Dissertationen zum Thema „Représentation musicale“
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Ntakovanou, Xanthoula. „Représentation musicale et représentation psychique : applications cliniques“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCC027/document.
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Cette thèse traite de la représentation musicale en tant que forme concrète de représentation psychique, tout comme peut l’être le langage verbal ou la représentation par l'image ; nous y interrogeons les particularités de cette forme de représentation dans la pensée humaine. Pourquoi l'homme a-t-il besoin de la représentation musicale ? Quelle est l'origine de la musique et quelles sont les fonctions de la musique dans les sociétés humaines ? Quelles sont les différences entre le code musical et le code verbal ? La première partie constitue une approche inter- et pluri-disciplinaire de ces questions. Dans la deuxième partie, nous étudions les structures élémentaires du discours musical : le rythme, la mélodie et l'harmonie. Nous localisons les racines du rythme musical dans les rythmes corporels et les origines de la mélodie musicale dans la voix préverbale — particulièrement dans la voix maternelle. L'harmonie musicale serait, elle, une application artistique des lois universelles du phénomène acoustique. Dans la troisième partie, nous traitons du code musical en tant que forme de représentation psychique qui encode sens et émotion : nous lui attribuons concrètement la capacité d'encoder, mieux que le langage verbal, non pas l'information purement concrète mais l'affect, les sensations corporelles et la dimension relationnelle de la vie humaine. Nous nommons sonogrammes les proto-représentations musicales, qui seraient analogues aux pictogrammes de Piera Aulagnier, et qui seraient l'encodage sonore précis d'un état affectif ressenti in utero par circulation hormonale, associé à une forme sonore concrète entendue par le fœtus. Nous examinons ensuite comment les sonogrammes donneraient lieu à des formes de représentation psychique musicale plus élaborées, comme les structures musicales de fond (fragments de rythme, mélodie ou harmonie) et, finalement, au code musical achevé. Nous considérons ce dernier comme un reflet du processus de subjectivation de l'individu, encodant d'une façon extrêmement précise le vécu relationnel de l'homme, depuis la phase de symbiose avec la mère à l'aube de sa vie, jusqu'à la phase d'autonomie complète de l'enfant. Nous nous interrogeons sur la relation de la musique avec le rêve, le processus primaire et l'inconscient. Enfin la musique est considérée comme une forme de représentation psychique qui reflète, également, les éventuels aspects pathologiques du psychisme. En quatrième partie est exposé l'investissement libidinal du sujet par la musique : nous recherchons le lien de cette dernière au narcissisme mais aussi à l'amour d'objet. Nous analysons comment s'effectue la sublimation dans le champ artistique et quelles sont les particularités de la sublimation musicale. La sublimation d'Eros mais aussi celle de Thanatos sont analysées au travers d'exemples concrets, dans la réalité de la création musicale. Enfin, dans la partie V, nous recherchons comment la musique comme représentation psychique pourrait s'intégrer dans la pratique clinique psychanalytique. Nous y décrivons notre protocole de Musicodrame Analytique, une méthode d'application concrète de la musique dans la pratique clinique psychanalytique individuelle ou groupale. Dans ce protocole, nous utilisons le code musical en alternance avec le code verbal et celui des images afin d'avoir accès à la pensée de notre patient, à son affect, à sa réalité psychique, puis nous travaillons sur cette réalité à travers la représentation musicale. Nous nous intéressons aussi à la néo-symbolisation qui peut avoir lieu chez le sujet à travers la sensorialité du sonore et qui peut s'encoder ensuite en musique lors du travail thérapeutique à médiation musicale. Les différentes applications du Musicodrame Analytique et ses résultats sont illustrés dans l’exposition de plusieurs cas cliniquesThis thesis considers musical representation as a concrete form of mental representation, just as verbal language or image representation. We are questioning which are the particularities of musical representation in human thought. Why does man need musical representation, what are the origins of music and what functions does music serve in human societies ? Which are the differences of the musical code from the code of verbal language ? The first part of our thesis approaches these questions through an interdisciplinary study. Furthermore, we are interested in the elementary structures of musical discourse : rythm, melody and harmony. In the second part of this thesis, we locate the origins of musical rythm in physical body rythms, and the origins of musical melody in the preverbal voice - concretely in the mother's voice. Musical harmony is considered as an artistic application of the universal laws of the acoustic phenomene. In the third part of this thesis the musical code is analysed, as a form of mental representation which encodes meaning and emotion : we attribute to the musical code the capacity to encode, better than language does, not concrete information but inner affective states and body sensations, as well as the experience of human relation. We name sonograms, in analogy to Piera Aulagnier's pictograms, the musical proto-representations which would encode precicely an affective state felt in utero by hormonal circulation associated to a concrete sonor pattern listened by the fetus at the same time. We examine, furthermore, how sonograms would evolve to more elaborated forms of musical representation, that we name fond musical structures (rythm, melody and harmony) and, finaly, to the sophisticated musical code. We consider this latter musical code as a reflection of the subjectivation of the individual, which encodes precicely the human experience of relation, from the initial phase of symbiosis with the mother to the phase of complete autonomy of the child from her. Music is considered as a form of mental representation which may also reflect the eventual pathological aspects of the psychic apparatus, and it is compared to dreaming, to the primary process and the unconscious. In the fourth part of this thesis, we expose the libidinal investment of the subject which takes place through music : the relation of music to narcissism, but also to object investment is questioned. How does sublimation occur in the artistic field, and what is the particularity of musical sublimation ? The sublimation of Eros, but also of Thanatos is analysed in the reality of musical creation, through concrete musical examples. Finally, in the fifth part of our thesis we are investigating the way in which music, as a form of mental representation, could be integrated into psychoanalytical clinical practice. We are describing our protocol of Analytical Musicodrama, a concrete method of musical implication into psychoanalytical clinical practice, both in individual and group analysis. In this protocol, we are using the musical code, which we alternate with verbal language but also with the image representation code, aiming to access thoughs, affective states and the psychological reality of our patients. We are afterwards working on this reality through musical representation. We are also interested in neo-symbolisation which can take place for the subject by means of sonor sensoriality, and could afterwards be encoded into music. Different applications of Analytical Musicodrama and its therapeutic results are illustrated, trough the exposition of various clinical examples
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Couprie, Pierre. „La musique électroacoustique : analyse morphologique et représentation analytique“. Paris 4, 2003. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01264966.
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L'analyse de la musique électroacoustique est ici développée sous l'angle de la description morphologique. Celle-ci consiste, après segmentation du matériau musical, à décrire, à l'aide de critères, les différentes unités sonores et musicales. Ces critères sont classées en trois groupes : interne (spectre, dynamique, allure, grain et espace), référentiel (causalité, voix, effet et émotion) et structurel (analyse formelle). La représentation graphique est devenue un outil essentiel de l'analyste et peut être envisagée sous un angle iconique - créer des liens forts entre le son, ses critères analytiques et les formes graphiques - ou symbolique - figurer le son et ses critères par un ensemble de symboles extrêmement précis. En outre, la représentation est aussi un matériau idéal pour la publication multimédia : l'analyse représentée est associée au son, voire à d'autres médias, pour former un document didactique très riche. Le plan théorique est complété par des analyses de Spirale de Pierre Henry, " Géologie sonore " de Bernard Parmegiani et Stilleben de Kaija SaariahoWhat we mean here by the analysis of electroacoustic music is a morphological description. It consist in using various criteria to describe the different aural and musical units of the musical material once they have been separated into segments. These criteria can be classified in three groups : internal (spectrum, dynamic, gait, granularity and space), referential (causality, voice, effect and emotion) and structural (formal analysis). Graphical representation has become an essential tool for the analyst and it can take the form of icons - creating strong links between the sound, its analysing criteria and graphic symbolic forms - or symbols - representing sound and its criteria with extremely accurate symbols. Moreover, representation is also an ideal material for multimedia publication : the represented analysis is associated to sounds or even other media to create a very rich didactical document. The theorical plan is completed by analyses of Spirale by Pierre Henry, " Geologie sonore " by Bernard Parmegiani and Stilleben by Kaija Saariaho
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Barrera, Juan David. „La musique pour orgue en France à l'âge classique : une représentation du sacré“. Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC003/document.
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Notre étude de la musique pour orgue en France à l’Âge classique se centre sur sa dimension signifiante, et tout particulièrement sur sa fonction représentative du sacré. Notre intérêt a pour origine un constat : à l’heure actuelle, les travaux les plus importants consacrés à ce répertoire négligent la question, alors que la genèse de cette école organistique coïncide avec l’un des moments historiques les plus remarquables de la spiritualité catholique française (en effet, le XVIIe siècle n’est pas seulement le « Grand Siècle des idées » mais aussi le « Grand Siècle des âmes »). Dans cette optique, et partant du principe que la musique religieuse peut se comprendre comme un produit esthético-théologique façonné en fonction des besoins symboliques et expressifs de la liturgie (au même titre que d’autres manifestations d’art sacré), ce travail cherche à mettre en lumière la manière dans laquelle, grâce à un ensemble de catégories esthétiques et de topiques musicaux dirigés par des principes rhétoriques, la musique des organistes français peut communiquer les notions fondamentales de la doctrine chrétienne. Pour ce faire, nous proposons un parcours en quatre parties, abordant successivement les contextes culturel et spirituel du XVIIe siècle en France, les éléments constitutifs de l’univers signifiant du répertoire, l’organisation stylistique du répertoire, et finalement, d’un point de vue herméneutique, l’œuvre de trois compositeurs majeurs de cette tradition musicale : Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain et François CouperinThis study of French organ music during the “Classical period” focuses on its signifying dimension, and particularly on its representative function in the liturgy. Our interest springs from an observation: the most important works devoted to this repertoire neglect the question, whereas the genesis of this organ school coincides with one of the most remarkable historical moments of Catholic spirituality. From this point of view, and assuming that sacred music can be understood as an aesthetic-theological product shaped according to the symbolic and expressive topics of the liturgy (in the same way as other manifestations of sacred art), our research seeks to demonstrate the way in which the music of French organists can communicate the fundamental notions of Christian doctrine through a set of aesthetic categories and musical topics directed by rhetorical principles. In this way, our work is divided into four parts, successively highlighting the cultural and spiritual contexts of the seventeenth century in France, the elements of the signifying universe of these music, the stylistic organization of the repertoire, and finally, from a hermeneutic point of view, the analysis of three major composers of this musical tradition: Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain and François Couperin
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Gülgönen, Séline. „La mimesis musicale dans l'oeuvre de Platon“. Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100039.
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Ce travail se propose de déterminer la nature, le fonctionnement et les enjeux de la mimesis musicale dans les Dialogues de Platon. Il souhaite donc contribuer aux études de la pensée platonicienne de la musique en prenant pour point d'appui le concept de mimesis, qui se trouve par là même éclairé d'un jour nouveau. Pour Platon en effet, la musique ne se définit pas, ou pas essentiellement, comme “art des sons” mais elle est avant tout une imitation sensible des mouvements de l'âme, et elle a pour charge d'en transmettre certains aux autres âmes. Car la pensée platonicienne ne sépare jamais ce que peut faire la musique de ce qu'elle doit faire, tant sur le plan psychologique que politique – comme on le voit dans la République et dans les Lois. Mais le pouvoir imitatif de la musique ne se limite pas aux âmes individuelles : la musique imite aussi en effet les mouvements cosmiques – comme on le voit dans le Timée. Par son pouvoir imitatif, la musique peut alors devenir une véritable technique hygiénique et thérapeutique qui relie l'âme et le corps aux mouvements du monde, lui-même pourvu de qualités musicales. Ainsi articulée au concept de mimesis, la musique se révèle être un intermédiaire essentiel entre l'intelligible et le sensible, qui lui permet de jouer un rôle central dans la théorie de l'âme, de la Cité et du mondeThis work focuses on the nature, the operating and the goals of musical mimesis in Plato's Dialogues. It should contribute to the study of platonician thought, while also shedding a new light on the concept of mimesis. In Plato's thought, music is not – or not essentially – an “art of sounds”. It is primarily a tangible imitation of the movements of the soul, an can also serve to propagate them to ether souls. Platonician thought never separates what music can do from what it should do, as can be seen in the Republic and the Laws. But the imitative power of music is not limited to individual souls : music can also imitates cosmic movements, as can be seen in the Timeaus. Through this imitative capacity, music can therefore become hygienic and therapeutic technique, linking the soul and the body to the movements of the world, which is also invested with musical qualities. In the light of mimesis, music proves to be an essential mediator between intelligible and sensible, thus playing an important role in the theory of the soul, the City and the world
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Boisbourdin, David. „Vers un nouvel humanisme musical : Perception et représentation de l’oeuvre musicale électroacoustique d’Elie-Paul Cohen. Un langage musical universel est-il possible aujourd’hui ?“ Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040231.
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Elie-Paul Cohen est un médecin et un compositeur encore inconnu du grand public. Ses œuvres électroacoustiques sont construites autour d’un matériau sonore physiologique, issu de la captation des vibrations du corps humain. L’étude de ces pièces pose la question de la relation entre le corps et la musique, notion déjà abordée par les humanistes de la Renaissance. Il fait également partie d’un groupe de recherche médicale qui vient de mettre au point des modèles sonores de molécules d’ADN qu’il utilisera dans sa prochaine production musicale. Ces sons de provenance physiologique ont un impact énorme sur la perception que nous avons des sons mais également de la musique ; ceci nous a amené à nous interroger sur la notion même de musique, sur la perception que nous en avons. Une éventuelle universalité de la musique pourrait-elle reposer, depuis toujours, sur la modélisation sonores des vibrations corporelles ? Pour ce faire nos travaux ont abouti à une transversalité de disciplines telles que musique, musicologie, phénoménologie, neurosciences, physiques, recherche médicale de pointe ou biologieElie-Paul Cohen is a doctor and a composer who is relatively unknown by the general public. His electroacoustic works are built around a physiological sound material, resulting from the capturing of human body vibrations. The study of these works raises the question of the relationship between the body and music, a concept which was already being addressed by the Renaissance humanists. He is also part of a medical research group which has developed sound patterns of DNA molecules that he will use in his next musical production. These physiological sounds have a huge impact on our perception of sounds but also of music; this led us to question the very notion of music and the perception we have of it. Could a universal music based on the sound modeling body vibrations exist? This led our work to result in a cross-disciplinary approach including the fields of music, musicology, phenomenology, neuroscience, physics, medical research or advanced biology
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Goudard, Vincent. „Représentation et contrôle dans le design interactif des instruments de musique numériques“. Thesis, Sorbonne université, 2020. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses-intra.upmc.fr/modules/resources/download/theses/2020SORUS051.pdf.
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Les instruments de musique numériques se présentent comme des objets complexes, qui se situent à la fois dans une continuité historique avec l'histoire de la lutherie tout en étant marqués par une rupture forte provoquée par le numérique et ses conséquences en terme de possibilités sonores, de relations entre le geste et le son, de situations d'écoute, de re-configurabilité des instruments, etc. Ce travail de doctorat propose une analyse des caractéristiques émanant de l'intégration du numérique dans les instruments de musique, en s'appuyant notamment sur une réflexion musicologique, sur des développements logiciels et matériels et sur une pratique musicale, ainsi que sur des échanges avec d'autres musiciens, luthiers, compositeurs et chercheursDigital musical instruments appear as complex objects, being positioned in a continuum with the history of lutherie as well as marked with a strong disruption provoked by the digital technology and its consequences in terms of sonic possibilities, relations between gesture and sound, listening situations, reconfigurability of instruments and so on. This doctoral work tries to describe the characteristics originating from the integration of digital technology into musical instruments, drawing notably on a musicological reflection, on softwares and hardwares development, on musical practice, as well as a number of interactions with other musicians, instruments makers, composers and researchers
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Kafetzi, Eleni. „Interdisciplinarité en représentation théâtrale. Éléments du Musical dans le spectacle interdisciplinaire contemporain“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA046.
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L’interdisciplinarité est une pratique largement employée dans le spectacle vivant contemporain. Que l'on aborde le concept de coopération ou celui d’intégration, il s’agit d’une procédure de fusion qui, dans le cas des arts du spectacle, se concrétise par la croisée des disciplines artistiques entre elles, avec d’autres sciences, ou d’autres arts. Dans la scène théâtrale l’interdisciplinarité se présente sous plusieurs formes. La présente étude se concentre sur les spectacles contemporains mariant théâtre, musique et danse et leur relation avec le genre interdisciplinaire par excellence que représente le Musical. Ce dernier est par nature un genre hybride, car il combine plusieurs arts en une seule entité. Ces arts doivent à la fois maintenir leurs intégrités propres et se combiner pour former une unicité organique. Malgré sa complexité, il réussit à être un genre à part entière qui a influencé d’autres genres, ainsi que plusieurs essais artistiques contemporains. En tant que genre autonome, il possède des lois de fonctionnement, des signes récurrents, des règles esthétiques. Nous avons choisi de traiter cinq spectacles interartistiques afin d’en dégager les caractéristiques du genre et parallèlement d’ordonner ces singularités. Notre recherche s’établie sur Out Loud de STOMP, Tubes du BLUE MAN GROUP, Perseus d’ithakArts, Elektra Fragments mise en scène par Michael HACKETT et 2, mise en scène par Dimitris PAPAIOANNOU. Ces spectacles qui échappent à toute catégorisation, présentent des similarités avec le Musical. Cette thèse se focalise ainsi sur la recherche des éléments du genre au sein de ces spectacles et propose un choix de conventions qui définissent le MusicalInterdisciplinarity is a widely employed practice in the contemporary arts scene. Whether the term refers to the collaboration or notion of integrating different disciplines, we can infer to a process of fusion, which in the field of the performing arts, takes numerous forms. This dissertation focuses on contemporary inter-artistic performances that combine theatre, music and dance, and their relation to the interdisciplinary genre of Musicals. Musical Theatre is by definition a hybrid entity, combining different artistic expressions. The latter, are at all times maintain their separated integrity, while they must be fused in such a way in order to form an organic unity. Despite its complexity, Musical Theatre manages to be a genre in itself, which in turn has influenced other genres, including many contemporary experimental performances. Thus, as an autonomous form of expression, it possesses laws of operation, technical characteristics and aesthetic rules that defines it. The purpose of this research is to identify elements and influences of Musical Theatre within five contemporary interdisciplinary shows, while tracing the theoretical aspects and conventions that determine this genre. The examined shows are Out Loud by STOMP, Tubes by the BLUE MAN GROUP, Perseus by ithakArts, Elektra Fragments directed by Michael HACKETT and 2, directed by Dimitris PAPAIOANNOU. These autonomous fusion works defy categorization; however, they share fundamental characteristics with Musicals
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Ahn, Yun-Kang. „L'analyse musicale computationnelle : rapport avec la composition, la segmentation et la représentation à l'aide des graphes“. Paris 6, 2009. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00447778.
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Ce travail est axé autour de l'analyse assistée par ordinateur, dans un cadre musicologique ciblant la musique contemporaine. Une approche computationnelle de l'analyse musicale pose la question de sa modélisation et de sa formalisation, puisque touchant à une activité souvent empirique et dont la pratique n'est pas définie à l'aide de normes communes. Cette question implique la mesure de l'importance de la représentation graphique dans l'interprétation analytique. Face au rôle croissant de la représentation, nous nous intéressons d'une part à la manière dont elle relie l'analyse et la composition en proposant, à partir d'une analyse connue des Structures IA de Piere Boulez réalisée par le compositeur György Ligeti, des modèles de machinerie informatique en vue de générer des pièces musicales sous deux interfaces, OpenMusic et Rubato. Parmi ces deux environnements de programmation visuelle, le second se base sur un puissant paradigme mathématique reposant sur la théorie des catégories. Ce paradigme constitue également une base pour modéliser les K-réseaux, outil d'analyse reposant sur des graphes décrivant les relations entre les notes. Ces relations sont formalisées dans la Set Theory d'Allen Forte qui propose une méthode de classification des structures musicales à partir des douze hauteurs de la gamme chromatique occidentale. Une application de ces réseaux et plus généralement l'apport des structures de graphe est abordée ensuite dans la modélisation de l'analyse d'une autre pièce, le Klavierstück III de Karlheinz Stockhausen : cette analyse a été faite par le théoricien David Lewin en deux étapes que nous étudierons dans leurs aspects à la fois computationnel et d'interface-homme machine. En premier lieu, la segmentation, non expliquée par l'analyste, fait l'objet d'une reconstitution dans laquelle nous tentons de la retrouver par le biais d'une exploration dans un ensemble de segmentations possibles. Il s'agit ainsi non seulement de reconstituer mais également de voir s'il est possible de la dépasser et l'améliorer selon des critères comme la couverture de la partition. Nous verrons dans ce cadre si les K-réseaux peuvent affiner cette analyse et en constituer un angle d'attaque pertinent. En second lieu, Lewin organise ses segments selon un réseau qui ne suit plus un quelconque agencement chronologique mais une disposition spatiale qui offre un nouveau parcours de la pièce. Cette difficulté s'inscrit dans le contexte plus général de la sélection et de la formation d'un graphe décrivant la structure d'une oeuvre musicale, que nous envisageons à l'intérieur du problème de l'utilisation d'un réseau en analyse computationnelle.
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Donnadieu, Sophie. „Représentation mentale du timbre des sons complexes et effets de contexte“. Paris 5, 1997. http://www.theses.fr/1997PA05H036.
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L'identité des objets de notre environnement sonore quotidien serait véhiculée par leur timbre. L'application de modèles spatiaux permet de représenter la structure psychologique d'un ensemble de timbres selon un espace géométrique dont les axes sont interprétés comme étant les dimensions perceptives. Nous observons un espace tridimensionnel pour un ensemble de timbres musicaux dont les dimensions correspondent au logarithme du temps de montée de l'enveloppe temporelle (LTM), au centre de gravité spectral (CGS) et au flux spectral. L'ajustement du modèle est meilleur si l'on inclut des spécificités et des différences entre classes d'auditeurs dans la saillance perceptive des dimensions. Les catégories de timbre, obtenues selon un modèle non spatial, s'organisent selon le fonctionnement physique des instruments. L'étude des effets de contexte montre que la dissemblance entre les timbres diminue lorsque la variation le long des dimensions LTM et CGS augmente mais la structure catégorielle reste stable quel que soit le contexte. De plus, la première dimension est plus affectée par le contexte que la seconde ce qui suggère que certaines dimensions présenteraient une structure catégorielle alors que d'autres seraient de nature continue. A partir d'un continuum perceptif allant d'un vibraphone frappe à un vibraphone frotte, nous avons montré qu'il est possible de classer les stimuli dans l'une ou l'autre des deux catégories testées (frappée/frottée) et de discriminer les stimuli appartenant à une même catégorie. Le timbre musical peut donc se définir selon quelques dimensions physiques le long desquelles les sons varient de façon continue. Un tel espace se diviserait en différentes régions représentant les catégories de timbre. La catégorisation serait le résultat d'une frontière décisionnelle établie a un endroit donne du continuum. Le contexte n'affecte pas l'organisation des catégories au sein d'un tel espace mais plutôt la saillance perceptive des dimensionsThe identity of the objects of our sound quotidian environment would be vehicle by their timbre. The application of spatials models attempt to represent the psychological structure of a set of timbres according a geometric space which the axes are interpreted as the perceptual dimensions. We observe a tridimensional space for a set of musical timbres where the dimensions correspond to the logarithm of the rise time of the temporal envelope (LRT), the spectral center of gravity (SCG) and the spectral flux. The model fitting better if we include specificities and differences between class of listeners in the perceptual salience of the dimensions. Timbre categories, obtained by a non spatial model, are organised according to the physical functioning of the instruments. The study of context effects show that the dissimilarity decrease when the variation along the LRT and SCG dimensions increase but the categorical structure stay stable whatever the context. Moreover, the first dimension is more affected by the context that the second which suggest that some dimensions would presented a categorical structure when others would be continuous in nature. From a perceptual continuum going to a struck vibraphone to a bowed vibraphone, we show that it is possible to classify the stimuli in one or the other two tested categories (struck/bowed) and to discriminate the stimuli belonging to the same category. Musical timbre could so be defined according some physical dimensions along which the tones would varied in a continuous manner. A such space would be divided in different areas representing timbres categories. Categorisation would be the result of decisional boundarie establish in a given place of the continuum. Context does not affect the categories's organisation within such space but rather the perceptual salience of the dimensions
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Céci, Anne-Aurélie. „Le commerce électronique de l'oeuvre musicale“. Toulon, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUL0048.
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Depuis plus d'une dizaine d'années, nos sociétés modernes ont connu une révolution en matière de communication et d'accès à l'information. Internet a induscutablement marqué une évolution significative dans l'art de communiquer. Avec l'avènement des nouvelles technologies, les modes de consommation ont progressivement changé et notamment ceux relatifs à la musique. Ainsi, l'utilisation du réseau Internet modifie le mécanisme d'exploitation et de distribution des oeuvres musicales. La question de l'échange de fichiers musicaux via les réseaux de peer to peer est devenue particulièrement sensible, tant pour les internautes qui font l'objet de poursuites judiciaires que pour les ayants droit, qui n'obtiennent aucune rémunération en contrepartie de ce mode de diffusion de leurs oeuvres musicles. Il convient, par conséquent, de placer dans un cadre légal les millions d'internautes qui s'adonnent aux échanges illicites de fichiers musicaux et de prévoir un mode de rémunération pour toute la chaîne de créationFor more than ten years, the modern societies have experienced a revolution both in communication and in the access of the information. Obviously, Internet has lead to an impressive evolution in the art of communication. The ways of consumption evolved and particular the one relative to the music thanks to arrival of news technologies and the Internet development. Therefore, the use of Internet has radically changed the mecanism of exploitation and the circulation of music. The exchange of musical files through peer to peer network has become really delicate, both for the internet users, who are swed and the legal owners who don't get any income to compensate for the created for the million of Internet users who practise illegal exchange of musical files
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Ahn, Yun-Kang. „L'analyse musicale computationnelle : rapport avec la composition, la segmentation et la représentation à l'aide de graphes“. Phd thesis, Université Pierre et Marie Curie - Paris VI, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00447778.
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Ce travail est axé autour de l'analyse assistée par ordinateur, dans un cadre musicologique ciblant la musique contemporaine. Une approche computationnelle de l'analyse musicale pose la question de sa modélisation et de sa formalisation, puisque touchant à une activité souvent empirique et dont la pratique n'est pas définie à l'aide de normes communes. Cette question implique la mesure de l'importance de la représentation graphique dans l'interprétation analytique. Face au rôle croissant de la représentation, nous nous intéressons d'une part à la manière dont elle relie l'analyse et la composition en proposant, à partir d'une analyse connue des Structures IA de Pierre Boulez réalisée par le compositeur György Ligeti, des modèles de machinerie informatique en vue de générer des pièces musicales sous deux interfaces, OpenMusic et Rubato. Parmi ces deux environnements de programmation visuelle, le second se base sur un puissant paradigme mathématique reposant sur la théorie des catégories. Ce paradigme constitue également une base pour modéliser les K-réseaux, outil d'analyse reposant sur des graphes décrivant les relations entre les notes. Ces relations sont formalisées dans la Set Theory d'Allen Forte qui propose une méthode de classification des structures musicales à partir des douze hauteurs de la gamme chromatique occidentale. Une application de ces réseaux et plus généralement l'apport des structures de graphe est abordée ensuite dans la modélisation de l'analyse d'une autre pièce, le Klavierstück III de Karlheinz Stockhausen : cette analyse a été faite par le théoricien David Lewin en deux étapes que nous étudierons dans leurs aspects à la fois computationnel et d'interface-homme machine. En premier lieu, la segmentation, non expliquée par l'analyste, fait l'objet d'une reconstitution dans laquelle nous tentons de la retrouver par le biais d'une exploration dans un ensemble de segmentations possibles. Il s'agit ainsi non seulement de reconstituer mais également de voir s'il est possible de la dépasser et l'améliorer selon des critères comme la couverture de la partition. Nous verrons dans ce cadre si les K-réseaux peuvent affiner cette analyse et en constituer un angle d'attaque pertinent. En second lieu, Lewin organise ses segments selon un réseau qui ne suit plus un quelconque agencement chronologique mais une disposition spatiale qui offre un nouveau parcours de la pièce. Cette difficulté s'inscrit dans le contexte plus général de la sélection et de la formation d'un graphe décrivant la structure d'une oeuvre musicale, que nous envisageons à l'intérieur du problème de l'utilisation d'un réseau en analyse computationnelle.
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Gibet, Sylvie. „Codage, représentation et traitement du geste instrumental : application à la synthèse de sons musicaux par simulation de mécanismes instrumentaux“. Grenoble INPG, 1987. http://www.theses.fr/1987INPG0142.
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Une analyse preliminaire sur la typologie du geste instrumental a conduit a proposer un codage du geste qui traduit une organisation spatiale et temporelle des donnees gestuelles captees. Un systeme materiel et logiciel permettant la capture, le codage et le pretraitement en temps reel des signaux gestuels est propose. Recherche d'un espace de representation structurelle du geste. Proposition d'une methode qui consiste a identifier le comportement de l'operateur a un modele mecanique simple mais evolutif
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Ramstein, Christophe. „Analyse, représentation et traitement du geste instrumental : application aux instruments à clavier“. Phd thesis, Grenoble INPG, 1991. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00340367.
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Dans le cadre de la conception et de la réalisation d'un outil informatique pour la création musicale, on s'intéresse au geste instrumental pour contrôler en temps réel des processus de synthèse sonore par simulation de mécanisme instrumentaux et pour étudier sa relation a la composition musicale. Pour décrire et classifier le geste instrumental, assimile a une séquence d'événements gestuels, capte et mémorise sous la forme de signaux échantillonnes, nous posons le probleme de la segmentation. En considérant le jeu instrumental sur clavier nous proposons des éléments de syntaxe gestuelle et en déduisons des critères pour la segmentation automatique. Nous nous intéressons ensuite à la représentation graphique des événements gestuels segmentes et a leur composition et transformation. Nous définissons plusieurs niveaux de représentation et pour chacun d'eux, des procédures de traitement manuels ou pris en charge, tout ou en partie, par des modèles de composition. L'éditeur de geste, intégré dans le système de synthèse sonore cordis-anima, synthétise l'ensemble de ces possibilites
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Dufour, Frank. „Les enjeux de la numérisation des objets temporels“. Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082467.
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Nous désignons, par le terme d'objets temporels les œuvres inscrites sur des médias de flux. Ce travail a pour objet l'étude des conséquences technologiques et esthétiques de la numérisation des systèmes de traitement et de représentation du temps constitués par les médias audiovisuels. Le temps est visé, non seulement comme le vecteur et le support des représentations audiovisuelles, mais aussi comme leur référent. Cette visée a nécessité de poser préalablement la question philosophique de la possibilité même de représentation du temps. Les systèmes temporels déduits de cette investigation ont ensuite été considérés dans leur réalisation par le traitement narratif, musical et cinématographique. Cette réalisation étant confrontée aux modifications induites par la numérisation et l'informatisation. Enfin, la section consacrée à la numérisation des techniques audiovisuelles montre les nouvelles compositions entre les deux régimes temporels de l'audiovisuel que sont la synchronie et la diachronieThe designation of temporel objects is that of creations inscribed within time-based media. The objective of this dissertation is the study of the technological and aesthetic consequences of the digitizing of systems that treat and represent time and that are constructed by audiovisual media. Time is referred to, not only as the vector and support of audiovisual representation, but also as their objet. This reference renders necessary to first ask the philosophical question concerning even the possibility of representing time. Systems of time deducted from this investigation were then considered through narrative, musical and cinematographical processes. This production is therefore confronted with modifications induced by digitizing and computing of information. The final section dedicated to the digitizing of audiovisual techniques demonstrates the new composition between two temporal modes : synchronicity and diachronicity
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Hall, Anne. „Scènes d'enfance : uen représentation de l'expérience musicale infantine chez E.T.A. Hoffmann, Jules Verne, George du Maurier et Michel Leiris“. Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX10110.
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Kim, Jinho. „Représentation et analyse musicale assistée par base de données relationnelle de la partition des variations pour orchestre op. 30 d'Anton Webern : vers un système d'"analyse musicale assistée par base de données relationnelle"“. Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040004.
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Une note présente dans une partition, comme d'autres objets musicaux d'ailleurs, peut être considérée comme étant une entité possédant des propriétés qui peuvent être représentées par des valeurs élémentaires et stockées dans les différentes colonnes d'une même ligne d'une table de base de données relationnelle. La représentation de toutes les notes dans la partition sous forme de tables qui constituent un ensemble de colonnes et de lignes facilite grandement l'accès au caractère ouvert de l'analyse musicale : en effet chacun peut, en fonction de sa propre problématique, interroger la base de données qui représente et stocke la partition. La partition des Variations pour ochestre op. 30 d'Anton Webern, grâce à l'aide précieuse de base de données relationnelle, est représentée, stockée, et analysée de façon classificatoire et paradigmatique : toutes les séries, tous les intervalles, et tous les accords présents dans la partition sont identifiées pour vérifier l'existence des intervalles et des accords dominats ; les particularités liées à l'entropie, à la distribution des notes dans le registre, à la durée, à l'intensité, et à l'écriture orchestrale sont aussi identifiéesA note in a score, as other musical objects, can be considered as an entity having some properties. These last are represented by atomic values in columns on a line of relational data base table. The representation of all notes in the score in relational form of tables as a totality of columns and lines facilitates the access to the music analysis of open character: each can interrogate following each problematic the database that represents and stocks the score. The score of Variations for orchestra op. 30 of Anton Webern, as an example of application of the concept of “Relational Database-aided Music Analysis”, is represented, stored, and analyzed in a classificatory and a paradigmatic way: All sets, all intervals, and all chords existing in the score are retrieved, as a result on can verify the dominant intervals and chords; the particularities concerned distribution of notes in the register, duration, intensity and orchestration are also recognized
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Tessier, Eugénie. „Le « cas » Marianne Oswald et la critique musicale : la construction du personnage artistique depuis ses multiples perspectives“. Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2019. http://hdl.handle.net/10393/39597.
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Fondée sur l’approche proposée par Philip Auslander (2004), cette thèse est centrée sur la construction du personnage artistique de la chanteuse française Marianne Oswald (1901-1985), la relation dialogique qu’elle entretient avec ses publics et sa présence à travers la mémoire et l’histoire culturelle. Aujourd’hui méconnus, son non-conformisme, son style vocal parlé-chanté, sa nature engagée et sa force polarisante inspirent une importante élite artistique à Paris et lui valent le titre d’artiste la plus discutée des années 1930 dans la presse. À travers les concepts d’authenticité et de féminités, tels que relevés dans la presse artistique, l’autobiographie de la chanteuse et son répertoire musical, cette recherche explore l’incidence des rapports de réciprocité qui s’exercent entre le personnage, le public et la mémoire sur la réception et la création d’une multiplicité de représentations du personnage artistique et suggère que Marianne Oswald a tenu un rôle transformationnel dans l’histoire musicale et culturelle française.
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Verrey, Arnaud. „Le droit selon la musique“. Thesis, Paris 2, 2013. http://www.theses.fr/2013PA020011/document.
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L'objet de la thèse est de faire une synthèse de la manière dont le droit est représenté dans la musique classique occidentale. Elle constitue une réponse à M. Carbonnier qui, dans son précis de Sociologie juridique, appelle de ses voeux une recherche sur la possibilité pour la musique de "suggérer" du droit. Un premier axe de recherche aura pour ambition - après une confirmation de la présence de phénomènes juridiques et d'acteurs du droit dans des oeuvres musicales - de circonscrire les raisons de la présence du droit dans une oeuvre, ainsi que la place du droit et les fonctions attribuées au droit dans cette oeuvre. Un second axe de recherche consistera, au décours des nombreux moyens utilisés par un compositeur (instrumentation et voix, harmonie et contrepoint, phrases et motifs musicaux) à identifier la façon dont l'écriture musicale représente le droit. Cette partie sera naturellement illustrée par des exemples musicaux. Ces deux premiers axes de recherche sont susceptibles de faire ressortir en facteur commun les différents caractères que la musique attribue au droit (l'importance de consensualisme, un monde contraignant, un cadre formaliste, un milieu conservateur,...) ainsi que la singularité du regard de la musique sur le droitThis thesis, the subject of which is “Rights and law in according to music” is in response to Mr Carbonnier's “Précis de sociologie juridique” (Précis of legal Sociology) in which the writer suggest doing a research about the rights and law’s representation in music. The aim of this thesis, accordingly, is to enquire whether music does indeed involve rights and law – an associated legal phenomenon – and if so, what extent. In this context, all aspects covered by the terms “rights and law” are considered: the law, the judgement, the contract and the basis of authority – whether human or divine. As used here the term “music” represents solely that which falls within the scope of western classical music, be it of a religious or non-religious nature. The wording “in according to” refers therefore to the different aspects inherent in “the rights and law’s representation in music” which is the subject’s problematic: - rights and law for the use of music: after confirmation of the presence of rights, law and legal actors in the five hundred or so works reviewed, the purpose of this first part is to explain why these legal requirements exist in a musical work, what these requirements define and how they apply in this work. - rights and law concerning musical composition: this second part , based on many of the musical procedures used by composers (instrumentation and voices, the use of harmony and counterpoint, musical phrasing and motifs, expression and rhythm), aims at identifying how the musical composition represents rights and law
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Garcia, Reyes Juan Rodrigo. „L'énaction et l’art sonore numérique“. Paris 8, 2011. http://octaviana.fr/document/172759005#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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Ce travail est une réflexion sur l’art sonore numérique à partir de la vision non représentationniste défendue par le concept de l’énaction. Dans un premier temps, nous allons étudier dans le détail les approches représentationnistes de la cognition et la façon dont elles abordent le processus de création d’une œuvre. Nous allons voir dans cette première partie l’influence que le paradigme computationnel et le connexionnisme ont eu dans l’analyse musicale et dans la conception des stratégies compositionnelles. Nous allons voir comment le paradigme computationnel qui aboutit sur l’invention de l’ordinateur bouleverse la création sonore. La deuxième partie de la thèse décrit comment une vision non représentationniste de la connaissance peut s’employer pour analyser l’art sonore depuis une perspective qui installe un lien entre l’expérience subjective et l’observation objective. Dans une troisième partie, nous allons présenter un outil servant à la réalisation de performances, d’improvisations sonores, d’installations interactives, et à la création du matériau en « temps réel » pour la composition d’œuvres électroacoustiques. Nous allons nous référer à la notion « d’énaction sonore »This work feature about reflects of computer sound arts from de non-representative approach proposed by enaction concept. In first time, we are going to analyze the cognitions representative’s approaches and their consequences in manner to descript the creation process of a sound work. We are going to see in this part the influence of computational and connectionist paradigms in descriptions of creative process, in music analyze, in the conception of compositional strategies and in the invention of computer and it’s use in the champs of sound creation. The second part of this work make a description of manner that a non-representative approaches of knowledge can be use for approach the sound creation from a perspective that establishing a link between subjective experience and objective observation. In third section, we are going to show an application tools that we can use for creation of sound performance, electronic sound improvisations, interactive installations, and sound material in real time for use in compositions of sounds works. We are going to referring about “sound énaction”
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Guillot, Pierre. „La représentation intermédiaire et abstraite de l’espace comme outil de spatialisation du son : enjeux et conséquences de l’appropriation musicale de l’ambisonie et des expérimentations dans le domaine des harmoniques sphériques“. Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080150/document.
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Penser les traitements du son spatialisés en ambisonie permet de mettre en valeur le potentiel musical de la décomposition du champ sonore en harmoniques sphériques, et amène à redéfinir la représentation de l’espace sonore. Cette thèse défend que les représentations abstraites et intermédiaires de l’espace sonore permettent d’élaborer de nouvelles approches originales de la mise en espace du son. Le raisonnement amenant à cette affirmation commence par l’appropriation musicale de l’approche ambisonique. La création de nouveaux traitements de l’espace et du son amène à utiliser de manière originale les signaux associés aux harmoniques sphériques, et à concevoir différemment les relations qui les régissent, ainsi que leur hiérarchisation. La particularité de ces approches expérimentales et les caractéristiques singulières des champs sonores générés, nécessitent de concevoir de nouveaux outils théoriques et pratiques pour leur analyse et leur restitution. Les changements opérés permettent alors de libérer cette approche des enjeux techniques et matériels initiaux en ambisonie. Mais ils permettent surtout de s’émanciper des modèles psychoacoustiques et acoustiques sur lesquels ces techniques reposent originellement. Dans ce contexte, les signaux associés aux harmoniques sphériques ne sont plus nécessairement une représentation rationnelle du champ sonore, mais deviennent une représentation abstraite de l’espace sonore possédant en soi, un potentiel musical. Cette thèse propose alors un nouveau modèle de spatialisation fondé sur une décomposition matricielle de l’espace sonore permettant de valider les hypothèsesThe creation of sound effects in space with Ambisonics highlights the musical potential of sound field decomposition by spherical harmonics, and redefines the representation of the sound space. This thesis defends that the abstract and intermediate representations of the sound space make it possible to develop new original approaches to sound spatialization. The reasoning that leads to this affirmation begins with the musical appropriation of the ambisonic approach. The creation of new space and sound processing patterns in Ambisonics leads to an original way of using signals associated with spherical harmonics, and to a different conception of the relations between them, and their hierarchization. The specificities of these experimental approaches and the singular characteristics of the sound fields generated call for the design of new theoretical and practical tools, for their analysis and restitution. The performed changes make it possible to free this approach from the initial technical and material issues of Ambisonics. But above all, it emancipates this approach from the psychoacoustic and acoustic models on which ambisonic techniques are originally defined. In this context, the signals associated with spherical harmonics are no longer necessarily a rational representation of the sound field but become an abstract representation of the sound space possessing in itself a musical potential. To validate the hypotheses, this thesis then proposes a new spatialization model based on a matrix decomposition of the sound space
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Larrieu, Maxence. „Analyse des musiques d'informatique, vers une intégration de l'artefact : propositions théoriques et application sur Jupiter (1987) de Philippe Manoury“. Thesis, Paris Est, 2018. http://www.theses.fr/2018PESC0007/document.
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Cette thèse questionne l'analyse des musiques d'informatique. Ces musiques sont particulières dans la mesure où elles existent avec un medium tout à fait singulier, un medium numérique, que nous désignons tout au long de nos travaux par artefact. Notre réflexion part du constat que les moyens d’appréhension de ces artefacts sont nouveaux pour la théorie de l’analyse musicale. Nous posons alors en liminaire de nos travaux la question suivante : « comment analyser ces musiques à partir de leur artefact ? ». Notre thèse est une réponse à cette question en utilisant une pièce pionnière des années 1980, Jupiter, de Philippe Manoury, pour flûte et électronique, composée à l’Ircam avec Miller Puckette. Notre réponse se fait en trois temps. Dans un premier nous éclairons les artefacts en relevant cinq points de singularité qui leur sont propres et nous mettons en évidence un système clé dans l’étude des artefacts, le système Homme-Artefact-Son. Dans un deuxième temps nous apportons des réponses théoriques à la question. Nous montrons que les artefacts sont difficiles à saisir dans la mesure où ils se structurent en différents niveaux d’abstraction. Toute saisie doit alors se faire au sein d’un processus hautement dynamique, où des significations computationnelles, sonores et musicales se recouvrent autant que nécessaire. Un cadre conceptuel est ensuite proposé pour guider la description des artefacts. Enfin le dernier temps de notre thèse est dédié à l’analyse de Jupiter. Nous mettons en pratique les éléments de réponses que nous avons avancés. L’artefact de la pièce est entièrement démantelé et ensuite une analyse est effectuée, section par section, en confrontant l’écoute et la connaissance que nous avons acquise de l’artefactThis thesis question the musical analysis of computer music works. These works are particular insofar as they exist with a wholly singular medium, a digital medium, which we name artifact. Our reflection starts from the ascertainment that the means needed to understand the artifact are new for the theory of musical analysis. Thereby our work begins with the following question : « how does computer music works can be analyzed with the help of their artifact ? ». Our thesis intends to answer to this question through a pioneer work from the 1980s, Jupiter, composed by Philippe Manoury at Ircam with Miller Puckette. Our answer is built in three parts. At first, we enlighten artifact by defining five points of singularity which characterize them. In the same line we identify a key system in the study of artifact, the Man Artifact Sound system. The second part is dedicated to our answer. One of the main difficulties in studying artifact is that they are structured in different levels of abstraction, and each one has its own structure. Consequently, the understanding of artifact had to be done inside a highly dynamic process, where the computational, sound and musical significations overlap as much as necessary. A conceptual framework is then suggested by which artifacts can be described, taking into account the different levels of abstraction. In the last part we put into practice those last propositions in analyzing Jupiter. His artifact is entirely dismantled and then an analysis is carried out, section by section, in confronting the listening and the knowledge we get from the artifact
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Bouabid, Nadhir. „La spécificité du déchiffrage pianistique chez les musiciens aveugles et déficients visuels : effets des représentations mentales des notations musicales sur la conduite de mémorisation“. Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040012/document.
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Le présent travail s’inscrit dans une perspective descriptive analytique des comportements des pianistes aveugles et déficients visuels durant la mise en mémoire et la restitution au piano de diverses tâches présentées à l’oreille ou sur un support écrit adapté au handicap visuel de ceux-ci. Cette adaptation qui consiste à transcrire en braille pour les aveugles ou à imprimer en gros caractères pour les malvoyants des partitions ordinaires, se révèle lourde de conséquences. Ainsi, deux conditions font qu’un travail mental d’intégration et de synthèse très coûteux s’impose à ces musiciens : d’un côté la complexité du braille musical due à un degré d’abstraction très élevé et à une linéarité spatiale permanente, de l’autre la non-conformité de la technique d’agrandissement des textes ordinaires avec une lecture synthétique et avec un champ visuel très réduit. De telles circonstances invitent à s’interroger sur les effets de la structure de ces notations musicales et des représentations mentales qu’elles génèrent sur la conduite de mémorisation en l’absence totale ou partielle de la vision. L’objectif principal est de relever la spécificité des processus qui sous-tendent l’assimilation des données inscrites sur le matériau de la lecture. Pour ce faire, j’ai mené une étude de cas portant sur des jeunes pianistes aveugles et malvoyants non professionnels utilisant des procédures de déchiffrage diversesThe present work involves an analytical description of the behaviors of blind and visually impaired pianists when memorizing and rendering on the piano various tasks presented to the ear or on written material adapted to their visual disability. This adaptation, which consists in transcribing ordinary music scores in braille, for the blind, or in large print, for the visually impaired, entails important consequences. Two conditions result in those musicians having to perform a very difficult integrating and synthesizing task: on the one hand, musical braille is complex, being highly abstract and characterized by permanent spatial linearity; on the other hand, the technique for enlarging ordinary texts is not compatible with synthetic reading and a very restricted visual field. Those circumstances lead us to investigate how those musical notations and the mental representations they generate affect the memorizing process when vision is totally or partially lacking. The main objective is to pinpoint the specific processes underlying the assimilation of the data inscribed on the reading material. To this end, I have carried out a case study involving young non-professional blind and visually impaired pianists using diverse reading procedures
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Bigo, Louis. „Représentations symboliques musicales et calcul spatial“. Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST1074/document.
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Représentations symboliques musicales et calcul spatial. La notion d'espace symbolique est fréquemment utilisée en théorie, analyse et composition musicale. La représentation de séquences dans des espaces de hauteurs, comme le Tonnetz, permet de capturer des propriétés mélodiques et harmoniques qui échappent aux systèmes de représentation traditionnels. Nous généralisons cette approche en reformulant d'un point de vue spatial différents problèmes musicaux (reconnaissance de style, transformations mélodiques et harmoniques, classification des séries tous-intervalles, etc.). Les espaces sont formalisés à l'aide de collections topologiques, une notion correspondant à la décoration d'un complexe cellulaire en topologie algébrique. Un complexe cellulaire per- met la représentation discrète d'un espace à travers un ensemble de cellules topologiques liées les unes aux autres par des relations de voisinage spécifiques. Nous représentons des objets musicaux élémentaires (par exemple des hauteurs ou des accords) par des cellules et construisons un complexe en les organisant suivant une relation de voisinage définie par une propriété musicale. Une séquence musicale est représentée dans un complexe par une trajectoire. L'aspect de la trajectoire révèle des informations sur le style de la pièce et les stratégies de composition employées. L'application d'opérations géométriques sur les trajectoires entraîne des transformations sur la pièce musicale initiale. Les espaces et les trajectoires sont construits à l'aide du langage MGS, un langage de programmation expérimental dédié au calcul spatial, qui vise à introduire la notion d'espace dans le calcul. Un outil, HexaChord, a été développé afin de faciliter l'utilisation de ces notions pour un ensemble prédéfinis d'espaces musicauxMusical symbolic representations and spatial computing. The notion of symbolic space is frequently used in music theory, analysis and composition. Representing sequences in pitch (or chord) spaces, like the Tonnetz, enables to catch some harmonic and melodic properties that elude traditional representation systems. We generalize this approach by rephrasing in spatial terms different musical purposes (style recognition, melodic and harmonic transformations, all-interval series classification, etc.). Spaces are formalized as topological collections, a notion corresponding with the label- ling of a cellular complex in algebraic topology. A cellular complex enables the discrete representation of a space through a set of topological cells linked by specific neighborhood relationships. We represent simple musical objects (for example pitches or chords) by cells and build a complex by organizing them following a particular neighborhood relationship defined by a musical property. A musical sequence is represented in a complex by a trajectory. The look of the trajectory reveals some informations concerning the style of the piece, and musical strategies used by the composer. Spaces and trajectories are computed with MGS, an experimental programming language dedicated to spatial computing, that aims at introducing the notion of space in computation. A tool, HexaChord, has been developped in order to facilitate the use of these notions for a predefined set of musical spaces
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Carvalho, Guilherme. „Représentations musicales d'idées mathématiques“. Paris 8, 2007. http://octaviana.fr/document/122016750#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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Ce travail reflète un parcours musical de compositeur et d’interprète influencé par les mathématiques. Il aborde les enjeux de la formalisation en musique et, plus généralement, ceux du rapprochement entre ces deux disciplines. Dans ce cadre, il vise à exposer une stratégie de pensée avec laquelle traiter de questions propres au travail du compositeur, et aborder ainsi ce qui pourrait être une épistémologie musicale. La représentation d’une idée mathématique est l’adaptation musicale de la forme et des relations internes d’un ensemble d’objets propres aux mathématiques. Nous étudions les possibilités d’attribuer un sens et une consistance musicale à une telle représentation, et les choix indispensables à cette interprétation. Grâce aux notions d’espace musical et de variables musicales, nous abordons la continuité et la forme d’une œuvre avec un regard orienté par la géométrie. Nous étudions finalement le concept de poétique musicale dans ce contexteThis work reflects a musical trajectory as composer and interpreter influenced by mathematics. It deals with the stakes of formalization in music and, more generally, with those of bringing together these subjects. In this particular frame, it aims to bring forth a strategy with which to approach issues proper to a composer’s work, and approach what could be a musical epistemology. The representation of a mathematical idea is the musical adaptation of the form and internal relations of a set of objects proper to mathematics. We study the possibilities to attribute musical meaning and consistence to such a representation, and the inevitable choices in this interpretation. With the notions of musical space and musical variables, we approach oriented by geometry the continuity and form of a piece of music. Finally, we study the concept of musical poetics in this context
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Prang, Mathieu. „Representation learning for symbolic music“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2021. http://www.theses.fr/2021SORUS489.
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Un élément clé du récent succès des modèles d'apprentissage profond de traitement du langage réside dans la capacité à apprendre des "embeddings" de mots efficaces. Ces méthodes fournissent des espaces vectoriels structurés de dimension réduite ayant des relations métriques intéressantes. Ceux-ci, à leur tour, peuvent être utilisés comme des représentations d'entrées efficaces pour traiter des tâches plus complexes. Dans cette thèse, nous nous concentrons sur la tâche d'apprentissage d'espaces "d'embedding" pour la musique polyphonique dans le domaine symbolique. Pour ce faire, nous explorons deux approches différentes.Tout d'abord, nous introduisons un modèle d'embedding basé sur un réseau convolutif avec un nouveau type de mécanisme d'attention hiérarchique auto-modulée, qui est calculé à chaque couche afin d'obtenir une vision hiérarchique de l'information musicale.Puis, nous proposons un autre système basé sur les VAE, un type d'auto-encodeur qui contraint la distribution des données de l'espace latent à être proche d'une distribution préalablement choisie. La musique polyphonique étant un type d'information complexe, le choix de la représentation d'entrée est un processus crucial. Nous introduisons donc une nouvelle représentation de données musicales symboliques, qui transforme une partition polyphonique en un signal continu.Enfin, nous montrons le potentiel de nos espaces d'embedding à travers le développement de plusieurs applications créatives utilisées pour améliorer la connaissance et l'expression musicales, à travers des tâches telles que la modification de mélodies ou l'identification de compositeursA key part in the recent success of deep language processing models lies in the ability to learn efficient word embeddings. These methods provide structured spaces of reduced dimensionality with interesting metric relationship properties. These, in turn, can be used as efficient input representations for handling more complex tasks. In this thesis, we focus on the task of learning embedding spaces for polyphonic music in the symbolic domain. To do so, we explore two different approaches.We introduce an embedding model based on a convolutional network with a novel type of self-modulated hierarchical attention, which is computed at each layer to obtain a hierarchical vision of musical information.Then, we propose another system based on VAEs, a type of auto-encoder that constrains the data distribution of the latent space to be close to a prior distribution. As polyphonic music information is very complex, the design of input representation is a crucial process. Hence, we introduce a novel representation of symbolic music data, which transforms a polyphonic score into a continuous signal.Finally, we show the potential of the resulting embedding spaces through the development of several creative applications used to enhance musical knowledge and expression, through tasks such as melodies modification or composer identification
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Maugars, Cedricia. „De la notation d'évaluation en éducation musicale: des représentations d'enseignants“. Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040208.
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La thèse a permis d’approfondir des pistes de recherche sur les représentations spécifiques à propos de l’évaluation en Education musicale des enseignants du secondaire. La pré-enquête a été mise en place afin de chercher les raisons pour lesquelles une formation en évaluation musicale courte ne favorisait pas le changement des conceptions en matière d’évaluation formatrice. Nous avons vérifié l'hypothèse selon laquelle l'auto-évaluation en formation pourrait constituer un facteur clé dans le changement des représentations en Education musicale. Les perceptions qu'ont les stagiaires de la formation refléteraient la manière dont le changement des conceptions s’est établi, ou va s’établir. Savoir ce que les acteurs pensent et attendent d’une formation permet de pronostiquer la qualité du transfert. Nous avons tenté de répondre à la question : comment mettre en place un dispositif permettant d’évaluer les transformations relatives aux conceptions en matière d’évaluation ? Le suivi pédagogique "post-stage " est un véritable processus d’auto-évaluation : sans jugement de valeur, ni contrôle, l’entretien en "miroir " permet à l’enseignant de parler librement et d’analyser lui-même son parcours dans la formation. L'enquête a confirmé les premiers résultats de l’étude exploratoire relatifs aux problèmes rencontrés dans l’activité vocale et à la multiplicité des approches évaluatives au travers d'un "Q-test-vocal". Nous avons découvert que les jugements appréciatifs des enseignants sur un chant Pygmée étaient convergents et stables. Des profils évaluatifs ont émergé: des approches holistiques ou critériées; des pratiques d'évaluation centrées sur la production musicale (sommative) ou sur le processus formatif d'enseignement-apprentissage. Il est apparu que les enseignants de musique pratiquaient la notation dans toutes les activités musicales en classe sans véritablement la remettre en causeThe experimental research called “Q-test-vocal” lasted six months (December 2002 to June 2003). We discovered that the teachers assessed the vocal performance according to their personal instructive objectives. They found that peer assessment or self assessment were both very difficult. Although it was the first time that they had ever recorded their pupils and, they appreciated the process very much. They thought it was a very useful instrument of evaluation. The purpose of our study is divided into three parts: To analyse, to understand of the different forms (modes) of assessment used by the teachers and to identify how those forms lead to a final mark. To study the links between the teacher's practices in class and what they tell about their actual practices, specifically regarding to the different musical activities (vocal, instrumental, creative, auditory). To examine and focus on the changes of those concepts of those occur during interviews and to analyse their evolution in relation with specific factors of musical activities in secondary classes. In conclusion, the experiment shows that the evaluation of vocal performance is a crucial problem for music teachers who use different forms of marking and that their strategy for evaluation is not clear. The music teachers judged with a sommative assessment of final performance. They justified their marks with a subjective and holistic approach. And their appreciations and preferences were the same in January as they were in June. They showed no changes occurred towards favorite or disliked extracts
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Montandon, Frédérique. „Les représentations sociales de l’éducation musicale par les parents dans le vingtième arrondissement de Paris : étude des stratégies parentales pour l’éducation musicale“. Thesis, Paris Est, 2008. http://www.theses.fr/2008PEST0082.
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L’étude des représentations sociales de l’éducation musicale des parents dont les enfants de 3 à 10 ans apprennent la musique, à travers une série d’entretiens, concerne à la fois les choix de cette activité et de l’institution, leurs attentes, ainsi que les significations attribuées à cette pratique. Plusieurs systèmes de représentations se croisent : les représentations sociales de l’éducation en général et de l’éducation musicale en particulier, celles de l’enfant, ou encore celles des structures éducatives. L’éducation musicale s’effectue en France dans le cadre des conservatoires, des cours privés ou dans le milieu associatif. Le 20e arrondissement de Paris, terrain de notre recherche, présente une variété de structures au niveau des approches pédagogiques ainsi que des styles musicaux. Les fonctions et les objectifs attribués à l’apprentissage musical sont analysés selon la structure choisie. Diverses conceptions de l’apprentissage et de l’éducation apparaissent. Celles-ci découlent des représentations sociales de l’enfant, de celles de l’activité extrascolaire. Le paramètre d’une pratique musicale du parent ou de son absence modèle le discours des parentsThe study of social representations of musical education by parents for whom children between the ages of 3 and 10 learn music is based through a series of interviews. This study concerns at once the choice of the activity as well as the institution, their hopes and expectations with respect to their practice. It shows that several systems of representations overlap: social representations of education in general - in addition to specific musical education, that of the child, or even more, that of the establishment. Musical education, in France, takes place within the structures of the conservatory, private tutelage or through local associations. Paris’ 20th district, site of this research, offers a variety of structures with respect to pedagogical approach as well as musical style. The use and aim attributed to musical training are analyzed according to the chosen establishement. Several concepts surrounding education and training are emerging. They flow from child social representations and extra-curriculare activities. It is the parameter of parental musical practice or its absence that chapes parental discourse
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Guettat, Yassine. „Ghâyatu al-surûri wal-munâ’ : un traité didactique représentatif du mâlûf tunisien (durant la deuxième moitié du XIXème siècle)“. Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040112.
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La présente recherche se traduit par une étude critique, analytique et comparative combinée à la transcription de tout le corpus musical du mâlûf tunisien tel qu’il nous a été transmis dans un ouvrage datant de 1871 intitulé Ghâyatu al-surûri wal-munâ’ al-jâmi‘u li-daqâ’iqi raqâ'iqi al-mûsîqâ wal-ghinâ (Bien-être et bonheur parfait par le raffinement de la musique et du chant). Ce document représente une référence unique pour mieux percevoir la réalité musicale de l’époque mais aussi pour une meilleure approche comparative quant aux différentes mutations que la musique tunisienne a pu connaître durant la deuxième moitié du XIXe siècle et ce à divers niveaux dont celui de la terminologie, de l'instrumentation, de l'interprétation et du corpus aussi bien vocal qu'instrumentalThe present research is a critical, analytical and comparative study combined with the transcription of the whole Tunisian mâlûf’s musical corpus as it was transmitted in the 1871 work entitled Ghâyatu al-surûri wal-munâ ' al-jâmi‘u li-daqâ'iqi raqâ' iqi al-mûsîqâ wal-ghinâ (Perfect welfare and happiness through the refinement of the music and singing). This document represents a unique reference to a better understanding of the musical reality at that time but also a better comparative approach related to the different transformations of the Tunisian music during the second half of the 19th century at diverse levels among which there are the terminology, instrumentation, interpretation (performance) as well as the vocal and instrumental corpus
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Olivier, Emmanuelle. „Le patrimoine musical des Bochimans Ju 'Hoansi (Namibie) : représentations : systématique“. Paris, EHESS, 1998. http://www.theses.fr/1998EHES0031.
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Cette these porte sur l'etude de la musique des bochimans ju l'hoansi, societe de chasseurs-cueilleurs etablis dans le desert du kalahari en namibie. Ses visees sont de trois ordres : comprendre comment les ju l'hoansi concoivent leur monde musical, mettre au jour le fonctionnement de leur musique en tant que systeme, enfin degager les representations mentales qui la sous-tendent. Le premier point concerne la maniere dont cette communaute donne du sens a des entites musicales, en assignant a chacune d'elles une place precise au sein de la vie sociale. Ceci, par le biais des circonstances auxquelles elles sont attachees et des categories dans lesquelles elles se regroupent. A partir d'un corpus aussi exhaustif que possible, on examine les traits qui caracterisent les differentes categoriesde chants ; pour chacune d'elles, tous les parametres - echelle, metrique, periodicite, rythme, syntaxe, plurivocalite ont ete pris en compte. Or il semble que certains de ces traits n'aient pas ete recenses dans les autres musiques d'afrique subsaharienne. Ils concernent la diversite des echelles, les irregularites du cycle periodique au sein d'un meme chant, et le recours a des figures rythmiques "boiteuses", de type aksak, fondees sur des nombres premiers. Un autre trait remarquable est l'independance, de l'ordonnancement des unites melodiques par rapport au cadre periodique. Mais c'est dans le chant plurivocal que se manifeste toute l'originalite de la musique des ju l'hoansi : la thes debouche donc sur la conception autochtone de la plurivocalite et met en evidence les multiples procedes utilises par les ju l'hoansi, a partir d'un materiau de base extremement simple, pour creer l'illusion d'une polyphonie contrapuntique complexe. L'analyse du patrimoine musical ju l'hoan permet de decouvrir la richesse et la singularite d'une musique qui oblige a repenser des notions telles que structure periodique, melodie ou polyphonie, que l'on considerait comme acquises.
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Benoît, Josée. „Comprendre les pratiques d'une enseignante de musique instrumentale au secondaire en tenant compte des concepts de représentations et de motivations“. Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2010. http://hdl.handle.net/10393/19767.
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Cette étude vise à comprendre les pratiques d’une enseignante de musique instrumentale oeuvrant dans un programme spécialisé en arts d’une école secondaire de langue française de l’Ontario. Trois questions de recherche y sont traitées : celle relative aux représentations de cette enseignante en ce qui concerne l’éducation musicale, celle des pratiques d’enseignement elles-mêmes et celle de la manière dont ces pratiques contribuent à la motivation. Le cadre conceptuel s’appuie sur les concepts de représentations et de pratiques ainsi que sur le modèle de la Situation pédagogique de Legendre (1983; 2005), de la théorie de l’autodétermination (Deci et Ryan, 1985) et de celle de l’expérience optimale (Cszikzentmihalyi, 1990, 1993). Il s’agit d’une étude de cas où des observations et des entrevues ont été effectuées auprès d’une enseignante et auprès d’élèves dans trois classes de musique (9e, 11e et 12e années). L’étude des représentations de cette enseignante, dénommée Jocelyne dans cette étude, permet de suivre le parcours d’apprentissage musical de celle-ci et de saisir les difficultés ressenties dans l’évolution de sa carrière. Les pratiques de Jocelyne sont ainsi en lien avec ses représentations et visent à donner le goût de la musique aux jeunes et à développer leur sens d’autonomie et de compétence en tant que musiciens et êtres humains. Jocelyne offre aussi aux élèves des occasions de vivre des expériences optimales en musique, que ce soit lors de concerts, de festivals, d’ateliers de formation ou de camps musicaux avec des musiciens professionnels. Ces expériences enrichissent le sentiment d’accomplissement et le sens d’appartenance des élèves et les motivent à persévérer dans leur apprentissage. Certaines pratiques de Jocelyne servent également d’éléments de motivation extrinsèque et intrinsèque, favorisant l’engagement des élèves dans leur apprentissage de la musique. Même si le contexte d’un programme spécialisé en musique dans une école secondaire de langue française en Ontario offre des conditions favorables à l’enseignement musical, Jocelyne fait part de certains défis motivationnels inhérents à ce milieu ou à l’enseignement de la musique au secondaire, comme la rétention des élèves en musique, les tensions entre les attentes diversifiées et les choix que doivent prendre les enseignants de musique ainsi que la polarisation d’idées au sujet de la compétition, de la participation à des festivals de musique et de récompenses.
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Dahan, Kevin. „Domaines formels et représentations dans la composition et l'analyse des musiques électroacoustiques : systèmes dynamiques dans la création musicale assistée par ordinateur“. Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA083580.
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Un ensemble de théories et d'approches techniques permettant la caractérisation du processus de création musicale assistée par ordinateur sont exposés. Des théories et techniques extérieures au domaine de l'informatique musicale sont appliquées sur les nombreux problèmes posés par une musicologie de la musique électroacoustique et son ontologie de création. Il est proposé une déconstruction critique des méthodes et outils utilisés pour caractériser la création musicale et un nouvel outil conceptuel est exposé et formalisé. La notion d'objet, permettant une lecture multiscalaire du processus de création, est décrite et une adaptation de l'ensemble de l'outillage électroacoustique traditionnel est rendu nécessaire par l'objet considéré comme sème multiscalaire. Un prototype de système compositionnel fournit un premier élément concret de réponse quant à la manière de présenter cette complexitéSome theories and technical approaches used to characterize the computer-assisted composition process are presented. Theories and techniques unusually used in the field of computer music are applied to the numerous problems raised by a musicology of electroacoustic music and its genetic ontology. A critical deconstruction of methods and tools used to characterize musical creation is developed and a novel conceptual tool is exposed, and formalized. The notion of object, which permits a multiscalar reading of the creative process, is described and an adaptation of the traditional electroacoustic toolkit is made neccesary by the object considered as a multiscalar seme. A prototype of a compositional system gives a first answer in order to present complexity
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Blondeau, Julia. „Espaces compositionnels et temps multiples : de la relation forme/matériau“. Thesis, Paris 6, 2017. http://www.theses.fr/2017PA066292/document.
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Si les questions du temps, du matériau, de la forme et de leurs relations sont des questions centrales pour les compositeurs, il importe de se demander si la vieille dichotomie entre forme et matériau n’est pas à repenser en regard des nouveaux dispositifs susceptibles d’amener une appréhension à la fois plus fine et plus globale des diverses dimensions temporelles. Dans le cas plus précis de la musique mixte, la question que nous étudions est la suivante : dans quelle mesure l’existence d’un continuum entre les notions de forme et de matériau est-elle liée à la composition consciente d’entrelacs temporels ?Cette question implique l’utilisation de paradigmes capables de nous faire appréhender les nombreuses composantes qui font l’identité d’un matériau ou d’une forme, et de nous faire percevoir les liens qu’elles entretiennent mutuellement. Notre travail s’articule autour de deux axes complémentaires. Le premier traite de la nécessité d’organiser des espaces compositionnels permettant de rendre plus poreuse la frontière érigée entre les notions de forme et de matériau. Nous étudions à cet effet une représentation spatiale du matériau basée sur des structures topologiques. Le second nous amène à voir comment le langage synchrone Antescofo peut nous permettre de concevoir une musique mixte singularisée par les divers types d’écriture qu’il sous-entend et les nouveaux paradigmes qu’il est susceptibles d’engendrer. La composition des temps multiples liés par l’écriture, par des processus temporels propres aux paradigmes du temps réel, ainsi que par la prise en considération des temps liés à la performance, est abordée sous un angle résolument relationnelIf the problematic of time, material, form, and their relationships is longstanding question in musical composition, the old dichotomy between form and material should be reshaped in view of the technological opportunities making possible a finer and more global apprehension in the handling of time in the scope of mixed music.In this context, the question addressed is to which extent the existence of a continuum between the notions of form and material is linked to the explicit design of temporal interlacing? This question involves new paradigms to understand the many components that determine the identity and the mutual relationships of material and form.Our research unfolds in two complementary axes to develop a compositional framework addressing the specification and the management of heterogeneous intertwined temporal processes at different time scales. The first axis works out an explicit topological representation of compositional spaces (based on simplicial complexes) that smoothes the boundaries between form and material. The second one spells out the various kinds of writing and the new temporal paradigms allowed by the Antescofo synchronous real-time programming language. The specification of multiple times during the composition phase and their management during the performance is developed through a strong relational standpoint.The theoretical and practical propositions investigated in this research works are illustrated on several pieces written during the thesis
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Hisquin, Christophe. „L'industrie musicale en Chine au début du 21ème siècle“. Lyon 3, 2008. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2008_out_hisquin_c.pdf.
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Cette thèse de doctorat analyse l'industrie musicale en Chine au début du XXIème siècle à travers l'étude du son et de son sens en Chine au XXIème siècle ainsi que le lien entre le développement économique et l'évolution de l'industrie musicale. La thèse montre comment les différents facteurs qui construisent la notoriété permettent de comprendre une société. Enfin, une troisième partie discute le degré d'importance que revêt la musique dans son rôle de prophète sociopolitique en ChineThis thesis analyses the music industry in China at the beginning of the 21st century through the study of the sound and its meaning in China in the 21st century and the link between economic development and the evolution of music industry. The thesis explains how the different factors of the notoriety allow us to comprehend society. Then, a third part discusses the degree of importance that the music plays in being a socio-political prophet in China
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Rondeleux, Luc. „Incidences des représentations numériques sur l'évolution du langage musical en France et aux Etats-Unis : 1957-1982 : de la première synthèse numérique au protocole MIDI, vingt-cinq années de bouleversements dans l'expérimentation musicale“. Paris, EHESS, 1995. http://www.theses.fr/1995EHES0339.
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Solidaires dans leurs evolutions, expression musicale et connaissances scientifiques et techniques ont subi avec l'arrivee des representations numeriques certaines mutations irreversibles. Le passage de l'analogique au discret a servi d'instrument a l'elaboration de structures formelles et a l'etude objective des phenomenes cognitifs et subconscients. Si la composition assistee par ordinateur a dirige son champ d'exploration vers le traitement statistique, par l'utilisation de la theorie de l'information et des donnees structuralistes de la linguistique et de la semantique, la synthese numerique, elle, a tente d'elucider les fondements subjectifs de la perception. Le rapprochement de ces tendances compositionnelles fut opere quand les formalismes se sont appuyes sur la fonctionnalite esthetisante des rapports immanents a la nature spatio-temporelle du son. L'accroissement des potentiels technologiques et la normalisation du protocole de communication midi ont permis d'instaurer au sein des processus de creation des logiques qui adherent au vecu. L'emotion et la sensibilite depassent l'entendement et forment la reception sociale, a la fois perpetuellement renouvelee, et jointe aux revelations sur notre univers. La representation numerique a donc fourni un nouveau cadre pour des strategies compositionnelles projectives, marquant ainsi les donnees musicales de notre fin de siecleAbstract. Interdependants in their evolution, musical expression and scientific and technical knowledge have, under the influence of digital representations, been subjected to irreversible mutations. The passage from analog to digital was instrumental to the elaboration of formal structures and to the study of cognitive and subconscious phenomena. If computer-aided composition has directed its field of study towards statistical methods, by the use of the theory of information and of the structuralist data of linguistics and semantics, digital synthesis has attempted to elucidate the subjective fundamentals of perception. The reconciliation of these compositional tendencies was brought when the formalisms integrated the esthetic functionnalities of the immanent spatial and temporal nature of sound. The increase of technological potentials and the normalisation of the midi communication protocol have permitted the instauration within the creation processes of forms of logic that are true to life. Emotion and sensibility go beyond understanding and forge the social reception, both perpetually renewed and combined to the revelations about the universe. Digital representation has produced a new frame for projective compositional strategies, impacting upon the musical environment of the end of our century. Mots-cles : cognition - linguistique - meteriau - modele - psycho-acoustique - semantique - sociobiologie
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Daudet, Laurent. „Représentations structurelles de signaux audiophoniques : méthodes hybrides pour des applications à la compression“. Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX11056.
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La recherche d'une bonne représentation numérique des sons musicaux est actuellement un enjeu important pour l'industrie musicale, notamment en vue du stockage et de la transmission. Nous désirons une représentation qui soit à la fois précise (fidèle d'un point de vue perceptif) et efficace (qui utilise la quantité de données la plus faible possible, en gardant une complexité faible). Nous envisagerons donc des modèles de sons d'autant plus précis que la classe de sons envisagée est étroite. Nous illustrons ici ce concept par deux exemples de modèles sonores. Le premier, basé sur des modèles de signaux, permet de représenter les sons de manière complètement générale, en les décomposant en trois couches dites partie tonale, transitoires et partie stochastique. Pour une grande majorité de sons, nous montrons que ces représentations hybrides sont particulièrement efficaces, les trois couches étant par construction compactes dans certaines bases. L'idée sous-jacente est la recherche de structures dans la localisation des coefficients significatifs. Outre l'application à la compression, ces représentations permettent une implémentation efficace de certains effets sonores et modèles psychoacoustiques. La seconde application permet, dans le cas où l'on ne se préoccupe que d'un seul instrument, d'appuyer nos modèles sur les mécaniques physiques de production sonore. Plus précisément, nous présentons un modèle de resynthèse des vibrations de cordes de piano, basé sur le formalisme des guides d'onde digitaux. Nous montrons qu'il est nécessaire d'envisager le couplage des vibrations dans les deux directions transverses, et que celui-ci peut être implémenté par un couplage linéaire et complexe, dépendant de la fréquence. Nous montrons que les paramètres du modèle peuvent être extraits de signaux expérimentaux. Ce type de modèles "physiques" permet un contrôle inatteignable par la majorité des synthétiseurs commerciaux.
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Soulele, Andriana. „La musique de scène des représentations de tragédies grecques en France et en Grèce de 1945 et 1975“. Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040098.
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La renaissance de la tragédie grecque en Europe, au XXe siècle, constitue un phénomène de grande importance concernant la perception et l’influence de l’Antiquité grecque dans la création artistique. Pendant la période 1945-1975, les conséquences de la Seconde Guerre Mondiale et de la Guerre Civile grecque déclenchent une importante réflexion sur le progrès de l’humanité que la tragédie semble alimenter de façon déterminante, tant en Grèce qu’en France. De l’archaïsme à l’inspiration de la tradition grecque, de l’actualisation à l’évocation rituelle, un certain nombre des spectacles de tragédies marquent l’histoire du théâtre grâce à l’originalité de leur mise en scène et à leur accompagnement musical. Les approches, souvent novatrices, des compositeurs grecs et français témoignent des tendances esthétiques spécifiques. Entre l’hellénisme, la modernité, l’influence traditionnelle et exotique, les musiques de scène renouvellent considérablement l’expression musicale contemporaine, en faisant de la tragédie un champ d’expérimentation musicale unique et fécondThe resurgence of the ancient Greek tragedy in 20th century Europe reveals a phenomenon of great importance concerning Greek Antiquity’s influence in artistic creation. During the period of 1945 to 1975, the consequences of World War II and the Greek Civil War provoke an important reflection on the humanity’s progress, expressed via the Greek tragedy and manifested in France as well as in Greece. Some tragedies’ interpretations leave their mark in theatrical history due to their original scenic direction and music and are characterized by an archaic style, by a traditional inspiration, by a modern actualization of the myth or by a taste for the rite. The Greek and the French composers’ approaches are innovative and exhibit specific aesthetic tendencies. Amid the hellenistic predilection, the traditional, the exotic and modern inclinations, the scores of incidental music renovate contemporary musical expression and make the Greek tragedy a unique and prolific field of musical experimentation
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Blondeau, Julia. „Espaces compositionnels et temps multiples : de la relation forme/matériau“. Electronic Thesis or Diss., Paris 6, 2017. http://www.theses.fr/2017PA066292.
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Si les questions du temps, du matériau, de la forme et de leurs relations sont des questions centrales pour les compositeurs, il importe de se demander si la vieille dichotomie entre forme et matériau n’est pas à repenser en regard des nouveaux dispositifs susceptibles d’amener une appréhension à la fois plus fine et plus globale des diverses dimensions temporelles. Dans le cas plus précis de la musique mixte, la question que nous étudions est la suivante : dans quelle mesure l’existence d’un continuum entre les notions de forme et de matériau est-elle liée à la composition consciente d’entrelacs temporels ?Cette question implique l’utilisation de paradigmes capables de nous faire appréhender les nombreuses composantes qui font l’identité d’un matériau ou d’une forme, et de nous faire percevoir les liens qu’elles entretiennent mutuellement. Notre travail s’articule autour de deux axes complémentaires. Le premier traite de la nécessité d’organiser des espaces compositionnels permettant de rendre plus poreuse la frontière érigée entre les notions de forme et de matériau. Nous étudions à cet effet une représentation spatiale du matériau basée sur des structures topologiques. Le second nous amène à voir comment le langage synchrone Antescofo peut nous permettre de concevoir une musique mixte singularisée par les divers types d’écriture qu’il sous-entend et les nouveaux paradigmes qu’il est susceptibles d’engendrer. La composition des temps multiples liés par l’écriture, par des processus temporels propres aux paradigmes du temps réel, ainsi que par la prise en considération des temps liés à la performance, est abordée sous un angle résolument relationnelIf the problematic of time, material, form, and their relationships is longstanding question in musical composition, the old dichotomy between form and material should be reshaped in view of the technological opportunities making possible a finer and more global apprehension in the handling of time in the scope of mixed music.In this context, the question addressed is to which extent the existence of a continuum between the notions of form and material is linked to the explicit design of temporal interlacing? This question involves new paradigms to understand the many components that determine the identity and the mutual relationships of material and form.Our research unfolds in two complementary axes to develop a compositional framework addressing the specification and the management of heterogeneous intertwined temporal processes at different time scales. The first axis works out an explicit topological representation of compositional spaces (based on simplicial complexes) that smoothes the boundaries between form and material. The second one spells out the various kinds of writing and the new temporal paradigms allowed by the Antescofo synchronous real-time programming language. The specification of multiple times during the composition phase and their management during the performance is developed through a strong relational standpoint.The theoretical and practical propositions investigated in this research works are illustrated on several pieces written during the thesis
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Nentwig, Anne-Cecile. „Sociologie des musiciens traditionnels amateurs : Pratiques musicales et style de vie“. Phd thesis, Université de Grenoble, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00733932.
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" Musiques traditionnelles", " musiques du monde" ou " musiques tradiporaines " d'aujourd'hui, " musiques folkloriques " d'hier, " musiques de nos racines ", toutes les époques ont été saisies par un intérêt de sauvegarde des musiques populaires, les inscrivant de manière différenciée dans le contexte social. Cette recherche interroge, à partir d'un regard sociologique, l'ordinaire et l'extra-ordinaire des musiciens amateurs, par le prisme leur pratique musicale en tant que moyen de construire une réalité sociale. C'est donc l'articulation de cette pratique avec un ensemble de valeurs et de symboles qui sous-tendra l'ensemble de ce questionnement. A partir de la pratique musicale amateur, il s'agit de comprendre les enjeux sociaux d'un courant musical en pleine expansion. Notre interrogation centrale consiste à savoir si la musique participe à la structuration du monde social, avec ses conventions, son mode de fonctionnement, ses symboles et ses référents. Comment le goût pour un répertoire musical,générateur de symboles et des valeurs va-t-il trouver écho dans des pratiques ordinaires, participant à un processus de bricolage (De Certeau 1990) du quotidien ? En analysant les pratiques musicales en amateur, nous cherchons à décrire les affinités électives (Weber, 1989) existantes entre un courant musical et la construction d'un ordinaire.
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Garcia, Jérémie. „Supporting music composition with interactive paper“. Phd thesis, Université Paris Sud - Paris XI, 2014. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01056992.
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This thesis focuses on the design of interactive paper interfaces for supporting musical creation. Music composition has been deeply influenced by the computational power brought by computers but despite the use of software to create new sounds or work with symbolic notation, composers still use paper in their creative process. Interactive paper creates new opportunities for combining expression on paper and computation. However, designing for highly individual creative practitioners who use personal musical representations is challenging. In this thesis, I argue that composers need personal and adaptable structures on paper in which they can express and explore musical ideas. I first present three field studies (Chapter 3) with contemporary composers that examined the use of paper and the computer during the composition process and how linking the two media supports exploration of musical ideas. I then describe a participatory design study that investigates the use of formal musical representations (Chapter 4) for creating new paper interfaces that extend computer-aided composition tools. I introduce Paper Substrates (Chapter 5), interactive paper components that provide modular structures for interacting with personal representations of computer-based musical data. I detail tools that we created to develop paper applications with the Paper Substrates approach. Several examples illustrate the creation of personal structures and musical content that can still be interpreted by computer-aided composition software. I then describe a structured observation study with 12 composers who used Polyphony to compose a short electroacoustic piece (Chapter 6). Polyphony is a unified user interface that integrates interactive paper and electronic user interfaces for composing music. The study allowed us to systematically observe and compare their compositional processes. Finally, I report on a research and creation project with the composer Philippe Leroux during the composition of his piece Quid sit musicus (Chapter 7). Several work sessions with the composer and a musical assistant lead to the design of new paper- based interfaces for generating composition material, synthesizing sounds and controlling the spatialization from handwritten gestures from calligraphic gestures over an old manuscript.
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Reraki, Fotini. „La musique imaginaire : discours, identités et représentations dans l’enseignement grec contemporain“. Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040018.
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La présente thèse explore l’espace formel de l’enseignement de la musique en Grèce actuelle en tant qu’un espace de confrontation et de négociation de sens autour du musical. L’introduction de la musique traditionnelle au sein de cet espace sert de paradigme à une étude sur « la gestion de l’altérité musicale » à partir d’une enquête ethnographique de terrain (observation participante et entretiens non directifs), qui s’intéresse plus particulièrement aux conditions de cohabitation entre des enseignants-musiciens aux parcours différents, aux conditions donc de cohabitation entre des pratiques d’apprentissage, des discours et des imaginaires qui tantôt s’entrecroisent, tantôt se concurrencent. L’objectif ultime de ce travail est, à cet égard, de mettre en évidence que les façons dont les individus se représentent la musique et tout ce qui s’y rattache, forment un système symbolique qui renvoie à la manière dont ils se définissent eux-mêmes et ils se situent envers les autresThe present thesis explores the formal space of music education in Greece as an area of confrontation and negotiation of meanings around music. The introduction of Greek traditional music in this educational space serves as a paradigm for a study on “the management of musical otherness”, based on a field survey (participant observation and non-directive interviews) which focuses in particular on the conditions of cohabitation between teachers-musicians with different musical trajectories, thus on the conditions of cohabitation between learning practices, discourses and imaginaries which sometimes intertwine, sometimes they compete with one another. In this regard, the ultimate aim of this work is to bring to light that the ways individuals represent music and everything related to it, form a symbolic system referring to the manner in which they define and situate themselves in relation to others
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Piffaut, Ludovic. „L'univers médiéval et ses figures de représentations dans l'opéra italien (1690-1730)“. Thesis, Tours, 2012. http://www.theses.fr/2012TOUR2006.
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L’univers médiéval tient une place importante dans la culture poétique italienne du XVème au XVIIIème siècle. Emblèmes de cet univers, les poèmes épiques de l’Arioste et du Tasse, imités de ceux d’Homère, promeuvent les histoires les plus populaires des théâtres italiens des XVIIème et XVIIIème siècles. L’écriture du Moyen Âge dans l’opéra, entre 1690 et 1730, montre une diversité des esthétiques et des figures poétiques et dramatiques. Grâce à l’Accademia dell’Arcadia, la rénovation du livret ouvre de nouvelles perspectives à son exploitation, que développera Zeno contrairement à Metastasio. En s’appuyant sur la tragédie française, celle-ci lie étroitement art poétique et musical. L’air symbolise ce point de rencontre des affects et de leur représentation musicale. Il contribue à la célébrité de l’Artaserse (1730) de Vinci et celui de Hasse. Ces opéras précipitent le déclin des sujets médiévaux et laissent la place à un nouveau modèle lyriqueMedieval universe took an important place in the Italian poetic culture from the 16th to the 18th century. Emblems of this universe, Ariosto and Tasso’s epic poems, imitated of Homer’s, upgraded to most popular histories of the Italians theatres of the 17th and 18th centuries. The Middle Ages’ representation in Opera between 1690 and 1730, showed a diversity of esthetics but dramatic and poetic figures too. Thanks to the Accademia dell’Arcadia, the renovation of the libretto led to consider new prospects of its exploitation. Zeno developed the new vision of Middle Ages contrary to Metastasio. Supporting by French tragedy, this renovation unified with strength poetical and musical art. The aria symbolized the meeting point of affects and their musical representations. It contributed to the celebrity of Vinci’s and Hasse’s Artaserse (1730). These two operas hastened the decline of medieval subjects and installed a new lyric model
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Ométak, Valérie. „Approche du mouvement du rythme musical par le mouvement graphique de l’auditeur. Représentations graphiques enactives de patterns rythmiques percussifs par des enfants de cinq ans“. Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040007.
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Cette thèse porte sur le rythme musical considéré sous l’angle particulier de son mouvement et entreprend une approche empirique de cette notion abstraite, en l’absence de consensus sur la définition du rythme et d’une théorie scientifique sur le mouvement en musique. Différentes conceptions théoriques du mouvement sont exposées suivant que le rythme musical est considéré comme un objet, un phénomène ou une forme dynamique. Ces points de vue sont enrichis de données empiriques sur la description du rythme par les mouvements de l’auditeur. A l’appui de ce cadre de référence, la forme dynamique est saisie comme outil conceptuel et méthodologique qui permet de cerner les qualités dynamiques du rythme suivant l’évolution temporelle de ses éléments dynamo-agogiques, supposés porteurs d’informations de vitesse du mouvement, et d’analyser cette forme dynamique musicale par les formes dynamiques graphiques tracées par l’auditeur lors de l’écoute du rythme. Cet outil est testé dans une expérience exploratoire durant laquelle on enregistre les traçages effectués avec un stylo numérique par 33 enfants de 5 ans, sujets enactifs, lors de la représentation graphique de 24 brefs patterns percussifs. Les 792 traçages avec l’environnement sonore sont étudiés avec deux méthodes de comparaison de l’évolution temporelle du graphisme et du rythme. L’analyse de l’appariement de ces formes dynamiques rythmiques et graphiques met en évidence des liens solides entre des propriétés d’intensité et de durées des rythmes et des propriétés formelles et dynamiques des graphismes des auditeursGiven the lack of a consensual definition of rhythm and of a scientific theory of musical motion, this dissertation approaches empirically the abstract notion of the motion conveyed by musical rhythm. We present several theoretical conceptions of motion, musical rhythm being alternatively considered as an object, a phenomenon or a dynamic form. These points of view are completed with empirical data describing rhythms through listener’s movements. Within this framework, we use the dynamic form as a conceptual and methodological tool giving insights into the rhythm dynamics according the way their dynamo-agogic elements, assumed to convey information regarding motions' speed, change over time. It also allows the analysis of this musical dynamic form through the graphical dynamic form drawn by the listeners as they listen to a rhythm. This tool was tested in an exploratory experiment on 33 five-year-old enactive subjects, during which the movements of an electronic pen were recorded as the children were asked to draw an enactive graphical representation of 24 brief percussive patterns. The 792 tracing samples thus generated as rhythms unfold are studied with two methods comparing the respective temporal changes of tracing movements vs rhythms. Pairing these graphical and rhythmic dynamic forms for analysis exhibited strong links between the properties of intensity and duration of rhythms on one hand, and dynamic and formal properties of the graphical patterns generated by the listeners on the other hand
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Gétreau, Florence. „Histoire des instruments et représentations de la musique en France : une perspective disciplinaire dans le contexte international“. Habilitation à diriger des recherches, Université François Rabelais - Tours, 2006. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00088086.
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L'ORGANOLOGIE est l'étude des instruments de musique. Constituant une branche de la musicologie, elle entretient un lien consubstantiel avec les sources musicales et fait appel à différents champs disciplinaires parmi lesquels on peut mentionner la connaissance technique des instruments, la facture instrumentale, l'acoustique, l'histoire des techniques, l'étude des traités théoriques mais aussi l'histoire des collections et de la restauration. Elle s'intéresse aussi à la classification des instruments, à leur origine, leur évolution, leurs variantes mais aussi à leur usage musical et leur symbolique.Ce mémoire pour l'habilitation est introduit par une présentation historiographique de cette branche de la musicologie. En effet, si les grands traités théoriques français de Marin Mersenne, de Pierre Trichet, de Diderot et d'Alembert notamment, constituent le socle de connaissances de tout organologue, l'étude des instruments de musique en tant que discipline apparaît en France au XIXe siècle avec les travaux de F.J. Fétis. Des figures comme celles de Pontécoulant, de Constant Pierre, d'André Schaeffner l'ont ensuite fortement structurée. C'est donc dans la perspective de ces pionniers et de leurs plus lointains successeurs appartenant souvent au cercle des disciples de Norbert Dufourcq, qu'est placée la réflexion. L'établissement d'une bibliographie des travaux portant sur la France montre la difficulté des chercheurs français, à quelques exceptions près, à s'affirmer dans le contexte international au moment où se mettent en place les tribunes spécialisées, tel le Galpin Society Journal.
Etudier les caractéristiques organologiques des instruments dans une perspective analytique et descriptive (catalogues), mais aussi interprétative (histoire du goût, évolution des sensibilités), reconstituer l'œuvre de facteurs ayant travaillé en France, notamment aux XVIIe et XVIIIe siècles (monographies), éclairer le contexte social et statutaire du métier de facteur d'instruments, contribuer à l'histoire des collections d'instruments en France, et aussi à l'histoire de la conservation et de la restauration, voilà autant d'axes développés dans ce bilan de travaux personnels et collectifs : ils ont été approfondis lors de colloques internationaux et en créant une revue spécialisée française, Musique-Images-Instruments, soutenue par le Ministère de la Culture et le CNRS.
L'ICONOGRAPHIE musicale constitue le deuxième champ disciplinaire présenté dans ce travail. Centrée sur l'étude des représentations de la musique dans les arts visuels en Occident moderne, elle ne concerne pas que l'évolution de l'instrumentarium à travers les images qui en ont été données mais aussi la pratique de la danse et des arts du spectacle.
Si les pionniers de cette discipline au XIXe siècle en France ont consacré leurs travaux au Moyen Age, l'intérêt pour les œuvres du musée du Louvre, pour les portraits de musiciens, pour l'inspiration musicale de certains peintres, se développe progressivement au début du XXe siècle. La figure d'Albert Pomme de Mirimonde (dont les publications s'étendent de 1960 à 1984) est centrale tant il a exploré de thématiques et de collections françaises. Le bilan des travaux français, préparé dans le cadre de ce mémoire, permet de souligner l'intérêt des chercheurs pour certains sujets de prédilection parmi lesquels par exemple les œuvres de Watteau ou de Fantin-Latour.
Que ce soit dans des travaux personnels ou collectifs, nous avons développé au cours des vingt dernières années des thématiques mettant en évidence l'évolution de pratiques et de goûts musicaux particuliers : la mode des instruments champêtres (musettes, vielles à roue, tambourins-bourdons), la signification sociale de la pratique du luth, de la viole et du clavecin. Des portraits de musiciens de premier plan ou moins célèbres ont été analysés, voire identifiés. L'évolution de certains instruments, sur la base des sources visuelles conjuguées aux sources d'archives et musicales, a pu être mise en lumière (notamment l'émergence du cor d'orchestre en France au XVIIIe siècle ou l'évolution des archets). L'encadrement de travaux collectifs (inventaires systématiques des tableaux musicaux du Louvre ; publications d'études régionales) a pu se développer dans des catalogues d'exposition et dans la revue Musique-Images-Instruments dont les 8 volumes déjà parus ont été ouverts à des chercheurs chevronnés et des étudiants avancés. Celle-ci a contribué à une collaboration disciplinaire mêlant travaux d'organologie et d'iconographie musicale et replaçant la contribution des chercheurs français dans un contexte international.
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Issa, Gonçalves Daniel. „Le méta-opéra baroque (1715-1745) : satire et parodie comme sources d’informations sur la pratique musicale au XVIIIe siècle“. Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL189.
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L'opéra, ou melodramma, est l'un des phénomènes culturels les plus importants de l'Italie du XVIIIe siècle. D'après Des Brosses, en cette époque ce genre semblait même être plus populaire que le théâtre parlé. L’importance et la popularité du melodramma dans la vie sociale et culturelle d'Italie étaient telles que de nombreuses parodies et satires musicales ont été écrites sur ce genre. Au XVIIIe siècle, ces «opéras sur l'opéra» ont acquis une telle importance, qu'ils constituèrent un «micro-genre» en soi. Des nombreux musicologues affirment que ce «micro-genre» a existé de 1715 à 1827. Ces opéras sont surnommés, dans la littérature musicologique, metaopera ou metamelodramma. L'objectif de la thèse est d'analyser les parodies et satires ayant pour sujet le métier des musiciens et chanteurs actifs dans l'opéra, du point de vue des musiciens eux-mêmes. Ceci nous permet de découvrir des références se rapportant à la pratique, les habitudes ou les clichés de la profession (pratiques musicales, situation sociale des musiciens, etc.), qui ne figurent pas forcément dans les sources historiques et critiques habituelles. L'analyse de ces œuvres fournit une opportunité de plonger dans l'univers de la production musicale du XVIIIe siècle, celle-ci étant parodiée et critiquée par la satire avec son propre langage, ses propres acteurs et protagonistes. Ces œuvres, malgré leur caractère caricatural, constituent une réflexion des musiciens, librettistes, compositeurs et autres acteurs de la scène musicale sur leur propre profession, et éclairent de manière comique et vivante la situation du métier au XVIIIe siècleOpera, or melodramma, is one of the most important cultural phenomena of eighteenth-century Italy. According to Des Brosses (1709-1777) this genre seemed to be even more prized than spoken theater. The importance and popularity of the melodramma in Italian social and cultural life was such that many musical parodies and satires were produced. In the eighteenth-century, these "operas about opera" became so popular, they constituted a separated "micro-genre", which musicologists claim existed between 1715 and 1827. These operas are called, in the musicological literature, metaopera or metamelodramma. The aim of this thesis is to analyse the parodies and satires which deal with the profession of the musicians and singers active in opera, from the point of view of the musicians themselves. This allows us to identify references relating to the practice, habits, and clichés of the profession (musical practices, social situation of musicians, etc.), which do not necessarily appear in usual historical and critical sources. The analysis of these works provide an unique opportunity to explore the world of the musical production of the eighteenth century, which is parodied and criticized by satire in its own language and by its own actors and protagonists. Despite their caricatural nature, these works are a reflection of musicians, librettists, composers, and other actors of the musical scene on their own profession, and illustrates in a comical and lively way, the situation of the musical business in the eighteenth century
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Nieden, Gesa zur. „Vom grand spectacle zur great season : das Pariser Théâtre du Châtelet als Raum musikalischer Produktion und Rezeption (1862-1914)“. Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0104.
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Dans la période 1862 à 1914 le Théâtre du Châtelet accueillait trois genres musicaux différents : le grand spectacle, les concerts symphoniques des Concerts Colonne et le théâtre musical d’avant-garde (Salomé de Richard Strauss, Ballets Russes de Serge de Diaghilev). Par rapport à la variété musicale et à la composition sociale du public diversifiée de ces trois genres, la production musicale du théâtre du Châtelet est représentative pour la vie musicale parisienne autour de 1900. L’étude du Théâtre du Châtelet comme espace de production et de réception musicales se base sur l’approche de la sociologie de l’architecture. A son aide nous étudierons les influences de l’haussmannisation sur la pratique théâtrale et musicale. En outre, nous définirons un modèle de réception pour chaque genre afin d’étudier le rapprochement entre les genres « populaires » et « savants » au début du 20e siècle. Cette dernière étude éclaircira les bases culturelles de l’éclectisme en musique des années 1920In the period from 1862 to 1914 the Parisian Théâtre du Châtelet hosted the three different musical genres grand spectacle, symphonic concert (Concerts Colonne) and musical theatre of the avant-garde (Salome of Richard Strauss, Ballets Russes). This range of genres is musically and socially representative of the musical life of Paris. The study of this theatre as a room of musical production and reception in the period from 1862 to 1914 analyses the establishment and the institutionalisation of these different genres in the Théâtre du Châtelet and defines a reception model for each of them. Methodologically our study is based on the approach of sociology of architecture and the spatial concept of the theatre historian Mercedes Viale-Ferrero. A comparison of the three different types of musical production in that époque sheds light on the eclecticism of the 1920s when Paris advanced to be the European capital of the arts
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Barbedette, Sarah. „Le concert. Approche picturale et questions de poétique“. Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040124.
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Généralement considéré à l’aune de significations historiques, pour le rôle qu’il joue dans l’économie sociale et l’éclairage qu’il permet de porter sur la production musicale, le concert est aussi, plus rarement, envisagé selon le rapport qu’il entretient naturellement avec le monde du spectacle et l’univers religieux. Mais la question de son ontologie reste suspendue. Cherchant à saisir ce qui le constitue dans sa radicalité, nous élaborons dans ces pages une réflexion en deux temps. Le premier est consacré à un tableau, Le Concert, peint par Nicolas de Staël en 1955 après qu’il a assisté à deux concerts du Domaine musical. Le second propose de penser une poétique du concert, c’est-à-dire de s’intéresser au faire. De l’un à l’autre apparaît puis s’affirme la trace d’une discontinuité foncière, constitutive du concert. Ce que le tableau donne à voir, à la jointure des préoccupations anciennes du peintre et d’un événement musical, c’est une essence fragmentaire laissée nue. Nous saisissant de cette matière, nous nous interrogeons sur le rapport du concert à l’œuvre : qu’est le concert en regard de l’œuvre musicale, du morceau de musique, de l’opéra ? La question de l’unité et celle du sens s’imposent en contrepoint, constituant progressivement un dialogue avec l’univers du livre, depuis les origines didactiques du concert jusqu’à la désignation d’un geste poétique qui le fonde. Cette profonde intimité avec la poésie nous mène à l’orée d’une pensée politique de l’événement : fabriqué et fabriquant, le concert n’accède à la cohérence que dans un virtuose tissage de rapportsConsidered for the most part according to its historical significance, both for its role in the social economy and for the light it sheds on musical production, the concert is only rarely studied in terms of the theatrical and religious worlds to which it is, by its very nature, related. The question of its ontology, however, remains deferred. In an effort to understand what constitutes the concert’s radicality, a two-pronged approach has been developed here. The first is applied to Nicolas de Stael’s The Concert (1955), which he painted after having attended two Domaine musical concerts. The second attempts to elaborate a poetics of the concert, that is, to explore its doing. The trace of a fundamental discontinuity that is vital to the concert appears as we move from one to the other, faintly at first, and then more clearly. What this painting shows us, at the intersection of the old preoccupations of the painter and of a musical event, is a fragmentary essence laid bare. Using this subject as the basis of our study, we examine the relations between the concert and the work itself: how is the concert related to the musical opus, the musical piece, the opera ? In counterpoint, the questions of meaning and unity are crucial here, gradually opening a dialogue with the world of the book, from the didactic origins of the concert to the defining of the poetic gesture on which it is based. This deep intimacy with poetry leads us to a political approach to the event : fabricated and fabricating, the concert can only attain its coherence through the virtuous interweaving of connections
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Chesnel, André. „La note bleue : l'expression tsigane dans le jazz à travers la presse anglophone nord-américaine des années 1880 aux années 1940“. Thesis, La Rochelle, 2018. http://www.theses.fr/2018LAROF001/document.
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Cette recherche s’inscrit dans un ensemble de travaux récents qui ont pour objet la contribution des Européens aux processus de création et d’évolution du jazz. Les migrants européens du XIXe et du début du XXe siècle véhiculent avec eux des singularités culturelles qui marquent la musique américaine. Le rôle des Tsiganes et de leurs représentations outre-Atlantique méritent d’être étudiés. Notre démarche historique s’appuie sur l’établissement d’un corpus issu de la lecture de la presse américaine des années 1880 aux années 1940, confronté à des sources variées dans une perspective pluridisciplinaire (histoire de l’art, musique et géographie). Un plan croisé permet d’étudier dans un premier temps la réception de l’image des Tsiganes dans les divertissements américains, dans la musique romantique et dans le jazz. Nous observons l’omniprésence du thème tsigane, l’apparition d’un véritable mythe et son appropriation américaine. Dans un second temps, nous montrons dans quelle mesure les Tsiganes et leurs musiques contribuent à définir le jazz et ses origines. Enfin, nous analysons dans une troisième partie la circulation des Tsiganes en Amérique et leur installation dans les grandes villes des États-Unis où des musiciens tsiganes jouent du jazzThis academic research work is part of a series of recent studies whose aim is to show to what extent Europeans contributed to the birth of jazz and how they marked the development of this new kind of music. American music bears the stamp of the cultural idiosyncrasies that 19th and 20th century European migrants brought along. It is worthwhile focusing on the role played by Gypsies and the way they were perceived across the Atlantic. The reading of the American press from the 1880s to the 1940s, together with a wide variety of other sources, has provided a solid basis for a historical analysis with a multidisciplinary approach including art history, music and geography. A double-entry framework allows one to first study how Gypsies were perceived and represented in American entertainments, romantic music and jazz. What is noticeable is the omnipresence of the Gypsy theme, the emergence of a myth and its Americanization. Secondly, one can see the way Gypsy musics help define jazz music and give clues as to its origins. The third part is devoted to the Gypsies’ nomadic way of life throughout the United States and their settling in large cities where Gypsy musicians played jazz
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Hannecart, Claire. „Des musiciens sur les scènes locales en Nord de France : formes d'engagement et enjeux de pluriactivité des pratiques de création collective“. Thesis, Lille 1, 2014. http://www.theses.fr/2014LIL12031/document.
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La présente recherche étudie les pratiques sociales se donnant à voir sur les scènes locales, comprises comme ensembles d’acteurs variés que sont les musiciens, les intermédiaires et les auditeurs. Cette thèse entend contribuer à la compréhension des modalités d’engagement des musiciens, pluriactifs ou intermittents, dans des pratiques mues par la volonté d’exprimer leur singularité, mais en tension avec le régime d'une communauté locale qui accorde sa reconnaissance. Il s’agit d’identifier sur le territoire Nord de France ces pratiques façonnées par des représentations sociales plurielles et des tensions entre monde vécu et réalités contraintes. Un double cadre théorique combinant les sociologies compréhensive et pragmatique est mobilisé. La période étudiée est de cinq ans (2009-2013) et l’étude empirique repose sur deux démarches méthodologiques. Une analyse qualitative réalisée à partir d’entretiens semi-directifs et non-directifs menés auprès de cinquante-deux acteurs concernés de diverses façons par les scènes locales (musiciens, intermédiaires associatifs ou privés et politiques). Et une enquête quantitative dont l’objectif est de vérifier les constatations empiriques quant aux pratiques et profils des musiciens, l’échantillon étant constitué de musiciens de la métropole lilloise. Les résultats révèlent l'ambivalence des représentations de l’ensemble des acteurs concourant à la formation des scènes locales. La dimension coopérative des pratiques et leur inscription dans des conditions matérielles favorisées par l’ère numérique ont été mises en évidence. Enfin la valorisation de la dimension artisanale des projets constitue un des enjeux majeurs pointés par cette rechercheThe present research studies the social practices to be observed on local scenes, i.e. groups of various actors as musicians, “support systems” and audiences. This thesis contributes to the understanding of the way creators are committed to practices driven by a desire to express their singularity. What is at stake here is to identify how these practices have been shaped by pluralist social representations in northern France. A dual theoretical framework combines both comprehensive and pragmatic sociologies. The period under study spans 5 years from 2009 to 2013 and the empirical study lies on two methodological approaches. On the one hand, a qualitative analysis based upon both semi-structured and unstructured interviews with 52 respondents that were involved one way or another on local scenes, be they artists or associate private or political intermediaries. On the other hand, a quantitative survey used to verify the empirical data relative to the practices and profiles of the musicians, the sample being made of musicians from the city of Lille. The results show the ambivalence in the representation of all the actors that contribute to the formation of local scenes. The cooperative dimension of such practices in keeping with material conditions favored by the digital era have been underlined. Finally, the artisan dimension of the projects represents one of the major stakes this research highlights
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Roumanos, Rayya. „Les modalités de configuration télévisuelle d’une identité régionale à travers une émission de télé-réalité : Arabité, hybridité et libanité sur la LBC-Sat“. Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20044.
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Cette thèse étudie la configuration télévisuelle de l’identité arabe moderne à travers un des programmes phares de la chaine satellitaire libanaise LBC-Sat : la Star Academy Middle East. Elle interroge, d’un côté, les motivations et les contraintes institutionnelles et commerciales qui orientent le processus de création de sens à la télévision et se penche, de l’autre, sur le produit fini qui porte en lui les traces des tensions et des confrontations qui ont accompagné sa conception. Elle cherche à décoder la représentation de l’arabité proposée par la chaine libanaise dans un contexte régional instable, marqué par des bouleversements profonds. Les télévisions satellitaires panarabes, reflets des nouvelles technologies qui ont inondé le marché régional à une vitesse déconcertante à partir des années 1990, ont, en effet, entrainé une contraction de l’espace et du temps oriental ainsi qu’une abolition symbolique des frontières. Elles ont permis aux citoyens arabes, urbains comme ruraux, locaux comme de la diaspora, de s’informer, en temps réel, sur l’actualité arabe et mondiale et d’interagir avec des individus proches et lointains. Elles ont, de ce fait, facilité l’émergence d’un réseau d’échange horizontal et d’un espace public transnational qui a fait renaitre de ses cendres, mais sous une forme distincte, le rêve d’unité arabe. À travers leur discours dirigé vers la « rue arabe » et orienté par des considérations plus économiques que politiques, elles ont, d’une part, fragilisé les régimes autocratiques en place, en les dépossédant de leur monopole historique sur les médias, et de l’autre regroupé, à l’échelle internationale, un ensemble d’individus partageant les mêmes convictions, les mêmes attentes ou les mêmes centres d’intérêt. En accélérant l’autonomisation des opinions publiques par rapport aux idéologies officielles, elles ont obligé les régimes arabes à se repositionner vis-à-vis de ces producteurs de sens à l’influence grandissante. Leurs discours, qu’il soit inspiré d’une rhétorique islamique ou libérale s’élabore dans une sphère publique chargée de sens et de références et s’expose à des critiques qui témoignent de l’imbrication du politique, du religieux et du culturel dans le secteur médiatique arabe. La LBC-Sat, chaine satellitaire généraliste libanaise, née de l’association entre des entrepreneurs libanais et saoudiens, a intégré cette arène symbolique en 1996. Fille de la LBCI, la télévision la plus populaire du pays des Cèdres — celle qui représente, aux yeux des téléspectateurs arabes, l’essence de la culture libanaise — elle a très tôt affiché sa volonté de séduire l’audience régionale à travers une narration qui se démarque de celle de ses concurrentes. Constituée d’un mélange d’émissions à l’esthétique occidentale, au contenu audacieux, et au ton libéré et souvent frivole, sa programmation prend ses distances vis-à-vis des conservatismes régionaux et dénote une volonté de configurer une représentation différenciée de l’identité arabe, proche d’une conception singulière de l’identité libanaise, porteuse, selon les termes des idéologues du Liban moderne, d’une mission civilisatrice auprès des pays arabes et d’un pouvoir de conciliation entre les deux cultures occidentale et orientale. Les émissions de la LBC-Sat témoignent de son rôle autoproclamé de trait d’union entre ces deux mondes et participent à populariser cette vision auprès du public arabe. Son plus grand succès transnational, l’adaptation orientale de la télé-réalité d’Endemol Star Academy, montre, en effet, qu’il est possible d’imposer cette image dans l’imaginaire collectif régional à travers la construction d’un discours sur la jeunesse orientale, caractérisé par son d’hybridité et sa position à mi-chemin entre le global et le localThis thesis studies the representation of modern Arab identities through one of the most influential reality shows in the Arab World: Star Academy Middle East.It seeks to understand the strategic and ideological discourse over Arabism constructed by one of the leading Lebanese satellite channel in the MENA region: LBC-Sat.Through the study of both the professional and commercial context of emergence of this discourse, as well as a qualitative content analysis of the first four seasons of the show, it tries to understand its rationale as well as its impact in the Arab World.We believe that this narrative is unfolding in an arena of controversies where a multitude of positions regarding Arab identities are debated. Indeed, since the establishment of the first Arab satellite channels that led to a prosperous television industry, a pan Arab public sphere arose. TV shows became political fields in which opinions were exposed and theories regarding political and social issues were considered. The once monopolistic control over media contents of authoritarian regimes gave way to a more liberal environment, where citizens were given the chance to participate in the debates framing there lives. Today, Arab satellite channels act as a lightning rod for what is known as “New Arabism”, a sense of belonging to an imagined community that is no longer imposed by a higher power but developed by the base. With their liberal aesthetic and messages that oppose those of more conservative Arab televisions, Lebanese channels play a crucial role in redefining Arab identities. Their discourse, inspired by a cultural and ideological interpretation of Lebanon’s position in the Arab world, translates into a plea to rebuild bridges between the East and the West. As a symbolic object composed of hybrid forms and ideas, Star Academy Middle East echoes this position
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Lavoie, Alexandre. „Rāga-Rāgiṇī : théorie musicale et représentations de divinités“. Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5930/1/M13240.pdf.
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La présente recherche analyse la relation entre les éléments théoriques et les représentations de personnages humains et divins des structures mélodiques (rāga) de la musique classique indienne. Cette étude vise plus précisément à voir si les affects des éléments de théorie musicale (notes, phrases musicales types, etc.) des rāga ont influencé les peintures et les versets littéraires qui les ont dépeints. Pour répondre à ces objectifs, nous avons analysé le contenu de la théorie de Daniélou telle qu'exposée dans l'ouvrage The Rāga-s of Northern Indian Music et les propos de musiciens, de musicologues et de spécialistes des arts visuels interviewés en Inde. Nous avons également examiné le contenu de différents articles, essais et traités de musique abordant la musique indienne et le phénomène de ses représentations visuelles et littéraires. Ces analyses nous ont d'abord permis de cerner l'importance du phénomène de la représentation des structures mélodiques et des éléments de théorie musicale. Par la suite, l'analyse de quatre tableaux et de quatre versets littéraires représentant les rāga Hinḍola et Bhairavī avec la théorie de Daniélou nous a permis de constater qu'il y a très peu de correspondance entre les affects des éléments théoriques et les représentations. Nous avons aussi décortiqué d'autres aspects de la théorie de Daniélou et nous avons conclu que l'ensemble de celle-ci n'arrive pas à démontrer que les éléments de théorie musicale sont au centre des représentations. L'analyse des idées émises par les personnes interviewées en Inde et les auteurs d'articles et d'essais sur la représentation a également conduit à la même conclusion. Toutefois, les rasa (sentiments musicaux se situant entre la théorie et la représentation) attribués aux structures mélodiques semblent avoir été respectés par les artistes visuels. Selon notre interprétation, les représentations de la musique ont surtout été influencées par les différentes mouvances culturelles de l'histoire indienne comme le patronage des artistes, le folklore et deux des plus grands mouvements religieux indien (vishnuïsme et śivaïsme). Toutefois, il est fort possible que certains individus ou groupes de musiciens aient pu élaborer leurs propres réseaux d'affects et de représentations. En effet, la constante présence d'éléments extramusicaux illustrant les éléments théoriques et les rāga-rāgiṇī, même s'ils n'ont jamais été érigés en un système accepté par l'ensemble de la communauté musicale, a permis de donner des images et des idées qui ont grandement influencé les pratiquants et les théoriciens de cette musique savante. Pour résumer, nous pensons que les représentations de la musique indienne ont donné du sens à l'étude et à la pratique musicale, mais qu'elles demeurent toutefois un phénomène subjectif.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : rāga, rāgiṇī, dhyanaśloka (verset), rāgamālā (peinture), éléments de théorie musicale, traités de musique (śāstra), affects musicaux, svara (note musicale), pakar (formule musicale type), rasa (sentiment, humeur).