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Zeitschriftenartikel zum Thema „Questions visuelles“
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Baschet, Jérôme. „Inventivité et sérialité des images médiévales. Pour une approche iconographique élargie“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 51, Nr. 1 (Februar 1996): 93–133. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1996.410835.
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Les relations entre les arts visuels et la réalité historique globale — de même que les rapports entre les deux disciplines qui ont ces domaines pour objets — sont loin d'être simples. Sans développer ici ces questions, on plaidera volontiers pour une interrelation plus féconde entre histoire et histoire de l'art, tout en soulignant la nécessité de reconnaître la spécificité de chacune des deux démarches. En ce qui concerne les rapports entre histoire et images, on admettra aisément que les productions visuelles participent d'une réalité sociale avec laquelle elles sont nouées par des relations, quelque complexes qu'elles soient.
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Mariani-Rousset, Sophie, und Anne Griffond-Boitier. „Des choix photographiques comme révélateur d’un ressenti en espace urbain“. Sintaxis, Nr. 12 (15.01.2024): 114–29. http://dx.doi.org/10.36105/stx.2024n12.10.
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Ce texte présente une étude en cours sur les espaces végétalisés. Les espaces verts jouent un rôle essentiel dans le bien-être des citadins, comme l’a confirmé le confinement dû au COVID-19. Nous utilisons les méthodes visuelles (photographies et storymaps) pour étudier la perception des individus par rapport à l'espace végétal, invitant les participants à parcourir un itinéraire urbain à l’aide d’une tablette tactile pour prendre des photos, laisser des commentaires, exprimer leurs ressentis et répondre à des questions. L'objectif est de capturer en temps réel la perception des participants. L’article présente un travail conjoint avec une artiste en résidence utilisant cette étude comme point de départ pour son projet artistique. Les résultats de l'étude, regroupés sous forme d'une storymap collective, révèlent sous un angle nouveau des aspects souvent négligés ou inattendus, permettant d'explorer d'une manière originale les parcours urbains réalisés.
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Parker, Sarah E. „Reading and Viewing Sex in Early Modern French Vernacular Medicine“. Renaissance and Reformation 38, Nr. 4 (09.02.2016): 65–88. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v38i4.26374.
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Discussions of sex in early modern medical discourse did not simply legitimize a titillating topic. Medicine was engaged in a broader struggle to establish itself as a legitimate and professionally defined discipline; yet many practitioners marketed their ideas to a non-professional public readership. Using both textual and visual material, this article analyzes the tension between these aims in two sixteenth-century French vernacular works that discussed medical topics related to sex: La Dissection des parties du corps humain (1546) by Charles Estienne and the Erreurs Populaires (first edition, 1578) by Laurent Joubert. These medical authors employed visual and textual strategies to legitimize sexual content and to increase their professional reputations—while nevertheless exploiting the erotic nature of the content in order to improve the marketability of their publications.
Le traitement du sexe dans le discours médical des débuts de la modernité ne cherchait pas seulement à légitimer un thème émoustillant. La médecine était aussi engagée dans un débat plus important visant à établir son statut en tant que discipline professionnelle légitime et bien définie. Toutefois, plusieurs praticiens de la discipline destinaient leurs travaux à un public non professionnel. À travers des documents à la fois écrits et visuels, cet article analyse les tensions entre ces objectifs dans deux ouvrages du seizième siècle de langue française se penchant sur des questions en lien avec le sexe : La Dissection des parties du corps humain (1546) de Charles Estienne et Erreurs Populaires (1578) de Laurent Joubert. Ces auteurs en médecine on utilisé des stratégies visuelles et textuelles afin de légitimer l’étude du sexe et de promouvoir leur réputation professionnelle, et ce, tout en tablant sur la nature érotique de ces thèmes afin d’augmenter l’intérêt du marché pour leurs publications.
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Viswanathan, Jacqueline. „Action. Les passages narrativo-descriptifs du scénario“. Cinémas 2, Nr. 1 (08.03.2011): 7–26. http://dx.doi.org/10.7202/1001049ar.
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Il s’agit de mettre en question certaines des assertions les plus courantes des manuels d’écriture du scénario à propos des parties narrativo-descriptives. Que veut-on dire quand on conseille à l’aspirant scénariste de pratiquer une « écriture visuelle » ou une « écriture cinématographique »? L’analyse montre que, plutôt que des descriptions riches en détails visuels, les passages narratifs proposent une lecture des éléments signifiants essentiels du plan ou de la séquence, tels qu’interprétés et organisés par un spectateur hypothétique.
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Saint-Martin, Isabelle. „Les arts visuels dans l’espace ecclésial“. Thème 17, Nr. 2 (06.07.2010): 169–96. http://dx.doi.org/10.7202/044068ar.
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Résumé Alors que les années qui ont suivi le concile de Vatican II se souciaient davantage de l’aménagement liturgique que des questions artistiques dans l’espace ecclésial, un tournant est apparu dans les années 1980. Deux facteurs indépendants, le retour de visibilité dans la pastorale de l’Église d’une part, l’intérêt de la commande publique en France pour l’inscription d’oeuvres contemporaines dans les lieux de culte d’autre part, ont favorisé une attention accrue à la place de l’art dans l’église. Mettre en évidence ce contraste interroge la capacité des édifices cultuels à accueillir l’art contemporain comme ils ont intégré à chaque époque les productions de leur temps et soulève la question des processus de commande et du dialogue entre artistes, commanditaires et fidèles qui vivent la liturgie en ces lieux.
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Santova, Mila. „La question des signes visuels d'identification“. Ethnologie française 31, Nr. 2 (2001): 275. http://dx.doi.org/10.3917/ethn.012.0275.
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Carani, Marie. „Le désir au féminin“. Articles 18, Nr. 2 (10.08.2006): 9–37. http://dx.doi.org/10.7202/012416ar.
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Deux mises en relation ont guidé l’intervention de l’auteure sur la part centrale de la sexualité et du désir féminins dans l’art contemporain et actuel fait par des femmes : d’une part, celle qui existe entre le sexe-de-l’art et le sexe-dans-l’art par où se révèle le problème du genre de l’artiste dans la créativité ainsi que dans les efforts de définition des codes et des conventions; d’autre part, celle entre la femme-comme-image et l’image-de-la-femme où l’idée séculaire d’une femme soumise, agréable et dépossédée de sa propre sexualité est prise à partie par le paradigme féministe. Au gré des fissures intimes, des espaces-lieux de survie et des modes de représentation ponctuant les itinéraires particuliers de quelques femmes artistes du XXe siècle d’orientations, de démarches, d’idéologies, de géographies et de générations différentes, sont soulevées dans leurs aspects psychosexuels et sociosexuels les questions de la différence sexuelle et de la représentation visuelle de la féminité érotique. S’y pointent et s’y conjuguent linguistiquement du point de vue des idéaux, des valeurs, des luttes, des contradictions et également sur le plan des pratiques plastiques elles-mêmes, selon des langages et des signes visuels de féminité, une sensibilité particulière et une irréductibilité, le féminin et une potentialité agissante et transformatrice, le féminisme.
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Armstrong, Philip, und Cosmin Popovici-Toma. „Gloss (à partir de quelques photos d’Ann Hamilton)“. Études françaises 51, Nr. 2 (17.06.2015): 163–74. http://dx.doi.org/10.7202/1031234ar.
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À travers une lecture attentive de la série Face to Face d’Ann Hamilton – des photographies prises en exposant une pellicule photosensible posée dans la bouche de l’artiste – et suivant la réflexion de Jean-Luc Nancy sur la bouche dans Ego sum, ce texte traite de la relation entre « la matière photographique » et la question de l’ekphrasis. En prêtant attention aux manières dont la photographie vient au jour à travers les conditions de son énonciation, Face to Face déplace l’agencement temporel traditionnel de l’ekphrasis, où la représentation verbale tente de saisir la représentation visuelle. Ces photographies font plutôt passer au premier plan les conditions performatives de l’écriture ekphrastique, en déplaçant l’accent mis sur la description vers des questions d’exposition, de glossolalie et de parole.
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Pistrick, Eckehard. „Visuelle oder klangliche Spuren?“ Die Musikforschung 72, Nr. 4 (22.09.2021): 307–22. http://dx.doi.org/10.52412/mf.2019.h4.37.
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This article focuses on the emerging ethnographic field 'refugee camp' and the challenges it poses in terms of an "engaged ethnomusicology" inscribed into a larger discussion about "public ethnography" and ethically informed collaborative practices. The prevailing focus of mass media and artists serves as a starting point, as they represent migratory phenomena primarily through the visual lens, through material artefacts, denying their multisensory character, particularly their immaterial and sonic aspects. Taking as examples the artistic work of Chinese dissident artist Ai Weiwei and exhibition concepts presented at the documenta 14 and at the Biennale in Venice 2019, the article questions the predominance of the material approach, the inaudibility of migration because of its compatibility with our "museological thinking'" and an abstract idea of "cultural heritage" as promoted by established cultural institutions in Western Europe. The article argues that sound should instead be taken more seriously into consideration. This includes reflecting on the prominent links between human existentiality and suffering, as well as musical production and performance. It is argued that the temporariness of refugee's musical practice is related to their precarious life conditions in camps suspended in time and space. As practical examples from the French camp of Calais demonstrate, music making in this context offers refugees one possible way to counter-act imposed policies of infantilization, passivity and an omnipresent experience of waiting. In a situation where creative space and musical instruments are a limited resource, social media and music apps generate particular forms of musical creativity and assume a fundamental role which should be acknowledged in research to a larger extent. Such conditions influence also largely the ways in which migrated musicians construct their self-image as "refugee musicians". Taking as an example Syrian pianist Aeham Ahmad, the article shows that such self and foreign attributions may be reductive and result in an ethically problematic branding with commercial intentions. The second part of the article presents a collaborative grassroot-music theatre project realized in a German Erstaufnahmeeinrichtung over a span of 4 months. It offers insights into the limitations of "making audible", or "voicing migrants" everyday concerns through artistic practice. It also questions the idea of developing an "artistic agency" and an equal "cultural participation" in a working context characterized by social and power hierarchies, emotional instabilities, and a constant flow of individuals and ideas. In this context the role of the ethnomusicologist as a (cultural) translator with multiple responsibilities is crucial. Not only does he/she balance out different levels of musical professionality or different aesthetic preferences, but he/she also opens up spaces for creativity for disadvantaged or marginalized individuals in the camps. On another level the researcher's responsibility lies in the task to make practices public which originally were self-referential or of local relevance in a socially segregated space. Despite numerous obstacles to make such interventions "culturally sustainable", the article shows the potentiality of producing bottom-up "counter-images" or "counter-soundings', which could generate counter-discourses to the main media narratives on migration.
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Rioux, R. „Comparaison de deux méthodes de mesure de l’efficacité et de la vitesse d’action des défanants sur la pomme de terre“. Phytoprotection 72, Nr. 2 (12.04.2005): 53–60. http://dx.doi.org/10.7202/706003ar.
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On a comparé les résultats des mesures visuelles et métriques pour l'évaluation de l'efficacité et de la vitesse d'action des défanants de la pomme de terre (Solarium tuberosum) dans trois études conduites en champs à La Pocatière (Québec). Les résultats des deux mesures ont concordé dans 82,5% des cas pour la question d'évaluer si un effet était statistiquement significatif ou pas au seuil de 5%. La relation entre les deux mesures a été du type linéaire. Pour estimer la vitesse d'action du défanage, un polynôme a été ajusté à la réponse du défanage en fonction du temps et une analyse multivariée a été effectuée sur les coefficients des composantes polynomiales obtenues. Les résultats des deux types de mesures ont concordé dans 100% des cas. Il n'est donc pas nécessaire d'utiliser des mesures métriques pour exprimer l'efficacité et la vitesse d'action d'un défanant; les mesures visuelles sont tout aussi efficaces.
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Jarrigeon, Anne. „Sociologie visuelle et droit à l’image. La demande d’anonymat en question“. L'Année sociologique 65, Nr. 1 (2015): 225. http://dx.doi.org/10.3917/anso.151.0225.
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Despoix, Philippe. „Questions et hypothèses à partir des systèmes d’écritures : remédiation ou plurimédialité?“ Intermédialités, Nr. 6 (10.08.2011): 95–106. http://dx.doi.org/10.7202/1005508ar.
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Le concept de « remédiation » a été jusqu’ici essentiellement exploré à partir des arts visuels et électroniques. Cette contribution vise à mettre en perspective historique et comparée l’idée de remédiation continue dans laquelle s’inscrirait chaque nouveau médium. En prenant pour champ d’enquête les types les plus divers de systèmes d’écriture (graphisme spatial, écritures linéarisées, systèmes idéographiques, syllabaires, alphabets, etc.), elle essaie de proposer quelques hypothèses concernant les figures selon lesquelles l’écrit peut « remédier » — ou pas — (à) la parole.
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Chevalier, Nicole, E. Monnier und Réjean Auger. „L’image visuelle des mouvements corporels de l’enfant de six ans“. STAPS 16, Nr. 36 (1995): 57–66. http://dx.doi.org/10.3406/staps.1995.1010.
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Our study aimed to find a beginning of an answer to the question raised by Piaget & Inhelder (1966) to : what would have been the nature of the child’s mental image, before the operations, if they have studied images corresponding to the subject’s own actions to body movements. They hypotesized that..."they would no doubt have obtained a proliferation of pseudo-dynamic images" (p.434). The object of this study was to measure the child’s aptitude to generate “dynamic images” with some degree of vividness, by placing the subject into action. The basic question became : "Is a six years old child capable, with some degree of vividness, to generate dyna
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W. Francis, Cécilia. „L’autofiction de France Daigle. Identité, perception visuelle et réinvention de soi“. ÉTUDES 28, Nr. 3 (17.07.2003): 114–38. http://dx.doi.org/10.7202/006758ar.
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France Daigle aborde dans son oeuvre littéraire diverses problématiques rencontrées dans la littérature québécoise contemporaine, notamment la question identitaire et les enjeux sous-tendant la médiation complexe du « je » singulier et du « nous » collectif. Mon étude de Pas pire assimile la visée expérimentale de l’auteure à une esthétique postmoderne marquée du sceau du féminin et situe textuellement cette différenciation au plan de la perception visuelle grâce à laquelle l’énonciatrice recatégorise nombre de strates de l’identité minoritaire. L’entreprise de (ré)invention littéraire de soi se réalise à l’aide d’un regard caméra qui oscille entre pulsions duelles, confrontant une focalisation axée sur l’implosion du regard et du mouvement, incarnée par un sujet aux prises avec l’agoraphobie, à une visée d’expansion visuelle, pluralisante et libératrice. La plasticité du regard énonciateur ouvre sur un espace culturel relationnel où prévalent le geste créateur et l’échange dialogique avec l’autre.
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Pujante González, Domingo. „Ouverture : Quelque chose se passait…“. HYBRIDA, Nr. 4 (29.06.2022): 3. http://dx.doi.org/10.7203/hybrida.4.24738.
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"Quelque chose se passait. Je le savais. Cet homme était là. Devant moi. Je ne le connaissais pas. Je ne l’avais jamais vu. Je ne comprenais pas ce qui se passait. Pourquoi il me regardait ? Pourquoi je le regardais ? Mon cœur battait. Il battait fort. Je le voyais presque. Je le sentais. Dans ce petit corps d’adolescent, affaibli par ce soleil, et par le charme de cet inconnu d’en face". Tahir, Hicham (2015). Les Ruelles des pieds nus (p. 181). Casa-Express éditions.
Deuxième solstice d’été pour la revue HYBRIDA…
Rituel solitaire du feu, de la mer et de la lune…
Nouveaux vœux pour tous et toutes… pour ceux et celles qui souffrent… pour les mères dévouées… pour mon père qui fait 80 ans.
Fierté renouvelée en ce juin 2022, plus libre mais plus accéléré… plus individualiste…
Espoir pour l’Ukraine et positionnement contre toute forme de totalitarisme et d’oppression…
Notre revue se consolide et reçoit la considération des spécialistes qui permettent d’afficher le label de qualité et de soutenir, nunc et semper, une recherche engagée.
Ce numéro 4 contient un Dossier central intitulé IDENTITÉ/S coordonné, magistralement il faut le préciser, par le professeur Walter Romero de l’Université de Buenos Aires en Argentine. Il regroupe dix articles venus d’espaces culturels différents qui se font écho : Côte d’Ivoire, Espagne, France, Maroc, Tunisie… Ils abordent et étudient des auteur·e·s aussi différent·e·s, et finalement aussi proches dans la thématique proposée, que Tahar Ben Jelloun, Fatima Daas, Alexandra David-Neel, Ariane Dreyfus, Carlos Fuentes, Édouard Glissant, Patrick Grainville, Laura Kasischke, Milan Kundera et Achille Mbembe, ainsi que d’autres productions audio-visuelles.
En partant d’une orientation méthodologique spécialisée en études postcoloniales et migratoires et/ou en études culturelles, de genre et queer, tout en privilégiant les approches intersectionnelles où convergent plusieurs facteurs d’oppression et d’exclusion (classe, race, genre…), ce Dossier porte sur la polyvalente notion d’identité, concept fuyant et pluriel qui s’appuie sur l’idée d’hybridation culturelle. Les articles du Dossier prennent donc comme objet d’étude l’itinérance, l’errance et le déplacement, incluant l’idée de retour (récits de voyage, opposition entre les pays colonisés et les pays colonisateurs, entre le centre et la périphérie ou la banlieue, etc.). Ils insistent également sur les questions identitaires liées aussi bien à la mémoire qu’aux processus d’interculturalité, voire de transculturalité.
Un autre aspect qui a été exploré est celui de l’identité individuelle et communautaire en relation avec les questions concernant la diversité sexuelle, ethnique, religieuse… mettant en valeur les récits et les sujets diasporiques, voire transgresseurs, tout en questionnant la normativité et les systèmes de domination.
Dans notre section Mosaïque, nous publions deux articles spécialement intéressants : Ihab Abumallouh part d’une réflexion générale sur la présence de la sexualité dans la littérature maghrébine d’expression française pour centrer son analyse sur la sexualité dans son rapport avec la religion et la « raison/folie » chez Ben Jelloun.
Stéphanie Parmentier, quant à elle, aborde les univers du livre numérique qui prennent un élan inespéré et gratifiant de nous jours, grâce aux nouvelles plateformes d’auto-édition et de lecture en étroit lien avec les réseaux sociaux.
Dans la section Traces, nous avons l’honneur et l’énorme plaisir de publier en avant-première le texte inédit de Tassadit Imache, écrivaine que nous aimons et admirons, intitulé « Disparaitre dans un beau paysage » qui fera partie de son nouveau roman à paraitre en 2023. Sous le titre de « Sombras negras », nous publions également le témoignage poignant de l’artiste et activiste trans d’origine soudanaise Alex Medina, réfugiée politique en Espagne qui vient d’obtenir sa nationalité, ce dont nous nous réjouissons.
Il ne nous reste qu’à remercier toutes les personnes qui nous aident, nous soutiennent et nous encouragent dans ce beau projet. Merci aux lecteurs et lectrices et merci aux chercheur·e·s du monde entier de nous envoyer vos propositions, vos créations et vos témoignages.
Varius Multiplex Multiformis… (dixit Marguerite Y.).
N’hésitez pas à succomber sous le charme de « cet inconnu d’en face ».
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Bellemare, Denis. „Le cinéma comme fabrique d’images et d’identités“. Recherches amérindiennes au Québec 48, Nr. 1-2 (05.11.2018): 49–57. http://dx.doi.org/10.7202/1053702ar.
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Le travail de l’image et du son agit comme révélateur en termes de relation, de connexion et de transmission culturelle par et au-delà des identités. Les étapes d’archivage et de documentation offrent non seulement un riche potentiel de recherche mais aussi une base perceptive et sensible essentielle à l’atteinte d’une expression visuelle articulée et engagée. La formation en vidéo et cinéma n’est pas une recette ni une simple question de procédés techniques, elle est avant tout un espace relationnel. Filmer engage toute la communauté et est un outil de transmission de savoir et de mémoire comme nous l’expriment les cinéastes autochtones. Cet espace est un entre-lieu saisissant les vues culturelles des participants et ouvrant par la voie de la créativité une pensée visuelle propre aux individus et à leur communauté. Cette créativité se joue autant du côté du formateur que des participants en un continuel processus de participation, de collaboration, de concertation que l’on décrit comme recherche-action par la création.
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Cardoso, Stéphanie. „Images exportées, images partagées. Les pouvoirs de l’Extrême Orient autour de l’Occident sur l’affectivité artificielle“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 11, Nr. 1 (2006): 85–92. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2006.1401.
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Image archaïque de l’être artificiel, image fictionnelle, image prospective, l’exportation des robots humanoïdes en Occident véhicule de manière analogique une partie de la cyberculture nipponne. Or, la représentation anthropomorphe et stéréotypée de l’intelligence artificielle à travers la science fiction semble remettre en question les rapports sensibles face à cette production visuelle, ceci autant en Occident qu’en Extrême Orient. Il s’avère alors intéressant d’étudier l’image et ses pouvoirs culturels sur les potentialités d’affectivité envers le factice.
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Cimitile, Anna Maria. „Techne, the Visual Arts and Literary Genres : Fractal Epic of the Twenty-first Century“. Recherches anglaises et nord-américaines 50, Nr. 1 (2017): 57–68. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2017.1548.
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Bien que les genres soient des données circonscrites, la question du genre s’appréhende aujourd’hui en termes de fluidité, voire de corruption ou de contamination (Derrida). On peut penser que la contribution critique du XXIe siècle à la discussion sur les genres littéraires dépend de la manière dont cette fluidité est conçue. La technologie joue un rôle capital dans le développement des œuvres d’art aujourd’hui et grâce à elle, des plans que l’on tenait pour éloignés sont devenus proches. Ma réflexion part de l’interrogation suivante : qu’advient-il des genres lorsqu’ils migrent de l’espace littéraire vers d’autres médias ? Les genres traditionnels (le dramatique, l’épique et le lyrique, selon la classification aristotélicienne) se transforment-ils en fonction des espaces qu’ils traversent et des contiguïtés qu’ils créent ? Dans quelle mesure le poétique est-il affecté par la technè ? Je propose que l’on continue de poser des questions d’ordre littéraire dans nos analyses des textes et même des documents visuels, surtout lorsque ceux-ci ont partie liée avec l’espace littéraire. Dégager la littérarité des textes, et même des documents visuels (les styles, genres, modes et formes auxquels ils appartiennent), en d’autres termes, interroger l’acte de lecture, demeure une activité essentielle de la critique. J’explore la manière dont le genre classique de l’épopée est utilisé dans un environnement technologique et mon étude porte sur la façon dont l’épopée est réinventée dans deux films numériques de John Akomfrah, artiste travaillant à Londres, The Nine Muses (2010) et Vertigo Sea (2015).
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Brandão, Ruth Silviano. „Todas as manhãs do mundo“. Aletria: Revista de Estudos de Literatura 8 (02.03.2018): 270–74. http://dx.doi.org/10.17851/2317-2096.8..270-274.
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Resumo: Este texto reflete sobre o livro Todas as manhãs do mundo, de Pascal Quignard e o filme homônimo, que trata da relação do músico Senhor de Sainte-Colombe e seu discípulo Marin Marais. Essa relação coloca a questão do que é a música e a possibilidade de seu ensino.Palavras-chave: romance; filme; musicalidade; imagens visuais.Résumé: ce texte est une réflexion sur le livre Tous les matins du monde et le film de même titre qui ont comme sujet la relation du musicien Monsieur de Sainte Colombe et son disciple Marin Marais. Cette relation pose la question de ce qu’ est la musique et la possibilité de son enseignement.Mots-clés: roman; film; musicalité; images visuelles.
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Schaub, Marie-Karine. „Le cadeau diplomatique à l’époque moderne : au croisement des relations internationales et de l’histoire matérielle“. Parlement[s], Revue d'histoire politique N° HS 18, Nr. 3 (20.09.2023): 19–34. http://dx.doi.org/10.3917/parl2.hs18.0019.
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Le cadeau diplomatique à l’époque moderne est l’objet d’une attention particulière de la part des acteurs de la diplomatie d’alors comme des historiens qui se penchent désormais sur ce sujet aujourd’hui. Alimenté par les apports du renouveau de l’histoire diplomatique, de l’histoire matérielle et visuelle ainsi que de l’histoire connectée, cet article propose un état historiographique de cette question et permettra de montrer que ces objets sont désormais étudiés comme d’excellents observatoires des échanges diplomatiques et de la communication politique à l’époque moderne.
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Uzel, Jean-Philippe. „L’autochtonie dans l’art actuel québécois. Une question partagée“. Globe 17, Nr. 1 (12.02.2015): 33–57. http://dx.doi.org/10.7202/1028632ar.
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À l’heure où les artistes visuels autochtones (Premières Nations, Inuits et Métis) se détachent de la « politique de l’identité », les artistes allochtones (d’ascendance européenne) font de plus en plus souvent référence dans leurs oeuvres à des questions en lien avec l’autochtonie. Cet article examine certaines de ces questions en établissant trois dialogues entre le travail d’un artiste autochtone et d’un artiste allochtone vivant au Québec : l’exploitation industrielle des territoires autochtones dans le Nord du Québec, par l’Algonquine Nadia Myre et l’artiste d’origine suisse Thomas Kneubühler ; les nouvelles attitudes et comportements générés par la société d’hyperconsommation, par l’artiste laich-kwil-tach Sonny Assu et le collectif BGL ; les relations entre Autochtones et colons durant le régime colonial français, chez l’artiste innue Sonia Robertson et l’artiste montréalaise Cynthia Girard. Bien que l’autochtonie, à travers ces trois dialogues, apparaisse comme une question partagée par les artistes actuels autochtones et allochtones, à aucun moment il n’est possible d’établir une équivalence entre les uns et les autres. Alors que chez les artistes allochtones l’autochtonie est traitée comme un motif secondaire, passant parfois inaperçue aux yeux des critiques d’art, elle constitue toujours le thème central des artistes autochtones chez qui elle s’ancre dans le destin, souvent tragique, de leur communauté.
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Stahl, Andrea. „Vom Sprechen der Bilder: Variationen visueller Wahrnehmung bei Joan Brossa“. Zeitschrift für Katalanistik 21 (01.07.2008): 231–50. http://dx.doi.org/10.46586/zfk.2008.231-250.
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Summary: Approaching the works of Joan Brossa from an intermedial perspective, this essay seeks to examine his written experiments within the context of pictorial manifestations and thus intends to draw attention to his almost paradoxical engagement in the mediality of images. Starting out from his poesia visual i objecte, this essay wants to read individual examples as études of visual and written phenomena, as reflected compositions, which also find a paradigmatic expression in the theatre play Concert irregular per a pianista i cantatriu. These diverse border-crossings between image and text are not only relevant with regard to the aesthetics of image and language, but they also seem to question the very nature and character of such distinctions. In drawing attention to the revolving exchange of text and image, the works of Joan Brossa may be understood as an amusing divertimento, which starts again and again in order to reflect on the diversity of these borderzones. [Keywords: Intermediality, mediality of images, diversity of visual and written phenomena, aesthetics of visual perception, poesia visual, poesia objecte, theatre]
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Michel, Boris. „Pre-Thinking GIS – Zur Visuellen Politik der frühen quantitativ-theoretischen Geographie“. Geographica Helvetica 72, Nr. 3 (07.09.2017): 377–87. http://dx.doi.org/10.5194/gh-72-377-2017.
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Abstract. This paper examines questions of how issues of visual representation and vision have changed with the the quantitative and theoretical thinking in 1950s and early 1960s Anglophone geography. If the quantitative revolution in geography is understood as a scientific revolution, one should also expect a revolution of the ways in which geography made use of visualizations. At the center of this essay is William Bunge's “Theoretical Geography”, one of the founding text of this new geographical thought. This book forms the starting point for a discussion of the changed roles and changed forms of visualization in the production of geographical knowledge. Following Fred Schaefer's attack on Richard Harthorne, Bunge placed the search for morphological laws at the center of a geography that is strongly oriented towards geometry. In this paper, the text of Bunge serves as a starting point into the field of early analytical cartography and the first consideration of what later, become geographic information systems and their new visual language. In this paper this history of GIS is largely told without a history of technology a well as without its political context of the cold war and the Fordist state.
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Arsenault, Daniel, und Louis Gagnon. „Les représentations rupestres autochtones“. Ethnologies 24, Nr. 2 (18.06.2003): 139–60. http://dx.doi.org/10.7202/006643ar.
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Résumé Les sites rupestres, témoignages parmi les plus poignants de la communication visuelle pendant la période paléohistorique autochtone en Amérique du Nord, offrent aujourd’hui pour les collectivités amérindiennes ou inuites un potentiel élevé d’exploitation à des fins touristiques. Or, une fois résolus les problèmes de conservation, la question demeure vive quant à leur mise en valeur. En prenant comme exemple l’étude d’un site à pétroglyphes exceptionnel de l’Arctique canadien, celui de Qajartalik, le présent texte propose une réflexion sur les tenants et aboutissants d’ouvrir un tel site au public, que ce soit dans son contexte originel ou en milieu muséal.
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Mourre, Martin. „Rap à Nouakchott, entre langage et esthétisme“. Terrains récents 10, Nr. 2 (25.11.2011): 129–40. http://dx.doi.org/10.7202/1006429ar.
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Cet article examine le rôle de la musique rap comme vecteur de changement social en Mauritanie, et en particulier dans sa capitale, Nouakchott. À travers une esquisse monographique du mouvement rap, l’auteur cherche à voir de quelles manières la jeunesse mauritanienne invente un nouveau rapport au politique dans une société fortement marquée par la question de l’ethnicité. Une analyse quantitative de trente chansons et une analyse visuelle de vidéoclips, complétées par une série d’entretiens, permettent de mettre en lumière les processus linguistiques et esthétiques qui tendent à faire du rap un objet social et politique apte à reconfigurer les rapports générationnels en Mauritanie.
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Beckett, Sandra. „« Le Roi grenouille » en tant que «crossover»“. Ondina - Ondine, Nr. 1 (11.04.2018): 144–63. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_ondina/ond.201812141.
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« Le Roi-grenouille » constitue ce que la critique anglo-saxonne désigne sous le terme de « crossover », c’est-à-dire un texte adressé à la fois aux adultes et aux enfants. Si ce conte troublant, voire dérangeant, est souvent tronqué, expurgé ou réécrit avant de l’offrir aux enfants, un nombre croissant d’illustrateurs présente une version non aseptisée dans des livres destinés à un public mixte d’enfants et d’adultes. Maurice Sendak, qui n’a jamais cessé de mettre en question la frontière entre littérature adulte et littérature jeunesse, inclut « Le Roi Grenouille » dans son recueil de contes des Grimm publié en 1973. L’auteur de cet article examine les interprétations visuelles du « Roi-Grenouille » créées par des illustrateurs de divers pays qui, comme Sendak, croient que ce conte appartient à tous les âges.
Mots clés: « Le Roi grenouille », conte, «crossover», double public d’enfants et d’adultes, illustration.
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Rentel, Nadine. „Questions d’adaptation culturelle au niveau des stratégies de communication des entreprises“. FORUM / Revue internationale d’interprétation et de traduction / International Journal of Interpretation and Translation 15, Nr. 2 (01.12.2017): 250–68. http://dx.doi.org/10.1075/forum.15.2.05ren.
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Résumé L’ouverture des entreprises sur l’international dans un monde globalisé peut être considérée comme un défi en termes de conception de stratégies de communication. Dans ce contexte, les entreprises doivent tenir compte de la question du degré d’adaptation de leurs messages aux préférences, voire aux habitudes de réception de la cible. Il est donc question de savoir si, dans la sphère numérique, nous avons affaire à une manifestation de différentes traditions esthétiques, cognitives et rhétoriques s’adressant à une cible nationale ou si, dans le contexte de la mondialisation des discours numériques, l’on peut parler d’un nivellement des différences culturelles et linguistiques. Dans cette contribution, nous étudierons la représentation sur Internet de banques (et d’assureurs) en France et en Allemagne, destinée à une clientèle cible française d’un côté et à une clientèle allemande de l’autre. Notre objectif est de décrire les particularités des sites web au niveau de leur structure, des thématiques abordées ainsi que de l’usage de stratégies linguistiques visant à convaincre les récepteurs. Vu le caractère multimodal des sites web, un accent sera mis sur la conception des éléments visuels. Nos réflexions se basent sur un corpus de cinq sites web de banques (et d’assureurs) dans les deux pays. Les données ont été collectées en septembre 2016.
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González Salvador, Ana. „Les mots échappent, le sexe aussi (Paul Nougé et l’érotisme)“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 4, Nr. 1 (1999): 271–88. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.1999.1202.
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Théoricien du surréalisme belge, Nougé consacre une bonne partie de ses écrits - essais et fictions - à la question de l’érotisme. Il y soulève une interrogation majeure : les difficultés du langage devant une notion qui échappe, le sexe. Comment nommer ? L’observation presque scientifique est à la base de ses écrits sur la sexualité. La supériorité de l’image visuelle sur le mot exige du narrateur, devenu voyeur, une maîtrise qui opère sur le stéréotype commercial comme elle opère sur l’objet vu, de préférence la femme. Nougé conçoit l’oeil comme «principal organe érogène ». Dans ses descriptions, il se rapproche des mécanismes mis à l’oeuvre dans le cinéma pornographique.
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Lafrenière, Darquise, und Susan M. Cox. „Comparaison de deux méthodes de dissémination de résultats de recherche dans le domaine de la santé : les arts et le café scientifique“. Sociologie et sociétés 42, Nr. 2 (20.01.2011): 117–38. http://dx.doi.org/10.7202/045358ar.
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Un nombre croissant de chercheurs du domaine de la santé se tournent vers des formes novatrices de recherche alliant les méthodologies des sciences sociales et des arts performatifs, littéraires et visuels. Cet article compare et analyse deux méthodes de dissémination de résultats de recherche dans le domaine de la santé : le café scientifique et la performance artistique (arts visuels, chant, poésie, théâtre). L’analyse de questionnaires remplis par 78 répondants et d’entrevues menées auprès de ces personnes indique que la performance artistique est plus efficace dans la communication de résultats de recherche selon trois des quatre critères d’évaluation utilisés : elle suscite davantage d’émotions chez les membres de l’auditoire, suscite plus de questions sur le sujet couvert et influence un plus grand nombre de personnes à modifier leur point de vue et leurs pratiques. Tant le café scientifique que la performance artistique aident les participants à comprendre la problématique exposée. Les arts permettent cependant une compréhension différente.
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Vachon, Gisèle, Chantal Leclerc und Yvan Comeau. „L’empowerment d’un groupe de personnes ayant une déficience visuelle et visant la création d’une entreprise collective“. Service social 46, Nr. 1 (12.04.2005): 45–66. http://dx.doi.org/10.7202/706749ar.
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Cet article rend compte d'une expérience d'insertion socioprofessionnelle par l'économie sociale. La démarche de groupe relatée consistait à accompagner neuf personnes ayant une déficience visuelle dans les premières étapes devant les amener au démarrage d'une coopérative de travail. Les auteurs exposent les résultats de cette démarche fondée sur cinq principes d'empowerment: l'engagement informé, l'évitement des étiquettes, la participation et l'action, la force du collectif et la remise en question de l'oppression. Bien que l'expérience n'ait pas conduit à la création d'une entreprise collective, elle a eu des retombées positives. Si l'on croit toujours à la pertinence d'une telle approche, ilconvient de mettre en place certaines conditions favorisant le soutien local de tels projets avant même de constituer un groupe.
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Barbu-Roth, Marianne. „La motricité au cœur des troubles du neuro développement de l’enfant“. Enfance N° 4, Nr. 4 (01.12.2023): 321–31. http://dx.doi.org/10.3917/enf2.234.0321.
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Les compétences motrices d’un enfant jouent un rôle prépondérant à tous les niveaux de son développement et tout déficit moteur peut non seulement impacter la fonction motrice elle-même, mais enclencher des anomalies en cascades sur le développement des coordinations visuo-motrices, de l’orientation spatiale, du langage, des interactions sociales, de l’attention visuelle conjointe et de la construction des émotions de l’enfant. Cette question est particulièrement sensible chez les nourrissons pour lesquels il existe un risque accru d’anomalie neuromotrice, allant du déficit sensorimoteur mineur aux troubles du neuro développement. Cette introduction fait le point sur les raisons pour lesquelles le rôle de la motricité est encore souvent sous-estimé dans la communauté scientifique et décline les arguments pour diagnostiquer, prévenir et intervenir le plus précocement possible chez des enfants à risque de déficit moteur. En s’appuyant sur l’expertise d’Evelyne Soyez-Papiernik, kinésithérapeute et ostéopathe spécialiste de ces questions, plusieurs recommandations sont développées afin d’améliorer le diagnostic et la prise en charge des enfants à risque de handicap. Ces recommandations insistent en particulier 1) sur la nécessité de distinguer entre un problème moteur lié à un schéma musculosquelettique déficient et un problème moteur lié à un possible trouble du neuro développement et 2) sur l’intérêt d’utiliser des méthodes dédiées pour placer l’enfant dans un contexte maximal pour évaluer sa motricité. Ces recommandations mettent en lumière l’importance d’avoir une approche multidisciplinaire, en particulier avec une expertise en neuro pédiatrie et en anatomie du corps en mouvement, pour évaluer un trouble de la motricité.
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Fontanille, Jacques. „Archéologie et anthropologie de la dimension plastique des sémiotiques visuelles. En hommage à Jean-Marie Floch“. Estudos Semióticos 19, Nr. 2 (17.08.2023): 87–120. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1980-4016.esse.2023.207670.
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L’expression « sémiotique plastique », proposée par Jean-Marie Floch, à la suite de Greimas, est déjà en soi un choix critique. Elle a permis d’éviter le piège des typologies sémiotiques précédentes, fondées sur les canaux sensoriels, car la dimension plastique n’est pas réservée au domaine visuel ! « Sémiotique plastique » implique en effet d’emblée un typede sémiose, doté de ses plans de l’expression et du contenu spécifiques : l’identification d'un plan de l’expression spécifique ne semble pas difficile, mais celle du plan du contenu est plus problématique. Le Groupe μ a consacré une bonne partie de son Traité du signe visuel (1992) à ce qu’il appelle le « signe plastique », mais autant sa description systématique de l’expression plastique semble exhaustive, cohérente et donc convaincante, autant ses propositions concernant le contenu plastique, en défaut par rapport au principe d’hétérotopie (isomorphisme gardé) entre expression et contenu, semblent un peu trop redondantes (ou dépendantes) par rapport à l’expression, et faiblement heuristiques. Précisément, le problème sous-jacent est le statut de la dimension plastique, qui a beaucoup à perdre à être spécialisée dans le visuel, et beaucoup à gagner à être considérée comme un type particulier mais transversal de sémiose (par rapport aux types d’objets, aux canaux sensoriels, et même aux domaines de connaissance). C’est pourquoi la question de la spécificité de ses contenus est décisive, mais seulement si elle est abordée dans une perspective anthropologique et culturelle générale. Il se trouve qu'à cet égard, Greimas, Floch, mais aussi Thürlemann, ont déjà mis en évidence, dans leurs analyses, des contenus plastiques qui prenaient des allures narrativo-mythiques et anthropologiques nettement hétérotopiques par rapport aux expressions plastiques. Pour préciser la dimension plastique, Jean-Marie Floch avait parfaitement identifié une partie de la difficulté — et la possibilité d’une solution — avec les systèmes semi-symboliques : les relations propres à la sémiose plastique seraient caractérisées par la corrélation entre les oppositions de l’expression plastique et les oppositions des contenus plastiques. Mais, si les systèmes semi-symboliques garantissent l’indépendance et l’hétéronomie entre expressions et contenus plastiques, ils ne disent rien sur la nature des contenus en question. Voilà pourquoi notre enquête, qualifiée d’« archéologie de la dimension plastique », s’efforce ici de parcourir les principales typologies où naissent les possibilités de contenus plastiques, qui sont, en fait, différentes propositions en matière de types de signification : celles proposées par la scolastique médiévale (quatre types de signification), celles reformulées par l’iconologie (trois types), celles avancées, enfin, par Barthes (deux ou trois types, selon les versions) et Greimas (deux types) : il en ressort précisément que la particularité des contenus plastiques ne peut être appréhendée que par une approche anthropologique et comparée.
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Verner, Lorraine. „Le mordant du possible et la virtualisation du réel par l’imaginaire. À propos de Marcel Duchamp et de la 4e dimension en art“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 6, Nr. 1 (2002): 139–68. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2002.1307.
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L’article est consacré à la question des rapports du réel et du virtuel dans l’art et la pensée de Marcel Duchamp, notamment à propos des tentatives de l’artiste de figurer dans un espace à 3 ou à 2 dimensions, l’espace à 4 dimensions et les objets qui s’y trouveraient. Cette question est importante par les problèmes les plus généraux qu’elle pose dans le champ de l’art, de la théorie esthétique comme pour les relations entre art et science. Le fait de virtualiser le réel par une construction théorique permet à Duchamp d’introduire les concepts d’entité imaginaire, de possible, d’intuition créatrice et d’infini générateur, tels qu’ils ont été mis en avant dans la conception géométrique de la quatrième dimension au dix-neuvième siècle et au tournant du vingtième siècle. Par la notion de virtualité envisagée du point de vue de la perception visuelle et sonore, Marcel Duchamp propose une possible rencontre entre les fonctions sensibles de l’oeuvre d’art et la question de la tactilité, de l’érotisme et du désir comme approche physique de la 4e dimension d’une part, et les fonctions cognitives de l’oeuvre et la construction mentale et géométrique de l’entité imaginaire à 4 dimensions d’autre part.
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Dansereau, Stéphanie. „Des méthodes d’analyse pour comprendre et exploiter des documents scripto-visuels“. Revue des sciences de l'éducation 5, Nr. 3 (09.10.2009): 373–86. http://dx.doi.org/10.7202/900117ar.
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Comment exploiter les documents à caractère visuel et scripto-visuel en situation d’apprentissage? L’auteur tente de répondre à cette question en proposant plusieurs modèles d’analyse afin de mieux comprendre la nature et l’organisation de l’image fixe et en séquence. Enfin des applications pédagogiques y sont proposées.
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Parvulescu, Constantin. „The Political and Economic Intervention of Non-Fiction Money Literacy Film in the Post-2008 Era“. Canadian Journal of Film Studies 30, Nr. 1 (April 2021): 49–71. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2020-0034.
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L’auteur livre la première analyse critique des illustrations contemporaines de la notion d’argent dans le cinéma documentaire et en indique l’argumentaire prédominant. L’analyse porte sur des films de littératie financière comme The Ascent of Money: A Financial History of the World (Adrian Pennick, 2009), Money and Life (Katie Teague, 2013), Money Puzzles (Michael Chanan, 2016) et Blockchain City (Ian Kahn, 2018). Elle révèle la réflexion politique et économique qui nourrit la perspective dans laquelle la question monétaire est envisagée dans le film, la façon dont y est racontée l’histoire de l’argent et décrit son rôle dans la société après 2008, et ses conclusions plaident pour une amélioration de la performance du système monétaire. Les constructions narratives, les méthodes d’enquête, la distribution des rôles, les métaphores visuelles et auditives, et les auditoires implicites de ces films sont examinés. L’auteur emploie dans son analyse trois variables complexes qui concourent à dépeindre l’angle économique et politique de chaque œuvre : niveau de formalisme, construction de l’expertise et interprétation de la crise financière.
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Roelens, Nathalie. „L’évidence des photos aériennes d’Auschwitz“. Recherches sémiotiques 28, Nr. 1-2 (07.10.2010): 137–52. http://dx.doi.org/10.7202/044593ar.
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L’enjeu des photos aériennes d’Auschwitz ne se situe plus dans un procès contre l’évidence visuelle mais dans l’évidence éthique d’un appel à la responsabilité (la décision de bombarder), d’autant plus lorsqu’elles sont confrontées à la contre-plongée fantasmatique de prisonniers qui misaient sur les bombardements aériens comme seule issue possible à leur situation, au futur antérieur d’une barbarie encore jugulable. C’est l’effet pragmatique (en l’occurrence le non-faire) que ces photos ont déclenché ou les discours qu’elles ont suscités qu’on analyse dans ces pages. Dans les années soixante-dix les historiens Brugioni et Poirer ont ainsi invoqué l’inefficacité de la technique photographique de l’époque pour justifier l’inaction des alliés. Les discours d’escortes actuels sur les sites Internet qui diffusent les photos en question déploient, quant à eux, une rhétorique qui n’est pas moins innocente.
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Benassi, Stéphane. „Penser l’audiovisuel d’organisation à l’heure des réseaux sociaux dans une approche dispositive centrée sur les sciences de l’information et de la communication“. Approches Théoriques en Information-Communication (ATIC) N° 7, Nr. 2 (07.02.2024): 141–53. http://dx.doi.org/10.3917/atic.007.0141.
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En développant une approche sémio-pragmatique des dispositifs audiovisuels, nous chercherons à montrer comment, par l’entremise des réseaux sociaux (grand public et d’entreprises), ces dispositifs, en se complexifiant, prennent une place de plus en plus importante dans les stratégies de communication interne et externe des organisations en développant de nouvelles formes de relations sensibles à ces dernières. Il s’agira ici d’aborder certaines questions actuellement posées non seulement par la prolifération dans l’espace public, via les réseaux socionumériques, de dispositifs (audio)visuels, questions qui mettent ou remettent en jeu plusieurs problématiques de caractère ontologique, catégorial et épistémologique : qu’est-ce que la communication audiovisuelle des organisations ? Quelles en sont les différentes formes ? Quels rapports ces dispositifs entretiennent-ils avec les autres dispositifs audiovisuels diffusés via les réseaux sociaux ? Quels critères pour sélectionner les dispositifs prégnants susceptibles d’avoir valeur d’exemple ? Quels outils pour formuler des hypothèses rigoureuses ?
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Lefait, Sébastien. „“They want more conflict ? I’ll see what I can do...” : Reality TV and the Transfiguration of the Commonplace Image in Reality Show (Showtime, 2012)“. Recherches anglaises et nord-américaines 49, Nr. 1 (2016): 189–200. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2016.1537.
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Reality Show a pour personnage principal Mickey Wagner, un producteur de téléréalité dont la dernière idée est de réaliser une émission en plaçant simplement sous surveillance permanente une famille américaine lambda, les Warwick. Censé provoquer de l’action à l’écran, le conflit est au cœur des problématiques abordées par une série qui en fait l’un de ses fils directeurs, et ce à deux niveaux. D’une part, faute de conflit dans l’émission de téléréalité de Wagner, elle s’arrêtera en cours de diffusion. D’autre part, Wagner se voit contraint d’injecter des doses progressives de conflit dans le quotidien sans histoire(s) des Warwick, ce qui révèle un problème esthétique derrière les évidentes questions éthiques que pose le procédé, puisqu’il fait se télescoper la réalité et la fiction. Reality Show fait ainsi s’entrechoquer deux aspects fondamentaux de la culture visuelle contemporaine : l’omniprésence d’images vidéo du monde dont le nombre n’a d’égal que leur banalité, et la propension accrue des individus à mettre en récit ces images.
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Kolde, Antje-Marianne, Carlamaria Lucci und Rosanna Margonis-Pasinetti. „Homo digitalis + Homo plurilinguis = Homo sapiens?“ Babylonia Journal of Language Education 2 (02.10.2022): 46–51. http://dx.doi.org/10.55393/babylonia.v2i.180.
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L’Homo digitalis constitue-t-il une évolution par rapport à l’Homo sapiens ou en est-il une partie ? Voilà la question que pose cette contribution multilingue écrite à six mains.
L’introduction revient sur le terme Homo digitalis et l’analyse à l’aide de la compétence plurilingue pluriculturelle, dont les trois parties suivantes démontrent l’importance à côté de celle de la littératie pour l’exploitation de documents authentiques. La première partie traite du recours aux documents visuels numérisés en classe de grec ancien ; la deuxième d’inscriptions latines et de leur exploitation en classe grâce à l’image numérisée ; la troisième de cinéma italien et de divers supports numérisés qui permettent de l’intégrer dans la formation des élèves. La conclusion propose une réponse à la question initiale.
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Yemtim, Adolphe, Andre Soubeiga und Clementine Rossier. „Handicap féminin, risques en sexualité : approche compréhensive auprès de 32 femmes ayant des incapacités physiques et visuelles à Ouagadougou, Burkina Faso“. Développement Humain, Handicap et Changement Social 21, Nr. 2 (18.02.2022): 61–73. http://dx.doi.org/10.7202/1086469ar.
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La vie sexuelle des femmes en situation de handicap reste fortement marquée par des risques de violences sexuelles et des rapports non protégés en Afrique de l’Ouest comme ailleurs. Même si les auteurs qui se sont penchés sur la question tendent à affirmer qu’elles sont plus sujettes aux dangers sexuels comparativement aux femmes n’ayant pas d’incapacités, les raisons explicatives de ce constat restent, jusque-là, non explorées dans ce contexte. L’objectif de cet article est de comprendre les processus qui participent à exposer les femmes ayant des incapacités aux risques en sexualité à Ouagadougou (Burkina Faso). À partir des entretiens approfondis réalisés auprès de 32 femmes ayant des incapacités physiques aux membres inférieurs et de femmes ayant des incapacités visuelles, l’article rend compte de la subjectivation de l’expérience de la vulnérabilité sexuelle par ces femmes, sous l’angle des phénomènes de déféminisation et d’hyper sexuation. Ces phénomènes associés à la situation de dépendance qu’elles vivent du fait de l’absence d’un environnement habilitant, contribuent à créer les cadres propices aux dangers en sexualité, dans un contexte où les relations sexuelles avec une femme ayant des incapacités peuvent revêtir, de surcroît, des significations culturelles.
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Chouki, Mourad, und Sybille Persson. „La médiation par les artefacts visuels : une source spécifique dans la génération des connaissances nouvelles en situation ?“ Management international 20, Nr. 3 (12.09.2018): 37–48. http://dx.doi.org/10.7202/1051305ar.
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Cet article contribue à la gestion des connaissances en examinant le processus de génération des savoirs à partir de la question de l’intercompréhension entre les acteurs. Le cadre théorique mobilise l’approche des knowledge boundaries dans une perspective pragmatique. A partir d’une observation in situ de six mois, il devient possible de souligner les difficultés d’intercompréhension entre un designer et un architecte. Le rôle des artefacts visuels apparaît alors clairement dans la médiation mise en oeuvre par les acteurs eux-mêmes, à la fois contraints et portés par la situation.
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Schaub, Nicolas. „« Un métier de chien que de suivre l’armée ». Prosper Baccuët (1797-1864), peintre militaire au service de l’exploration scientifique de l’Algérie“. L’individu dans les conflits, Nr. 4 (20.10.2022): 51–64. http://dx.doi.org/10.57086/sources.397.
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« Un métier de chien que de suivre l’armée ». Prosper Baccuët (1797‑1864), peintre militaire au service de l’exploration scientifique de l’Algérie – Pendant la période la plus incertaine de la conquête de l’Algérie, entre 1830 et 1850, plusieurs artistes militaires sont chargés de la mise en œuvre d’une représentation visuelle des différents territoires que l’autorité doit soumettre et contrôler ; en complément de la topographie, ces peintres militaires procèdent donc, de manière intentionnelle et consciente, à l’enregistrement visuel et stratégique des territoires algériens. Quelle est la nature de cet embrigadement des artistes militaires qui expérimentent tous le terrain de manière très subjective ? Quelles sont les conditions d’élaboration des différentes images créées à partir de l’expérience de cette guerre de conquête ? Pour tenter de répondre à ces questions, l’article s’appuie sur quelques éléments de la correspondance de Prosper Baccuët, officier de cavalerie au service de l’exploration scientifique de l’Algérie, et montre ses tentatives pour atteindre une forme d’autonomie artistique, sa volonté de construire une image de l’Algérie, qui soit dégagée des stratégies politiques, mais conforme à des objectifs scientifiques et artistiques.
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Milliken, Christie. „Documenting the Anthorpocene: The Burtynsky Trilogy“. Canadian Journal of Film Studies 32, Nr. 2 (September 2023): 87–108. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2023-0015.
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Résumé : Le présent article tient compte des questions d’échelle et d’amplitude dans la trilogie Paysages manufacturés ( Manufactured Landscape, 2006), L’empreinte de l’eau ( Watermark, 2013) et Anthropocène : l’époque humaine ( Anthropocene: The Human Epoch, 2018), qui est le fruit d’une collaboration productive et provocative entre la documentariste Jennifer Baichwal et le photographe paysagiste de renommée internationale Edward Burtynsky. Les trois films participent fortement à ce qui a été qualifié d’imagerie sublime « toxique » ou « industrielle » des photos grand format de Burtynsky et décrit à la fois d’immersif, de poétique et de lent. Par l’exploration des diverses évocations d’échelles et d’amplitudes dans la trilogie, qui sont des préoccupations au cœur de l’œuvre photographique de Burtynsky, l’article s’attaque à l’intervalle géologique qu’on appelle l’anthropocène et à son adoption embourbée dans le dernier film de la trilogie. Plutôt qu’accepter sans problème « la thèse anthropocène » telle qu’elle est définie et visualisée dans L’époque humaine, l’article épouse — conformément aux critiques du terme — un point de vue plus nuancé de ce que cette définition permet et dissimule à l’égard de la production et des politiques de la culture visuelle de ces films.
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Elbanna, Nihal, und Marc Landry. „Discernement et consentement à l'aune des neurosciences : exemple du neuromarketing“. Les Cahiers de la Justice N° 3, Nr. 3 (13.09.2023): 447–59. http://dx.doi.org/10.3917/cdlj.2303.0447.
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Résumé Le neuromarketing dont il est question dans cet article développe des pratiques commerciales qui peuvent orienter les décisions à la lumière des mécanismes neurobiologiques de prise de décision. La compréhension de tels mécanismes permet de comprendre les effets du neuromarketing sur les pratiques juridiques. L'implication du cortex associatif et des neurones de la région intrapariétale latérale (LIP) pèse dans la détermination des choix. Ces neurones présentent une activité qui varie en fonction de l'information visuelle et dure plus longtemps que d'autres neurones ce qui explique différents types de comportements. Les pratiques commerciales qui influent sur le mécanisme de prise de décision d'une manière abusive chez le consommateur sont considérées comme illégales et sanctionnées par la loi. Plusieurs dispositions juridiques peuvent faire face aux pratiques de neuromarketing dans l'objectif de protéger le consommateur contre l'abus de vulnérabilité, les pratiques commerciales déloyales et agressives, et les violations de la vie privée et des données personnelles.
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Boechat, Marina, und Tommaso Venturini. „De l’analyse à la présentation. La visualisation d’informations pour la réification des questions et la re-énaction des idées dans l’analyse visuelle des données“. Les cahiers du numérique 12, Nr. 4 (30.12.2016): 185–204. http://dx.doi.org/10.3166/lcn.12.4.185-204.
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Delage, Karine. „La contemplation du cadavre dans la méditation bouddhiste et les arts visuels“. Articles 23, Nr. 1 (07.06.2011): 26–32. http://dx.doi.org/10.7202/1004019ar.
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Le cadavre possède un pouvoir d’évocation exceptionnel sur lequel s’appuient deux pratiques qui semblent éloignées à bien des égards : la contemplation de charnier, qui utilise les restes humains comme support visuel à la méditation sur la mort, et les productions contemporaines en arts visuels, qui manipulent ces restes comme matériau artistique. Ces deux pratiques remettent en question la frontière entre réfléchir sur la mort et réfléchir avec la mort, en développant des stratégies qui visent un double objectif : saisir l’essence de la mort et ainsi conjurer l’angoisse qu’elle génère. Dans cet article, notre objectif est de mettre en lumière des indicateurs révélant la place qu’occupent dans ces stratégies les trois gestes de la réduction phénoménologique selon Husserl : la conversion réflexive, la variation imaginaire et l’épochè transcendantale.
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Chen, Shaopeng, und Yilun Ji. „Originality, Imitation, and Re-indigenization: Kuiba: Z (2011) as a Culturally Hybrid Animated Film“. Canadian Journal of Film Studies 31, Nr. 1 (01.04.2022): 105–26. http://dx.doi.org/10.3138/cjfs-2019-0003.
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Le présent article analyse Kuiba : Z (Wang Chuan, 2011), un long métrage d’animation chinois en 2D, dessiné à la main, et premier volet de la série d’aventures Kuiba, déclinable en cinq parties. Au cours des deux dernières décennies, la question de l’originalité a taraudé les esprits dans le milieu du cinéma d’animation chinois, et Kuiba : Z ne fait pas exception. Bien que les personnages de Kuiba : Z présentent de nombreuses similitudes avec leurs homologues japonais dans les mangas et les dessins animés pour jeunes garçons, en ce qui concerne la composition visuelle et la personnalité, ces similarités ne signifient pas que Kuiba : Z constitue une imitation du cinéma d’animation japonais. Cet article soutient que Kuiba : Z représente plutôt une œuvre culturellement hybride, à cheval entre les approches chinoises et japonaises de l’animation dans le contexte du mouvement de ré-indigénisation de la production d’animation chinoise. Ce film est emblématique de l’application de l’iconographie chinoise traditionnelle et moderne, en particulier dans sa construction du monde imaginaire de Yuan Yang.
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Mougeolle, Marie. „Le collectif comme mode d’intervention : Perturbations de La 2e Porte à Gauche“. L’Annuaire théâtral, Nr. 60 (15.08.2018): 75–89. http://dx.doi.org/10.7202/1050922ar.
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La 2e Porte à Gauche invite, en 2016-2017, des artistes issus de la danse et des arts visuels à réfléchir ensemble autour de la question « Qu’est-ce que la danse peut produire (d’autre)? » L2PAG interroge alors la forme de l’oeuvre en regard du médium qui la crée, tout en interrogeant la problématique du collectif comme forme, méthode de travail et mode d’incubation d’idées ou de transgressions. Cet article tente de penser les dynamiques de création interdisciplinaires à travers le prisme de la création collective : comment faire oeuvre autrement, et à plusieurs? Comment fonder des lieuxmétis (Nouss, Plaidoyer pour un monde métis, 2005), territoires de création où identités et appartenances collaborent à faire oeuvre?
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Innes, Randy. „The Day Nobody Died, War Photography, and the Violence of the Image“. RACAR : Revue d'art canadienne 39, Nr. 2 (09.12.2014): 88–99. http://dx.doi.org/10.7202/1027751ar.
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En juin 2008, les photographes Adam Broomberg et Oliver Chanarin étaient « embarqués » (« embedded ») au sein de l’armée britannique dans la province de Helmand en Afghanistan et ont réalisé The Day Nobody Died en réponse aux événements et aux violents incidents qui ont eu lieu pendant leur engagement. Les images de cette série ressemblent à des abstractions colorées et non à des photographies conventionnelles : alors que le papier photographique a été exposé, rien de reconnaissable n’apparaît dans les oeuvres. The Day Nobody Died est le résultat d’une négociation entre l’imaginaire créatif des artistes sur les conflits armés et les images assainies de la guerre qui découlent souvent, d’une part, des programmes d’art militaire subventionnés par l’État et, de l’autre, du journalisme d’entreprise. Les questions qu’adresse The Day Nobody Died portent tant sur le médium de la photographie en lui-même que sur la façon dont celui-ci représente la guerre. Cet essai soutient qu’en ne montrant pas la violence de la guerre de la manière photographique traditionnelle, cette série d’images entreprend un examen autoréflexif sur la pratique plus large de la photographie de guerre. Ce refus de The Day Nobody Died est une résistance à ce que Jean-Luc Nancy appelle la tendance propre à la violence de faire image en soi. Cet essai aborde les questions de violence, de guerre et d’image par le biais des travaux de Judith Butler, Jean-Luc Nancy et Geoffrey Batchen, parmi d’autres. L’auteur place The Day Nobody Died dans la tradition d’une culture visuelle critique qui est concernée par ses propres opérations et par les relations qu’elle ouvre sur le monde.
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Arlaud, Jean, Pascal Dibie, Christine Louveau de la Guigneraye und Luiz Eduardo Robinson Achutti. „Conversation sur les préoccupations scientifiques et les perspectives de recherche au sein du Laboratoire d'Anthropologie Visuelle et Sonore du Monde Contemporain“. Horizontes Antropológicos 6, Nr. 13 (Juni 2000): 251–69. http://dx.doi.org/10.1590/s0104-71832000000100012.
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La présent conversation a été pensée comme l'opportunité de présenter le "Laboratoire d'Anthropologie Visuelle et Sonore du Monde Contemporain", de l'Université Paris 7 - Denis Diderot. Il a été crée en 1992 par monsieur le professeur Dr. Jean Arlaud, anthropologue et cinéaste, directeur auteur et réalisateur de plus de vingt filmes sur des sociétés de tous les continents, dans le même esprit que Jean Rouch, son directeur de doctorat. Ce laboratoire, qui regroupe actuellement 35 chercheurs statutaires et associés, développe des programmes de recherche en Asie Centrale (population Kalash, culture populaire et identité), Asie du Sud-Est ( danses masquées, musique, silat), Îles du Pacifique (Vanuatu), Etats Unis (population Cajun), Afrique (population nilotiques Nyangatom, populations Dogon et Bambara) et Europe (anthropologie urbaine, anthropologie rurale, identité, migrations/changements). Ce dialogue, fruit de l'initiative du doctorant brésilien Luiz Eduardo Robinson Achutti, chercheur associé au laboratoire, présent la démarche scientifique et méthodologique du laboratoire. A travers les paroles du Dr. Jean Arlaud, du Dr.Pascal Dibie, de la Dra.Christine Louveau de la Guigneraye et Achutti, sont abordés les sujets et les préoccupations actuels de ces chercheurs, questions sur l'anthropologie de proximité, l'approche poétique, la pratique du travail avec les images et les sons, la ville comme lieu de recherche et les connections entre anthropologie et multimédia.