Thematische Bibliographien / Sculpture – XXe siècle

Inhaltsverzeichnis

  1. Zeitschriftenartikel
  2. Dissertationen
  3. Bücher
  4. Buchteile
  5. Konferenzberichte

Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Sculpture – XXe siècle“

Autor: Grafiati
Veröffentlicht am 18. Mai 2024

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Zeitschriftenartikel zum Thema "Sculpture – XXe siècle"

1

Tsagkari, Nikoleta. „Isabelle Waldberg, sculpteur (1911-1990) : une trajectoire émancipée“. Source(s) – Arts, Civilisation et Histoire de l’Europe, Nr. 8-9 (19.10.2022): 119–40. http://dx.doi.org/10.57086/sources.304.

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Isabelle Waldberg, sculpteur : une trajectoire émancipée – Isabelle Waldberg (1911-1990), sculpteur franco-suisse inscrite dans le courant de l’abstraction, appartient à une lignée d’artistes femmes dont le travail est encore peu étudié et reconnu par les historiens de l’art du XXe siècle. Sa production sculpturale présente un large éventail de thèmes traités, de techniques appliquées et de matières employées. Aussi bien artiste qu’intellectuelle, Isabelle Waldberg a réalisé des recherches approfondies en sciences humaines, qui ont alimenté systématiquement son travail plastique et lui ont réservé une place importante dans le paysage artistique et intellectuel de son époque : du Collège de Sociologie de Georges Bataille au cercle des surréalistes exilés à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a côtoyé des grandes personnalités de son temps et a développé dans sa sculpture, un univers esthétique singulier, jonglant entre figuration et abstraction. L’objectif de cet article est de démontrer, à travers des moments marquants de son parcours et des principes fondamentaux de son travail, comment une artiste femme de cette génération qui resta souvent à l’ombre de ses collègues masculins, a su s’émanciper sur un plan créatif mais aussi intellectuel et s’est forgé une identité artistique et une vision de la sculpture qui lui sont propres.
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Lapacherie, Jean-Gérard. „Artiste ou artisan ?“ Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 7, Nr. 1 (2003): 41–57. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2003.1266.

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Dans les années 1920, le linguiste Ferdinand Brunot établit, dans son Histoire de la Langue Française, tome VI, Première partie, 2, l’histoire des deux mots artiste et artisan qui, du XVIe au XVIIIe siècle, ont été employés l’un pour l’autre. Il explique cette concurrence par la variété des significations du nom art et les tentatives faites pour les distinguer par la création au XVIIe siècle d’Académies (de peinture, de danse, de sculpture, d’architecture) où étaient enseignés des arts que l’on a nommés beaux-arts afin de ne plus les confondre avec des métiers moins prestigieux (horlogers, marbriers, etc.). On peut objecter à cette hypothèse que la confusion entre artiste et artisan a perduré jusqu’à la fin du XVIIIe s et qu’il nous arrive d’hésiter aujourd’hui encore quand nous devons qualifier des typographes, des relieurs, des céramistes, des potiers, des joailliers, des tapissiers : artistes ou artisans ? À mon sens, la véritable rupture se produit au XIXe siècle, quand le mot art se charge de nouvelles significations qui ne sont plus liées au “faire” et que, sous l’influence du mot allemand Kunst, il prend le sens de “savoir” ou “mode de révélation des secrets du monde” (fonction que la poésie a longtemps assumée). Dès lors, le statut de l’art et le rôle que les artistes s’attribuent non seulement font évoluer le sens des mots, mais expliquent aussi des évolutions étonnantes dans l’art aux XIXe et XXe siècles.
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Dufrêne, Thierry, und Paul-Louis Rinuy. „La sculpture du XXe siècle, une histoire en cours. État des recherches en France“. Histoire de l'art 44, Nr. 1 (1999): 3–9. http://dx.doi.org/10.3406/hista.1999.2838.

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Nachtchokina, Mariya. „Метаморфозы восприятия стиля модерн в россии“. Modernités Russes 11, Nr. 1 (2010): 293–305. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2010.934.

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Cet article se propose d’étudier les modalités de la réception de l’Art Nouveau dans l’architecture avant son apparition en Russie (1898-1901), durant les premières années du vingtième siècle et après les années 1970. L’Art Nouveau dans l’architecture avait suscité dans la société russe des attentes qui se trouvèrent très vite trompées. Dès 1901, les lignes fluides, les ondulations et les arabesques, la végétation dans le décor, les sculptures audacieuses suscitent la méfiance du public et son abandon par les architectes vers 1910. L’auteur analyse le sort ultérieur de ces oeuvres architecturales en Russie, et les raisons de leur mythologisation. Dans les années 1970-1980, l’Art Nouveau devient le style de l’époque pour devenir environ dix ans plus tard le «grand style» de la fin du XIXe et du début du XXe siècles qui mérite de droit sa place dans l’architecture de la post-Renaissance.
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Fouilloux, Étienne. „Sculpture moderne ou sculpture du 20e siècle ?“ Vingtième Siècle, revue d'histoire 14, Nr. 1 (1987): 90–100. http://dx.doi.org/10.3406/xxs.1987.1863.

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Jurkovic, Miljenko. „La sculpture du XIe siècle en Dalmatie“. Bulletin de la Société Nationale des Antiquaires de France 1999, Nr. 1 (2002): 222–34. http://dx.doi.org/10.3406/bsnaf.2002.10385.

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Durliat, Marcel. „La sculpture du XIe siècle en Occident“. Bulletin Monumental 152, Nr. 2 (1994): 129–213. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.1994.3458.

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Omodeo, Christian. „Marbre et sculpture en Italie au xixe siècle“. Perspective, Nr. 3 (30.09.2007): 468–73. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.3620.

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Pingeot, Anne. „La sculpture du XIXe siècle. La dernière décennie“. Revue de l'Art 104, Nr. 1 (1994): 5–7. http://dx.doi.org/10.3406/rvart.1994.348118.

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Hardgrove, James. „Corpus de sculptures françaises du XIXe siècle“. Perspective, Nr. 3 (30.09.2006): 407–11. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.4239.

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Mehr Quellen

Dissertationen zum Thema "Sculpture – XXe siècle"

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Varia, Radu. „Brancusi : une recherche du spirituel dans l'art du XXe siècle“. Paris, EHESS, 1989. http://www.theses.fr/1989EHES0335.

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Constantin brancusi, le plus grand sculpteur des temps modernes, est ne au centre meme de l'espace carpato-danubien : cet environnement, depositaire des plus anciennes civilisations d'europe, predispose tout naturellement a une intelligence vivante des valeurs de la conscience archaique. Celle-ci, toujours vehiculee par des formes originelles, primaires, est indifferente au temps, se maintient contemporaine de sa propre eternite. Chaque fois qu'un genie fait que la structure archaique emerge a travers l'oeuvre qui la ressuscite et la revivifie, cette oeuvre elle-meme devient contemporaine des origines. Brancusi devait, justement, retrouver la meme monumentalite, la meme vocation de duree, la meme purete irradiante des formes premieres qui caracterisent aussi la sculpture et l'architecture sacrees de l'egypte ancienne. Egyptien dans la forme, hindou dans sa recherche spirituelle (son livre de chevet sera le jetsun kahbum, contenant l'enseignement du moine tibetain du onzieme siecle, milarepa), brancusi laissera aussi transparaitre dans son art toute l'ampleur de son inspiration celtique. Cette etude, s'appuyant sur des documents reveles souvent pour la premiere fois, se propose d'analyser et d'eclairer, dans cette multiple perspective, le cheminement spirituel de l'oeuvre de brancusi, consideree dans ses aspects formel, mystique et mathematique
Constantin brancusi, the greatest sculptor of modern times, was born at the very centre of the landspace between the carpathian mountains and the danube. A repository of europe's most ancient civilisations, this is an environment particularly conducive to vivid awareness of the values of the archaic consciousness, perpetuated through primary, primeval forms, unmodified by time, remaining contemporaneous with its own eternity. Each time a genius brings out the archaic structure in a work that resuscitates and revitalises it, the work itself becomes contemporaneous with its origins. Brancusi would recreate the monumentality, the same urge for lastigness, the same radiant purity of primary forms that characterised the sacred sculpture and architecture of ancient egypt. Egyptian in its form, hinu its spiritual quest (the sculptor's favorite reading was the jetsun kahbum, with its teachings of the elventh century tibetan monk milarepa), brancusi's art also exudes the full force of its celtic inspiration. This study, based largely on documents which are revealed here for the first time, seeks to analyse and clarify these various aspects of the spiritual approach in brancusi's work, considered from the formal, mystical and mathematical angles
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Le, Follic-Hadida Stéphanie. „L'oiseau dans la sculpture du XXe siècle : animal, emblème, vol, envol et apesanteur“. Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010672.

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L'oiseau est-il une création du XXe siècle ? Il est facile de répondre par la négative tant son empreinte est forte dans toutes les civilisations du monde. Pourtant, seul le XXe siècle choisit ainsi de l'isoler de son contexte de vie anecdotique, de le doter d'attributs, non plus seulement allégoriques, mais moraux, non plus seulement religieux ou politiques, mais lai͏̈ques et humains, humains et sacrés. Si la sculpture des premières décennies du XXe siècle met en évidence une scission entre une sculpture de la raison et une sculpture de la situation, il nous paraît logique d'inscrire l'oiseau dans cette seconde catégorie. Cet oiseau-là résulte, en effet, de l'histoire socio-politique du monde, faite et subie par les hommes. Il lui doit ses beautés (couleurs, chant et essor) et sa misère tant physique que psychologique. L'oiseau incarnait la liberté; le Xxe siècle la lui a imposée: libre d'aimer ou de consacrer l'amour, libre de tuer, libre de mourir. La liberté est un joug dont l'homme moderne a goûté l'âpre parfum. Cet oiseau-là n'existait pas avant l'avènement du XXe siècle. L'oiseau devait désormais pénétrer l'intériorité humaine. L'oiseau aurait été un buvard, une éponge, un reflet des ressentis humains du siècle, le "fantôme particulier" de l'homme, son double créé, sa métaphore privilégiée. L'oiseau créé, tout à la fois, porte-étendart de ses rêves et garde-fou de ses pulsions criminelles, aurait aidé l'homme à atténuer la vigueur de ses chocs passionnels au cours du siècle. L'oiseau serait devenu l"'avatar de l'artiste qui se soumet à cette figure comme s'il s'agissait d'un surmoi en réduction", écrit encore Werner Spies au sujet de Max Ernst et de son double, Loplop.
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Rionnet, Florence. „Le rôle de la Maison Barbedienne (1834-1954) dans la diffusion de la sculpture aux XIXe et XXe siècles : considérations sur les bronzes d’édition et l’histoire du goût“. Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040092.

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La Maison Barbedienne, fondée en 1834, fut l’une des plus importantes entreprises de bronzes d’art en France au XIXe siècle. Le fondateur de la Maison, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), s’associa dès 1838 à Achille Collas (1795-1859) - l’inventeur du procédé de réduction mécanique des statues - et sut donner une extension considérable à la production des petits bronzes d’édition. Son succès reposa en grande partie sur sa politique et sa stratégie commerciales. Son choix d’un répertoire « académique » proche du goût dominant répondait aux exigences d’une clientèle bourgeoise à la recherche de valeurs sûres. Il parvint ainsi à se démarquer de la concurrence et à s’octroyer la collaboration des artistes vivants les plus en vogue, tels Antonin Mercié ou Paul Dubois. Sa présence régulière aux Expositions universelles et les nombreuses récompenses qu’il y reçut favorisèrent l’extension de l’entreprise qui comptait plusieurs centaines d’ouvriers au début de la Troisième République. Cet Âge d’or prit fin au tournant du siècle lorsque la petite sculpture industrielle perdit peu à peu de son attrait face à l’émergence de nouvelles exigences d’« originalité » de la part de la clientèle et de contrôle de la part des sculpteurs. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), neveu et successeur de Ferdinand, et son fils Jules (1882-1961) ne parvinrent pas, malgré leurs efforts, à donner une nouvelle impulsion à l’entreprise qui disparut en décembre 1954 victime de la morosité économique (suite à la crise de 1929 et à la Guerre) et surtout de la dépréciation générale pour le bronze d’art et pour les valeurs qu’il véhiculait
The Maison Barbedienne was founded in 1834 and was one of the most important companies of art bronzes in the 19th century in France. As early as 1838, the founder of the company, Ferdinand Barbedienne (1810-1892), formed a partnership with Achille Collas (1795-1859) – the man who invented the process for the automatic reduction of statues. This enabled him to widely spread the production of small bronzes in series. His success resulted mostly from his policy and commercial strategy. His choice of an “academic” catalogue – close to the prevailing taste – fits the wishes of his middle class clients, who requested safe values. He managed to distinguish himself from the other founders by using fashionable living artists such as Antonin Mercié or Paul Dubois. His regular attendance at the Expositions Universelles and the numerous prizes that he won favoured the extension of the company which counted several hundred workers at the beginning of the Third Republic. This Golden Age ended at the turn of the century, when small-size industrial sculpture partly lost its appeal because clients began to request “originality”, and sculptors asked for more control. Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945), Ferdinand’s nephew and successor, and his son Jules (1882-1961) failed to give a new impetus to the company in spite of their efforts. The company disappeared in December 1954, as a result of the depressed economic climate which followed the 1929 crisis and the 2nd World War and – above all – due to the general lack of appreciation of artistic bronzes and the values that they conveyed
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Monvoisin, Alain. „Analyse d'une procédure "in progress" à la lumière des modes de liaison utilisés dans quelques systèmes sculpturaux du XXe siècle, de l'objet au site“. Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081316.

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Cette these est une these d'arts plastiques. Elle interroge un travail personnel faisant appel a differents media tels que la peinture, la sculpture, l'objet, la photographie, etc. . , et relevant d'une categorie le plus souvent appelee installation. Generiquement intitule le monde est tout ce qui arrive, premiere proposition du tractatus logico-philosophicus de ludwig wittgenstein, abrege en lmetcqa pour plus de commodite, ce travail s'etale sur plusieurs annees et prend la forme de ce qu'il convient de nommer "work in progress"; cependant la these proprement dite ne porte que sur une sequence de quelques mois prise dans ce continuum, sequence constituee de 10 etats. Le principe en est que chaque installation s'enrichit de la precedente par l'adjonction d'elements nouveaux en meme temps que certains autres se transmettent de l'une a la suivante en tenant des roles et des positions spatiales differentes. Les elements constitutifs proviennent de prelevements effectues dans le reel, ou d'oeuvres personnelles anterieures et convenablement recyclees. Le contenu de cette these analyse les modes de liaison techniques, conceptuels, linguistiques, etc. . , qui unissent les differents constituants des elements, les elements entre eux, ainsi que les etats installatifs entre eux, ce a la lumiere de quelques oeuvres representatives prises dans l'histoire de la sculpture occidentale du xxe siecle, plus precisement de celles ne faisant pas appel a la technique du bloc
This thesis is on plastic arts. It questions a personal artistic work which uses different media (painting, sculpture, object, photography. . . ) and which belongs to the form of art most often called installation. Its generic title is le monde est tout ce qui arrive (named lmetcqa for short), referring to the first proposition of the tractatus logico-philosophicus of ludwig wittgenstein. This work has been going on for several years, taking the form of a "work in progress". However, the thesis itself is the study of a sequence lasting only a few months which is made up of 10 stages. The principle is that each installation grows richer than the precedent through the addition of new elements at the same time as some other elements transmit from one installation to the next, taking on different functions and spatial positions. The constitutive elements come from extracting operations out the real or from previous personal works which apply in the new context. This thesis analyses the technical, conceptual, linguistic bindind modes which link the different constituents of the elements, the elements in relation to one another as well as the installative stages (in relation to one another), taking inspiration from certain representative works of art selected from the history of 20th century western sculpture, and more particularly from those which were not conceived in a monolithic way
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Gleyze, Valentin. „Alina Szapocznikow à Paris (1963-1973) : une histoire culturelle du champ élargi de la sculpture en France au tournant des années 1960“. Electronic Thesis or Diss., Rennes 2, 2023. http://www.theses.fr/2023REN20042.

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La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaine
The last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death
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Autissier, Anne. „La sculpture romane en Bretagne, XIe-XIIe siècles“. Poitiers, 2001. http://www.theses.fr/2001POIT5010.

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A travers l'étude du décor sulpté de cinquante-neuf édifices, réunis en monographies, se dévoilent les caractères originaux de la sculpture romane en Bretagne, réalisée essentiellement dans du granit. L'analyse des épannelages et de l'ornementation révèlent l'existence de trois courants artistiques répartis sur l'ensemble de la péninsule. Dès le milieu du Xie siècle et surtout dans les années 1075-1100, le style corinthien apparaît dans le décor des abbatiales bénédictines des côtes méridionales (Saint-Gildas-de-Rhuis, Sainte-Croix de Quimperlé, Saint-Guénolé de Landévennec). Les influences perceptibles dans ce groupe viennent des régions ligériennes et du maine. Au cours des premières décennies du XIIe siècle (1100-1130), un art géométrique lié à des techniques architecturales particulières se voit dans le centre (Langonnet, Priziac, Calan) et sur les côtes septentrionales (Treguier, Lanleff). En outre, cet art n'est pas seulement décoratif, des symbôles religieux (croix, crucifixion, orant) ainsi que quelques scènes historiées difficiles à analyser sont présents. Cette ornementation particulière soulève de nombreuses questions telles que l'existence d'une tradition de l'art du bois, d'influences celtes diffuses ou d'une résistance à l'art des marges orientales. Parallèlement, une sculpture figurative et historiée - certains édifices laissent apparaître des bribes de programme iconographique- influencée par la région du Bas-Poitou et de la Saintonge se développe essentiellement sur la frange orientale de la Bretagne jusqu'à la fin du XIIe siècle (Dinan, Malestroit, Pleurtuit, Guerande). Quelques monuments montrent également la fusion de plusieurs styles (Loctudy, Fouesnant). Par ailleurs, l'hétérogénéité de ces ensembles sculptés, dans lesquels il est extrêmement difficile d'établir des filiations, dessine une géographie artistique, liée à la frontière linguistique entre gallo et breton, qui n'est toutefois pas absolue.
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Kern, Pierre-Gilles. „Autour de la Ruche, les cités d’artistes à Paris (XIXe-XXe siècles)“. Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040094.

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Cette thèse évoque le phénomène parisien du regroupement d’artistes au sein d’une centaine de cités depuis deux siècles. La première partie traite de l’origine de ce mouvement concernant tout d’abord les artistes officiels avec le Louvre, dès le règne d’Henri IV, puis la Sorbonne, l’Institut, des années 1800 à 1820 ; cette réalité s’étendit progressivement à des artistes plus modestes, installés à la fin du XIXe siècle dans des lieux tels la Cité Falguière, la Cité fleurie, la Villa des arts, le Bateau-Lavoir. La deuxième partie se concentre sur l’analyse d’une cité singulière mais représentative, la Ruche, de 1900 jusqu’à 1945 : sa création par le sculpteur Alfred Boucher qui ouvrit sa cité aux artistes de différentes disciplines, sans distinction sociale, intéressant rapidement des artistes étrangers, puis la traversée de la Grande Guerre et ses conséquences, notamment l’accueil de populations sinistrées qui devaient recomposer cette communauté, jusqu’à son affaiblissement. La troisième partie propose, de la période des années trente jusqu’à nos jours, l’étude des principales cités d’artistes créées, en particulier Montmartre aux artistes, la Cité internationale des arts, évoque la question des menaces pesant sur de nombreuses cités, ainsi que celle des nouvelles formes d’appropriation de lieux par les artistes ; est également retracée la nouvelle évolution de la Ruche dont la notoriété a incité un marchand d’art, à en créer une réplique active au Japon
This thesis treats the phenomenon of Parisian artist’s gathered in a hundred groups of private houses since two centuries. The first part deals with the origin of this movement concerning, at the beginning, official artists with “le Louvre”, since the reign of Henri IV, then “la Sorbonne”, in particular, from the years 1800 to 1820 ; this reality has been spreading out progressively at the less well-off artists, installed at the end of century XIXth in places like “la Cité Falguière”, “la Cité fleurie”, “la Villa des arts”, “le Bateau-Lavoir”. The second part concentrates on the analysis of the first years to 1945 of a special colony but representing the whole, “la Ruche” : its creator, the sculptor Alfred Boucher, opened indiscriminately the city in 1902 for painters, sculptors, musicians. . . Frenchmen as well as foreigners, then the period of the First World War, with its refugees, who modified this community up to its decline. The third part proposes, on the one hand, from the thirties up to today, the study of the principal new places, exp : “Montmartre aux artistes”, “la Cité internationale des arts”, the problem concerning groups of private houses demolitions, the actual ways of occupation ; on the other hand, the new development of “la Ruche”, which is well known and an art seller, made an active copy in Japan
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Derrot, Sophie. „Michel Liénard (1810-1870) : luxuriance et modestie de l'ornement au XIXe siècle“. Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE4009.

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Le personnage de l'ornemaniste occupe une place primordiale mais rarement bien définie dans le processus de création du monde des arts décoratifs du XIXe siècle. Prenant place au coeur de la société de l'ornement, Michel Liénard (1810-1870) est l'un de ces artistes curieux de tout, engagés dans de nombreux chantiers et de multiples domaines, à la fois tournés vers le passé et constamment à la recherche de progrès et de nouveauté. Spécialiste du néo-Renaissance mais participant plus globalement du courant de l'éclectisme, Michel Liénard a collaboré avec les grands noms de l'époque et ses travaux regardent aussi bien l'orfèvrerie, avec François-Désiré Froment-Meurice ou le mobilier avec la maison Grohé, la sculpture religieuse monumentale (chapelle royale de Dreux) ou mobilière (église Sainte-Clotilde, orgues de Cavaillé-Coll), la décoration d'intérieur palais du quai d'Orsay) ou l'urbanisme haussmannien. Cette étude biographique s'accompagne d'un répertoire des artistes que croise Liénard au cours de sa carrière, ornemanistes, sculpteurs, architectes, chefs d'entreprise, souvent liés professionnellement et personnellement
The ornemanist occupies an essential but hardely well defined place in the creative processes of the decorative arts world of the ninteenth century. Michel Liénard (1810-1870) takes place in the heart of the society of ornament; he is one of these curious artists, involved in many decorative fields, both turned to past and contantely looking for progress and innovation. As a specialist of the néo-Renaissance style and ecclecticism in general, Michel Liénard collaborated with the great names of the time: the goldsmith François-Désiré Froment-Meurice as well as the furniture house of the Grohé brothers or the organ maker Aristide Cavaillé-Coll. His works are related to religious sculpture (royal chapel of Dreux, Sainte-Clotilde church in Paris), interior decoration (palace of the Ministry of Foreign Affaires in Paris) or Haussmann's renovation of the capital. This biographical study goes along with a repertory of the artists who Liénard sees during his carrier (ornamentists, sculptors, architects, company heads) and who are often related to one another by professional and personnal bounds
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Flammin, Anne. „La sculpture du VIe au Xe siècle entre Loire et Gironde“. Poitiers, 1999. http://www.theses.fr/1999POIT5015.

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Vanderheyde, Catherine. „La sculpture architecturale méso byzantine empire du Xe au XIIIe siècle“. Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010682.

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Le sujet de la thèse concerne l'étude de la sculpture architecturale méso byzantine conservée en Epire. Au total, 235 bas-reliefs - dont 76 inédits - dates des Xe-XIIIe siècles ont été rassemblés dans un catalogue. L'histoire des lieux de provenance de chacun des reliefs répertoriés est étudiée dans la première partie de la thèse. La deuxième partie traite des matériaux, des outils et des techniques utilisés par les sculpteurs. Une analyse du répertoire ornemental des reliefs est contenue dans la troisième partie. La recherche menée dans chacune des parties de la thèse met en évidence les caractéristiques essentielles de la sculpture architecturale méso byzantine conservée en Epire. Au-delà des découvertes purement archéologiques (ateliers de sculpteurs, diffusion des motifs,. . . ), cette étude témoigne d'un développement urbain en Epire à la période méso byzantine, avant la naissance du despotat
The subject of the thesis concerns the study of the middle-byzantine architectural sculpture of Epiros. All in all, 235 reliefs - of which 76 are unpublished - from the 10th to the 13th century are gathered in a catalogue. The history of the places from which the reliefs come has been studied in the first part of the thesis. The second part deals with the stones, the tools and the carving techniques used by the sculptor. The third part is a thorough study of the reliefs' patterns. These three parts of the thesis show the main characteristics of the mesobyzantine sculpture of Epiros. Beside the archaeological discoveries (sculptors' workshops, patterns' diffusion,. . . ). This study proves the existence of an urban development in epiros in the mesobyzantine period, before the birth of the despotate
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Bücher zum Thema "Sculpture – XXe siècle"

1

Hôtel Drouot. Collection Cavalero: Peinture et sculpture du XXe siècle. Paris: Hôtel Drouot, 2002.

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2

La statuaire johannique du XVIe au XXe siècle. Vesoul: Mugnier, 2008.

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3

Paire, Alain. Peinture et sculpture à Marseille au XXe siècle (1906-1999). [Marseille]: Éditions Jeanne Laffitte, 1999.

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4

Goyens de Heusch, Serge, 1939-, Hrsg. XXe siècle, l'art en Wallonie: Peinture, sculpture, gravure, tapisserie, photograpie, architecture. Tournai, Belgique: Renaissance du livre, 2001.

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5

France) Musée des beaux-arts (Lyon. Sculptures: Du XVIIe au XXe siècle : musée des beaux-arts de Lyon. Lyon]: Musée des beaux-arts de Lyon, 2017.

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6

editor, Gaudichon Bruno, Hrsg. Le travail, la lutte & les passions: Bronzes belges au tournant du XXe siècle : autour de la donation Philippe et Françoise Mongin. Lille]: Éditions Invenit, 2019.

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7

Les guerriers et les chevaux en terre cuite des Qin: Une des plus importantes découvertes du XXe siècle. Bejing, Chine: Éditions de la Chine populaire, 1997.

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Denise, Grouard, Hrsg. Les orientalistes: Dictionnaire des sculpteurs, XIXe-XXe siècles. Paris: L'Amateur, 2008.

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9

Hôtel Drouot. Sculptures des XIXe et XXe siècles. Paris: Massol S.A., 2003.

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10

Tajan, Espace. Tableaux & sculptures des XIXe et XXe siècles. Paris: Tajan, 2001.

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Mehr Quellen

Buchteile zum Thema "Sculpture – XXe siècle"

1

Chappey, Frédéric. „Sculpture XVIe-XIXe siècles“. In Historiographie de l'histoire de l'art religieux en France à l'époque moderne et contemporaine, 29–34. Turnhout: Brepols Publishers, 2005. http://dx.doi.org/10.1484/m.behe-eb.4.00815.

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2

Marguerite, Marie-Lys. „Albus et candidus: usages du blanc sur quelques sculptures pisanes en bois de la fin du xive au début du xve siècle“. In Études Renaissantes, 35–47. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.er-eb.4.00139.

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3

Powell, Véronique Gérard. „La sculpture polychrome espagnole dans la France du XIXe et début du XXe siècle“. In Les échanges artistiques entre la France et l’Espagne, xve-fin xixe siècles, 223–33. Presses universitaires de Perpignan, 2012. http://dx.doi.org/10.4000/books.pupvd.7812.

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4

Gheerardyn, Claire. „Identités de sculpteur : l’artiste moindre (xixe‑xxie siècle)“. In Identités de l’artiste, 39–61. Éditions universitaires de Dijon, 2021. http://dx.doi.org/10.4000/books.eud.3877.

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5

Bresc-Bautier, Geneviève. „Les réseaux des sculpteurs parisiens sous Henri IV et Louis XIII“. In La forme des réseaux : France et Europe (xe-xxe siècle), 9–25. Éditions du Comité des travaux historiques et scientifiques, 2017. http://dx.doi.org/10.4000/books.cths.657.

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6

Rinuy, Paul-Louis. „Entretien avec le sculpteur Denis Monfleur « Je sculpte des têtes, l’ensemble de la tête, pas seulement des visages »“. In Sainte Face, visage de Dieu, visage de l’homme dans l’art contemporain (xixe - xxie siècle), 197–99. Presses universitaires de Paris Nanterre, 2015. http://dx.doi.org/10.4000/books.pupo.20942.

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7

Roland, Recht. „Avant-propos“. In La sculpture allemande du xie au xiiie siècle, 7–8. Presses universitaires de Strasbourg, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.36663.

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8

Panofsky, Erwin. „Index des lieux“. In La sculpture allemande du xie au xiiie siècle, 459–62. Presses universitaires de Strasbourg, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.36708.

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9

Freigang, Christian. „Présentation“. In La sculpture allemande du xie au xiiie siècle, 9–38. Presses universitaires de Strasbourg, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.36673.

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10

Panofsky, Erwin. „Index bibliographique et commentaires des planches“. In La sculpture allemande du xie au xiiie siècle, 105–205. Presses universitaires de Strasbourg, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.pus.36703.

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Konferenzberichte zum Thema "Sculpture – XXe siècle"

1

Jaurégui, Léa. „La sculpture chimérique, la sculpture confisquée“. In Les chefs-d'œuvre inconnus au XIXe siècle. Fabula, 2021. http://dx.doi.org/10.58282/colloques.6912.

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