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Zeitschriftenartikel zum Thema „Société professionnelle et artistique“
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Leteurtre, Richard. „Artiste avant tout“. Sociographe N° hors série 16, Nr. 4 (06.11.2023): 151–64. http://dx.doi.org/10.3917/graph1.hs016.0151.
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Richard Leteurtre, metteur en scène, ancien directeur du Théâtre Eurydice ESAT de la Sauvegarde des Yvelines (TE’S) et initiateur du dispositif « Classe départ », rappelle les freins qui empêchent l’accès à des parcours artistiques professionnels pour les personnes en situation de handicap. Il montre la manière dont les expériences collectives, concernant les jeunes en rupture sociale et les personnes en situation de handicap, contribuent à faire éclore une esthétique singulière, et leurs effets sur le milieu artistique et culturel. L’auteur s’interroge : et si « compenser » les handicaps permettait à la société entière d’être plus résiliente ? Une convergence des besoins et des actions serait-elle envisageable ?
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Robineau, Anne. „L’art actuel au Québec vu de la francophonie canadienne. Réseaux et influences1“. Globe 17, Nr. 1 (12.02.2015): 59–83. http://dx.doi.org/10.7202/1028633ar.
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Ce texte a pour but de saisir les réseaux et les influences qui lient les artistes franco-canadiens en art actuel au milieu artistique québécois et comment est perçue la réussite professionnelle d’artistes franco-canadiens qui exposent au Québec. Nous espérons montrer comment l’institutionnalisation de l’art actuel au Québec a joué un rôle important dans la carrière d’artistes franco-canadiens, mais aussi dans l’ensemble du réseau des arts visuels de la francophonie canadienne. Vu de l’extérieur du Québec, au sein de la francophonie canadienne, l’art actuel au Québec est un pôle important auquel les artistes franco-canadiens peuvent participer tout en cherchant à se démarquer. Notre hypothèse est que la taille restreinte du réseau de l’art actuel dans la francophonie canadienne conditionne la réussite professionnelle de ses artistes, tout en leur permettant, paradoxalement, de se distinguer par leur appartenance linguistique et identitaire à leur communauté francophone respective. Cette distinction fondée sur l’appartenance linguistique et identitaire peut se traduire dans le propos esthétique de leurs oeuvres, mais aussi par la médiatisation qui est faite de leur pratique artistique et de leur carrière au sein de leur communauté, au Québec et ailleurs. Cette médiatisation a un impact sur le renforcement de l’identité collective. Cette identité collective, qui peut être associée, par ailleurs, à une identité nationale dans le cas du Québec ou « nationalitaire » dans le cas de la francophonie canadienne, s’inscrit également dans le discours sur la diversité culturelle au sein des sociétés globalisées. D’après ce discours, le caractère distinctif de l’appartenance francophone représenterait donc un atout lié à sa spécificité culturelle et linguistique, car il peut augmenter l’intérêt de l’individu qui s’en réclame envers sa propre culture et des activités qu’il entreprend au sein de celle-ci.
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Laguarda, Alice. „Art et Politique“. Emulations - Revue de sciences sociales, Nr. 9 (10.09.2018): 57–68. http://dx.doi.org/10.14428/emulations.009.004.
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Le développement de pratiques artistiques participatives, relationnelles et contextuelles au sein des sociétés capitalistes démocratiques s’accompagne de multiples modes de relations entre l'artiste et le public. Mais nombre de ces propositions semblent s’être perdues dans la complexité de la matière sociale, propice à la confusion entre animation socio-culturelle, instrumentalisation du public et des artistes ou esthétique compassionnelle. Faut-il en déduire alors que l’artiste est condamné à n’être qu’un professionnel de la communication, qu’un thérapeute des maux de la société ? La poussée des projets et interventions en milieu urbain invite à se demander quelles positions existent aujourd’hui qui permettraient d'évaluer la possibilité d’une fonction critique et polémique de l'artiste. Jochen Gerz nous incite dans Les mots de Paris à réfléchir à la perte de valeur politique de l’espace public. En fondant sa proposition sur la participation d’« exclus » et en ne figeant pas son projet dans une forme conventionnelle, il inverse les règles du jeu artistique et institutionnel, instaure le trouble dans l’appréhension morale de cette « œuvre collective ». Nicolas Simarik et Jean Kerbrat élaborent quant à eux des projets qui cherchent à redéfinir l’autorité de l’artiste, invitant le public à construire un usage actif et critique de l’espace public. L’idée d’une résistance apparaît, contre les logiques de séparations, par l’élaboration de gestes de « profanation ». Ces propositions nous confrontent au sentiment de perte d’appartenance au monde commun, à l’« envahissement du social » et remettent en question, dans leurs processus comme dans leurs partis pris esthétiques, la relation souvent purement fonctionnaliste qu’entretient aujourd’hui le politique vis-à-vis de l’art.
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Caillard, Marc. „L’éveil artistique et culturel du très jeune enfant : un rêve ou un devoir d’agir des adultes pour l’avenir des générations futures ?“ Spirale N° 105, Nr. 1 (13.07.2023): 91–97. http://dx.doi.org/10.3917/spi.105.0091.
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Dans notre société capitaliste et consumériste actuelle, nous avons plus que jamais besoin d’éveil artistique et culturel, et ce dès le plus jeune âge. Depuis les années 1970, les acteurs de la petite enfance tirent la sonnette d’alarme sur l’importance de nourrir les enfants de culture vivante, aussi indispensable que la nourriture. C’est ainsi que différentes pratiques culturelles ont vu le jour dans les lieux d’accueil du jeune enfant, entraînant parents, enfants et professionnels. Les processus de créativité, de rêverie et d’humanité y prennent leur source. Condition indispensable pour que le petit d’homme cultive sa sensibilité d’origine et devienne ainsi un citoyen éclairé, responsable et engagé. Il en va de l’avenir de notre civilisation et de la préservation du vivant dont nous sommes partie prenante.
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Dardy, Claudine. „De quelques usages sociologiques des récits en édition numérique“. Sociologie et sociétés 48, Nr. 2 (24.10.2016): 261–83. http://dx.doi.org/10.7202/1037724ar.
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Le site éditeur Raconter la vie a constitué en deux ans d’existence une collection de six cents récits. L’abondance narrative ainsi suscitée déploie une mosaïque faite des fragments de vies multiples qui peut se prêter au regard sociologique au gré des angles de vue décelant tel ou tel motif ou thème. On peut encore s’essayer à identifier des types de récits : témoignage, récit de vie sociale ou même performance artistique. On a choisi, par l’enquête, de rencontrer quelques protagonistes de cette scène numérique, à commencer par la web éditrice pivot du site, ses collaborateurs, dits éditeurs communautaires, et les auteurs. L’intention était de situer la production de ces récits et leur proposition à l’édition numérique au regard des pratiques d’écriture et de lecture de leurs auteurs, prenant acte d’une culture de l’écrit, voire d’une culture littéraire en référence. Les auteurs évoquent des pratiques variées des carnets personnels à l’expérience d’ateliers d’écriture, en passant par les écrits professionnels. Beaucoup sont habiles à utiliser les ressources du numérique, blog, réseaux, plateforme. L’ombre d’une maison d’édition traditionnelle prestigieuse, l’engagement d’un professeur au collège de France, la compétence éditoriale — double lecture des textes, aide à la mise en forme technique — servent un désir latent de publication largement partagé par les auteurs. De quoi, pour ces derniers, se concevoir comme auteurs amateurs et caresser l’espoir d’une reconnaissance d’écrivain. À défaut d’impulser un impossible parlement des invisibles, le site éditeur préserve la forme narrative en même temps qu’il promeut une figure d’auteur amateur. Il pourrait s’apparenter à un atelier d’écriture grand format aux prismes du numérique ; on y est privé d’une sociabilité de lectures partagées mais autorisé aux jeux d’identités multiples, celles de ces personnages et auteurs appelés à raconter le roman vrai de la société et si fort en quête d’éditeurs.
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Carraud, Françoise. „Expérimentation artistique et expérience professionnelle“. Recherche & formation, Nr. 86 (31.12.2017): 13–25. http://dx.doi.org/10.4000/rechercheformation.2934.
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RIOUX, Marcel. „Sociologie critique et création artistique“. Sociologie et sociétés 17, Nr. 2 (30.09.2002): 5–12. http://dx.doi.org/10.7202/001637ar.
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Résumé Si l'on ¡¡'accorde que la sociologie critique s'occupe des "pratiques émancipatoires" et que l'art est éminemment émancipatoire, on se demande si l'on peut déceler en quoi certaines pratiques artistiques annoncent une nouvelle sensibilité et de proche en proche une nouvelle société.
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Boivineau, Pauline, und Nathalie Schieb-Bienfait. „Les laboratoires de recherche artistique, par le prisme du travail en train de se faire“. Annales des Mines - Gérer & comprendre N° 155, Nr. 1 (07.06.2024): 3–15. http://dx.doi.org/10.3917/geco1.155.0003.
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Face aux enjeux liés d’insertion professionnelle des jeunes artistes et de permanence artistique, cet article aborde la problématique de la pratique de la recherche artistique et de ses conditions de mise en oeuvre, à partir d’une démarche ethnographique, menée au sein d’un laboratoire éphémère de recherche intergénérationnelle et pluridisciplinaire (danse et dessin). Y sont interrogées les conditions de la création et de la reproductibilité de ces laboratoires, dans un contexte de remise en cause du modèle actuel de création et diffusion en France. La caractérisation proposée témoigne de l’intérêt d’étudier la pratique de la recherche artistique par le prisme organisationnel. Elle permet d’identifier les pratiques de travail et de repérer des leviers de professionnalisation pour les jeunes artistes.
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Kraszewska, Agata. „Les professeurs ont leur propre destinée (scientifique, professionnelle, artistique)“. Humanities and Cultural Studies 3, Nr. 4 (23.02.2023): 9–16. http://dx.doi.org/10.55225/hcs.479.
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Le texte présente la personne du Dédicataire – Monsieur le Professeur Wacław Rapak, romanisant et spécialiste en littérature, ainsi que ses réalisations scientifiques, sa carrière universitaire et, en particulier, son travail à l’Ecole Nationale Supérieure d’Enseignement Professionnel de Tarnów. Ses intérêts artistiques ainsi que sa propre création artistique ont également été signalés.
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Saaidia, Salem, und Faten El Meddah. „L’apprentissage des notions mathématiques chez des élèves ayant une déficience intellectuelle légère entre une approche pédagogique traditionnelle et la médiation artistique“. ITM Web of Conferences 39 (2021): 01003. http://dx.doi.org/10.1051/itmconf/20213901003.
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Cette étude examine l’apport des médiations artistiques à l’acquisition des notions et des habiletés mathématiques chez des élèves ayant une déficience intellectuelle légère, âgés entre 11 et 13 ans et poursuivant une formation professionnelle en pâtisserie. Afin de mettre en exergue l’apport de cette médiation, nous avons travaillé avec un échantillon expérimental composé de 8 élèves et un échantillon témoin et nous avons comparé leurs résultats. Nous avons pu montrer à travers notre intervention que le recours à la médiation artistique ainsi qu’à l’apprentissage par la découverte pourrait mieux aider les élèves à maîtriser les notions et les habilités mathématiques utiles dans la vie quotidienne et professionnelle, dans le cas des enfants ayant une déficience intellectuelle légère.
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Maurel, Delphine. „Retour sur dix ans d’expérimentation artistique : La Bulle Bleue de Montpellier“. Sociographe N° hors série 16, Nr. 4 (06.11.2023): 69–80. http://dx.doi.org/10.3917/graph1.hs016.0069.
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L’auteure revient sur la création de La Bulle Bleue, lieu de Fabrique artistique et culturelle à Montpellier (France), animé par des comédiens et comédiennes, des techniciens et techniciennes du spectacle vivant, des paysagistes et des cuisiniers et cuisinières en situation de handicap. L’auteure, directrice de l’établissement organisé en ESAT, revient sur la manière dont au fil des années s’est élaboré le projet et la manière dont il suscite parmi les équipes de nombreux questionnements, en particulier sur la notion du travail et, par ricochet, la professionnalisation. Questionnement multiple, amplifié par la spécificité artistique du projet et la dimension du handicap. Quel est le travail de professionnels en situation de handicap en ESAT ? Quelle est la reconnaissance professionnelle des personnes qui n’ont pas un statut de salarié ? Un comédien non intermittent du spectacle peut-il être considéré comme professionnel ? Qu’est-ce qu’être professionnel pour un artiste ? Les acteurs permanents d’une troupe structurée en ESAT artistique peuvent-ils être considérés comme professionnels ? L’auteure propose une réflexion sur les dimensions de travail et d’inclusion enrichie d’une perspective européenne sur ces questions.
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Bergerot, P. „Cancer et vie professionnelle, un enjeu de société“. Psycho-Oncologie 8, Nr. 3 (September 2014): 141–44. http://dx.doi.org/10.1007/s11839-014-0477-z.
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Laplante, Benoît, und Guy Bellevance. „L'évolution de la formation des artistes québécois au xxe siècle“. Recherche 42, Nr. 3 (12.04.2005): 543–84. http://dx.doi.org/10.7202/057475ar.
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La formation professionnelle des artistes s'est profondément transformée au cours du XXe siècle, le changement le plus marquant étant le passage généralisé des modes de formation traditionnels, autodidaxie et apprentissage, au mode contemporain caractérisé par la formation dans des établissements spécialisés qui décernent des diplômes. Cette transformation s'est opérée dans le cadre plus vaste de l'institutionnalisation des pratiques artistiques, qui s'est manifestée notamment par la création de lieux de création et de diffusion, d'établissements spécialisés dans la formation d'artistes a suivi et non pas précédé l'apparition des lieux de création et de diffusion. À partir d'informations recueillies auprès d'un échantillon de 1 471 artistes membres de 11 associations professionnelles différentes, nous montrons que cette séquence a eu pour premier effet de réduire la formation artistique. On est ainsi passé d'une période où les artistes, peu nombreux, entreprenaient leur carrière après avoir reçu une formation artistique à une période où, la demande de travail croissant plus vite que l'offre de formation, les artistes ont entrepris leur carrière sans nécessairement avoir reçu de formation. Le niveau de formation moyen qui existait au début du siècle n'a été atteint à nouveau qu'après la création d'établissements voués à la formation professionnelle des artistes.
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Heinich, Nathalie. „Peut-on parler de carrières d’artistes? Un bref historique des formes de la réussite artistique“. Articles, Nr. 16 (19.04.2011): 43–54. http://dx.doi.org/10.7202/1002127ar.
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L’auteure se propose d’identifier les conditions et les contextes qui permettent de parler de carrière artistique. Au départ, elle précise que la notion de carrière renvoie à une standardisation des trajectoires biographiques et des formes de la réussite, ce qui les dépersonnalise et les dé-singularise. Par la suite, elle précise que, contrairement à la réussite professionnelle courante, la réussite artistique moderne exige à la fois une certaine personnalisation des moyens et une certaine dépersonnalisation des fins. Ainsi, la réussite moderne en matière artistique implique non seulement la valeur monétaire et symbolique des oeuvres, mais aussi leur multiplication, ce qui constitue une désacralisation brutale des oeuvres qui répond symétriquement à une sacralisation des créateurs. Aujourd’hui, une carrière artistique réussie passe donc par l’imposition d’un modèle où la personne de l’artiste joue un rôle aussi important que l’oeuvre. L’auteure termine son analyse en montrant à l’aide de trois cas de figure, Duchamp, Dali et Picasso, comment l’anormalité se fait norme dans les cas de réussite. Elle conclut en faisant remarquer que ces trois artistes ont fait exploser la notion de carrière en art parce que leur réussite a ouvert des voies à la fois incontournables et impraticables par d’autres compte tenu du fait que les modèles qu’elles constituent sont inimitables.
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Hochman, Arthur, und Kelli J. Esteves. „Art And Exceptionality: Addressing Art Fear And Fear Of Difference In An Introductory Art Course“. Canadian Review of Art Education 48, Nr. 1 (11.12.2021): 38–52. http://dx.doi.org/10.26443/crae.v48i1.106.
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Abstract: University educators designed and co-taught a course which involved collaborative artmaking and learning with a community-based arts organization that serves individuals with disabilities. Their goal was to help university students examine the potential of art and how it applies to their personal and professional lives. They sought to better understand how to nurture a feeling of artistic agency in undergraduate students who do not define themselves as artists. Educators found that students benefited from an exploration of art fear through an inclusive approach to art creation. Keywords: Art fear; Disability; Collaborative artmaking; Higher education; Experiential learning. Résumé : Des éducatrices et éducateurs universitaires ont conçu et co-enseigné un cours axé sur la création artistique et l’apprentissage coopératif au sein d’un organisme communautaire voué aux arts qui dessert des personnes en situation de handicap. Leur objectif était d’aider les étudiant.e.s universitaires à analyser le potentiel de l’art et son impact sur leur vie personnelle et professionnelle. Ils voulaient savoir comment alimenter une volonté d’action artistique chez des étudiant.e.s de premier cycle qui ne se considèrent pas des artistes. Les éducatrices et les éducateurs ont remarqué qu’aborder la peur de l’art sous une optique de création artistique inclusive était bénéfique. Mots-clés : peur de l’art, handicap, création artistique collaborative, éducation supérieure, apprentissage expérientiel.
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Tétu, Martin. „Les artistes émergents et l’autonomie de soi par la « gestion de carrière »“. Nouvelles pratiques sociales 29, Nr. 1-2 (19.02.2018): 52–71. http://dx.doi.org/10.7202/1043392ar.
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L’insertion professionnelle des artistes est peu documentée au Québec, alors même qu’apparaît un « boom » de profils artistiques au sein des jeunes adultes québécois. Cet article souhaite contribuer à combler ce vide dans la recherche. Il se penche spécifiquement sur les services de « gestion de carrière artistique », dispensés par le milieu communautaire à l’intention des jeunes artistes émergents. L’observation des services en question nous amène à discerner, dans ceux-ci, une logique de responsabilisation ou de management de soi, en phase avec une injonction à l’autonomie visible dans d’autres secteurs de l’action communautaire. Ceci suggère une pression vers une forme d’agir rationnel et instrumental, au fondement de l’idéologie néolibérale, qui ferait pression sur le milieu artistique via cette focalisation sur la « gestion » de carrière.
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Nayer, André. „Le statut de l’artiste“. Articles, Nr. 16 (19.04.2011): 23–41. http://dx.doi.org/10.7202/1002126ar.
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D’entrée de jeu, l’auteur pose la question « Pourquoi parler de l’artiste et évoquer son statut? ». Il répond en affirmant qu’il n’est pas de sujet plus décisif que celui des symboles et de la réalité. Pourtant, précise-t-il, les sociétés ont tragiquement tendance à nier l’artiste. Cela se fait entre autres à travers le développement des industries culturelles qui revêtent le travail des créateurs d’un label autorisant son exploitation. Dans ce contexte, bien que leur contribution à l’évolution socio-économique et culturelle soit fondamentale, les artistes connaissent des conditions de vie et de travail très précaires. En fait, ils stagnent dans une situation juridique aussi indécente que l’est l’indigence de leurs moyens socio-économiques, ce qui n’est pas sans danger pour la création elle-même. Ces constats amènent l’auteur à s’interroger sur le statut de l’artiste en tenant compte de l’incidence qu’ont sur la condition d’artiste : le contrat pour les prestations artistiques, la rémunération, la fiscalité, les conventions collectives, la circulation des oeuvres et la formation professionnelle.
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Salaméro, Émilie. „Les modes de reconnaissance des artistes de cirque à l’épreuve du temps : de l’état du champ aux trajectoires professionnelles“. Sociologie et sociétés 47, Nr. 2 (13.05.2016): 237–59. http://dx.doi.org/10.7202/1036347ar.
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Depuis la fin des années 1970, l’intérêt de l’État français envers le cirque s’est renforcé, passant progressivement de la sauvegarde d’un patrimoine culturel au soutien des formes contemporaines. Celui-ci se poursuit via la création de l’École nationale supérieure des arts du cirque située à Châlons-en-Champagne, oeuvrant tant à la reconnaissance artistique du cirque qu’à sa professionnalisation. Depuis, les écoles professionnelles de cirque, notamment les plus prestigieuses, interviennent comme instance de consécration artistique des artistes. L’analyse de trois générations d’artistes installés en région Midi-Pyrénées témoigne de ce changement de paysage et permet de mettre en lumière la manière dont l’école professionnelle de cirque, au fur et à mesure de sa structuration, mobilise différents cercles de reconnaissance. Ces évolutions impliquent des rapports aux métiers et trajectoires professionnelles spécifiques, objectivables dans les modes de sortie ou d’évolution du métier d’artiste de cirque.
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Galaise, Sophie. „Serge Garant, directeur de la Société de musique contemporaine du Québec (1966-1986)“. Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 19, Nr. 1-2 (08.06.2020): 43–57. http://dx.doi.org/10.7202/1069875ar.
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Serge Garant a été directeur artistique de la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ) pendant 20 ans, soit de 1966 à 1986, année de sa mort. Sous sa direction, cette société de concerts, qu’on qualifie de « doyenne des sociétés de musique actuelle au Canada », a fait oeuvre de pionnière, de partenaire de la création, de propagatrice et d’éducatrice. C’est grâce à un travail soutenu et une passion indéfectible, que Serge Garant, aidé des musiciens, de l’équipe administrative et des différents membres du conseil d’administration, a pu faire de la SMCQ un organisme de premier plan pour la promotion de la création au Québec. L’auteure retrace ici les grands moments de la société à l’ère de Serge Garant.
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Nielsen, Greg Marc. „Hommage à Marcel Rioux. Sociologie critique, création artistique et société contemporaine“. Recherches sociographiques 36, Nr. 1 (1995): 137. http://dx.doi.org/10.7202/056923ar.
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Connolly, Jocelyne. „Gilles Hénault, poète, et le champ artistique québécois“. Dossier 21, Nr. 1 (29.08.2006): 63–73. http://dx.doi.org/10.7202/201215ar.
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Résumé Le poète Gilles Hénault intervient dans la sphère des arts visuels du Québec à plusieurs titres: comme muséologue, critique d'art et communicateur (Société Radio-Canada). En outre, il invite, à maintes reprises, des artistes en arts visuels à illustrer ses recueils de poésie. On tente de saisir ici la spécificité de l'apport de ce poète au champ artistique. L'apport muséologique1 de Gilles Hénault est analysé selon les cadres théoriques de Howard S. Becker2 et de Pierre Bourdieu3 - le premier situe l'individu dans la structure d'un 'réseau de coopération^ et le second prend en compte la "position' socioprofessionnelle de Gilles Hénault. La contribution de celui-ci en tant que critique d'art est abordée par une analyse de contenu de ses textes publiés en particulier dans Vie des arts. Les archives de la SRC nous informent sur les rôles d'inter-vieweur et d'invité qu 'assume le poète.
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Damour, Franck. „Pourquoi regardons-nous les séries télévisées ?“ Études mai, Nr. 5 (10.04.2015): 81–92. http://dx.doi.org/10.3917/etu.4216.0081.
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Qui fera l’histoire culturelle du début du XXI e siècle ne pourra faire l’impasse sur les séries non seulement comme phénomène de société, mais aussi comme témoin de notre temps et comme expression artistique à part entière : les séries peuvent concurrencer, sans rougir, le cinéma. Comment expliquer cette mutation ?
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Barros Pupo, Maria Lúcia de Souza. „Former au Brésil un artiste-pédagogue-chercheur : un exercice complexe“. L’Annuaire théâtral, Nr. 55 (20.10.2015): 43–58. http://dx.doi.org/10.7202/1033701ar.
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L’article se propose d’examiner comment l’Université de São Paulo s’efforce de répondre aux défis actuels posés par la formation de formateurs dans les arts de la scène, aussi bien dans l’univers scolaire que dans la sphère de l’action culturelle et artistique. Nous partons du principe que de profondes mutations traversent la scène contemporaine – dilution des frontières entre les arts, présence de la dimension performative, usage de matériaux variés comme point de départ des processus de création, entre autres –, révélant de nouveaux besoins et ouvrant de nouvelles perspectives pour la formation de ces professionnels. L’importance d’une expérience artistique forte, la compréhension du rôle de la recherche, la réalisation d’une praxis qui puisse dépasser la dichotomie entre théorie et pratique sont invoquées comme des aspects particulièrement prometteurs dans cette formation professionnelle. On reconnaît aussi dans quelle mesure les recherches des artistes contemporains contribuent à la reformulation des principes directeurs relatifs aux interventions de formation.
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Kellou-Sidhoum, Rachida. „L'articulation vie privée et vie professionnelle – ou l'émancipation inachevée“. Diversité 165, Nr. 1 (2011): 60–65. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2011.8024.
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Le constat est terrible : le taux de pauvreté en France augmente et touche malheureusement plus vite les femmes que les hommes. Comment les femmes, actrices ou spectatrices d’une vie en société souvent fragilisées et assumant parfois seule le rôle de parent, peuvent-elles concilier vie privée et vie professionnelle tout en vivant au quotidien des injustices d’ordre social, économique ou professionnel et parfois cumuler les trois ordres à la fois.
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Dirn, Louis, Louis Chauvel, Michel Forsé, Jean-Pierre Jaslin, Henri Mendras und Carole Rivière. „Chronique des tendances de la société française“. Revue de l'OFCE 56, Nr. 1 (01.01.1996): 121–55. http://dx.doi.org/10.3917/reof.p1996.56n1.0121.
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Résumé Cette chronique porte sur des transformations au sein de la population active, sur la scolarisation régionale en France et la religion en Europe occidentale : Naguère les pères de famille étaient «protégés» du chômage. Depuis cinq ans, ils ne le sont plus et il s'en suit une inquiétude qui pourrait avoir une influence sur le taux de natalité ou l'accession au logement. L'analyse des écarts de rémunération des salariés selon le secteur d'emploi montre que les fonctionnaires ont une position intermédiaire entre les salariés des entreprises privées et ceux des entreprises publiques, qui sont plus favorisés, même si les écarts sont faibles. La mobilité professionnelle croissante s'accompagne paradoxalement d'une proportion accrue d'actifs qui sont présents dans leur entreprise depuis plus de 15 ans. Cette dualisation entre une population plus mobile et une autre plus fixe est sans doute l'effet du risque de chômage. Le dernier bilan de la négociation professionnelle confirme que les accords nationaux sont les moteurs du système. A la base, les salariés ont le sentiment que tout changement les met à contribution sans être consultés. Au XIXe siècle, le Nord-Est de la France a été alphabétisé plus tôt que le reste du pays. Au XXe siècle, le Sud était plus scolarisé que le Nord. Aujourd'hui les disparités régionales s'estompent. Dans toute l'Europe occidentale la pratique religieuse a baissé. En revanche les institutions ecclésiales restent inchangées et sont très différentes d'un pays à l'autre. Quelle sera l'influence de la tendance sur les institutions?
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Bonoli, Lorenzo. „La Formation professionnelle et la «question sociale» Aux origines de la «vocation sociale» de la formation professionnelle en Suisse“. Swiss Journal of Educational Research 37, Nr. 2 (19.09.2018): 383–98. http://dx.doi.org/10.24452/sjer.37.2.4959.
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La formation professionnelle en Suisse est la filière de formation la plus suivie des jeunes au sortir de l’école obligatoire. Cette filière répond non seulement à une finalité économique: former la main-d’œuvre qualifiée pour les entreprises, mais aussi à des finalités d’ordre sociale: faciliter l’intégration des jeunes dans le monde du travail et dans la société. Mais comment se fait-il que la formation professionnelle s’est vue attribuer ces deux finalités? Quand et en réponse à quelles préoccupations une telle articulation prend forme? L’enjeu cet article est de reconstruire l’histoire de l’articulation entre ces deux finalités de la formation professionnelle, en remontant pour cela aux origines du système actuel, entre la fin du 19e siècle et le début du 20e.
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Ellefsen, Bjenk, Jacques Hamel und Maxime Wilkins. „La citoyenneté et le droit de cité des jeunes“. Sociologie et sociétés 31, Nr. 2 (02.10.2002): 89–99. http://dx.doi.org/10.7202/001229ar.
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Résumé Cet article traite de la question de la citoyenneté et du droit de cité des jeunes. Après un bref survol des concepts de travail etde citoyenneté, le droit des jeunes à prendre part à la communauté ou à la société est considéré sous l’angle de leur entrée dansla vie adulte. Les résultats d’une étude sur l’insertion sociale et professionnelle de jeunes diplômés québécois sont présentésdans cette perspective. En conclusion, les auteurs mettent de l’avant les pistes d’une nouvelle recherche destinée à montrercomment le travail modèle des valeurs qui, tout en intégrant les jeunes dans la société, effacent leurs droits de citoyen.
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Di Méo, Élodie Lacroix. „Art, Politique et émancipation des femmes dans la trilogie La Femme en chemin (1922–4) de Victor Margueritte“. Nottingham French Studies 51, Nr. 3 (Dezember 2012): 261–71. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2012.0026.
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Le nom de Victor Margueritte est associé à son célèbre roman La Garçonne (1922), à cause duquel il a perdu sa Légion d'Honneur. Ce roman fait partie d'une trilogie féministe intitulée La Femme en chemin. La « garçonne », Monique Lerbier, est artiste et décoratrice et l'art joue un rôle majeur dans les autres volumes de la trilogie, Le Compagnon (1923) et Le Couple (1924). Le parallèle entre la trajectoire personnelle de la garçonne en tant que femme et sa pratique artistique illustre quelques aspects intéressants de la manière dont les arts décoratifs pouvaient être perçus dans les années 1920, tandis que l'auteur établit aussi une hiérarchie artistique fondée sur ses conceptions politiques. Victor Margueritte valorisait l'art à la fois comme un moyen d’émancipation personnelle pour les femmes, puisqu'il le présentait comme une profession leur permettant de devenir autonomes financièrement, et comme un moyen d'action politique. Il croyait en effet que l'art avait le pouvoir de diffuser des idées et par conséquent de changer progressivement la société.
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Stefanich, Fernando. „La Temporalité dans le récit de voyage: Monory et l'Amérique“. Nottingham French Studies 51, Nr. 1 (März 2012): 102–12. http://dx.doi.org/10.3366/nfs.2012.0010.
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Un voyage, c'est la découverte d'une culture et d'une société. Dans toute l’œuvre de Jacques Monory (1924-), peintre français appartenant à la Figuration narrative et auteur des romans policiers, on trouve référence au voyage. En 1967, Monory séjourne quatre mois à Cuba, puis il découvre les Etats-Unis où il fera plusieurs séjours. Cet article représente un travail interdisciplinaire qui, en analysant sa production picturale et littéraire, nous permettra de saisir la complexité de sa création artistique marquée par le dialogue et la confrontation interculturelle.
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L’Helgoualch, Véronique. „Des services aux jeunes pour grandir dans une société interculturelle“. Documentation et bibliothèques 57, Nr. 2 (25.02.2015): 69–79. http://dx.doi.org/10.7202/1028872ar.
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La mixité ethnoculturelle grandissante des sociétés convainc la bibliothèque publique d’agir pour une société interculturelle, où les jeunes de tous horizons peuvent grandir dans une égale dignité. Soucieuse de servir ceux qui sont issus de l’immigration ou des minorités visibles, la bibliothèque favorise l’intégration en soutenant la scolarité, l’insertion professionnelle et l’alphabétisation familiale. En réponse à leur besoin de repères, elle présente la société d’accueil et facilite l’apprentissage de la diversité tout en participant à la transmission d’un héritage culturel. Enfin, pour lutter contre le racisme et renforcer le lien social, elle crée le dialogue, suscite la réflexion et la participation citoyenne.
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Rochefort, Suzanne. „Demander pour obtenir ? Revendications professionnelles et marché du travail des comédiens et des comédiennes (Paris, seconde moitié du 18 e siècle)“. Dix-huitième siècle 56, Nr. 1 (25.04.2024): 419–36. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.056.0419.
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Durant la seconde moitié du 18 e siècle, des comédiens et comédiennes issus de différents théâtres parisiens formulent des revendications à leur direction, afin d’améliorer leur situation professionnelle. En adoptant le prisme d’une histoire sociale du travail artistique, l’article étudie les contextes et les modalités d’expression de paroles revendicatrices variées. Ces demandes d’augmentation financière, ou d’interprétation de rôles plus en vue, sont certes loin d’être toujours satisfaites. Dans une sphère des loisirs en pleine mutation, elles témoignent néanmoins de la conscience qu’ont les artistes des logiques régissant leur marché du travail ainsi que de leur position individuelle dans celui-ci. Les analyses permettent alors d’éclairer la structuration du milieu professionnel du spectacle vivant tout en rejoignant des enjeux plus larges soulevés par l’historiographie du travail.
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Weirich, Armelle. „La Sécession viennoise, entre cosmopolitisme et nationalismes“. Austriaca 81, Nr. 1 (2015): 37–48. http://dx.doi.org/10.3406/austr.2015.1194.
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Dès la fondation de la Sécession viennoise en 1897, les sécessionnistes ont eu pour ambition d’évoluer sur la scène artistique européenne et se sont investis dans l’organisation d’expositions internationales afin de se confronter aux oeuvres étrangères. Leur volonté relevait autant d’une curiosité pour les innovations stylistiques de leurs collègues, que d’une nécessité d’attirer l’attention sur leur nation. Ces expositions reposaient sur un vaste réseau d’intermédiaires, artistes, marchands ou journalistes, déployé sur le sol européen pour établir les contacts et faciliter l’envoi des oeuvres. La majorité des exposants, d’origine française, étaient membres de la Société nationale des beaux-arts. Pourtant, les Autrichiens n’ont guère réussi à s’exporter à Paris. Dans leur volonté d’introduire la modernité dans les arts plastiques et plus généralement dans la société vien noise, ils se sont approprié les innovations stylistiques étrangères pour les adapter à un discours qui leur était propre et qui touchait à l’identité nationale, à une époque où la quête identitaire préoccupait les artistes autant que la recherche esthétique.
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Dipede, Cheryl. „From Typographer to Graphic Designer: Typographic Exhibitions and the Formation of a Graphic Design Profession in Canada in the 1950s and 1960s“. RACAR : Revue d'art canadienne 40, Nr. 2 (03.03.2016): 130–45. http://dx.doi.org/10.7202/1035401ar.
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Cet article explore le développement d’une communauté professionnelle de design au Canada pendant les années 1950 et 1960 en examinant deux collaborations entre graphistes : les expositions canadiennes Typography (1958–1964) et l’exposition internationale Typomundus 20 (1963–1966). Celles-ci contribuèrent à la publicisation d’un nouveau discours qui permit aux typographes et aux concepteurs de la communication canadiens de se penser comme faisant partie d’une communauté unifiée et distincte de « graphistes ». Elles encouragèrent cette cohésion professionnelle notamment en avançant des normes professionnelles, en lançant une réflexion sur le statut et le rôle du graphisme par rapport au « grand » art, à la communication de masse et à la société en général, et en facilitant l’échange d’idées entre les professionnels canadiens et la communauté internationale de graphistes.
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Badet, Jean-Paul, und Emmanuelle Kadya Tall. „Artistes au pays ou ailleurs : quelques parcours remarquables. Goli, retour au pays de la confusion.“ Politique africaine 59, Nr. 1 (1995): 45–58. http://dx.doi.org/10.3406/polaf.1995.5894.
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En partant de la pièce de théâtre Goii du jeune Camille Amouro qui développe une critique originale de la société béninoise et du pouvoir Kérékou, c’est l’étude de tout le paysage culturel et artistique qui est proposée ici. Sont ainsi passés en revue les parcours de quelques auteurs et créateurs remarquables dans le domaine de l’écriture, de la peinture et de la sculpture. Si contrairement à ses prédécesseurs, le régime Soglo semble avoir impulsé une nouvelle dynamique à la culture, cependant les artistes béninois continuent de vivre péniblement de leur métier.
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Menger, Pierre-Michel. „Le génie et sa sociologie. Controverses interprétatives sur le cas Beethoven“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 57, Nr. 4 (August 2002): 967–99. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.2002.280089.
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RésumésLa carrière et les défis artistiques de Beethoven apparaissent dans nombre de travaux de sociologie et d’histoire sociale de l’art comme le paradigme des changements en cascade qui transforment la position sociale des compositeurs et la portée de leurs innovations à l’aube du XIXe siècle. L’article discute d’abord les deux principales postures d’analyse du créateur d’exception. L’interprétation déterministe fait du grand artiste le producteur de la vérité historique d’une société dominée par l’émancipation bourgeoise et par la force grandissante du marché, mais, pour qualifier sa valeur, doit doter le créateur d’une mystérieuse capacité réflexive qui le place en surplomb du jeu social dont il n’est pourtant qu’un agent. L’analyse constructionniste identifie le style beethovenien àune catégorie, la grande musique, dont l’utilisation, voire l’invention, puis le succès, sont le fait de la haute aristocratie viennoise des mécènes du compositeur, mais au prix d’une réduction fonctionnaliste de la teneur des œuvres et de la réalité du talent àdes variables instrumentales sous le contrôle stratégique d’un macro-acteur social. Les impasses théoriques et les lacunes empiriques rencontrées dans ces deux types de travaux suggèrent une troisième voie d’analyse: l’organisation concurrentielle des activités professionnelles et l’indétermination durable du cours du travail novateur inscrivent le cheminement de la carrière du créateur dans un monde segmenté, mais non figé, de réseaux d’activité que structure la logique inégalitaire des appariements sélectifs.
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Laugée, Thierry. „Un Panthéon morbide : la naissance du Musée de la Société phrénologique de Paris“. Études françaises 49, Nr. 3 (13.01.2014): 47–61. http://dx.doi.org/10.7202/1021202ar.
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Lors de la fondation de la Société de phrénologie, le renforcement des collections de têtes fut l’une des décisions principales de ses membres. Pour ce faire, il y eut une participation volontaire de nombreuses célébrités de tous domaines et de toutes disciplines. Une commission fut chargée de réaliser des copies de tous les plâtres importants présents dans les collections de province et à l’étranger, de visiter les bagnes pour faire mouler des têtes, ou d’obtenir des individus célèbres leur empreinte. Les collections s’enrichirent alors rapidement, on échangea, on surmoula les têtes dans les sociétés étrangères afin de posséder l’empreinte de types humains divers et de gloires internationales. Une fois ces reliques rassemblées en très grande quantité, il importait de les diffuser. Pour ce faire, la Société phrénologique de Paris prit modèle sur les beaux-arts et inaugura le 14 janvier 1836, rue de Seine-Saint-Germain, le Musée de la Société phrénologique de Paris, dont les collections sont aujourd’hui conservées au Musée de l’Homme de Paris. Le souhait premier en ouvrant ce Musée au public était l’enseignement et la diffusion gratuite du système gallien à tous ceux qui en ressentaient l’envie. Les étagères offraient alors un magnifique panorama des gloires parisiennes dans des domaines aussi divers que le théâtre, les sciences, les beaux-arts, la musique ou la politique. Par cette collection, ce Musée sans oeuvre d’art allait s’avérer populaire. Ces chasseurs de têtes furent fréquemment condamnés par la presse artistique, la tête phrénologique étant considérée comme une sculpture sans vie, une atteinte portée à la dignité des modèles et à l’art du portrait. Ainsi, par la réception critique de ce musée dans la presse artistique, il s’agira d’évaluer les craintes suscitées par l’émergence de ce panthéon morbide.
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CAULLIER, Joëlle. „Au cœur de la création artistique : le combat de Jacob avec l’Ange“. Revue internationale Henry Bauchau. L’écriture à l’écoute, Nr. 2 (01.12.2009): 31–44. http://dx.doi.org/10.14428/rihb.v0i2.16823.
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Joëlle Caullier nous propose dans cet article une analyse partant de la référence, importante pour l’écrivain, du tableau de La Lutte avec l’Ange de Delacroix (exposé dans une des chapelles latérales de l’église Saint-Sulpice à Paris) pour décrire dans les personnages de Bauchau l’homme en prise avec son hybris et ses penchants violents, le travail de ré-apprivoisement du versant sombre par le versant lumineux de l’être par le truchement de l’art, voie possible de réconciliation de l’individu et de la société, du singulier, si singulier soit-il, et du collectif.
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Amossé, Thomas. „La nomenclature socio-professionnelle : une histoire revisitée“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 68, Nr. 4 (Dezember 2013): 1039–75. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900015109.
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RésuméFruit d’un processus engagé au XIXe siècle, le code des catégories socio-professionnelles est élaboré en France entre 1951 et 1954 et n’a que peu été modifié depuis. Alors sans habillage théorique fort et d’une tonalité réaliste, il donne corps aux classes sociales dans la description de la société d’après-guerre. Lieu d’effervescence sociologique à l’occasion de sa « refonte » (1978-1981), il figure l’espace social à deux dimensions de la sociologie de Pierre Bourdieu et sert de laboratoire à la sociologie pragmatique de Luc Boltanski et Laurent Thévenot. Lors de sa « rénovation » (1995-2001), la prudence administrative des changements opérés contraste avec l’évolution du droit conventionnel et une ambition de pureté analytique soutenue par l’économétrie. L’histoire de la nomenclature rend compte de la situation d’un outil de représentation du monde censé demeurer inchangé quand rien ne l’est, ni l’institution qui en assure la gestion, ni les catégories ordinaires ou juridiques auxquelles il renvoie, ni les théories et usages sociologiques qui lui sont liés.
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Leroux, Louis Patrick. „Brigitte avant Haentjens : un engagement artistique en Ontario français“. L’Annuaire théâtral, Nr. 61 (28.08.2018): 15–41. http://dx.doi.org/10.7202/1051025ar.
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Brigitte Haentjens, bien avant la carrière montréalaise qu’on lui connaît, a investi les scènes et le territoire de l’Ontario de 1977 à 1990. Elle a laissé le souvenir d’une frondeuse anti-establishment, à première vue anti-intellectuelle et anti-universitaire, qui pourtant maniait les idées et les mots avec précision et délectation et qui, en très peu de temps, s’est retrouvée au coeur même de l’institution théâtrale franco-ontarienne en prenant la direction du Théâtre du Nouvel-Ontario de 1982 à 1990 et la présidence inaugurale de l’Association nationale des théâtres francophones hors-Québec de 1984 à 1990. Elle s’est affirmée comme une artiste animée par la communauté, mais s’en prenant résolument à ses éléments rébarbatifs. L’étrangère devenue l’intime des Franco-Ontariens a démontré à sa communauté d’adoption l’importance de revendiquer non seulement une prise de parole, mais aussi une parole éloquente, déterminée et qui ne se laisse pas intimider. Le présent article à connotation historiographique explore cette période charnière dans le développement de la metteure en scène à partir de ses réalisations et du discours qu’elle a porté sur la pratique théâtrale et le rôle de l’artiste dans la société par le truchement de ses textes, de ses billets et de ses entrevues.
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Bouteloup, Philippe. „Comment la musique vient-elle aux enfants ?“ Spirale N° 100, Nr. 4 (10.05.2022): 146–51. http://dx.doi.org/10.3917/spi.100.0146.
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Actions culturelles, animations socioculturelles, inclusion sociale, appropriation culturelle, démocratisation de la culture, démocratie culturelle, médiation artistique, médiation culturelle, pratiques et transmission culturelles… comment s’y retrouver et faire le tri parmi toutes ces notions ? Les enjeux de la médiation et des droits culturels touchent toute la vie en société et dans ce contexte complexe, où se mêlent culture, commerce, enjeux d’intérêt public ou privé, créer des collaborations et favoriser l’expression culturelle repose sur une conviction profonde : la culture et les arts permettent un développement social qui dépasse le cadre strict de l’activité ou du projet de médiation.
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Aventin, Laurence. „Simple exécutant ou auteur intellectuel : le sculpteur italien peut-il être considéré au Moyen-Âge comme le concepteur de son oeuvre ?“ Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 7, Nr. 1 (2003): 211–25. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2003.1276.
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Au cours des XIIe et XIIIe siècles, en Italie, les inscriptions-signatures, qui adoptent le ton de l’éloge, témoignent d’une nouvelle prise de conscience de la part des sculpteurs et de la place importante qu’ils occupent dans la société. À l’écoute de ce changement, Thomas d’Aquin contribue à revaloriser l’activité artistique en élevant l’artiste au rang des créateurs des biens intellectuels. Cette nouvelle prérogative accordée à l’artifex trouve un écho certain dans les magnifiques chaires à prêcher de Giovanni Pisano.
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Lefebvre, Marie-Thérèse. „L’Underground musical des années 1970 au Québec“. Les Cahiers des dix, Nr. 68 (31.03.2015): 249–86. http://dx.doi.org/10.7202/1029295ar.
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La contre-culture possède deux visages : l’un à découvert (overground) et l’autre, souterrain (underground). Dans la mouvance « overground » des musiques écrites d’avant-garde et d’allégeance européenne défendues, entre autres, par la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ), une nouvelle génération de musiciens revendique un espace de création pluridisciplinaire où l’expérimentation et l’improvisation prennent appui sur les modèles américains. « Underground » dans les années 70, ce mouvement artistique donne naissance à un courant esthétique qui émerge au début des années 80 sous le nom de “musique actuelle”. Histoire d’une rencontre entre deux univers de création.
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Martin, Denis. „En noir et blanc ou en couleurs, que voir dans les clips sud-africains ?“ Politique africaine 48, Nr. 1 (1992): 67–88. http://dx.doi.org/10.3406/polaf.1992.5617.
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Les vidéo-clips ne sont pas souvent l’objet d’une lecture scientifique bien qu’ils reflètent des modes de perceptions identitaires et bien qu’ils soient le vecteur populaire de l’expression du refus, de l’espoir ou de l’idéologie politique. Plaque sensible artistique d’une société en mutation, ces clips présentent l’avantage de leur fluidité et de leur souplesse. La dimension émotionnelle dont ils sont chargés accroît même l’efficacité de leur message. Denis Martin leur rend ici leur place d’indices importants des transformations et des représentations sociales dans une Afrique du Sud en pleine mutation.
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KELLEY, Jonathan. „L’influence de la richesse et de l’origine familiale sur la carrière professionnelle : théorie et données transculturelles“. Sociologie et sociétés 8, Nr. 2 (30.09.2002): 99–114. http://dx.doi.org/10.7202/001381ar.
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Résumé Naître dans une famille jouissant d'un statut social élevé confère très tôt des privilèges tant à l'école que lors de l'obtention du premier emploi, et ces privilèges ont des effets permanents. De plus, cela confère d'autres avantages en cours de carrière. Je fais l'hypothèse que certains de ces avantages découlent de la richesse des parents et d'autres ressources économiques et que la plupart des avantages obtenus en cours de carrière proviennent de ces ressources, comme le soutiennent Bernard et Renaud. De tels effets devraient être d'une plus grande importance dans les sociétés moins développées et dans les sociétés où les ressources économiques sont distribuées plus inégalement. De nouveaux résultats provenant de recherches effectuées dans une société tribale pré-capitaliste, dans une société à prédominance paysanne très pauvre et dans des villes de neuf pays latino-américains situés à niveaux différents de développement viennent étayer cette théorie.
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Roman, Joël. „La politique de la ville et l'école“. Migrants formation 97, Nr. 1 (1994): 16–29. http://dx.doi.org/10.3406/diver.1994.6956.
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L'histoire des ZEP, qui est aussi celle de leur articulation avec la politique de la ville, va de la discrimination positive à des stratégies d'excellence. Mais l'ambivalence et la force de la demande sociale, laquelle traduit la dynamique d'une société individualiste, font de l'école le lieu de la concurrence maximale. Les réponses à ce défi se situent dans le développement de la formation professionnelle permanente et la requalification, autour de l'école, de la notion de service public.
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Gendre, Francis, François Chaghaghi, Bernard Muller und Elisabeth Léo-Dupont. „Validité synthétique et choix professionnel“. L’Orientation scolaire et professionnelle 15, Nr. 4 (1986): 279–93. http://dx.doi.org/10.3406/binop.1986.1603.
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La validité synthétique a été proposée dans le cadre de la sélection professionnelle, en lieu et place du modèle classique. Elle consiste à valider les caractéristiques individuelles, non plus vis-à-vis d’un critère global de réussite à l’intérieur d’une profession donnée, mais vis-à-vis de composantes du travail au travers de toutes les professions où elles sont présentes. Cette étude présente l’adaptation de ce concept à la situation d’orientation professionnelle. 673 garçons et 755 filles, testés alors qu’ils avaient 15-16 ans et étaient dans leur dernière année d’école obligatoire, ont été retrouvés 6 ans après. Le métier exercé à ce moment a été qualifié sur 5 dimensions : intelligence scolaire, intelligence technique, routine, social, artistique. Cinquante facteurs descriptifs, appartenant aux structures de l’environnement et des sphères cognitive, affective, évaluative de l’individu, ont été mis en relation (régression multiple pas à pas) avec les 5 dimensions des métiers, pour chaque sexe et chaque niveau scolaire, ainsi que pour l’ensemble des garçons et l’ensemble des filles. Les résultats ont montré que, sauf en ce qui concerne la structure évaluative (intérêts professionnels), où apparaissent des constantes, les relations trouvées sont le plus souvent conditionnelles du sexe et du niveau scolaire. Les caractéristiques des métiers sont mieux prédites chez les secondaires que chez les primaires, chez les garçons que chez les filles, indiquant chez ces dernières une moins grande liberté de choix. Les applications possibles du concept de validité synthétique ont été évoquées (méthode fenêtre).
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Serdeva, Sabina, und Adriana Agovska. „Problèmes de l’orientation scolaire et professionnelle des élèves souffrant de maladies chroniques en Bulgarie“. L’Orientation scolaire et professionnelle 24, Nr. 2 (1995): 193–204. http://dx.doi.org/10.3406/binop.1995.1102.
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La fréquence de la pathologie chronique chez les élèves bulgares impose une prise en considération particulière des aspects médicaux-préventifs de l’orientation scolaire et professionnelle de ces élèves. Cet article présente les principales structures du système d’enseignement et de formation professionnelle concernant les élèves souffrant de maladies chroniques. Ces structures permettent de mettre en œuvre une activité de conseils précoces et une orientation adaptée au malade. De même, les auteurs ont mis en évidence les principales caractéristiques de l’organisation et du fonctionnement des écoles de convalescence médico-psychologiques en Bulgarie. Il s’agit d’écoles spécialisées, offrant les conditions requises pour travailler avec des élèves qui sont soit convalescents, soit menacés de tomber malades, et donc réclament des soins particuliers, une assistance médico-psychologique et une protection à la fois de l’État et de la Société.
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Marcadé, Jean-Claude. „La Représentation dans les Arts Plastiques Image ou imagerie ? (note critique)“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 52, Nr. 6 (Dezember 1997): 1367–78. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1997.279639.
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Ce livre représente un moment important dans l'histoire des idées, dans l'histoire tout court. Il est rare en effet que les historiens fassent entrer dans le cercle de leur réflexion, autrement qu'accessoirement, les arts plastiques dans toutes leurs manifestations et surtout les philosophies de l'art, voire ce que l'on appelle depuis le 18e siècle l'esthétique. Le plus souvent, l'historien part d'une sociologie de la création artistique pour conforter son idée que les mutations de la société « retentissent sur les circonstances et sur les intentions de l'acte créateur».
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Lemieux, Cyril. „Figeage, empêchement, procuration“. Germinal N° 6, Nr. 1 (13.11.2023): 230–41. http://dx.doi.org/10.3917/ger.006.0230.
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Qu’est-ce que l’inactivité professionnelle fait à la politisation ? À partir du cas des retraités, des chômeurs et précaires et des « femmes au foyer », le sociologue Cyril Lemieux montre que le fait d’être sans emploi tend à occasionner, pour les personnes concernées, une politisation figée, empêchée ou vécue par procuration. Mais ces obstacles à une citoyenneté politique active ne signifient pas pour autant une dépolitisation. C’est ce qui plaide, plus encore que pour l’idée de « droit au travail », pour celle d’un « droit social universel à l’intégration professionnelle », seul à même de libérer au sein de la société le potentiel de politisation des personnes dites « inactives ».
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Xu, Yi Bing, und Rui Deng. „Monter dans les nuages et la brume“. Sociétés 163, Nr. 1 (15.04.2024): 125–39. http://dx.doi.org/10.3917/soc.163.0125.
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L’auteur examine les racines de l’image et le sens du dragon chinois dans le domaine de l’imaginaire, couvrant un large spectre allant des mythes antiques à la société contemporaine. La recherche commence par l’analyse du symbolisme du dragon dans les mythes anciens, révélant son étroite connexion avec la prédominance culturelle, puis elle explore les multiples symbolismes du dragon dans la culture traditionnelle chinoise, incluant ceux du pouvoir impérial, l’autorité et les symboles de bonheur et de bienfaits. L’auteur explore ensuite le domaine de l’imagination artistique : analyse détaillée des images de dragons dans les œuvres littéraires ainsi que de leur représentation imaginaire dans les formes d’art, telles que la peinture, la sculpture et la danse. Sur cette base, il examine l’influence et l’évolution du dragon chinois dans la société contemporaine, en particulier dans les médias culturels actuels, tels le cinéma, l’animation et les jeux vidéo. Enfin, l’article résume l’évolution de l’image et du sens du dragon dans l’imaginaire en mettant l’accent sur ses transformations continuelles et ses enrichissements tout au long de l’histoire puis propose des directions et des perspectives de recherche pour l’avenir.