Dissertationen zum Thema „Racisme – Au théâtre“
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Freitas-Fernandes, Aurélien. „Le Concert Party hier et aujourd’hui en Afrique de l’ouest : une enquête de terrain (évolution histoire, question dramaturgiques, enjeux esthétiques et sociologiques)“. Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030030.
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Cette thèse en Études théâtrales, assortie d’un film scientifique documentaire, s’appuie sur une enquête de terrain aussi historique qu’anthropologique qui vise à comprendre les enjeux dramaturgiques et sociologiques d’un genre de Cabaret-Théâtre musical nommé le Concert Party. De ses origines aux temps de la colonisation, jusqu’à nos jours, le Concert Party s’est inscrit en Afrique de l’Ouest comme un mouvement artistique extrêmement populaire et subversif. Produits en langue vernaculaire (twi, ewe, mina…), associés à de la musique Highlife et s’appuyant sur des travestissements, des maquillages et une dramaturgie extrêmement codés, les spectacles se jouent encore dans les maquis des grandes et moyennes villes de la côte ouest-africaine et s’amusent avec dérision à retourner les représentations coloniales et racistes tout en résistant à l’aliénation culturelle et aux pouvoirs politiques. Né en 1930 en Gold Coast (aujourd’hui le Ghana), le genre s’est exporté, après les Indépendances, vers son pays voisin le Togo en 1965. Mais le genre va connaître dans ces deux pays un destin bien différent, sans perdre pour autant sa force subversive. La recherche, qui s’attache à l’histoire et aux mutations du genre jusqu’à son devenir actuel, est adossée à un travail d’investigation entrepris lors de plusieurs séjours au Ghana et au Togo, ainsi qu’à des expériences de terrain faites de l’intérieur. Elle a en effet été menée, entre autres, en immersion au sein de l’Azé Kokovivina Concert Band, la dernière grande compagnie de Concert Party du Togo, créée en 1985. Ce qui a également permis de réaliser un collectage d’archives, de témoignages et de traces vidéo sous la forme d’un reportage scientifiqueThis thesis in Theatre Studies, accompanied by a scientific documentary film, is based on a historical and anthropological field study that aims to understand the dramaturgical and sociological issues of a genre of musical cabaret theatre called the Concert Party. From its origins during the colonial period to the present day, the Concert Party has been an extremely popular and subversive artistic movement in West Africa. Produced in the vernacular (Twi, Ewe, Mina...), associated with highlife music and relying on highly coded disguises, make-up and dramaturgy, the shows are still performed in the maquis of the large and medium-sized cities of the West African coast and derisively enjoy turning colonial and racist representations on their head while resisting cultural alienation and political powers. Born in 1930 in the Gold Coast (now Ghana), the genre was exported to its neighbouring country Togo in 1965 after independence. However, the genre's fate in these two countries was very different, without losing its subversive force. The research, which focuses on the history and mutations of the genre up to its present day, is based on research undertaken during several visits to Ghana and Togo, as well as on field experiences from the inside. It was carried out, among other things, by immersion in the Azé Kokovivina Concert Band, Togo's last great concert party company, created in 1985. This also made it possible to collect archives, testimonies and video traces in the form of a scientific report
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Elthes, Agnès. „Théâtre et musique dans les tragédies de Racine“. Paris, INALCO, 1991. http://www.theses.fr/1991INAL0009.
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"Dans les tragédies de Racine les éléments para verbaux de la représentation s'incorporent au texte poétique. Ces éléments qu'on peut grouper autour de l'organisation des gestes et des mouvements scéniques, de la musique et du décor, sont dans un rapport dynamique avec le texte. L'œuvre de Racine est inséparablement liée à la musique. Pour prouver qu'il existe un lien de contact entre Racine et la musique, le chercheur doit dépasser les limites strictement disciplinaires de l'analyse de l'œuvre littéraire. L'"Idylle sur la paix" de Racine / Lully peut être considérée comme un prologue d'opéra, en analysant la partition musicale. Les phénomènes ayant référence à la musique dans la composition du temps sont la polyphonie, le contrepoint et la variation. L'effet acoustique le plus complexe du texte poétique qui unit la signification, la phonie, le rythme et l'iconographie est la technique de reprise. Dans "Bérénice", la tragédie la plus classique de Racine, il est possible de démontrer des rapports abstraits et concrets avec la musique. "In the tragedies of Racine, the paraverbal elements of representation are involved in the poetic text. The elements referring to the scenic movements, to the mimic and to the setting are in a dynamic relationship with the text. At the same time, the art of Racine is inseparably connected with the music. In order to prove the existence of relations between Racine and the music, the researcher has to overcome the traditional disciplinary limits of the analyse of a literary work. By analysing the musical partition, "Idylle sur la paix" of Racine / Lully it can be regarded as an opera prologue. The phenomena having musical reference in the composition of the time are polyphony, counterpoint and variation. The most compound acoustic effect in the poetic text combining signification, phonics, rhythm and iconography, is the echo-technique. In "Berenice", being the most classical tragedy written by Racine, it is possible to demonstrate abstract and concrete relations with the music
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Jeong, Jae Hoon. „Les rôles des reines dans le théâtre de Racine“. Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030015.
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A l'epoque de louis xiv, la tragedie s'est faite passionnelle et veritablement tragique avec racine. Interrogeant ses chefs-d'uvre memorables, ce travail, essayant de preciser le role et la fonction des reines et des princesses, tente d'interpreter leur conscience traversee de conflits interieurs dans plusieurs situations individuelles et sociales, et leurs ames desemparees en analysant la dramaturgie de racine. Nourries d'obsession de l'heredite fatale, et de desirs ardents tels que la passion amoureuse, l'ambition politique, elles se trouvent souvent dans une situation ineluctable sous le regard du << dieu cache >>. Nous oserions dire que la plupart d'entre elles sont l'expression d'une ambivalence affective de racine : l'enfance malheureuse, ecartee du monde profane et l'accomplissementdu desir, d'une << strategie du cameleon >> ambitieux en tant que dramaturge et favori du roi-soleil. Pour approcher de l'univers racinien, il faudra laisser s'envoler nos pensees, esprits et imaginations sans commen♭ tateur en eprouvant a la fois un intense bouleversement et une supreme satisfaction.
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N'heri, Touhami. „La poétique des éléments dans le théâtre de Jean Racine“. Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST0004.
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Guyot, Sylvaine. „Jean Racine et le corps tragique“. Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030135.
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Le corps tragique chez Racine semble un objet d’étude à la fois paradoxal et évident. Évident, car le théâtre est par excellence un art du corps. Paradoxal, car les tragédies raciniennes sont réputées pour réfréner la présence du corps, tant comme enjeu que comme moyen d’expression. Cette enquête vise à combler ce silence critique, en contestant l’idée d’un classicisme désincarné, harmonieux et universel. Étudier le corps tragique, c’est en faire une histoire culturelle. Le corps est un fait social dont usages, valeurs et représentations sont déterminées par la société à laquelle il appartient. Au croisement du politique, de l’anthropologie morale et scientifique, de la civilité mondaine, des arts oratoires et des évolutions esthétiques, le corps racinien met en jeu les valeurs fondatrices de la société du XVIIe siècle. Loin d’en être le reflet, il est un lieu conflictuel qui interroge les fondations de la symbolique sociale, en dramatisant les fêlures inhérentes aux institutions. La tragédie du Grand Siècle est un révélateur fécond. Contemporaine de l’absolutisme, elle est amplement investie par le pouvoir ; d’inspiration aristotélicienne, elle exploite le rapport polémique entre dignité et faiblesse, pour provoquer d’intenses émotions ; avec l’émergence du premier champ littéraire, elle est surtout soucieuse de plaire. Racine, écrivain de ce siècle galant, explore les formes du corps les plus à même de toucher ses publics. Ce sont aussi les mutations de l’esthétique théâtrale que son analyse permet d’observer. Corps culturels, corps critiques, corps esthétiques : les corps raciniens ouvrent une voie pour interroger l’histoire du théâtre, des moeurs et des sensibilitésThe tragic body in Racinian tragedy appears to be an object of study that is both paradoxical and obvious. Obvious since theatre is par excellence an art of the body and yet paradoxical because Racinian tragedies are typically known for their de-emphasis of the body’s presence both as a point of focus and as a means of expression. This study seeks to address this neglected topic by challenging the conventional notion that classicism was fundamentally detached, harmonious and universal. To study the tragic body is to undertake a cultural history since the body is a social fact whose practices, values and representations are determined by the society of which it is a part. At the crossroads of a number of areas – politics, moral and scientific anthropology, elite civility, oratory arts and aesthetic trends – the Racinian body puts into play the fundamental values of seventeenth-century society. Far from being a simple reflection of reality, Racinian tragedy is a space of conflict that probes the very foundations of social imagery, in that it dramatizes the fissures inherent in institutions. Tragedy during the reign of Louis XIV serves as a fruitful avenue of inquiry. It is contemporaneous with absolutism and thereby amply imbued with power. Of Aristotlean inspiration, it also draws upon the polemical relationship between dignity and weakness in order to call forth intense emotions. And with the emergence of the field of literature, tragedy is above all concerned with pleasing. Dramatist in this gallant century, Racine explores the forms of the body to the extent of touching his audiences. His analysis allows one equally to observe the transformations in the theatrical aesthetic. Cultural, critical and aesthetic bodies : the physical body in Racine’s tragedies offers a point of entry to examine the history of the theater, of manners, of taste and of emotions
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Lacroix, Philippe. „Le théâtre tragique de Racine au regard de son temps et de l'histoire“. Paris 12, 1989. http://www.theses.fr/1989PA120020.
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Racine a fait subir a la tragedie une veritable metamorphose: il est le champion de la renaissance courtoise et le createur d'une mystique modelee sur celle de la contre-reforme. S'il est un digne fils des anciens, racine fait aussi preuve d'une surprenante et audacieuse vision politique, subordonnee a sa mystique, et a laquelle les tragedies sacrees donnent tout son sens. Bien que cette demarche s'inscrive dans un mouvement de pensee, d'ailleurs ignore ou deforme par la critique, elle permet une nouvelle approche de l'univers racinienRacine transforms tragedy: he is the champion of a courteous new hirth and the creator of a mystic. Ancients son, racine is so author of an audacious and refined political, explained by sacred tragedies. This idea, always ignored or learnedly transformed by the critic, has no equivalent in the tragic theatre of seventeenth century
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Stephan, Hayek Christelle. „Linguistique et rhétorique du monologue dans le théâtre racinien“. Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030042.
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Nous avons abordé la forme langagière particulière qu’est le monologue pour nous intéresser, plus particulièrement, à la place qu’occupe cette forme dans le théâtre racinien. Défini intuitivement comme un discours que se tient un personnage à lui-même, le monologue devient, au fil de l’analyse, un puits inépuisable de richesses langagières, pragmatiques et rhétoriques. Or, le meilleur moyen d’analyser une forme langagière est de s’intéresser à la langue qui en constitue la trame ainsi qu’aux composantes qui en font une forme de discours. Nous avons tenté, dans une première partie, de définir le monologue, en partant des définitions lexicologiques et étymologiques pour aboutir à une caractérisation dramaturgique de cette forme particulière du discours théâtral ; le deuxième chapitre a été exclusivement consacré aux monologues raciniens abordés sous divers aspects, alors que dans le troisième, nous avons établi une comparaison entre les monologues raciniens et cornéliens. Nous nous sommes ensuite intéressés, dans une deuxième partie, aux seuls monologues de Racine à travers une analyse linguistique pointue des trente monologues que contiennent ses pièces, dévoilant un à un les mécanismes de la métrique, de la syntaxe et du lexique qui les régissent, et explorant les spécificités de la communication dans cette forme de discours si particulière. La troisième partie, quant à elle, a été consacrée à l'analyse rhétorique et conversationnelle du monologue, abordé selon les concepts de la pragmatique et de la rhétorique classiqueWe have approached the particular form of language which is the monologue, to concentrate our interest on the place occupied by this form in Racine’s plays. As the analysis progressed, the monologue, that was intuitively defined as a speech held by a character to itself, became an inexhaustible mine of linguistic, pragmatic and rhetorical richness. However, the best way to analyze a linguistic form is to focus on the language that constitutes its framework, as well as on the components that turn it into a form of speech. We have tried, in the first part, to define the monologue starting from the lexicological and etymological definitions and ending up with a dramaturgical characterization of this particular form of theatrical speech; the second chapter has been exclusively dedicated to various aspects of the Racine’s monologues. In the third chapter, we have established a comparison between our corpus and the Cornelian monologues. Then, in the second part, we have only been interested in the Racine’s monologues, throughout a narrow linguistic analysis of the thirty monologs contained in his plays, revealing one by one, each of the ruling metric, syntactic and lexical mechanisms, and exploring the specificities of the communication in this so particular form of speech. The third part has been dedicated to the analysis of Racine's monologues using the concepts of rhetoric and pragmatic
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Guillemot, Jean-Marie. „Les para-personnages dans l'oeuvre de Jean Racine“. Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040327.
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Les tragédies de Racine sont émaillées de ces personnages dits invisibles parce que maintenus par l'auteur en coulisses, hors de la vue du public. A partir d'un recensement précis et complet de leurs occurrences, nous avons étudié la manière dont l'auteur utilise cet outil, et ce tout au long de sa carrière. Pièce après pièce, nous avons analysé les modifications qu'il avait apportées à ses personnages invisibles par rapport aux œuvres précédentes, et l'influence que chaque nouveau sujet exerce sur leur nombre et leur nature. Cette étude nous a conduit à nous pencher du côté des sources de l'auteur; l'histoire, et les rapports parfois ambigus qu'elle entretient avec la création littéraire, le monde littéraire de la fin du XVIIème siècle, la stylistique, ou encore l'originalité des personnages de Racine, et leurs différences par rapport à ses prédécesseurs ou à leur modèle mythologique, font également partie des nombreux domaines auxquels nous nous sommes intéressé.
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Beaudouin, Valérie. „Rythme et rime de l'alexandrin classique : étude empirique des 80 000 vers du théâtre de Corneille et Racine“. Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2000. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00377348.
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Ce mémoire présente une approche empirique du rythme et de la rime du vers alexandrin classique. Un outil d'analyse systématique du vers, le métromètre, a été mis au point. Il transcrit le vers dans l'alphabet phonétique, le découpe selon les positions ou syllabes métriques, en respectant les règles de la versification (diérèse/synérèse, décompte du e muet et liaison) ; finalement, il attribue à chacune des positions un certain nombre de marquages ou étiquettes d'ordre exclusivement linguistique : noyau vocalique et syllabe de la position, catégorie morpho-syntaxique, situation dans le mot et présence d'une marque accentuelle sur la position. L'outil repose sur un analyseur syntaxique développé par P. Constant et un phonétiseur développé par F. Yvon. Les outils ont été adaptés aux particularités du vers. Le métromètre a été utilisé pour analyser les 80 000 vers de Corneille et Racine. Il en résulte que la structure rythmique du vers est bel et bien le résultat d'un agencement spécifique des éléments de la langue (il n'y a pas « d'accent de vers »). Nous montrons que tous les marquages, qui relèvent de composantes a priori indépendantes de la langue, contribuent chacun à leur manière à définir la forme rythmique de chaque hémistiche et du vers. Les corrélations entre ces niveaux a priori indépendants semblent être constitutives du rythme.
Parallèlement, l'examen systématique de la rime chez Corneille et Racine a permis de montrer l'existence de régularités, non attestées dans les traités de métrique (la voyelle [e] a, par exemple, toujours besoin d'une consonne d'appui) et de proposer une définition contextuelle des concepts de rime riche, suffisante ou pauvre, lesquels varient selon le type de terminaison examiné.
Enfin, nous avons tenté de montrer en quoi la structure rythmique et rimique des vers pouvait contribuer à enrichir l'analyse stylistique : nous avons ainsi mis à jour des corrélations entre des univers de discours et des rythmes spécifiques.
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Szuszkin, Marc. „L'espace dans les tragédies de Racine“. Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040174.
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L'étude de l'espace dans une œuvre littéraire est relativement peu abordée. Cette problématique associant la littérature et l'espace reste inexplorée en comparaison des longs travaux consacrés au rapport de l'écriture et du temps. Au sujet des tragédies de Racine, la configuration des espaces peut apparaitre uniforme d'une pièce à l'autre. En effet, l'absence d'éléments de décoration dans « ces palais à volonté » est frappante. L'espace vide et sans couleur n'est néanmoins pas vide de sens. Le poète fait des références constantes aux palais, aux temples, au sénat, aux murailles qui constituent le décor extérieur du lieu scénique. L'espace imagine par Racine prend la forme de lieux concentriques, imbriqués les uns dans les autres. Sur l'échelle du plus petit au plus grand espace, se situent le cabinet, la chambre ou l'antichambre puis l'appartement et son agencement aux autres appartements, puis le palais. Aux abords du palais sont placés les bâtiments des institutions politiques et religieuses. A plus grande échelle, il y a la cité et enfin les remparts autour de la cité. L'ensemble de ces éléments architecturaux participent comme acteur au déroulement de la mécanique du tragique. La grande originalité du théâtre racinien est de faire intervenir l'espace dans le cœur de l'action. Le lieu scénique n'est jamais neutre. Avant l'entrée d'un personnage, il est déjà marqué par le passé au même titre que les protagonistes. Le lieu a déjà été habité et demeure soumis à des influences positives ou négatives. Parallèlement aux lieux concrets environnant la scène, Racine décrit un espace intérieur propre à ses héros tragiques qui sont saisis par les passions. L'expérience de la passion offre aux personnages une perception singulière des lieux. Ils construisent un monde intérieur, un univers mental ou ils peuvent réinventer leurs rapports avec les autres protagonistes, qu'il s'agisse de relations amoureuses passionnées ou de rivalité et de haine farouche.
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Schoonaert, Marie. „La femme-monstre en France au XVIIe siècle (Théâtre et Iconographie)“. Thesis, Limoges, 2020. http://www.theses.fr/2020LIMO0004.
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Ce travail de recherche aborde le thème de la monstruosité féminine, de 1635 à 1697, à travers les spécificités de quatre études de cas : Médée, Phèdre, Méduse puis Madame Jobin inspirée par La Voisin. L’étude successive des différents genres théâtraux comme la tragédie, la tragédie en musique et la comédie, ainsi que l’analyse des portraits gravés, des estampes à tonalité mythologique ou satirique met en valeur les variations successives de la notion de femme-monstre sur l’ensemble du XVIIe siècle. Il s’agit de montrer que la figuration sur scène ou en image de la monstruosité féminine suggère une destruction progressive de la monstruosité qui accompagne une « démolition du héros » ou de l’héroïne, notions déjà abordées par Paul Bénichou puis Sophie Vergne. Cette étude démontre qu’à partir de Médée, parangon de la femme-monstre, aucune autre femme ne parvient à l’égaler car chaque œuvre épouse les particularités politiques, morales ou esthétiques contemporaines à l’écriture et ce contexte limite désormais l’exhibition, sur scène en particulier, d’une monstruosité féminine totale telle que Médée l’incarne. Chacune des œuvres du corpus théâtral et iconographique, de Phèdre au personnage de Lustucru, apporte selon son année de publication ou de mise en scène, une définition de la monstruosité qui lui est propre, soulignant dans quelle mesure la notion de femme-monstre parvient toujours à s’adapter à son contexte en vue d’une représentation efficaceThis work presents the theme of female monstrosity from 1635 to 1697 through the specificity of four case studies : Médée, Phèdre, Méduse and Madame Jobin inspired by La Voisin. The study of different theatrical genres like tragedy, musical tragedy and comedy, but also the analysis of engraved portraits and mythological or satirical engravings highlights the successive variations of the idea of " monster woman " in the whole XVII century. This thesis attempts to show that the portrayal of female monstrosity on stage or on pictures conveys the idea that the monstrosity is gradually destroyed. This destruction of the idea of monstrosity goes with the destruction of the hero or the heroin. These ideas have already been approached by Paul Bénichou and then by Sophie Vergne. This study shows that from Médée, model of the monster woman, no other woman can equal her. Every artwork follows the political, moral or aesthetic particularities contemporary to its writing. This context limits the display, on stage in particular, of a total female monstrosity as embodied by Médée. Every one of the theatrical and iconographic artworks, from Phèdre to the character of Lustucru, shows a meaning of the monstrosity that is specific to it, depending on it’s release or performance year. It indicates how the idea of " monster woman " always adapts to its context in order to represent successfuly the idea
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Tomotani, Tomoki. „Les techniques dramaturgiques dans les tragédies de Racine : essai sur la sophistique théâtrale“. Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040005.
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La présente étude a pour but d'éclairer les techniques dramaturgiques de Racine concernant son élaboration des personnages tragiques, en s'arrêtant en particulier sur la rhétorique sophistique et le paralogisme théâtral. La sophistique n'est pas seulement discernable dans ses préfaces pleines d'argumentations douteuses, maus aussi dans sa pratique théâtrale qui nous présente les héros ambigus, dotés de plusieurs qualités contradictoires. Héritier d'Euripide et d'Ovide, Racine faisait sien leur perception relativiste de l'homme, et parvenait à créer une oeuvre moderne où la vérité semble toujours lointaine. Mais si cette absence de vérité aboutit à la poétique du trouble et à la représentation inquiétante de l'homme, Racine n'en est pas moins un poète de l'amour humain ("Philia") qui privilégie les préceptes aristotéliciens de la bonté des moeurs et du tragique de la violence ("pathos") entre ceux qui sont liés par amour et qui malgré leur défaite affirment la pérennité de l'humainThis study tries to clarify Racine's dramatic techniques, concerning his creation of the tragic charactors, by dwelling on the sophistical rhetoric and the theatrical paralogism. .
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Ogura, Hirotaka. „La rhétorique du "naturel", limites et transgressions : étude sur le langage dramatique des pièces mythologiques et bibliques de Racine“. Aix-Marseille 1, 1997. http://www.theses.fr/1997AIX10045.
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Racine est considere souvent comme un virtuose du style "naturel" qui est l'ideal meme du langage a l'epoque classique. Or, en realite, ce caractere de style est bien limite chez lui pour decrire l'action dramatique, fondee sur un enchainement vraisemblable des motifs humains, tandis que le sens tragique fait irruption poetiquement dans ce qui transgresse ce "naturel" dans les pieces mythologique et bibliques de racine, ce sens tragique se manifeste a travers l'image cruelle de la transcendance. Notre etude consiste precisement a degager, a partir de l'analyse concrete des agencements langagiers dans les pieces ayant trait a la fable ou a la bible, la poetique de racine; laquelle, fondee sur ce que l'on peut appeler la rhetorique du "naturel" a pour fonction essentielle de faire ressortir l'aspect tragique de ses pieces. Ainsi, on s'apercoit a l'examen que l'image "impitoyable" de dieu dans athalie, mise au jour par la lecture poetique de la derniere piece de racine, correspond parfaitement a la conception cruelle et demoniaque de la transcendance, avancee par le poete deja dans sa premiere piece, la thebaide, developpee davantage de facon poetique dans andromaque, iphigenie et phedreRacine has often been considered as a master of the "natural" style, the language ideal of classical times. In fact, this characteristic of style is limited in racine's works to the description of dramatic actions which are based upon progressions of human motifs, whereas a tragic meaning can be seen to break through poetically in transgressions of this "naturalness". In racine's mythological and biblical plays the tragic meaning is shown through the cruelty of transcendency imagery. This study will illustrate racine's poetics through concrete analysis of language organization in plays relating to the fable or to bible. Racine's poetics is based upon what may be called the rhetoric of "naturalness" and serves the essential function of bringing out the tragic aspect of these plays. Thus , it can be seen that the image of the merciless god in athalie, brought to light by the poetic reading of racine's last play, corresponds perfectly to the cruel and demoniacal conception of transcendy as earlier presented by the playwright in his first play la thebaide and further developed poetically in andromaque, iphigenie and phedre
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Park, Shin Eun-Young. „Approche sémiotique des tragédies de Racine : problème de la double énonciation“. Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040015.
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Cette étude a pour but d'analyser, en adoptant quelques méthodes sémiologiques, les tragédies de Racine (à partir d’Andromaque jusqu'à Phèdre) dans leur spécificité théâtrale, surtout à travers l'examen du système de double énonciation : à l'intérieur du cadre énonciatif 1 (auteur-lecteur), il existe un autre cadre énonciatif fictif (entre les personnages). En abordant le problème par le biais de l'auteur, nous allons d'abord examiner comment l'auteur informe le lecteur en respectant ce dispositif énonciatif du théâtre. La deuxième partie est consacrée au circuit énonciatif intra-scénique. Nous allons voir comment les personnages s'informent les uns les autres et comment l'action dramatique se déroule par l'acte perlocutionnaire. Dans la troisième partie, nous allons procéder à une analyse pragmatique du discours des personnages pour trouver l'archi-énonciateur qui se trouve dans l'interaction de leurs actes de langage. Pour conclure, nous allons vérifier le résultat de notre analyse par rapport à la perspective de la rhétorique, pour éviter des éventuelles erreurs causées par l'anachronieThe objective of this study is to analyses the seven tragedies of Racine (from Andromaque to Phèdre) by some semiotic methods in considering the specificity of the dramatic text, i. E. , the system of double enunciation. Inside of the enunciative framework 1 (author-reader), there is another fictional enunciative framework 2 (between the personages). In approaching this problem in the sight of the author, we will examine, first of all, how the author informs the reader in respecting the enunciative disposition of the theatre. The second part relates to the intra-scenic enunciative circuit. We will see how the personages inform one another, and how the dramatic action develops by the perlocutionary acts. In the third part, we will undertake a pragmatic analysis of the personages' discourse, in order to find the archi-enunciator that is in the interaction of their speech acts. To conclude, we will verify the result of our analysis in relation to the rhetoric, principal writing rules of French classical age, and this for the purpose of avoiding the possible errors caused by anachrony
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Diagne, Makassa. „Le thème de la mort dans les tragédies de Racine“. Rouen, 1987. http://www.theses.fr/1987ROUEL035.
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La tragédie racinienne se caractérise par sa singularité et surtout sa diversité. L'œuvre est un concentre de styles qui soulignent le thème de la mort sous des angles différents. Elle nous fait vivre les angoisses, les tourments, l'amertume et la lutte perpétuelle de tous les personnages qui sont placés dans une situation difficile. Par ailleurs, les dieux, les astres, l'autel, l'amour, l'espace, le temps et la nature participent également à la problématique de la mort. Tous ces éléments véhiculent des significations originales qui confèrent à l'œuvre toute sa richesseRacinian tragedy is characterized by its singularity and, above all, its diversity. The production is an amalgam of styles which highlights the theme of death from different angles. Through it, we relive the distresses, torments, bitterness and perpetual struggle of all the characters who are put in a difficult situation. Apart from this, gods, stars, ritual, love, space, time and nature are party to the enigma of death, too. All these elements convey an original significance which gives to the production all its richness
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Le, Goff Virginie. „Le sacrifice racinien : une esthétique théâtrale de la duplicité“. Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030169.
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Cette these presente l'analyse de la duplicite dans l'oeuvre dramatique de jean racine. Forme dramaturgique essentielle a l'univers racinien, la duplicite est une forme recurente du systeme dramatiques racinien. Appliquee au discours theatral, inscrit dans une situation de double communication, la duplicite depasse le cadre dramaturgique pour atteindre sa valeur esthetique en raison des jeux de significations qu'elle engendre et qui convient le public a une experience originale de la reception. Enfin la duplicite racinienne ne devint une forme tragique que parce qu'elle est liee au theme du sacrifice. Ainsi, toute tragedie racinienne offre la representation d'un sacrifice. Le sacrifice, enjeu de toute tragedie de racine, revele la coherence de la logique tragique racinienne, organise le double rapport d'une duplicite tragique sacrifiante et d'une duplicite tragique sacrifiee et construit, au fil de ces onze tragedies, l'esthetique theatrale de racinienne de la duplicteThis thesis presents the analysis of the theme of duplicity in the dramatic works of jean racine. An essential dramatic form in the world of racine, duplicity is a recurrent forme in the dramatic system of racine. Applied to the theatrical langage, inscribed in a situation of double communication, duplicity goes beyond the dramaturgic frame so as to reach its aesthetic value because of the manifold meanings it implied and wich invites the audience to an original way of experiencing reception. Finally, the diplicity in racine's work only become a tragical form because it is linked to the theme of sacrifice. Thus, any tragedy by racine is the representation of a sacrifice. The theme of sacrifice, wich is at stake in any of racine's tragedy, exposes the coherence of the tragical logic in racine. It sets up the double relationship between a tragical duplicity wich sacrifices and a tragical duplicity wich is sacrified. And, tragedy after tragedy, it builds up racine's theatrical aesthetics of duplicity
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Maggi, Ludovica. „Herméneutique, oralité, temporalité. L’écriture traductive théâtrale de l’interprétation des classiques à la mise en voix. Phèdre et Dom Juan traduits pour la scène italienne contemporaine“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA014/document.
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Dans la présente thèse nous formulons une réflexion sur la traduction des classiques du théâtre à travers les trois catégories traductologiques de l’herméneutique, de l’oralité et de la temporalité. A cet effet, nous envisageons la traduction comme le résultat d’un processus herméneutique concernant l’œuvre dans sa totalité. Au centre de ce processus, nous plaçons le sujet traduisant, dont la culture individuelle – à son tour reflet et déclinaison de la culture collective de l’espace-temps cible – constitue l’horizon d’interaction avec l’œuvre source. En découle la saisie d’un Sens total, au-delà du simple sens textuel, qui inclut une inscription dans la temporalité et l’identification d’une théâtralité, tout particulièrement vocale. Posant cette construction comme hypothèse de fond, nous recherchons les marques d’une telle interprétation de l’œuvre dans l’oralité de la traduction. Nous imaginons cette dernière comme la projection d’une voix performée et la concevons comme un tissu composite dans lequel les dimensions linguistique, rythmique et vocale participent à la construction d’un discours contemporain sur l’œuvre classique, le théâtre du passé, le théâtre du présent, sur la traduction elle-même et sa relation au temps. Un corpus de traductions italiennes contemporaines de Phèdre et Dom Juan destinées à la représentation scénique constitue la pierre de touche pour la vérification de notre hypothèse, tout en apportant un éclairage sur la réception des classiques du théâtre français en ItalieIn this thesis, we focus on theatre classics and on the interaction between hermeneutics, orality and temporality. To this aim, we think of translation as the result of a hermeneutical process which goes beyond the text and includes an interpretation of the play as a whole. In this framework, the translator plays a central role as they interact with the source text through the hermeneutical horizon of their individual and collective culture, extracting a Sense which extends to the perception of a specific temporality and theatricality. Our hypothesis is that this Sense can be found in the orality of the translative writing, which we consider to be the projection of voice in performance and which we define as a combination of language, rhythm and vocality, resulting in a contemporary discourse about the classic work, about theatre – both past and present – and about translation itself, as well as about its relationship to time. A corpus of Italian translations of Phèdre and Dom Juan for the stage helps verify our hypothesis, while offering an insight into the reception of French classical theatre in Italy
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Pleschka, Alexander. „Théatralité et public. Les drames tardifs de Schiller et la tragédie classique française“. Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040204.
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Cette étude met en évidence la manière dont Schiller, après sa lecture de Kant et de Diderot, intègre le public dans sa dramaturgie pour pouvoir donner une dimension publique et politique à la représentation théâtrale de ses drames. Schiller crée ainsi une dramaturgie qui lui permet d’aborder des sujets soulevés par la Révolution Française et qui réutilise certains éléments de la tragédie classique française.La première partie de cette étude, consacrée à la tragédie classique française, retrace l’évolution du concept de « public » au cours du 17e siècle en examinant les différentes formes de publics de cette époque, notamment dans la Querelle du Cid, la Pratique du Théâtre de l’abbé d’Aubignac et les tragédies de Corneille et de Racine.Dans la deuxième partie, nous démontrons que depuis le 18e siècle et le drame bourgeois en particulier, l’acte d’assister à une représentation théâtrale n’est plus entendu comme une action publique qui se déroule devant d’autres spectateurs mais comme une action intrinsèquement subjective. Ce concept de spectateur permet de créer une sphère publique dans le sens moderne du terme.Dans la dernière partie, nous analysons les rapports qui existent d’une part entre, la dramaturgie tardive de Schiller et son esthétique développée à partir de la lecture de Kant et de Diderot, d’autre part, entre cette dramaturgie intrinsèquement publique et la tragédie classique française. Le concept de « public » qui est à la base cette dramaturgie est distingué d’autres concepts du public développés dans les écrits théoriques de Schiller et est illustré par l’analyse de Wallenstein, Marie Stuart et de DémétriusThe present study shows how Schiller, as a consequence of his reading of Kant and Diderot, includes the audience in his dramaturgy and thereby gives the scenic situation a public character, which allows him to represent political issues typical of the French Revolution. This serves to explain why Schiller’s later plays, especially Wallenstein, Maria Stuart and Demetrius, adapt some features of French classical tragedy.The first part of the study explains how, during the Querelle du Cid, contemporaries developed an awareness of how the presence of an audience lends a public quality to the situation of dramatic performance. This public quality is reflected in contemporary prescriptive poetics and employed to affect the audience in Corneille’s and Racine’s dramaturgy.The second part describes how since the 18th century viewing drama has been regarded as a genuinely subjective action, instead of being seen, as before, as a public activity taking place in front of other spectators. This mode of viewing allows creating a public sphere which is abstract in a modern sense.The third and final part states how Schiller’s aesthetics lead to a partial integration of the theatre audience into the scene, which in turn gives the scene a public character, similar to the one of the French classical period. This concept of the public character of drama is then distinguished from concepts developed in Schiller’s theoretical writings and illustrated with analyses of his later plays
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Hamano, Toki. „Drame et poésie dans la tragédie racinienne : recherches sur les points de vue critiques“. Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040218.
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Notre étude est axée tout particulièrement sur les rapports entre le drame et la poésie dans les tragédies de Racine. Cette étude prend appui sur les critiques, critiques des siècles précédents qui opposent, le plus souvent, le poète Racine au dramaturge, allant jusqu'à mettre en doute l'intérêt de son théâtre. Au XVIIe siècle, la critique, déconcertée sans doute par la nouveauté de l'esthétique de Racine, tend à le placer à un rang secondaire, après Corneille. Au XVIIIe siècle les éloges au poète affaiblissent le dramaturge et la révolution romantique considère comme périmée la tragédie racinienne. Chose curieuse, le XXe siècle ressuscite Racine. L'auteur, affadi par des siècles de critique scolaire, devient le créateur d'une poésie pure selon l’abbé Bremond et Valéry, un dramaturge à rejouer et à actualiser selon Xavier de Courville et Copeau. Objet de la réflexion des plus grands écrivains, dramaturges et critiques, Racine a retrouvé ces dernières années une surprenante nouveauté. Le renouvellement de sa mise en scène par J. -L. Barrault et R. Planchon, la récente reprise de Bérénice à la Comédie-Française dans une mise en scène originale de l'allemand Klaus Gruber et la création à l'étranger - en particulier au Japon - de plusieurs de ses pièces, tout cela témoigne en faveur de la vitalité du théâtre racinien et de l'universalité, tant dramatique que poétique, de son œuvreOur study is essentially based on the relationship between drama and poetry in Racine’s tragedy. It stems from criticism from earlier centuries, which mainly set up Racine the poet against the playwright, casting even a doubt regarding his dramatic work. In the XVIIth c. , baffled critics, who might have been perplexed by the novelty of his work, relegate the author to a minor position, giving him a second part after Corneille. In the XVIIIth c. , too much support and praise eventually endangers the dramatist's status. The romantic revolution views Racine’s dramatic work as rather out of fashion. Curiously enough, the XXth c. Reestablishes Racine in his own part. The author, after having been made more than tedious by centuries for scholastic critics, becomes according to the abbot Bremond and the poet Valéry - the originator of an exquisite and pure poetry, a dramatist poet to be played anew and up-to-date according to Xavier de Courville and the well-known Copeau. A subject which inspired the greatest writers, playwrights and critics the world over, Racine after having lost favor is now reborn and well alive. The renewal of his staging by J. -L. Barrault and R. Planchon, the late revival of Berenice at the Comédie Française which was successfully cast by the german Klaus Gruber and the creation abroad - mainly in japan - of some of his plays, everything testifies of the strength and vitality and of the success worldwide of Racine’s tragedy
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Planche, Marie-Claire. „Passions raciniennes et arts visuels : Pictura Loquens, XVIIe-XIXe siècles“. Dijon, 2000. http://www.theses.fr/2000DIJOL004.
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Les sujets des pièces du dramaturge Jean Racine (1619-1699) ont été transposés dans les arts visuels dès le XVIIe siècle et ce jusqu'au XIXe siècle. Le corpus iconographique réunit des oeuvres exécutées de 1668 à 1815 par des peintres et dessinateurs de tout premier plan. Il est constitué de dix tableaux et de huit éditions illustrées. Les peintres et dessinateurs ont représenté des épisodes joués sur la scène théâtrale ou connus par le seul récit ; ils ont donc parfois montré ce qui ne pouvait l'être au théâtre. Cependant, si les liens avec la scène théâtrale sont évoqués, ils ne sont pas l'objet de ce travail. L'étude des oeuvres du corpus se fait à la lumière du texte de Racine, des théories de l'histoire des représentations, de celles de la littérature et des traités de rhétorique. Les tableaux et les vignettes qui posent la question de l'ut pictura poesis témoignent des possibilités expressives propres à chacun des deux arts. Car si l'expression des passions est une préoccupation commune à la peinture et à la poésie, en revanche leurs moyens diffèrent. Racine a accordé une importance remarquable aux mouvements des corps et des visages. Les peintres et dessinateurs ne les ont pas négligés et la variété des expressions, leur pertinence révèlent leur primauté. Mais le corpus, parce qu'il est lié aux textes de Racine, permet aussi de s'interroger sur d'autres problématiques que sont le choix de l'instant, la représentation du lieu et le respect des coutumes. Ce sont les sources de l'histoire de l'art qui permettent de traiter ces questions qui ont été à la base de l'élaboration des théories des arts visuels.
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Souchier, Marine. „Le statut de grand dramaturge au XVIIe siècle : Corneille, Racine et Molière, figures vedettes d’une histoire littéraire en construction (1640-1729)“. Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL121.
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Dès la fin du XVIIe siècle, Corneille, Racine et Molière se voient attribuer une supériorité indiscutable sur l’ensemble des autres dramaturges contemporains. Cette hiérarchie dont l’histoire littéraire actuelle a hérité continue à nous faire admettre comme une évidence la précellence accordée à ce trio de « classiques » et les études consacrées aux auteurs dits « mineurs » interrogent rarement le statut d’auteur « majeur ». Nous avons souhaité étudier le processus d’élaboration du statut de grand dramaturge. Cette thèse met ainsi en lumière les différents aspects et manifestations de cette construction, dont elle retrace les étapes du vivant des auteurs — des années 1640 à 1680 —, tout en identifiant les facteurs permettant de comprendre pourquoi ces trois dramaturges bénéficièrent d’un tel statut, au détriment de leurs confrères et concurrents. Ce travail observe ensuite l’immédiate postérité de nos auteurs — des années 1670 à 1720 —, afin de montrer comment la hiérarchisation et la classification à l’œuvre dans le double processus de majoration et de minoration desdramaturges posent les bases de l’histoire du théâtre français. Pour comprendre la constitution du panthéon des grands dramaturges, nous analysons les mécanismes d’écriture de l’histoire du théâtre dit « classique » et faisons émerger le processus de mythification qui préside à l’apparition de la « triade sacrée » Corneille- Racine-Molière. Nous expliquons alors comment l’histoire du théâtre français s’écrit à la gloire de ces auteurs, à partir et autour de leurs trois figures, classicisées et transformées en symboles du « siècle de Louis XIV »From the late 17th century, Corneille, Racine and Molière are given an undeniable superiority over all other contemporary playwrights. This hierarchy, from which current literary history has inherited, continues to make us consider the pre-eminence granted to this “classical” trio as obvious and the studies devoted to the so-called “minor” authors rarely question the “major” author status. Our goal has been to study the elaboration process of the great playwright status. Thus, this PhD thesis highlights the different aspects and manifestations of this construction, retracing its stages during the authors’ lifetime — from the 1640s to the 1680s — while identifiying the factors allowing to understand why these three playwrights were given such a status, at the detriment of their colleagues and competitors. Moreover, this work studies our authors’ immediate posterity — from the 1670s to the 1720s — in order to show how the hierarchy and classification at work in the “majoration” and “minoration” process lay the foundation of French theater history. To understand how the great playwrights’ pantheon was built, we analyze the writing mechanisms of “classical” theater history and bring out the process of mythification that leads to the birth of the “sacred triad” Corneille-Racine-Molière. We then explain how the French theater history is written in praise of these authors, from and around their three figures, classicized and converted into symbols of “the age of Louis XIV”
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Donaty-Prost, Brigitte. „Les jeux de l'écart : mises en scène du répertoire classique (Corneille, Molìère, Racine) en France de 1965 à nos jours“. Rennes 2, 2004. http://www.theses.fr/2004REN20044.
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Cette thèse examine les grandes orientations esthétiques de la mise en scène des pièces de Corneille, Molière et Racine en France depuis 1965. Une première partie résume les expérimentations de la première moitié du XXe siècle. La deuxième partie considère comment, depuis les années 1960, les metteurs en scène modifient les traditions d'interprétations des pièces classiques et les renouvellent en faisant du plateau le lieu des commentaires du texte ou de la société. La troisième partie mène une étude sur la façon dont ils jouent, particulièrement depuis deux décennies, avec les conventions de représentation, déconstruisent la fiction ou encore redécouvrent ou réinventent la langue du XVIIe siècleThis dissertation examines the major aesthetic orientations in the performance of theater plays by Corneille, Molière and Racine in France from 1965 to nowadays. The first part summarizes the experimentations during the first half of the 20th century. The second part considers how, since the 1960s, the directors have changed the hermeneutic traditions of the classical plays and renewed them, transforming the stage into a commentary of the text and of the society. The third part analyses the way they have played, in particular since two decades, with the conventions of performance, how they have deconstructed the fiction and rediscovered or reinvented the language of the 17th century
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Campbell, Thomas. „La tragédie racinienne : de l'esthétique classique à la peinture des passions dans 3 oeuvres : Andromaque, Britannicus et Phèdre“. Mémoire, 2008. http://www.archipel.uqam.ca/900/1/M10165.pdf.
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Dans la France du XVIIe siècle, le théâtre est un formidable espace de représentation où les dramaturges dépeignent les moeurs de leur époque. La tragédie retrace le destin de personnages illustres soumis à l'ordre de la passion. Le coeur y triomphe sur la raison car il empêche toute forme de logique et crée un véritable bouleversement. L'individu est prisonnier de ses affects, dépourvu de toute maîtrise et se consume de désir. Il est ainsi condamné à l'errance et à la souffrance puisque l'objet de son affection est souvent inaccessible. À l'âge classique, la tragédie révèle les contradictions de l'âme humaine dans une esthétique à mi-chemin entre tradition et imitation. Ces quelques principes sont à l'origine de bon nombre d'ouvrages parmi lesquels figure l'oeuvre de Jean Racine qui présente des héros déchus en quête de désir. Dans ses pièces, il est notamment question de fatalité et de responsabilité mais également de solitude. L'objectif principal de ce mémoire est donc de montrer de quelle manière le poète a épousé les principes de son temps tout en développant sa propre sensibilité. L'examen de cette problématique repose ici sur trois pièces rédigées entre 1667 et 1677. À partir de ces textes, nous esquissons d'abord les contours de l'univers racinien en fonction du patrimoine antique et des apports du XVIIe siècle. Cette base appréhende la tragédie dans sa codification et ses divers ornements. Elle nous familiarise avec l'univers des passions grâce aux principes de mimesis et de catharsis. Puis nous revenons sur le personnage tragique en insistant sur son ambivalence. Enchaîné à ses passions, le héros oscille entre Éros et Thanatos, deux puissances gouvernées par l'absolu désir et la pulsion destructrice. Il porte en lui les stigmates d'une profonde aliénation qui exclut toute forme de raison. Ce portrait se situe dans la perspective aristotélicienne dans laquelle «le héros n'est ni tout à fait coupable, ni tout à fait innocent». La prise en compte de divers paramètres souligne comment Racine recompose les états d'âme humaine. Enfin, nous pénétrons dans le labyrinthe des passions à travers le langage qui révèle l'agitation des corps et la violence des sentiments par le biais d'un lexique imagé. Une telle étude suppose que l'on ait recours à des ouvrages sur la dramaturgie classique, mais aussi à des travaux sur la tragédie racinienne ou encore des analyses sur le mécanisme des passions au XVIIe siècle. En effet, le théâtre classique et les thèmes qui y sont associés supposent une connaissance des règles et des usages propres à la tragédie. Car au-delà de l'aspect technique ces éléments constituent les fondements même du genre et déterminent le style du poète. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Passion, Tragédie, Théâtre français, Classicisme.
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Girerd, Berthelot Noémie. „Iphigénie de Rotrou à Racine : paradoxe d'un héroïsme chrétien au féminin“. Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/3709.
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Dans la France de l’Ancien Régime, si les représentations de la condition féminine légitiment les valeurs d’une traditionnelle phallocratie, on note néanmoins que le dogme chrétien accorde aux femmes une place dans l’économie du salut. Dans un contexte de Contre-Réforme, celle-ci déterminera notamment, sur le plan socio-littéraire, les modalités de l’expérience mystique et de l’héroïsme au féminin : l’éthique chrétienne érige paradoxalement en modèle des figures féminines qui transcendent leur humanité dans le sacrifice et la mort. Mais au XVIIe siècle, l’évolution des notions d’abnégation et d’amour-propre éradique ce triomphe éphémère. En nous intéressant plus particulièrement aux remaniements de l’hypotexte euripidien dans l’Iphygenie de Rotrou (1640) et dans l’Iphigénie de Racine (1674), nous verrons comment les deux pièces traduisent ce déclin.
Au premier chapitre de notre mémoire, nous nous intéresserons à l’espace de liberté que le discours chrétien confère aux femmes à travers le culte de la virginité et l’hypothétique transfiguration des corps célestes. Réintégrant ces données théologiques, la mystique marque l’essor d’un charisme féminin que la notion d’amour-propre déconstruira à l’ère classique. Dans un second chapitre, nous explorerons les développements de l’éthique héroïque qui ont servi à l’essor d’un héroïsme au féminin. Le troisième chapitre portera enfin sur l’échec d’une héroïne mythique qui, mettant à profit le dogme chrétien, menace dangereusement l’équilibre d’un ordre patriarcal. La critique littéraire convient généralement de l’irréfutable vertu de l’héroïne de Rotrou et de Racine. Au terme de notre analyse, nous entendons démontrer qu’Iphigénie est, a contrario, tragiquement reconnue coupable d’amour-propre par les deux dramaturges.In the French Ancien Régime, the representations of the condition of women justify the values of male chauvinism. Nevertheless, in its economy of Salvation, Christianity gives women an important place. In the social context of Counter-Reformation, this situation defines the terms of a mystical experience of God exemplified, in literature, by a model of feminine heroism, as Christian ethics set up a feminine figure transcending her human condition through sacrifice and death. In the seventeenth century, however, the concept of abnegation and pride eradicates the short-lasting triumph of feminine heroism. Through Rotrou and Racine’s theatrical reorganization of Euripides’ Iphigenia in Aulis, we will see how both authors convey its end. In our first chapter, we will consider the space defered to women by Christianity through the cult of virginity and the transfiguration of celestial bodies. Reinstating these theological data, the mystics will mark the rise of a feminine charisma which will be deconstructed by the notion of pride in the late seventeenth century. In the second chapter, we will see how the development of heroism favours the expansion of a feminine heroic figure. In the last chapter we will analyse the failure of a mythical heroine who, by taking advantage of the Christian dogma, dangerously compromises the patriarcal order. While critics often assert the truthfull virtue of Iphigenia in Rotrou and Racine’s plays, we will intend to prove that she is, on the contrary, tragically convicted of pride by both authors.