Zeitschriftenartikel zum Thema „Personnage noir“

Cet article analyse le langage et le personnage de l’Africain Noir dans le théâtre portugais du XVIe siècle, en particulier dans les pièces ou autos de Gil Vicente et d’António Ribeiro Chiado, ainsi que celles d’autres auteurs moins connus et quelques intermèdes espagnols. On accompagne l’évolution du stéreotype du Noir considéré incapable de parler correctement les langues ibériques, depuis sa première apparition littéraire, dans le Cancioneiro Geral de Garcia de Resende. La première partie de cet article, plus méthodologique, met en cause la possibilité d’utiliser le langage attribué aux Noirs pour reconstituer une langue orale effectivement parlée, l’intention de dénigrement étant constitutive de ce discours. Ensuite, en parcourant les différentes pièces, on propose la notion d’un langage presque phénotypique, qui « colle à la peau » des Noirs et les désigne même lorsqu’ils ne sont pas sur scène. De manière moins rigide que le stéréotype, cette « seconde peau », qui est la langue, devient un instrument de dénigrement en soi, y compris de certains personnages blancs.

Zoïle, le héros du roman Le Voyage d’hiver qu’Amélie Nothomb publie en 2009, manifeste dès la première page son intention de détourner un avion et de l’écraser, avec tous ses passagers et l’équipage, contre la tour Eiffel. Après une curieuse histoire en rétrospective, il se met à l’œuvre à la clôture du livre et percute le monument avec le Boeing 747 qu’il a appris à piloter. Ce « voyage d’hiver » extrêmement criminel, le personnage nous le raconte à la première personne sur un ton humoristique, celui de l’humour noir. Après avoir étudié plusieurs caractéristiques du « terroriste » et de ses motivations, et avoir examiné les procédés littéraires de l’auteure, je proposerai une réflexion sur certains aspects de la liberté d’expression. J’analyserai ensuite la figure des terroristes « justiciers » de l’histoire dans Les Justes de Camus, une pièce de théâtre de 1949, basée sur des événements réels survenus en Russie en 1905 (l’assassinat de Serge Alexandrovitch, oncle du tsar, par le poète Kaliayev) et je montrerai le déchirement tragique des personnages camusiens. Je tenterai, pour finir, de dégager la valeur morale de ces deux œuvres littéraires.

Résumé En se basant sur la critique génétique, cette étude fait l'analyse du personnage éponyme de la nouvelle * La folle d'Elvis-, d'André Major. La vision qui nous est rendue du personnage féminin nous vient du personnage masculin. Fascinée par le chanteur américain, la jeune femme est présentée comme une figure de l'altérité: étrange, étrangère, représentante du continent noir de la féminité. Cette lecture est confirmée par l'étude des manuscrits qui ancrent explicitement la problématique dans le texte. Les biffures et les ratures apportées à la version finale ont pour effet d'ouvrir la textualité, défaire du texte un ' tissu de non-dit *, pour reprendre l'expression d'Umberto Eco, où la clarté de la dénotation cède aux résonances de la connotation.

Résumé: Le présent article analyse la pièce Derniers télégrammes de la nuit (1984) de Vera Feyder, écrivaine belge d’expression française. L’examen se déroule en trois temps jalonnés de notions clés de la philosophie de théâtre d’Antonin Artaud. La première partie montre les liens entre la fable de l’œuvre et la biographie d’Artaud, quels soient directes ou au biais d’un personnage fictif. L’étape suivante s’occupe à dégager les interférences tissées à plusieurs niveaux entre la pièce de Vera Feyder, la tragédie Ruy Blas de Victor Hugo et les nouvelles de Poe : La chute de la maison Usher et Le Chat noir . Finalement, dans sa dernière partie, l’article dévoile dans quelle mesure et comment toutes références repérées dans l’analyse servent la vision du théâtre et de l’Art que la dramaturge belge partage avec l’homme-théâtre français.

Les caractéristiques des noirs d’Afrique sont abondamment décrites dans la littérature espagnole de la Renaissance. Ces descriptions littéraires révèlent beaucoup au sujet de l’image que l’on en avait dans les représentations collectives. La création de protagonistes et de personnages secondaires africains offre une cristallisation des observations des réalités sociales et de l’élaboration artistique de préjugés et de stéréotypes sociaux. Cet article analyse deux textes présentant des mariages de noirs d’Afrique: le premier texte est une courte pièce du XVIIe siècle de Francisco de Avellaneda, et le deuxième est une ballade populaire, datant du XVIIIe siècle, et portant sur la célébration d’un mariage noir en Andalousie. Ces deux sources décrivent le mariage en se concentrant spécialement sur la dégradation des caractéristiques féminines et de la «beauté noire».

This study sets into opposition Black and White races based on the way each race conceives the Black and names him. One particularly eyes that the way each race names the coloured man is done through choices and a language structure which shows a stylization of the designation. This explains our stylistic approach, by giving to our analysis a semasiologic orientation. If preferentially, the White names him by the word “neger”, he does not therefore set a difference between the employment of the term “Black” to the place of “neger”, both words being treated as synonyms to his mind. Whereas, this is not the case with the Blacks who set a semantic distinction between the linguistic units “Black” and “neger”, both terms being treated as antonyms, although referring to the same entity. If with Whites, one deals with a synonymous coreferentiality of the verbal reference ; with the Blacks, one has on face an antonymous coreferentiality of the same entity. The analysis shows two conceptions of the Black which oppose the perception of the White on the Black to that of the Black to himself. According to Whites point of view, the Black and the neger refer semantically to the same person, there is an autoreferenciality of the verbal referent. Both words appear to be perfect synonyms which extrinsically and intrinsically describe the same being. As for Black, the words “ Black” and “neger” refer to two types of Black. The word “Black” refers to the Black who has an esteem for his race, who loves his black skin, who cherishes and is proud of it. That is the contrary of the word “neger” which refers to the Black who is ashamed of his skin, who feels regret to be born Black and would have whished to be born but White. Both terms refer extrinsically to the same person, but intrinsically to two different individual, and it is there that there are antonymous. There is a heteroreferentiality of the discoursive referent. Résumé: Cette étude met en opposition les races Noire et Blanche sur la manière dont chacune conçoit le Noir et le nomme. L’on s’aperçoit que la manière dont chacune des races désigne l’être de couleur se fait au travers des choix et une structuration du langage qui dénote une stylisation de la désignation. Ce qui explique l’approche stylistique de ce travail, à laquelle nous avons donné une orientation analytique sémasiologique. Si préférentiellement, le Blanc désigne le Noir du mot « nègre », il n’établit cependant pas de différence entre l’emploi du terme « Noir » à la place de « nègre », les deux vocables faisant office de synonymes à son entendement. Ce qui n’est pourtant pas le cas des Noirs qui font une distinction sémantique entre les signifiants « Noir » et « nègre », les deux vocables tenant lieu d’antonymes. Si avec les Blancs, on a affaire à une coréférentialité synonymique de la référence verbale ; avec les Noirs, on a affaire à une coréférentialité antonymique de la même entité. L’analyse montre deux conceptions du Noir qui opposent la perception du Blanc à celle du Noir. Pour le Blanc, le Noir est un nègre, les deux vocables renvoient sémantiquement à la même personne. Il y a autoréférentialité de la référence verbale. Quant au Noir, les vocables « Noir » et « nègre » réfèrent à deux types de Noir. Le premier renvoie au Noir qui a de l’estime pour sa race, qui aime sa peau, qui la valorise et en est heureux. Ce qui est le contraire du mot « nègre » qui renvoie au Noir qui a honte de sa peau, regrette d’être Noir et aurait souhaité naître plutôt Blanc. Les deux termes renvoient extrinsèquement à la même personne, mais intrinsèquement à deux individus différents ; et c’est en cela qu’ils sont des antonymes. Il y a hétéréférentialité de la référence discursive.

Résumé Le vernaculaire noir américain : Ses enjeux pour la traduction envisagés à travers deux oeuvres d'écrivaines noires, Zora Neale Hurston et Alice Walker - Zora Neale Hurston et Alice Walker font usage dans leurs oeuvres d'une langue autre, d'un sociolecte longtemps dénigré, le vernaculaire noir américain. Cette utilisation va bien au-delà de la simple caractérisation sociale de leurs personnages et constitue un geste contestataire, une revendication et une célébration. Dans ces conditions, la traduction annexionniste qui consisterait à avoir recours à des sociolectes effaçant totalement la négritude et la problématique raciale, tel le langage « paysan », apparaît comme une véritable mutilation des oeuvres. Il convient donc d'opérer le décentrement du texte-cible en y inscrivant la négritude. Les divers créoles à base française et les variétés du français parlées en Afrique noire peuvent fournir des marqueurs qui, sans relocaliser abusivement le texte-cible, serviront à cette fin.

Cet article se penche sur les travaux du peintre Robert Colescott, artiste noir américain qui doit sa renommée aux substitutions qu’il a opérées dans les années 1970 dans un certain nombre d’œuvres d’art dont il a changé les personnages originaux pour les remplacer par des personnages noirs. L’objectif est de montrer qu’en ethnicisant les œuvres concernées, l’artiste questionne l’autorité du canon de l’histoire de l’art et l’identité aussi bien ethnique que de genre des personnages représentés. Cet article analyse tout particulièrement deux exemples très emblématiques des appropriations et détournements d’œuvres d’art opérés par Robert Colescott : George Washington Carver Crossing the Delaware: Page From an American History Textbook (1975), tableau qui reprend l’œuvre historique d’Emmanuel Leutze, Washington Crossing the Delaware (1851), et Eat Dem Taters (1975), la version de Colescott des « Mangeurs de pommes de terre » de Vincent Van Gogh (1885). Dans la première œuvre, Colescott remplace le premier président des États-Unis, George Washington, qui apparaît au centre de l’original, par une figure emblématique de l’histoire afro-américaine, le botaniste George Washington Carver. Dans Eat Dem Taters, l’artiste remplace les paysans européens réunis autour d’une table pour « manger des pommes de terre » par des métayers noirs. L’objectif de cet article est de montrer comment dans ces deux œuvres, les opérations de réappropriation jouent avec les concepts d’appartenance ethnique, de race et de commémoration.

Des Grasset de Saint-Sauveur, on connaît surtout André (1758-1792), martyr de la Révolution française, béatifié en 1926 et dont un collège porte aujourd'hui le nom. Cet article concerne plutôt son frère aîné, personnage à l'antipode: Jacques Grasset de Saint-Sauveur (1757-1810). Successivement diplomate, polygraphe, illustrateur et graveur, il fut aussi aventurier et quelque peu mystificateur. Montréalais de naissance, Jacques Grasset de Saint-Sauveur a connu sa petite gloire littéraire sous la Révolution et le premier Empire. Il publia un nombre considérable d'encyclopédies de voyages et de costumes, de compilations et de récits libertins, mais aussi d'ouvrages de morale d'inspiration philosophique ou républicaine. II nous intéresse du triple point de vue de l'histoire politique et diplomatique du Canada et de la France, de l'histoire littéraire et de l'histoire de l'art. Pour cerner la personnalité de l'individu, on analyse ici une lettre qu'il adressa en mars 1785 à de Charles Gravier, comte de Vergennes, ministre des Affaires étrangères de France. Cette correspondance contient l'autoportrait de l'aventurier à la recherche d'un mécène, avec toutes les marques d'un jeune caractère déjà bien tranché : esprit d'initiative, audace frisant la présomption, détermination, sens politique et curieux mélange de réalisme et d'extravagance dans la vision du monde. En germe dans ce pli que Jacques Grasset de Saint-Sauveur rédige à 27 ans, se lit déjà toute la carrière de celui qui, sous le Directoire, trouvera plus prudent de perdre la particule et de signer « citoyen Saint-Sauveur », avant de s'acoquiner avec les plus ardents républicains de l'époque. À côté d'André, son père, ancien secrétaire de la Nouvelle-France, devenu consul sous Louis XVI, à côté de son frère cadet, lui-même consul et de l'autre frère, prêtre réfractaire fauché par la Terreur, Jacques Grasset fait tache. C'est cette tache qu'on examine ici à partir d'une simple lettre, avant de revenir, dans une prochaine livraison, sur la bibliographie du mouton noir des Grasset de Saint-Sauveur.

Albert Camus, après avoir lu Quand vient la fin, félicitait Raymond Guérin d’avoir recouru, comme Stendhal, à ce qu’il nomme la « psychologie du scalpel », et il est vrai que l’auteur de Lamiel avait fourni une épigraphe à ce roman ; mais la fidélité de Guérin à Henri Beyle s’affirmera encore au seuil d’autres ouvrages ou dans sa correspondance. Plusieurs commentateurs ne s’y sont d’ailleurs pas trompés, André Rousseaux, Louis Émié ou Joë Bousquet, qui tous établirent un parallèle entre les deux écrivains. Il y va d’abord du voeu de ne s’adresser qu’à « l’heureux petit nombre » — the happy few —, non pas par snobisme mais par exigence esthétique. Il y a ensuite la passion pour l’Italie, au coeur des romans ou des oeuvres intimes. Mais c’est surtout la conception de la nature humaine qui les rapproche et leur fait adopter, à un siècle près, des techniques littéraires très voisines : les Rapports du physique et du moral que Stendhal avait appris de Cabanis se prolongent chez Guérin avec la théorie de la « physiopsychologie », ce qui détermine la conception du personnage et se traduit par la dénonciation de l’hypocrisie telle qu’on la trouvait déjà dans Le Rouge et le Noir ou Lamiel, sur un air de cynisme que Guérin avait voulu se donner en s’identifiant à Diogène. Cette connaissance intime de l’être — véritable dissection de la créature – passe par l’usage du monologue intérieur, à peine naissant chez Stendhal, diaboliquement complexe chez Guérin, leur recherche maniaque de l’authenticité leur faisant également privilégier le fait divers ou « le petit fait vrai » ; ce qui ne les a pas empêchés, pour autant, de proclamer que la première vertu d’un roman était d’être romanesque et de susciter avant tout l’émotion. Il est tout à fait caractéristique que le grand retour de Stendhal sur la scène littéraire française se soit opéré au début des années 1950, à une époque où Guérin atteignait sa pleine puissance de romancier.

La Rose dans le bus jaune (2013) d’Eugène Ébodé est une « biofiction » à la première personne qui met en scène Rosa Parks (1913-2007), figure légendaire du mouvement des droits civiques. En choisissant de raconter à la fois le quotidien de Rosa et la journée mythique du 1er décembre 1955 qui conduisit à son arrestation, le roman rejette au second plan des figures historiques comme Martin Luther King Jr et réécrit l’histoire américaine du point de vue des marges. Le genre de la biofiction permet une reconstitution des événements, mais prend certaines libertés avec les faits : Ébodé crée le personnage de Douglas White, métis qui se fait passer pour blanc, celui-là même auquel Rosa devrait céder sa place, et poursuit ainsi sa réflexion sur le métissage. Il explore également les correspondances entre les luttes d’indépendance africaines et le combat des Noirs américains pour l’égalité. Supplément aux écrits biographiques de Rosa Parks, La Rose est un roman traversé par le blues qui croise Afrique et Amérique.

La discrimination raciale est un très gros problème et se retrouve dans plusieurs pays tels que les États-Unis, la Grande-Bretagne et le plus dominant en Afrique du Sud avec la politique d'apartheid. Par conséquent, l'Afrique du Sud est au centre de la lutte contre le racisme vers la réalisation de la justice. Le mot apartheid signifie "séparation" en langue africaine et il décrit la rigidité raciale qui régit la division entre la population minoritaire blanche et la population blanche majoritaire. La lutte de la majorité des Noirs africains contre la domination des minorités blanches est le principal et dernier conflit racial. La communauté internationale l'encourage activement. Cependant, le groupe blanc était assez important et trop fort alors que le pouvoir noir était si faible et divisé, qu'à la fin une personne du nom de Nelson Mandela apparaissait, qui était active dans la lutte pour l'élimination de la politique d'apartheid en Afrique du Sud, le au motif que des crises et des conflits raciaux surgiraient. ce qui s'est passé là-bas était bientôt terminé et l'Afrique du Sud est devenue un pays propice.

Blues pour Elise met en scène des personnages de jeunes femmes afropéennes (c’est-à-dire d’origine africaine ou antillaise mais qui se reconnaissent principalement dans la culture de l’hexagone) de la classe moyenne. La question de la race est présente, mais sans insistance: ce sont les histoires d’amour des personnages qui occupent le récit. Nous verrons que cette manière de mettre la question de la race en arrière-plan permet à Léonora Miano d’éviter les stéréotypes misérabilistes auxquels les personnages noirs des romans français sont trop souvent réduits. Au contraire, dans ce roman, elle construit une grande diversité de modèles identitaires afropéens à travers ses personnages. Le roman offre également un « territoire mental » afropéen grâce aux références musicales présentes à la fin de chaque chapitre.

Fabienne Kanor et Léonora Miano, auteures afro-descendantes d’expression française, explorent dans leurs œuvres l’Atlantique noir (Gilroy, 1993). Celui-ci dépasse les frontières traditionnellement établies, puisque s’y produisent de nombreuses circulations et que les identités et les cultures qui s’y déploient se définissent par l’hybridité ; aussi, on peut s’interroger sur les capacités émancipatrices que cet espace propose pour les catégories de races et de genres. C’est ce que cet article se propose d’étudier, à travers une étude littéraire portant sur un corpus constitué d’un recueil de textes pour la scène, Red in blue trilogie (Miano, 2015) et d’un roman, Humus (Kanor, 2006). Ceux-ci re-localisent les discours historiques sur l’esclavage, notamment en les ancrant dans les récits des vécus et des expériences intimes de personnages féminins, participant de ce fait du projet de « contre-culture de la modernité » qu’est celui de l’Atlantique noir.

Cet article prétend présenter les valeurs du roman noir. Il essaiera d’abord de se centrer sur les valeurs externes, c'est- à-dire, les valeurs de témoignage, sociales et politiques exhibées et reconnues par de multiples essais. Ensuite, il tentera de pénétrer au plus profond de son idéologie pour mettre à jour sa valeur réelle: la mort et sa symbolisation dans le roman policier et noir, toutes tendances confondues, afin de montrer que les pulsions de mort qui mènent au crime poursuivent un but: établir un rituel mortel pour le transformer en un sacrifice offert au lecteur ou à la lectrice. Finalement, dans le roman criminel, personne n’est innocent, même pas celui ou celle qui lit.

Résumé La figure exotique de l’Autre a fait l’objet de nombreuses études dans Aline et Valcour, mais a été peu traitée dans les autres récits sadiens. Le présent article porte sur les personnages noirs mis en scène dans les romans pornographiques et dans une des nouvelles de Sade, aussi bien à l’écrit que dans les gravures : quatre d’entre elles comportent des figures de Noirs dans trois romans différents. L’étude des liens entre texte et image permet de mesurer l’écart qui existe entre ces deux modes de représentation des Noirs, mais aussi entre les Noirs et les Blancs. Si cette confrontation révèle des différences, elle montre également de curieux exemples de métissage symbolique.

Cet article se veut une étude analytique de l’identité et de la culture africaine dans Mission terminée de Mongo Beti. Il a pour objectif de faire la lumière sur la spécificité de cette société, la place que l’individu y occupe et les transformations qu’elle a subies avec l’arrivée du colonisateur. Il est centré d’abord sur les personnages du roman et leurs attributions afin de savoir comment est constitué, structuré et hiérarchisé le groupe social auquel appartiennent ces entités. Il reconstitue ensuite les aspects culturels de la vie de l’homme noir tels qu’ils sont suggérés par le texte.

Jusqu’alors, la question des statistiques ethniques était en France un véritable tabou. Pour ce qui est des Noirs, par exemple, la volonté de ne pas savoir l’emportait largement. Personne en France ne voulait, personne ne pouvait savoir combien ils étaient dans ce pays. Les chiffres les plus divers circulaient offcieusement, et ils allaient de l à 6 millions.

L’article étudie l’exploitation de l’hiver en tant que rite initiatique dans le roman québécois moderne à l’aide de la lecture du Couteau sur la table de Jacques Godbout et du Jour est noir de Marie-Claire Blais. La saison incarne l’angoisse temporelle qui marque, selon Pierre Nepveu, la littérature québécoise des années 1960. Dans le premier, l’hiver est révélateur d’une crise identitaire culturelle dans une société qui explore un rapport nouveau au temps, au passé comme à l’avenir. Dans le deuxième, l’hiver dévoile la crise psychologique de personnages incapables d’affronter la réalité du quotidien (du présent et de l’avenir). La saison appelle à une forme de communion qui permet de résoudre le dilemme original.

Un tour d’horizon du cinéma français au vingtième siècle signale une présence spectrale de comédiens noirs à l’écran. Présence qui tend d’ailleurs à décroître lorsque l’on considère le nombre de premiers rôles qui leur ont été attribués. En se penchant sur l’influence de ces artistes sur la scène française, l’on remarque que se dégage un paradoxe : s’ils apparaissent certes dans le spectacle français dès le dix-huitième siècle (avec notamment le fameux Chevalier St George), ils demeurent pourtant des figures spectrales dans la mémoire collective. Comment expliquer la présence si disparate de comédiens noirs dans le cinéma français ? Pourquoi semblent-ils condamnés à jouer des rôles stéréotypés trop souvent nourris de clichés hérités de l’imaginaire colonial ? C’est à ces multiples interrogations que cet article tentera de répondre en cherchant à mettre au jour l’évolution des personnages noirs dans le paysage cinématographique français.

Troisième série de Marvel diffusée sur Netflix, "Luke Cage" nous offre un superhéros noir à la force surhumaine dont la peau est pare-balles. Ancrée dans un cadre socio-culturel bien distinct, la série évoque le vécu des Afro-américains dans une société contemporaine clivée. Si la tâche du traducteur est de relâcher "the bonds of belonging" (Pym 145) du texte filmique on peut se demander ce qui arrive à la variété d'anglais parlée par les personnages de la série (l'anglais afro-américain) et aux références culturelles lorsque le produit entreprend son voyage vers la France. Nous verrons que la version française laisse traduit tout le malaise du studio de doublage face à un produit et une production culturels qu’elle ne semble pas complètement saisir.

Le Rouge et le Noir est un roman sur l’éducation sentimentale de Julien Sorel dont les idéaux juvéniles se heurtent à la réalité politique de la Restauration, origine du drame du héros romanesque. L’éducation sentimentale de Sorel et l‘évolution de son esprit sont dues aussi bien aux leçons tirées des livres qu’à celles de l’expérience de vie. Les lectures du héros stendhalien, loin de le divertir, l’éduquent et forgent son caractère. Le but de cette recherche est, en premier lieu, de présenter la culture littéraire de Julien Sorel, et d’analyser comment les lectures engendrent les idées des personnages romanesques et influencent leurs actes. La présente recherche tente aussi d’étudier le contexte sociopolitique des références littéraires fgurant dans ce roman politique par excellence.

« Qui a eu la chance de contempler les gigantesques fresques murales que l'on trouve dans les sierras de San Borja, San Juan, San Francisco et Guadalupe dans le désert de Basse-Californie sait qu 'il a entrevu le fragment d'un autre monde. Ces hommes peints à même la roche, en couleurs rouges et noires, mêlés et superposés à des rennes et des cerfs et recouvrant d'immenses parois de pierre dans des grottes étonnamment conservés, n'ont pas leur place dans I 'histoire du Mexique. Figures peintes à six ou sept mètres du sol, hommes de I à 2 m de haut, les bras levés ; personnages stylisés d'une danse à laquelle nous n'avons pas été invités (Paco Ignacio Taibo Il, À quatre mains, p. 42. Rivages/Noir, 1991)

Cet article comporte une étude des albums numéros 3, 11 et 14 de la série policière de bande dessinée intitulée Jérôme K. Jérôme Bloche (Dodier, Le Tendre, Mackyo) essentiellement fondée sur une référence « palimpsestueuse » problématique au polar américain littéraire (essentiellement les romans de Raymond Chandler) et filmique (les films "noirs" interprétés par Humphrey Bogart) des années 40 et 50, étude qui porte sur l'intrigue et sa mise en image ainsi que sur le personnage principal dans une double perspective: sémio-narrative d'une part, icono-plastique et proprement bédétique d'autre part.

Stendhal et Musil sont les deux écrivains par excellence qui se sont interrogés sur le type de connaissance qui vient de la littérature. Avant Musil et comme Musil, Stendhal répond à cette question fondamentale en montrant que le roman offre une connaissance des émotions humaines et de leur lien avec les valeurs. Il s’agit à la fois de valeurs éthiques — les situations morales dans lesquelles se trouvent les personnages — et des valeurs esthétiques et proprement littéraires — le tragique, le comique, le tragi-comique, le sublime, etc. Surtout, le roman n’est pas simple représentation du réel, mais aussi du possible. L’analyse de quelques phrases hypothétiques, conjectures et expériences de pensée dans Le Rouge et le Noir, confirme la thèse que la littérature propose une connaissance du possible à travers le travail de l’imagination.

Cet article analyse La plus secrète mémoire des hommes, dernier roman de l’écrivain sénégalais Mohamed Mbougar Sarr, récipiendaire du prix Goncourt en 2021. Sous la forme d’un roman-monde, ce texte traverse le long xxe siècle en explorant les relations entretenues entre littérature et universel. Le personnage d’Elimane, au centre du récit, met en lumière la réception racialisée de la littérature francophone et la manière dont les écrivains sont lus par la critique. Il fait office de double fictionnel pour représenter non seulement la trajectoire de Yambo Ouologuem, mais aussi celle toute une série d’autres écrivains ayant été la cible de cabales médiatiques, à l’instar de Camara Laye, de Bakary Diallo ou encore de René Maran. L’article montre qu’en représentant cette réception racialisée, Mbougar Sarr utilise la fiction elle-même pour jouer avec ces assignations critiques. Le jeu entre histoire et littérature, mis en scène dans le roman, contribue à élaborer les pistes d’un nouvel universel littéraire, reprenant et glosant les propositions de Souleymane Bachir Diagne à propos de l’universel latéral. Pastiche, ironie, décalages, jeux de doubles et de miroirs, entremêlement d’intertextualité sont les armes de l’écrivain pour mettre en scène la puissance de la fiction face aux lectures racialisantes.

Dans ce roman, l’écrivain angolais José Eduardo Agualusa tente un rapprochement entre l’histoire des guerres angolaises et les violents conflits sociaux brésiliens aujourd’hui. Pour lui, c’est parce que le Brésil a refoulé son histoire coloniale que la situation sociale des favelas s’envenime, aggravée encore par un trafic d’armes et de drogue qui transitent par Luanda. Tout cela est évoqué par le tournoiement de personnages, historiques (comme Zumbi dos Palmares) ou vivants, brésiliens ou angolais, blancs ou noirs.

Il me regarde. Parfois il murmure des mots que je ne comprends pas. Et puis il s’assoit sur le lit, et il rabat les couvertures. Il dit mon nom tout bas, tu dormais, mon amour ? Là il n’y a plus d’espoir, je sais que ça commence. J’ouvre les yeux sur le noir de la chambre qui peu à peu s’éclaire et dévoile le visage de papa. Il n’y a pas de mots pour ce qu’il me fait dans la chambre. Voix coupée, je ne pourrai jamais le dire. À moi seule je le dis pour ne pas me perdre de vue. Lori Saint-Martin (1999). Mon père, la nuit (p. 7). L’instant même. Nous voilà au troisième solstice d’hiver pour la revue HYBRIDA. J’ai eu la chance de passer mon anniversaire à Montréal, de recevoir l’automne aux couleurs changeantes, de savourer l’énergie du jaune, ma couleur préférée, décliné à l’infini : citron, cadmium, moutarde, ocre, auréolin, indien, de Naples, de Sienne, de Cambodge… L’Association Internationale des Études Québécoises, incarnée dans la précieuse figure de Suzie Beaulieu, a contribué à la réussite de ce séjour d’un mois à l’Université de Montréal, accueilli par une personne magnifique et généreuse, écrivaine prestigieuse à juste titre, Catherine Mavrikakis, qui venait de publier son dernier roman Niagara (2022), ainsi que par son entourage académique et familial, son frère Nicolas Mavrikakis, perspicace critique d’art ; son conjoint, l’insigne professeur de littérature Terry Cochran, et leur fille Loulou, toujours le sourire aux lèvres et aux yeux… Le mois d’octobre est spécialement animé du point de vue culturel à Montréal ce qui m’a permis de participer à une intense vie culturelle : nouvelles publications, activités théâtrales, expositions artistiques, cycles organisés par la cinémathèque québécoise (dont la superbe rétrospective sur l’œuvre du canadien Bruce LaBruce)… Je me suis plu à visiter les intéressantes librairies montréalaises toujours en ébullition. J’ai eu la chance d’entrer en contact direct avec le monde éditorial québécois qui connaît certainement un nouvel âge d’or, des maisons d’édition d’une longue tradition comme Gallimard, dont l’ancien directeur Rolf Puls m’a parlé de tant d’anecdotes littéraires en nous régalant avec des huîtres et des oursins des mers du Nord, et dont l’actuelle directrice générale, Florence Noyer, m’a ouvert également les portes. Tout comme les éditions du Boréal où je suis passé plusieurs fois, reçu magnifiquement par Jean Bernier, avec qui j’ai passé des moments d’intense complicité où j’ai pu partager la passion pour Marie-Claire Blais, qu’il connaît dans le moindre détail, et le deuil à cause de la disparition douloureuse, cet intense mois d’octobre, du jeune écrivain Simon Roy, qui était venu à Valence présenter son premier roman Ma vie rouge Kubrick (2014) ; ainsi que celle de Lori Saint-Martin quelques jours plus tard. Il me reste à mentionner la maison d’édition Héliotrope. Un vrai bijou. J’ai eu le privilège de partager quelques conversations littéraires et humaines de haut niveau et une belle promenade du côté du Mont Royal, avec une halte dans la petite pâtisserie du quartier portugais pour prendre un vrai café, avec sa directrice, écrivaine elle-aussi, Olga Duhamel-Noyer, une âme sœur, qui dirige cette maison respirant sans aucun doute un air nouveau, fortement stimulant. Ma valise était donc bien pleine au retour à Valence et j’aurai de quoi lire dans les prochains mois. Tout cela m’a permis de rencontrer, parfois intensément, dans divers contextes, plusieurs écrivain·e·s, tous les âges confondus, dont je signalerai, par ordre alphabétique, Martine Audet, Arianne Bessette (écrivaine discrète et sensible avec qui j’ai connecté immédiatement), Lula Carballo (« ma Lula », mon double), David Clerson, Pierre-­André Doucet (charmant auteur et musicien acadien spécialement remarquable), Clara Dupuis-Morency, Benjamin Gagnon Chainey, Julien Guy-Béland (personne exceptionnelle, engagée, et écrivain percutant), Monique Proulx, que j’ai reçue à Valence et que j’apprécie énormément comme écrivaine et comme personne, avec qui j’ai partagé des croissants et de la confiture faite maison sur son balcon en regardant les arbres perdre leurs feuilles lorsqu’elle me dédicaçait son dernier roman Enlève la nuit (2022) ; et, bien entendu, Lori Saint-Martin. Je ne voudrais pas oublier le professeur de l’Université de Montréal Alex Noël, qui s’intéresse à la littérature québécoise récente et à la mémoire queer, et qui m’a fait découvrir le travail de l’artiste multidisciplinaire canadienne, originaire de l’île Maurice, Kama La Mackerel et le professeur espagnol de l’Université du Québec à Montréal Antonio Domínguez Leiva, écrivain lui-aussi, dont j’avais perdu la trace et avec qui je partage bien des intérêts littéraires autour du corps, de la monstruosité et du « panique ». Une dernière mention spéciale pour deux danseurs : Francis Paradis, personne instruite et empathique qui est restée tout le temps à mon écoute et m’a fait découvrir des lieux remarquables ; et, enfin, le danseur tunisien Achraf El Abed, en asile politique à Montréal à cause des persécutions LGBT dans son pays, n’ayant pas pu venir à Valence pour ces raisons lors du Colloque Queer Maghreb que nous avons organisé en juin 2022. Il a dansé pour nous en privé chez moi dans le quartier du Red Light de Montréal, pas loin de l’emblématique Café Cléopâtre, le jour de mon anniversaire, en compagnie de ma collègue et amie Adela Cortijo, qui était venue pour l’occasion. Je n’oublierai jamais ce moment magique. Merci à tous et à toutes pour avoir contribué à rendre ce séjour montréalais si spécial et si riche dans tous les sens. Comme je l’annonçais, nous avons perdu Lori Saint-Martin, excellente professeure, traductrice et écrivaine canadienne, ayant choisi le français comme langue d’asile et de refuge, d’identité réinventée, et surtout personne proche et généreuse, disparue dans la Seine, subitement. Des ombres spectrales ont envahi mon cœur et mes pensées à cause de ce destin trop funeste, trop tragique, trop romanesque, tellement j’ai envie de ne pas y croire… et, pourtant, Lori n’est plus là. Juste un dernier message sur WhatsApp quelques jours avant l’hécatombe : « Aquí todo bien » (« tout va vient ici »). Elle adorait l’espagnol, sa nouvelle demeure, sa nouvelle passion. Lori, mon amie, tu as troublé mon âme et laissé un grand vide difficile à combler. Je n’ai que des mots de gratitude envers toi. Et, pourtant, la vie continue à couler, elle coule et coule… comme les larmes des mères qui perdent leurs enfants dans toutes les guerres de la planète. Cette planète Terre qui pleure de plus en plus fort pour que l’on prenne soin d’elle, pour que l’on développe une conscience écologique efficace et durable… Temps catastrophiques, oui… excessifs, oui… scandaleux, oui… Et, pourtant, temps de Saturnales et de Noël, de fêtes, de chants et de vœux, de décorer les maisons, d’allumer les bougies et d’offrir des cadeaux, de rêves de santé, de paix et d’amour… tellement on a besoin de diluer les tensions que l’on ressent ; temps d’apaiser nos esprits… de se ressourcer, de reprendre haleine… de se projeter dans un meilleur avenir… malgré… Revenons à nos moutons… Le Dossier central de ce cinquième numéro de la revue HYBRIDA, coordonné par Fabio Libasci, vise à s’interroger sur les multiples enjeux de la notion d’extrême, que ce soit du point de vue chronologique que du point de vue conceptuel. En effet, l’expression « extrême contemporain », étant en perpétuel déplacement, reste spécialement attirante mais problématique, depuis sa création attribuée à Michel Chaillou, à la toute fin des années 80 du siècle dernier. On assisterait, de nos jours, à une « deuxième génération » de l’extrême contemporain. On pourrait donc l’actualiser pour faire référence aux productions littéraires et culturelles récentes au sens large. Du point de vue thématique, l’extrême est vite associé à la notion de limite, de démesure, voire de violence. En ce sens, force est de constater une tendance et une présence des esthétiques de rupture et des formes de l’excès chez des auteur·e·s contemporain·e·s, plus ou moins jeunes, ce qui nous a menés à nous pencher sur les usages et, peut-être les abus, de cette notion poreuse et changeante. Ce Dossier est composé de quatre articles venus de Côte d’Ivoire, de Finlande et de France. Ils abordent l’œuvre des écrivain·e·s Azo Vauguy, Koffi Kwahulé et Hélène Cixous et des cinéastes tels qu’Anne Fontaine, Christopher Doyle ou Julien Abraham. Dans la section Mosaïque, nous publions quatre articles très intéressants également. Hassna Mabrouk, de l’Université Chouaïb Doukkali (Maroc), en s’appuyant sur le révisionnisme historique proposé par les études postcoloniales et subalternes, s’empare de la figure historique de l’explorateur et interprète du début du XVIe siècle Mostafa Al-Azemmouri ou Estevanico, connue essentiellement en Europe sous l’angle de la relation de voyage de Cabeza de Vaca, trop eurocentrée, pour y opposer d’autres représentations de l’explorateur comme celle du personnage Al-Azemmouri qui apparaît dans le roman de Kebir M. Ammi, Les Vertus immorales (2009) où les représentations artistiques qui perdurent dans la ville marocaine d’Azzemmour où il est né. Ahmed Aziz Houdzi, de l’Université Chouaïb Doukkali également, analyse les transformations identitaires du sujet diasporique par rapport aux événements historiques dans le contexte français marqué par les attentats terroristes qui ont eu lieu à Paris en 2015. Il fait une fine lecture de Ce vain combat que tu livres au Monde (2016) de Fouad Laroui où le personnage principal se débat entre le désir d’intégration dans la société laïque et la tentation intégriste incarnée par l’État islamique. Lourdes Rubiales Bonilla de l’Université de Cadix (Espagne) se penche sur « l’affaire Batouala ». Dans son article, elle analyse avec précision les clés de la réception et de la diffusion dans la presse du moment du Prix Goncourt de 1921 octroyé au roman Batouala. Véritable roman nègre de René Maran. Ainsi, elle s’efforce de démontrer les mécanismes de la censure pour essayer de neutraliser le discours politique de l’auteur. Enfin, Diana Requena Romero de l’Université de Valence (Espagne) revient sur la problématique liée à l’étude des personnages féminins dans l’œuvre de Boris Vian. Pour ce faire, elle prend un corpus peu étudié qui est celui des nouvelles de l’auteur afin d’y déceler les processus de métamorphose du corps et les images de l’hybridation de la femme-animal située dans des espaces intermédiaires. Dans la section Traces, plus créative, nous publions trois contributions. Nous avons l’honneur de publier un texte fragmentaire bilingue (en français et en espagnol) de l’écrivaine québécoise, originaire de l’Uruguay, Lula Carballo intitulé restos de barrios (« des restes de quartiers ») où les bribes du passé se mélangent à la rupture du discours à la recherche de nouvelles voies d’expression littéraire. Son premier roman Créatures du hasard (2018) a été spécialement apprécié par la critique. Elle a aussi publié l’album illustré Ensemble nous voyageons (2021), co-écrit avec Catherine-Anne Laranjo et illustré par l’artiste Kesso. Carballo explore avec délicatesse et subtilité la mémoire liée aux souvenirs d’enfance et d’adolescence dans un contexte social spécialement marqué par la pauvreté et la migration, ainsi que les hybridations culturelles et la quête identitaire guidée par l’émotion et par un clair positionnement féministe aux côtés des minorités. Alexandre Melay nous offre [Timescapes], un document photographique présenté par l’auteur où il met en valeur ses préoccupations environnementales et nous fait partager son regard engagé face à « l’impossibilité du paysage » et « l’implacable déconstruction structuraliste du sujet ». Ces photographies en noir en blanc, sorte de cartographie de villes grises, polluées, envahies par les déchets et les éléments inhospitaliers, à l’ère du « Capitalocène », constituent un bel exemple de l’« extrême urbain contemporain ». Enfin, Natalia L. Ferreri de l’Université Nationale de Cordoba et Francisco Aiello de l’Université Nationale de Mar del Plata (toutes deux en Argentine) ont eu la générosité de choisir notre revue pour publier un long entretien en espagnol avec l’écrivaine française (née en Argentine en 1968) Laura Alcoba intitulé « ¿Para qué sirven las historias ? » (« À quoi servent les histoires ? »). Après l’évocation de son sixième et dernier roman intitulé Par la forêt (2022) où la narratrice évoque des expériences traumatiques telles que l’infanticide, le suicide et l’exil, Ferreri et Aiello passent en revue, d’une manière savante et subtile en même temps, les questions essentielles qui traversent l’écriture d’Alcoba où le geste de la traduction, la langue maternelle et la matière des histoires occupent une place prépondérante. Nous inaugurons la section Éventail, où nous voudrions, par le biais des recensions ou des comptes rendus, aérer et diffuser des publications de recherche ou de création proches des intérêts et des perspectives qui animent notre revue. En ce sens, nous publions l’intéressante et complète recension de Martine Renouprez de l’Université de Cadix (Espagne) sur le livre de Laurence Hansen-Love (2022), Planète en ébullition. Écologie, féminisme et responsabilité. Notre revue commence à décoller, à être indexée, répertoriée, présente un peu partout dans le monde grâce au grand intérêt démontré particulièrement par les chercheur·e·s africain·e·s. Un grand merci à vous. Bonne lecture et rendez-vous en juin 2023 pour questionner les « frontières » dans un Dossier intitulé LIMES. Sol invictus.

La Peste est redevenu un « best- seller » depuis la pandémie de Covid-19 en 2019. Le contenu narratif de La Peste et la réalité récente du monde ont d'importantes similarités quarantaine, restriction des déplacements, séparation des personnes, pénurie de vaccins, accaparement, marché noir, etc. Camus a écrit ce roman pour enregistrer allégoriquement dans la mémoire historique la tyrannie du nazisme et la lutte de la Résistance. Mais il existe aussi des lecteurs qui y interprètent la peste comme un mal de nature métaphysique. Nous lirons La Peste uniquement sous l'angle d'une épidémie. Cet article vise à examiner comment les actions des différents personnages changent selon la progression de la peste : les médecins, les autorités administratives, quelques protagonistes et les citoyens. Camus souligne que L'Etranger évoque une révolte individuelle et La Peste une révolte collective. S'il n'y a pas de « roman moral » mais « une morale du roman », comme le disait Flaubert, la morale de La Peste n'est-elle pas l'engagement et la solidarité pour réduire la souffrance des hommes ? Répétons la thèse de Camus : «Je me révolte, donc nous sommes.»

L’auteure questionne la façon dont les femmes de la Guadeloupe s’engagent dans des mobilisations féminines en se définissant ou non comme féministes et en revendiquant ou en dénonçant les injonctions culturelles à se conformer au modèle traditionnel de l’identité féminine noire : le potomitan, personnage maternel sacralisé dans sa résistance, sa combativité et ses sacrifices. Revenant sur les engagements politiques et associatifs de femmes de plus de 50 ans, et déconstruisant l’archétype du potomitan qui délégitime souvent le recours au féminisme, l’auteure interroge les raisons pour lesquelles le féminisme européen et ses principes peuvent être perçus comme contraires aux besoins des femmes guadeloupéennes, dans cette société postcoloniale.

Cet article se propose d’analyser les modalités par lesquelles les personnages d’Alain Mabanckou peuvent être les médiateurs d’une interprétation. Loin des mythes et des stéréotypes de lecture, il esquisse la pratique romanesque de Mabanckou pensée comme énoncé et simple représentation, mais comme moyen d’analyser les rapports sociaux. À l’intersection d’une rhétorique et d’une sociologie, il interroge ces petites sociologies de terrain à même les textes, tout près de ceux-ci et dans le dialogue des uns avec les autres, mettant l’accent plus sur les textes que sur leur contexte d’émergence. On s’attachera à l’analyse sociale des groupes et de la déviance ainsi que des enjeux des rapports entre ces groupes sociaux. On soulignera comment les romans entrevoient l’analyse de cette représentation dualiste des groupes sociaux, alors que la critique, concentrée sur une large part de l’exégèse de Mabanckou, s’intéresse généralement aux images négatives concernant le Noir qui encombrent ses romans.

Résumé Nous appuyant principalement sur les théories féministes, nous nous questionnerons sur la construction de l’altérité et de l’identité à partir du roman Moi, Tituba, Sorcière… Noire de Salem, de Maryse Condé. Le projet de cette auteure est de redonner une voix à Tituba, personnage historique réel sur qui il n’y a presque aucune information. Nous montrerons comment Tituba est marginalisée par les différentes sociétés qui l’entourent. Marquée comme Autre par son sexe, sa race et sa classe sociale, Tituba est accusée de sorcellerie et devient un bouc émissaire. Après avoir vu la façon dont les autres la perçoivent, nous examinerons comment elle sort, en partie, de l’altérité pour construire sa propre identité et redéfinir l’identité collective.

Une analyse comparative de deux toiles du XIX e siècle, Olympia d’Edouard Manet et Manao tupapau de Paul Gauguin, fait ressortir des motifs communs : une femme nue au premier plan, et, dans la marge obscure, un second personnage caractérisé par sa couleur foncée. En ces temps de gynophobie exacerbée et de racisme primaire, ce protagoniste ténébreux est une « ombre au tableau » : il nous semble mettre en exergue la frayeur causée chez les hommes par l’objet féminin, sa sexualité énigmatique et ses velléités d’indépendance. Il incarne la noirceur de la femme, dont les charmes ensorcelants suscitent chez le sujet masculin de sombres pulsions charnelles, inavouables dans le contexte de puritanisme forcené de la fin du XIX e siècle.

Cet article propose une lecture de la figure d’Hamlet chez Jacques Ferron et Hubert Aquin, depuis leurs contributions à la revue Parti pris, au mitan des années 1960, jusqu’aux textes crépusculaires que sont Du fond de mon arrière-cuisine et Neige noire. En s’appropriant le personnage mythique de la tragédie de Shakespeare, Ferron et Aquin placent leur engagement sous le signe de Saturne, divinité traditionnellement associée à la mélancolie. Chez l’un et l’autre, les apparitions du prince illustrent en effet une politique de la littérature fortement ambivalente, qui entrelace le mort et le vif, la folie et la raison, la puissance et l’impuissance, comme si l’autorité de l’écrivain provenait de sa capacité à s’excepter de toute souveraineté afin de porter au langage l’expérience blessée de son absence.

L’article examine les stratégies et modes narratifs qui montrent comment, après 1994, la « nouvelle » Nadine Gordimer explore une palette diversifiée de motifs, de situations et de personnages dans des tonalités moins tranchées que dans la plupart de ses précédents recueils de nouvelles. Son ancien « ego transparent » a maintenant beaucoup perdu de son aplomb monolithique pour emprunter des pistes mineures en quête de traces à moitié ensevelies et d’une « liminalité » qui n’est plus nécessairement associée au monde noir ou à la dissidence blanche. S’ils peuvent sembler étranges ou négligeables, les fragments d’expérience humaine ou animale représentés trouvent souvent leur place dans ce cadre défini par Njabulo Ndebele comme la « redécouverte de l’ordinaire » et, dans une perspective plus large, s’alignent sur l’épistémè post-apartheid et postcoloniale qui se défie des polarités hiérarchiques et des récits totalisants. Tout en s’éloignant du politiquement « spectaculaire » et du spectre de la pigmentation, les textes illustrent également les modalités selon lesquelles l’Afrique du Sud contemporaine s’inscrit dans une dialectique cruciale entre le local et le global.

Cet article propose une analyse de la mise en scène de la violence dans le théâtre de Calderón, en portant une attention spéciale au recours aux têtes coupées et à ses différentes fonctions selon les genres dramatiques. En partant de considérations générales sur la violence dans les différents niveaux dramatiques (action, personnages, langage, mise en scène), il analyse l’élément pathétique, surtout dans les tragédies, ainsi que les dérivations comiques et grotesques dans certains cas. Parmi les exhibitions truculentes et macabres (cadavres, exécutions, assassinats...), le recours aux têtes coupées est particulièrement remarquable, présent non seulement au niveau verbal, à travers des références dans le texte, mais surtout comme élément scénique dans plusieurs usages et techniques (têtes en cuir et carton, tables dotées d’orifices, plateaux dissimulés, utilisation de trappes, etc.). Il en ressort que Calderón utilise des éléments d’une cruauté truculente, comme les têtes coupées et autres mutilations, dans plusieurs genres et contextes, pour l’exploitation multiple du pathos tragique et du comique grotesque, parfois avec des intentions de pédagogie moralisante, ou encore comme mécanisme pour le rire et l’humour noir.

L’afropéanisme, cette notion popularisée dans l’espace francophone par l’écrivaine camerounaise Léonora Miano, concerne les Noirs ayant l’une des nationalités européennes et possédant une culture à la fois africaine et européenne, voire américaine. Cette identité de l’entredeux, paradigmatique de la transmigration des identités, est matérialisée dans Tels des astres éteints par le brassage linguistique perceptible dans l’expression des personnages et par leurs goûts musicaux hybrides qui assemblent des airs africains, européens et américains. Leurs dénominations hétérogènes les inscrivent, par ailleurs, dans cette logique de métissage culturel puisqu’ils ne portent que des prénoms qui ressortissent de sphères culturelles autres que celles dont ils sont originaires. Par ce jeu d’écriture, Tels des astres éteints de Léonora Miano apparaît finalement comme une scription rhématique de la transmigration des identités.

Abstrait: Cet article est consacré aux migrants du royaume français et de certaines terres voisines (comme le duché de Bourgogne) vers les colonies génoises de la mer Noire. Il est en quelque sorte la continuation d’un certain nombre de mes essais précédemment publiés sur la migration des Allemands,1 des Catalans, des Valenciens et des autres Espagnols,2 ainsi que d’une personne de la Gascogne,3 aux colonies génoises. Je reprends ainsi le thème abordé dans mon article sur le Gascon Antoine et examine plus en détail la population «française» de Caffa au XVe siècle.Keywords

Cet article fait partie de ma thèse de doctorat, une étude concernant l’image de l’Amérindien dans le roman québécois contemporain. Dans le corpus que j’ai étudié, les Autochtones sont voués à la disparition, même quand ils arrivent à établir des contacts positifs avec les Francophones, car ils représentent un danger pour la société des colonisateurs. J’ai aussi remarqué qu’en général les Indiens ne sont presque jamais au premier plan. Leur importance dans l’intrigue dépend de leurs relations avec les personnages blancs. Cela nous amène à croire que les Autochtones aident ces derniers à se définir, à se construire une identité. Comme cette quête d’identité est étroitement liée à la conquête du territoire, il est aussi question de survie. Dans le roman de Louis Hamelin, les Francophones voudraient s’enrichir par le biais de la création d’un village touristique, Grande-Ourse, où ils invitent des riches États-uniens à pratiquer la chasse et la pêche. Les Amérindiens, qui n’ont aucun intérêt pour ce genre d’entreprise, sont obligés de se déplacer vers le nord du territoire. Ils abandonnent leurs terres à l’exploitation des Blancs et leur société, qui est déjà corrompue, finit par disparaître : un trou noir va absorber leur énergie vitale et de nouvelles frontières vont être tracées dans le nord du Québec.

Dans les sociétés africaines, l’initiation, en tant que rite, consacre le passage de l’enfance à l’âge adulte. Comme elle est très codifiée sur les plans anthropologique et sociologique, l’examiner sur le plan littéraire permet de voir comment le fantasme et l’imaginaire collectif, associés à l’acte d’écriture, exposent et distordent parfois la vision du corps, de sa préparation à sa mutilation. L’enfant noir de Camara Laye et Les soleils des indépendances d’Ahmadou Kourouma illustrent respectivement de manières différentes, et parfois antagoniques, l’initiation pubertaire du garcon (Laye) et celle de la fille (Salimata). La mise en scène dont le corps fait l’objet rend compte d’abord de sa dualité sexuelle et sociale, pressentie souvent dans les textes comme une confusion et une impureté. L’accès à l’âge adulte et la promotion sociale se font ensuite au prix de la mutilation du corps. Les deux personnages, Laye et Salimata, n’échappent pas à cette règle. Cependant, les épreuves et le rapport au corps ne sont pas vécus de la même manière. Laye traverse une épreuve ritualisée et euphémisée qui aboutit avec succès à son intégration sociale. Salimata, au contraire, subit dans la douleur son excision, puis son viol, auxquels elle imputera sa stérilité et l’exclusion qui en découle.

La présente étude analyse les stratégies sémantiques développées par Olympe de Gouges dans son drame Zamore et Mirza ou l'esclavage des Noirs pour imposer certaines nouveautés relatives aux esclaves telles que leur droit à une liberté que la dramaturge voudrait universelle et à un humanisme plus fort. En attribuant un nombre de qualités jusque-là réservées aux blancs à des esclaves, la dramaturge choquera son public et notamment les colons présents à Paris, lesquels feront rapidement annuler la représentation du drame. La stratégie d'Olympe de Gouges visant à imposer des valeurs humanistes auxquelles elle croit, placera son drame et ses personnages dans une « topie » impossible (terme emprunté à Dominique Maingueneau), qu'elle nourrira par ailleurs de sa propre instabilité identitaire et finira de marquer son antagonisme important face à une société qui n'est pas prête à évoquer l’émancipation des esclaves et l’égalité des droits.

Né en 1932 à Carcassonne, Jacques Roubaud est le fils d’un père agrégé de philosophie et d’une mère professeure d’anglais. En 1966, il passe une thèse de mathématiques. En 1967, il publie son premier livre de poésie, rencontre Raymond Queneau et entre à l’Oulipo. Depuis cinquante ans, il écrit une œuvre gourmande de tous les genres littéraires : la poésie ( Quelque chose noir, Churchill 40 ou, plus récemment, Ode à la ligne 29 des autobus parisiens ), la prose avec son grand cycle en six branches Le grand incendie de Londres , l’essai ( La fleur inversée , La vieillesse d’Alexandre ), le roman (la trilogie des Hortense ), en passant aussi par les poèmes pour la jeunesse ( Les animaux de personne ), et le théâtre ( Graal théâtre ). Mathématicien de profession, ce piéton, compteur et conteur, parisien malgré lui, est un fin connaisseur de la sextine, de sonnets médiévaux et de poésies japonaises anciennes. Ses livres allient humour et érudition, innovations formelles et tradition. Paradoxalement, Jacques Roubaud reste méconnu du grand public alors que les prix « pour l’ensemble de son œuvre » s’accumulent. Rencontre.

Au lendemain de la deuxième guerre mondiale, personne n'était en France prêt à envisager une perspective d'indépendance: ni l'opinion publique, ni les partis (pas même le parti communiste), ni le gouvernement. C'est une différence majeure d'avec la Grande-Bretagne: celle-ci avait été de longue date préparée à organiser l'indépendance de ses colonies – à la différence de la France vis-à-vis de l'Algérie. Depuis un demi-siècle elle négociait celle de l'Inde qui aboutit en 1947.

Ce protocole d'accord, publié originalement en anglais par l'Organisation mondiale de la santé (OMS), a été soutenu par la Section de psychiatrie gériatrique de l'Association mondiale de psychiatrie (AMP). La déclaration finale a été préparée par un groupe interdisciplinaire de représentants des principales associations internationales concernées par le thème en question, lors d'une réunion à Lausanne du 14 au 16 avril 1997, présidée par le Professeur Raymond Levy. Le Professeur Cornelius Katona et le Dr Nori Graham ont été les rapporteurs. Ce protocole est la suite d'un premier document de consensus publié par l'OMS et par l'AMP sur la définition de la psychiatrie de la personne âgée (1).

Vivre sa mort est une réalité complexe, voire paradoxale qui échappe à l’expérience immédiate. L’article l’aborde à la lumière de l’expérience religieuse fondamentale de l’Afrique noire. En partant des rites funéraires et des rites initiatiques en tant que morts symboliques, on établit un parallélisme systématique, une homologie suggestive, entre la dynamique africaine de la mort initiatique qui fait avancer sur l’axe dialectique d’accroissement de la vie et l’économie du salut par la croix qui ouvre à l’homme l’accès à Dieu. Cette caractéristique partagée permet de voir dans la croix du Christ une réalisation concrète devant laquelle la tradition initiatique peut se redécouvrir comme dans un miroir, tout en y découvrant quelque chose de facilement crédible. La réalité du vivre sa mort est donc saisie, au point où logique chrétienne et logique africaine se rencontrent. Elle apparaît comme une disposition religieuse et une marche de la personne humaine dans l’élévation spirituelle vers Dieu.