione dei cabinet di storia naturale questa passione divenne più scientifica, stimolando la formazione di vere e proprie collezioni di esemplari, in marmoteche o litoteche. Presentate sia su tavolini – in cui gli Italiani si erano specializzati –, sia in cofanetti o in mobili (armadi, bas d’armoire, espositori di minerali) che avevano il vantaggio di permetterne la manipolazione, o ancora nella forma, più rara, di volumi, tali raccolte non sono sopravvissute, e per la Francia non erano, fino ad oggi, mai state studiate. Nonostante le lacune nella documentazione, una ricerca condotta sugli archivi e sui cataloghi di vendita dei grandi collezionisti francesi di storia naturale del Settecento permette di rendere note alcune raccolte sinora trascurate.

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Stahl, Angela. „Carpeaux e la Palombella, arte e amore“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 326–30. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1320.

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Rubin, Patricia Lee. „The Cinderella Syndrome : Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Rome and Paris 2008“. Studiolo 7, Nr. 1 (2009): 235–44. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2009.1243.

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De Bellis, Maria Teresa. „Le legs d'Alvar González-Palacios à la Bibliothèque de l'Académie de France à Rome“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 282–83. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1313.

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Hurley, Cécilia, und François Mairesse. „In the Shadow of the Tribuna“. Studiolo 9, Nr. 1 (2012): 128–40. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2012.861.

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Im Schatten der Tribuna ; Dieser Artikel untersucht, wie die Tribuna der Uffizien in Florenz als Vorbild für Museumsgalerien gedient hat, wobei nicht nur ihre Architektur, sondern auch ihre Funktion nachgeahmt werden sollten. Im späten 16. Jahrhundert befanden sich in der Tribuna die wertvollsten Gegenstände der Sammlungen der Medici, welche zuvor im studiolo von Francesco I. im Palazzo Vecchio aufbewahrt worden waren. Im Laufe des 17. Jahrhunderts wurde dieser Raum zum Ausstellungsraum für die aus den Sammlungen stammenden Meisterwerke der Malerei und Bildhauerei. Demzufolge wurde er ein wichtiges Musterbeispiel für die Hängung von Meisterwerken in Museen, welche von 1850 an entwickelt wurde.

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Le Brenne, Cécile. „Un portrait d’Ingres par Henry Lehmann, dernier hommage de l’élève au maître“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 300–309. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.1011.

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Mandarano, Nicolette. „Ricerche italiane sull'arte francese e sulle relazioni artistiche fra Francia e Italia“. Studiolo 4, Nr. 1 (2006): 307–12. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2006.1176.

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Jarjat, Philippe. „Photographier les fresques de Raphaël au Vatican en 1869 : histoire des images d'Adolphe Braun“. Studiolo 3, Nr. 1 (2005): 219–46. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2005.1145.

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Fotografare gli affreschi di Raffaello al Vaticano nel 1869 : Storie e usanze nelle immagini di Adolphe Braun. Le immagini di Adolphe Braun (1817-1877) riunite in un album destinato a Pio IX (1846-1878) e conservato a Roma nell'Accademia di San Luca, riproducono gli affreschi di Raffaello e dei suoi allievi nelle logge e nelle stanze del palazzo apostolico. Il presente articolo intende portare alcune precisazioni su una campagna fotografica di vaste proporzioni realizzata nei musei e nelle gallerie pontificie nell' anno 1869. Nate come concorrenti delle incisioni per la documentazione dei dipinti, queste immagini estremamente precise si rivelano ben presto adatte anche ad altre applicazioni, poiché capaci di rispondere a nuove necessità, in particolare nel campo della conservazione e del restauro delle opere d'arte.

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Chiodi, Stefano. „Spazi contemporanei“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 271–75. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1306.

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Coletta, Elisa. „La descrizione della pittura: Louis Marin e Nicolas Poussin a confronto“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 270–95. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.1008.

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La description de la peinture : Louis Marin et Nicolas Poussin en regard. Cet article s’interroge sur la réflexion de Louis Marin sur la question de la description à travers l’analyse des essais qu’il a consacrés à certaines oeuvres de Nicolas Poussin, entre les années 1960-1980. Cette analyse des essais restitue le dialogue que l’historien a instauré avec l’artiste ; les différences qui séparent les textes définissent les étapes du parcours théorique effectué par Marin dans l’espace de vingt ans. Du Paysage avec un homme tué par un serpent, à Pyrame et Thisbé, jusqu’au diptyque du Temps calme et de l’Orage, Louis Marin définit le déplacement d’une description, que l’on entend comme une lexicalisation immédiate et nécessaire, à une définition de celle-ci comme un passage destiné au dépassement des marges des oeuvres, comme l’espace existant entre le spectateur et la surface (?) de l’oeuvre. On donne ici les éléments d’une recherche qui, depuis les années 1960, arrive jusqu’aux années 1980, partant des Études Sémiologiques jusqu’à l’Opacité de la peinture.

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Chevillot, Catherine. „Peut-on parler d'une sculpture d'histoire ? Essai comparatif sur les monuments aux grands hommes en France et en Italie au XIXe siècle“. Studiolo 5, Nr. 1 (2007): 63–76. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2007.1189.

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Is there such a thing as a history sculpture ? A comparative essay on the monuments to great men in 19th century France and Italy. Numerous studies have shown the extent to which sculpture, to an even greater degree than painting, was linked to ideologies and therefore to the interpretation of history. To question the validity of the term "history sculpture" can seem incongruous. Yet, public commemorative monuments rarely veer out of the field of portraiture. The present essay seeks to study the motives and consequences of such visual and iconographical choices by focusing on two countries, Italy and France. Both experienced, after 1870, a significant increase in public commemorations, most notably paying tribute to recent events. This paper will more particularly examine the reluctance of representing recent events, the relationship between sculptors, patrons and municipal officials, and the fraught coexistence between effigy and simulacrum in the field of realism.

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Lemainque, Ingrid. „Les tableaux italiens du Settecento dans les ventes parisiennes au XVIIe siècle“. Studiolo 2, Nr. 1 (2003): 138–66. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2003.1118.

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Ingrid Lemainque, Italian paintings of the Settecento in 18th-century Parisian sales ; In 19th-century France, contemporary Italian painting seems to have been little valued, if one believes the artistic literature of the time. A statistical analysis based on the thorough survey of Parisian sales catalogues between 1730 and 1799 enables one to distinguish a different truth, the presence of a particular taste for Settecento Italian paintings and reveals the importance of landscape and the Venetian school in these sales, to the detriment of more conventional schools and artists.

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Nexon, Yannick. „Topographie d'une collection d'art au XVIIe siècle : l'hôtel Séguier“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 75–87. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1291.

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Topographie einer Kunstsammlung des 17. Jahrhunderts : das Hotel Séguier. Das Beispiel des vor allem durch zwei sehr ausführliche Nachlaßinventare bekannten Hotels Séguier hebt die Bedeutung einer Sammlung von Kunstgegenständen hervor, die von den Eigentümern aus Prestigegründen, verbunden mit dem Kanzleramt, zusammengestellt wurde, aber auch von der Neugier von Kunstliebhabern ausgehend für Gegenstände aus Porzellan, Email und Kristall. Gemälde, Wandteppiche, Porzellan, Raritätenkabinett schmücken den öffentlichen Teil des Hotels, der den Verwaltungs- und Empfangsbedürfnissen gerecht werden sollte, dies in einem Prunk, den die sehr hohen Einkünfte Séguiers ermöglicht haben. In den letzten Jahren wurde dieser öffentliche Teil in spezifische Kabinette unterteilt für Gemälde, Kristall, Emailarbeiten und Porzellan, die den innovativsten Aspekt dieser Sammlung darstellen. Wahrend fast fünfzig Jahren, zwischen 1633 und 1683, dem Todesjahr von Frau Séguier, hat sich die Art verändert, in der die Sammlungsgegenstände ausgestellt wurden, je nachdem, welchem Publikum sie gezeigt wurden, der Familie, der Dienerschaft, den vertrauten Mitarbeitern oder prominenten Besuchern. Aus einer Sammlung, die anfangs diejenige einer dem Amtsadel ange-hörigen Familie war, wird allmählich eine Reihe von Kunstkabinetten.

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Terzaghi, Maria Cristina. „Caravaggio, 2010“. Studiolo 8, Nr. 1 (2010): 245–55. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2010.1303.

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Barbieri, Costanza. „Venezia a Roma: “la maniera disforme” di Sebastiano nella Loggia della Galatea“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 184–213. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.1004.

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Venise à Rome : «la manière difforme» de Sebastiano dans la Loggia Galatea. Le style des fresques de Sebastiano del Piombo dans la Loggia Galatea à la Farnesina a été étiqueté par Giorgio Vasari comme «difforme» par rapport aux artistes actifs à Rome au même moment et dans la même Loggia, c'est-à-dire Peruzzi et Raphaël. Outre certaines innovations iconographiques, l’analyse de ces fresques inclut également une discussion critique de cette «diversité» en partant des prémisses vénitiennes et au travers d’exemples illustres de la décoration sur la façade des palais de la Serenissima, du Fondaco dei Tedeschi de Giorgione, jusqu’au Palais Talenti d’Anna de Giovanni Antonio Pordenone, tous deux perdus aujourd’hui, mais très admirés pour les couleurs vives et le pathos de l’expression. Les mêmes qualités qui furent célébrées par Sebastiano da Blosio Palladio dans les petit poème Suburbanum Augustini Chisii déjà en 1512.

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Rubin, Patricia Lee. „"Contemplating fragments of ancient marbles" : sitters and statues in sixteenth-century portraiture“. Studiolo 4, Nr. 1 (2006): 17–38. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2006.1160.

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"Betrachtung zu Fragmenten von antiken Marmorarbeiten" ; Bildthema und Statuen in der Porträtkunst des 16. Jahrhunderts. Die Betrachtung der Fragmente antiker Werke, und auf welche Weise sie in Porträts der Renaissance erscheinen, läßt einige Besonderheiten der Kultur der Renaissance erkennen. Obwohl die Porträts, in denen zerbrochene Statuen dargestellt sind, keine eigene Porträt-Kategorie der Renaissance darstellen, handelt es sich aber doch um ein verbreitetes Phänomen. Die Fragmente antiker Werke, die neben Personen der modemen Zeit präsentiert werden, stellen historische Zeugnisse der Wiederentdeckung der antiken Skulptur dar. Über ihre Rolle als Attribute hinausgehend, sind sie auch als eine Form der Stellungnahme zu deuten, die die Maler bezüglich der Debatte um den Wert der verschiedenen Kunstgattungen äußern. Die Autorin bemüht sich, aufzuzeigen, daß, auf einer anderen Ebene, der fragmentierte Status der Statuen jeglichen Versuch einer einfachen Bild-Interpretation verhindert. Mittels einer Analyse von zwei berühmten Werken, in denen die Porträtierten neben antiken Skulpturen dargestellt sind - das Porträt des Andrea Odoni von Lorenzo Lotto und jenes des Jacopo Strada von Tizian, konzentriert sich dieser Aufsatz auf die Beziehung Bildthema/Statuen und auf das, was sie über die Bedeutungssysteme und den Status der Kunst in der Renaissance aussagt.

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Jolivet, Anna. „L’artiste comme figure romantique. Un exemple de processus de mythification de l’école vénitienne en France au XIXe siècle“. Studiolo 12, Nr. 1 (2015): 24–37. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2015.994.

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Der Künstler als romantische Figur. Ein Beispiel zur Mystifizierung der Venezianischen Schule im Frankreich des 19. Jahrhunderts Im 19. Jahrhundert in Frankreich werden die venezianische und die romantische Malerei als zwei unterschiedliche Gegenformen zur klassizistischen Tradition betrachtet. Die kunsthistorischen Schriften schildern dabei häufig die venezianische Malerei als Inspirationsquelle für die romantische. Aber dieses Verhältnis in der ästhetischen Ordnung erweitert sich ebenso auf eine moralische Abstufung, in der Venezianer wie Giorgione oder Tintoretto auch als romantische Figuren betrachtet werden. Diese Auffassung gehört einem wissenschaftlichen Verständnis der Kunstgeschichte an, welches die Ursachen der Kunst in der Psychologie des Künstlers sucht. Gleichermaßen passt es aber auch in eine typisch romantische Sichtweise, bei der vielmehr die Attitüde des Künstlers als sein Werk das ausmacht, weshalb er als Romantiker definiert wird.

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Couëtoux, Sophie. „Les charmes de la chair peinte : Florence, XVIIe siècle“. Studiolo 5, Nr. 1 (2007): 173–92. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2007.1195.

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Il fascino della came dipinta : Firenze, XVII secolo. L'articolo analizza l'estetica dell'incarnato nella pittura fiorentina del Seicento. Tale approccio porta a riconsiderare il significato del termine morbidezza, attinente alla letteratura d'arte, divenuto cliché nell'ambito di questa pittura. Due gruppi di pittori si distinguono per i loro specifici effetti carnali : Francesco Furini (1603-1646) e i suoi seguaci, fine alla fine del secolo, da una parte ; Cesare Dandini (1596-1657) e Carlo Dolci (1616-1686), dall'altra. Alcune superbo della carne rappresentata, che sembrano emanare la dolcezza e la naturalezza di un neo riprodotto nella sua tinta e consistenza originale, si distinguono da altre epidermidi, così omogenee da sembrare superfici epurate da ogni increspatura. In questa doppia proposta risiede l'interesse manifestato per l'arte del Correggio e dei Veneziani, come per l'arte della Maniera.

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Delaplanche, Jérôme. „Célébrer 350 ans d’existence et de création“. Studiolo 14, Nr. 1 (2017): 222–43. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2017.1346.

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Lassus Saint-Geniès, Gabrielle de. „La «religion de la beauté». Regards sur l’Annonciation en Angleterre au siècle de Victoria“. Studiolo 10, Nr. 1 (2013): 150–60. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2013.897.

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La "religione della bellezza". Sguardi sull'Annunciazione in Inghilterra nel secolo di Vittoria. L'arte inglese dell'Ottocento è caratterizzata da una riforma iconografica sinora sottovalutata, volta al ritorno dell'immagine mariana. Il mistero dell'Annunciazione, esaminato da John Henry Newman, ammirato da John Ruskin, reinterpretato dal movimento neogotico, viene rappresentato anche dai Preraffaelliti. Portatore dei valori di purezza, bellezza e santità evidenti nell'arte del Quattrocento, il tema della Salutazione angelica consente all'epoca vittoriana di mantenere il senso del sacro in un'epoca sempre più razionalista. Apparentemente, l'Inghilterra non aveva mai associato in modo così originale meditazione teologica e meditazione estetica.

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Migdal, Anna. „Imago Beatae Mariae. Sur l’origine toscane des images d’affection religieuse en Petite-Pologne au crépuscule du Moyen Âge“. Studiolo 9, Nr. 1 (2012): 188–207. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2012.865.

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Imago Beatae Mariae. Zum toskanischen Ursprung der Andachtsbilder in Kleinpolen im ausgehenden Mittelalter ; Die Studien zur mittelalterlichen Malerei haben, was den europäischen Kontext angeht, die Frage der als Reliquienträger dienenden Marienbilder noch nie näher untersucht. Das Reliquienbild, handele es sich nun um eine Einzeltafel, ein Diptychon oder Triptychon mit der Darstellung von Maria mit dem Kind auf Holz, welche in einen breiten Rahmen mit eingelegten Reliquien eingelassen ist, erfuhr vor allem in Kleinpolen ab der zwanziger Jahre des 15. Jahrhunderts weite Verbreitung. Die Ausbreitung solcher, für den toskanischen Trecento typischer Reliquiare fand in Zentraleuropa im Kontext der Erneuerung der Frömmigkeit statt ; neben den spezifischen Bildern, die insbesondere während liturgischer und paraliturgischer Feierlichkeiten verehrt wurden, nahm die Anzahl weniger kostspieliger Reliquiare im Privatbereich immer mehr zu.

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Cieri Via, Claudia. „Disegni / Disegno“. Studiolo 7, Nr. 1 (2009): 245–47. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2009.1244.

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Hristova, Valentina. „Pour une lecture intelligible d’Anachronic Renaissance : contenu et critiques“. Studiolo 9, Nr. 1 (2012): 310–17. http://dx.doi.org/10.3406/studi.2012.871.

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Zeitschriftenartikel zum Thema „Studd“

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