Thematische Bibliographien / Peinture de la Renaissance – Attribution

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Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Peinture de la Renaissance – Attribution“

Autor: Grafiati

Veröffentlicht am 11. Januar 2025

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Zeitschriftenartikel zum Thema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

Guichard, Charlotte. „Du « nouveau connoisseurship » à l’histoire de l’art Original et autographie en peinture“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 65, Nr. 6 (Dezember 2010): 1387–401. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900037483.

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RésuméMarquée par le paradigme de la singularité, l’histoire de l’art européen a longtemps été le fruit d’une alliance entre le modèle vasarien, associé à l’écriture biographique, et le connoisseurship, comme méthode d’attribution. Mais ce modèle est en tension avec la complexité des formes de la production artistique à l’âge renaissant et classique. Des travaux récents, issus de l’histoire sociale, de la philosophie de l’art et d’un « nouveau connoisseurship » proche du monde des musées, explorent ainsi la tension entre autographie et réalisation à plusieurs mains, entre attribution et collaboration artistique, exemplaire dans l’œuvre de Rembrandt. La conception autographique de la peinture n’est pas universelle: elle a une histoire qui se cristallise au XVIIesiècle dans la littérature du connoisseurship et les discours nouveaux sur la touche. Ces travaux révèlent aussi l’importance des répétitions et des multiples dans l’histoire de l’art moderne, jusqu’alors marginalisés dans une écriture historique de la singularité. Attentifs à l’histoire matérielle des œuvres, comme à l’histoire sociale et intellectuelle de l’art, ils mettent au jour le rôle du collectif et des « originaux multiples » dans la fabrication de la singularité artistique, au cœur même de la toile. Ils remettent ainsi en cause certaines conceptions fondamentales de la peinture en Occident, tels le culte de l’original et le statut de l’autographie, et ouvrent la voie à une histoire culturelle de l’art renouvelée.

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Kieffer, Fanny. „Dessiner le geste technique à la Renaissance : le dialogue entre le peintre Tobias Stimmer et le maître d’armes Joachim Meyer“. Source(s) – Arts, Civilisation et Histoire de l’Europe, Nr. 20 (26.06.2023): 49–72. http://dx.doi.org/10.57086/sources.796.

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En 1570 paraît, dans les presses de Thiebolt Berger à Strasbourg, le manuel d’escrime de Joachim Meyer, intitulé Gründtliche Beschreibung der freyen Ritterlichen unnd Adelichen Kunst des Fechtens. L’ouvrage est très richement illustré de gravures en pleine page, dont l’invention est attribuée à Tobias Stimmer et qui ont été gravées par son atelier. À l’appui d’une analyse systématique des gravures, notre étude vise non seulement à confirmer cette attribution, mais aussi à montrer que le traité ainsi que sa dédicace ont pour objectif la captatio benevolentiae du dédicataire – le comte palatin Johann Casimir von Pfalz-Simmern –, en traitant largement de la thématique classique du chevalier héroïque. À la croisée entre vertus guerrières traditionnelles, exemplum moralis humaniste et géométrisation des arts mécaniques, nous verrons également que ce traité est emblématique du phénomène de libéralisation des sciences et techniques dans le contexte des cours européennes de la Renaissance.

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Arasse, Daniel. „Le nu couché dans la peinture de la Renaissance“. Actes des congrès de la Société française Shakespeare, Nr. 9 (01.11.1991): 175–87. http://dx.doi.org/10.4000/shakespeare.1202.

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Antoine, Jean-Philippe. „Mémoire, lieux et invention spatiale dans la peinture italienne des XIIIe et XIVe siècles“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 48, Nr. 6 (Dezember 1993): 1447–69. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1993.279225.

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La peinture italienne des XIIIe et XIVe siècles possède dans l'histoire de l'art, depuis les Vies de Vasari, un statut exceptionnel : celui d'origine de la « peinture occidentale ». En faisant de Cimabue et de Giotto les primi lumi d'une « manière moderne » encore en enfance, Vasari mettait en effet en place un discours qui n'a cessé de nourrir les histoires de l'art successives. La fin du Duecento et le Trecento y représentent, après le sombre Moyen Age, le début d'une « renaissance » des arts inspirée de l'Antiquité. Mais ce commencement ne se connaît pas pour tel, et sa vérité est le fruit d'un accomplissement ultérieur : l'invention au Quattrocento de la perspective, et les développements qu'en proposent Michel-Ange, Léonard de Vinci et Raphaël. D'où la double caractérisation dont la peinture des XIIIe et XIVe siècles a fait, alternativement ou parfois simultanément, l'objet : oeuvre de « primitifs », qu'identifie leur incapacité à mettre en pratique sans erreur les critères spatiaux définis à partir du xve siècle, ou au contraire, pour citer le titre de l'ouvrage fameux d'Erwin Panofsky, oeuvre d'« avant-courriers » de la Renaissance, auteurs valeureux d'« une première rupture par rapport aux principes médiévaux de représentation du monde visible au moyen du trait et de la couleur ».

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Luhovy, Laryssa. „Mai 65“. Revue Possibles, hs (01.09.2022): 148–49. http://dx.doi.org/10.62212/revuepossibles.vihs.544.

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1965. Huile sur masonite, 61 x 91 cm. « [L’artiste] propose une peinture discursive et presque surréaliste qui lui permet d’affirmer avec plus de vigueur son appréhension de l’espace, d’en faire sentir et d’en expérimenter pleinement l’émotivité, [...] chaque tableau étant pour elle une naissance et une renaissance. » Jules Arbec, critique d’art émérite (voir documentaire de Michel Moreau, Jules le magnifique).« La peinture de Laryssa Luhovy vise à produire une sensation d’euphorie chez le spectateur. Au risque de susciter la controverse, je dirais qu’elle offre dans ses tableaux une vision personnelle du paradis. Pour les Modernes, l’art fut considéré comme une version laïque de la religion, et celui de Laryssa correspond à cette description que Rothko a donné de sa peinture. Dans tel archétype chrétien orthodoxe, la beauté illustre la justice et la vérité ; ce moule de pensée remonte à Platon en passant par Plotin. L’innocence, difficile à atteindre ici, en société, est illustrée par la peinture de Laryssa. » André Seleanu, membre de l’Association internationale des critiques d’art (AICA), trad. de l’anglais par Anatoly Orlovsky.

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Samuel, Jérôme. „Naissances et renaissance de la peinture sous verre à Java“. Archipel 69, Nr. 1 (2005): 87–126. http://dx.doi.org/10.3406/arch.2005.3930.

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Gomez-Géraud, Marie-Christine. „Le rire sur la palette“. Communio 294, Nr. 4 (20.06.2024): 59–74. http://dx.doi.org/10.3917/commun.294.0059.

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Le motif du rire, qui apparaît dans les représentations du Christ à la Renaissance, ne disparaît pas de la peinture religieuse à l’époque de la Contre-Réforme, contrairement à ce que l’on croit parfois : sa présence indirecte ou discrète suggère même l’allégresse spirituelle ou la réalité de l’Incarnation.

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Chantoury-Lacombe, Florence. „Le portrait en malade. Histoire de sa face cachée“. Envisager, Nr. 8 (10.08.2011): 31–51. http://dx.doi.org/10.7202/1005538ar.

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Cette étude consacrée à l’interprétation du portrait en malade tente de démontrer comment, à travers la littérature artistique de la Renaissance et dans le discours des historiens de l’art contemporains, le portrait représentant un personnage malade a fait l’objet d’une euphémisation dans laquelle une bonne santé de la peinture était privilégiée au détriment d’une interprétation plus probante du portrait pathologique. Par l’analyse de différents portraits de gens varioles, syphilitiques ou atteints d’autres pathologies à la Renaissance, il s’agit d’observer que la représentation du visage pathologique met à mal le statut même du portrait.

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Brock, Maurice. „La Peinture vénitienne de la Renaissance : une affaire d’œil ou de regard ?“ Critique d’art, Nr. 2 (01.09.1993): 14–20. http://dx.doi.org/10.4000/critiquedart.103805.

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Heinich, Nathalie. „Académisation et Provincialisation des Carrières de Peintres en Provence au XVIIe Siècle“. Annales. Histoire, Sciences Sociales 45, Nr. 6 (Dezember 1990): 1301–15. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1990.278908.

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Le « peintre itinérant » fut, jusqu'à la Renaissance, une figure typique, inscrite dans les usages traditionnels du compagnonnage artisanal. Cette figure devint, à l'âge classique, marginale sinon étrangère à l'exercice de la peinture : transformation que l'on peut mettre, certes, sur le compte des grands mouvements de « libéralisation » de la peinture entrepris en Europe entre le XVIe siècle et le XVIIIe siècle, mais dont il serait intéressant de suivre la mise en oeuvre au niveau local — « local » étant pris ici au double sens de « régional » et de « particularisé » dans des cas individuels. Comment, donc, des peintres exerçant leur métier, dans un lieu donné et à une époque donnée, ont-ils concrètement vécu, subi ou activé des bouleversements, dont l'historien sait rendre compte au niveau le plus général, dans l'après-coup du long terme et l'espace agrandi d'un territoire national, voire international ?

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Dissertationen zum Thema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

Flambard, Agnès. „Analyse critique des raisonnements d'attribution en histoire de l'art : le cas de Raphaël“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2024SORUS083.pdf.

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L'attribution en histoire de l'art répond à des critères divers, qui peuvent être étudiés en regard de l'histoire du marché de l'art mais aussi de l'histoire du goût. Raphaël, dont l'art a fait l'objet de très nombreuses attributions ou désattributions, est à cet égard un cas d'école. L'étude de six dessins et peintures correspondant aux trois périodes de la carrière de Raphaël a permis de dégager des caractéristiques relatives aux raisonnements d'attribution non seulement pour le peintre étudié mais aussi pour ce qui concerne la peinture moderne en général. Ces raisonnements obéissent à un discours bien rodé qui se met en place dans le courant du XIXe siècle sous la double influence des sciences de la nature et des modèles de la critique textuelle, philologique et historique. Cette dernière s'inscrit dans la tradition des mauristes et dans le cadre de l'institutionnalisation des savoirs qui s'opère tout particulièrement en Allemagne pour la nouvelle discipline que représente l'histoire de l'art. Très rapidement, il est possible d'observer une personnalisation de l'attribution, une œuvre de Raphaël ne pouvant être donnée au maître que par un « Raphaéliste ». L'étude des différents textes attributionnistes s'étalant sur près de deux siècles a permis de comprendre la problématique du goût et d'expliquer ainsi les changements d'attribution pour une même œuvre. Les débuts de l'histoire de l'art en Allemagne sont parallèles à l'émergence, sous l'influence des premiers romantiques allemands, d'un nouveau goût pour les primitifs qui va durablement influencer le regard des « Raphaélistes » qui chercheront à construire un corpus des premières œuvres et dévaloriseront celles de la période romaine dont le classicisme commence à être passé de mode. Ce changement de regard sur Raphaël s'opère d'abord dans le cadre d'un renouveau du catholicisme et se poursuivra à la fin du XIXe siècle avec le rejet de l'académisme, dont on juge le Raphaël romain responsable. Or, depuis une vingtaine d'années, la période romaine est revalorisée entrainant ainsi les réattributions des œuvres romaines au maître lui-même et permettant une étude nouvelle de la notion d'attribution
Attribution in art history meets various criteria, which can be studied with regard to the history of the art market but also the history of taste. Raphael, whose art has been the subject of numerous attributions or disattributions, is in this respect a textbook case. The study of six drawings and paintings corresponding to the three periods of Raphael's career made it possible to identify characteristics relating to attribution reasoning not only for the painter studied but also for modern painting in general. These reasonings obey a well-established discourse which was put in place during the 19th century under the double influence of the natural sciences and the models of textual, philological and historical criticism. The latter is part of the tradition of the Maurists and within the framework of the institutionalization of knowledge which is taking place particularly in Germany for the new discipline that represents the history of art. Very quickly it is possible to observe a personalization of the attribution, a work by Raphael being able to be given to the master only by a “Raphaelist”. The study of different attributionist texts spanning nearly two centuries has made it possible to understand the problem of taste and thus to explain the changes in attribution for the same work. The beginnings of the history of art in Germany are parallel to the emergence, under the influence of the first German romantics of a new taste for the Primitives which will lastingly influence the view of the "Raphaelists" who will seek to build a corpus of early works and will devalue those of the Roman period whose classicism is beginning to fall out of fashion. This change of view on Raphael first took place within the framework of a revival of Catholicism and would continue at the end of the 19th century with the rejection of academicism, for which Roman Raphael was judged responsible. However, over the past twenty years, the Roman period has been revalued, leading to the reattribution of Roman works to the master himself and allowing a new study of the notion of attribution

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Molinié, Anne-Sophie. „Corps ressuscitants et corps ressuscités : les images de la résurrection des corps en Italie centrale et septentrionale du milieu du XVe au début du XVIIe siècle /“. Paris : H. Champion, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb410206251.

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Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire--Paris 1, 2003. Titre de soutenance : Les images de la résurrection des corps en Italie centrale, en Italie du Nord et dans l'arc alpin (1440-1610).
Bibliogr. p. 421-464. Index. ISSN exact : 1155-5475.

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Penusliski, Kiril. „Le patronage ragusien de la peinture italienne de la Renaissance“. Paris, EPHE, 2013. http://www.theses.fr/2013EPHE4022.

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Le texte traite du mécénat ragusain de l’art italien de la Renaissance. Le premier chapitre présente les grandes lignes de la structure choisie et le format de cette thèse ainsi qu’une brève discussion sur les différents problèmes que j'ai rencontrés en effectuant des recherches sur le sujet choisi. Pour comprendre la nature des commandes artistiques du XVIe siècle à Raguse, il est nécessaire de poser un regard sur la situation politique et économique de Raguse, ainsi que sur les circonstances qui ont influencé le développement de la République. Le Chapitre 2, Histoire de la République de Raguse, décrit les différentes étapes de son développement. Le Chapitre 3, Art de la Renaissance à Dubrovnik, vise à présenter les oeuvres trouvées dans la ville au travers d’une enquête sur les documents d'archives. Le Chapitre 4, Peintures Italiennes en Dalmatie, souligne la présence de l'art italien sur le territoire de la Dalmatie, où il est abordé un certain nombre de détails techniques et la résistance des traditions artistiques du Quattrocento sur la rive orientale de l'Adriatique. L'examen des exemples individuels commence par les commandes passées par les diverses entités corporatives de Raguse. Le Chapitre 5, L'État de Raguse comme Mécène des Arts, est consacré au mécénat d’Etat. L'autre forme de mécénat, le parrainage des diverses confréries, est étudiée au chapitre 6 et le dernier chapitre, le Chapitre 7, Le Mécénat Privé à Raguse au XVIe Siècle, est consacré au mécénat privé. Le texte se termine par un résumé des exemples examinés et donne un aperçu du caractère des commandes ragusaines, présentant diverses conclusions tirées desdits exemples
The text deals with Ragusan patronage of Italian renaissance art. The first chapter includes an outline of the chosen structure and format of this thesis and a short discussion of the various problems I encountered while researching the chosen subject. To understand the nature of sixteenth century artistic commissions in Ragusa, a look at the Ragusan political and economic situation, as well as the circumstances that influenced the Republic’s development, is necessary. Chapter 2: History of the Ragusan Republic outlines the various stages of its development. Chapter 3 Renaissance Art in Dubrovnik seeks to present the art found in the city trough an investigation of archival material. Chapter 4: Italian Paintings in Dalmatia, outlines the presence of Italian art on the territory of Dalmatia, touching on a number of technical details and on the endurance of the Quattrocento artistic traditions on the eastern shore of the Adriatic. The investigation of the individual cases starts with commissions made by the various Ragusan corporate entities. Chapter 5: The Ragusan State as Patron of the Arts is devoted to state sponsored patronage. The other form of corporate patronage, the patronage of various confraternities, is explored in Chapter 6 and the last chapter, Chapter 7: Private Patronage in Sixteenth Century Ragusa is devoted to private patronage. The text ends with a summary of the examined cases and outlines the character of Ragusan commissions, presenting various conclusions drawn from the examined case

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Andrews, Lew. „Story and space in Renaissance art : the rebirth of continuous narrative /“. Cambridge : Cambridge university press, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37484033m.

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Lacas, Martine. „Construire la ressemblance : architectures du portrait à la Renaissance“. Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0016.

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Cette thèse procède à une redéfinition des notions d'imitation et de ressemblance à la Renaissance, à partir du portrait en tant qu'il est paradigmatique de la représentation mimétique et de l'articulation récurrente depuis l'antiquité des récits d'origine du portrait et de la peinture. Grâce à l'étude approfondie du De pictura et de ses sources aristotélicienne et rhétoriques, l'hypothèse est faite d'une constructibilité de la ressemblance. L'étude de la mimésis aristotélicienne et de la théorie albertienne de l'historia a permis d'opérer un rapprochement entre procès métaphorique et procès mimétique à partir duquel ont été posées les questions de la référence, de la vérité, de la constructibilité de la ressemblance, et inventés les concepts opératoires de leur analyse. En reconsidérant le rapport entre portrait et historia, à l'aune des principes distinctifs que sont l'action et le mouvement, ont été établies les principales modalités d'une historia-cisation de la représentation.

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Jacobsen, Werner. „Die Maler von Florenz : Zu Beginn der Renaissance /“. München : Deutscher Kunstverlag, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39948807j.

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Salm-Salm, Marie-Amélie zu. „Échanges artistiques franco-allemands et renaissance de la peinture abstraite dans les pays germaniques après 1945 /“. Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39122394p.

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Texte remanié de: Th. doct.--Hist. de l'art--Paris 4, 2002. Titre de soutenance : L'importance du milieu artistique parisien de 1945 à 1955 pour les peintres abstraits allemands, autrichiens et luxembourgeois.
Bibliogr. p. 281-314. Webliogr. p. 315-316. Index.

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Garcia, Camargo Dimo Leonardo. „Technique et imaginaire de la Renaissance nordique dans une peinture colombienne contemporaire“. Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20060.

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Cette recherche considère la réalisation d'un travail pictural colombien qui recourt à des techniques et à un imaginaire présents dans la peinture flamande du XVe siècle. Nous interrogeons une manière personnelle de peindre qui réactive des techniques de la peinture de la Renaissance nordique. Un des procédés utilisés consiste à composer des peintures au moyen d'un système de collage. L'attention portée à ce procédé de travail nous amène à développer une réflexion interdisciplinaire sur certaines manifestations de l'inconscient qui, portant une aura religieuse, s'expriment par la représentation dans l'art. Par la suite, les considérations rationnelles, poétiques et métaphysiques autour de la pratique artistique nous amènent à étudier l'epace culturel dans lequel s'insère notre démarche. Nous examinons l'inscription de notre pratique dans le temps présent et en rapport avec une culture spécifique
This research questions a Colombian pictorial work performed at the beginning of the XXI century that uses the imaginary and techniques of XV century Flemish painting. At first, a personal description of the re-enacting of Nordic Renaissance's painting techniques, using present day tools and means, is made. One of the procedures used in this historical painting practice, as well as in ours, consists of composing pictures by means of the collage system. The attention paid do this procedure leads us to develop an interdisciplinary reflection on certain manifestations of the unconscious that are expressed in artistic representations which have a religious aura. The rational, poetic, and metaphysical considerations about our own artistic practice lead us to study the cultural context in which this artistic practice is immersed. Particularly, we examine our own practice with respect to its membership to present times and in relation to a specific culture

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Baby-Pabion, Marcelle. „Ludovic Bréa : actif de 1475 à 1522 : & la peinture primitive niçoise /“. Nice : Serre, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35453503x.

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Lee, Jiyeon. „Typologie et analytique des espaces dans la peinture européenne de la Renaissance“. Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAG003/document.

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Le but de cette thèse est d’examiner comment les artistes de la Renaissance, dits humanistes, ont proposé des interprétations nouvelles de la vision du monde au moment où les découvertes récentes de la cosmologie ont lieu, et également dans quelle mesure la force suggestive des images va de pair avec les conceptions de l’univers, lequel est d’ailleurs considéré par E. Panofsky, historiquement et logiquement comme la première œuvre d’art et le prototype de toutes. C’est pourquoi il importe de reconstituer, sous l’angle d’un certain prisme spéculatif, les fluctuations de la configuration spatiale dans les peintures de la Renaissance européennes
The aim of this study is to examine how the artists of the Renaissance, known as the humanists, have proposed some news interpretations of the vision of the world when the recent discoveries oh the cosmology have happened, and equally how much the suggestive force of images go hand in hand with the conceptions of the universe, which is moreover considered by E. Panofsky, historically and logically as the primary work of art and the prototype of all. It is therefore important to reconstitute, in terms of a certain speculative prism, the fluctuations of the spatial configuration in artistic picture of the European Renaissance

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Bücher zum Thema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

Short, Anne, Hrsg. Discovering a Pre-Renaissance Master: Tommaso del Mazza. Greenville, SC: Bob Jones University Museum and Gallery, 2009.

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Suckale, Robert. La peinture du gothique. Köln: Taschen, 1999.

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Costa, Sandra. La peinture italienne du maniérisme au néoclassicisme. Paris: Presses universitaires de France, 1996.

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Fratini, Corrado, und Laura Ciferri. La Madonna di Citerna: Terracotta inedita di Donatello = The Citerna Madonna : an unpublished terracotta by Donatello. Morbio Inferiore (CH): SelectiveArt, 2004.

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(Bordeaux), Museé des beaux-arts. Peinture italienne, XVe-XIXe siècles. Paris: Editions de la Réunion des musées nationaux, 1987.

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1431-1506, Mantegna Andrea, Hrsg. Indagando Mantegna. Mantova: Centro Internazionale d'Arte e di Cultura di Palazzo Te, 2007.

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Collomb, Anne-Laure. La peinture sur pierre à la Renaissance: Splendeurs d'Italie. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2012.

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Sureda, Joan. L' art de la Renaissance: Le Quattrocento italien, la peinture flamande et son rayonnement. Paris: Larousse, 1991.

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Cuttler, Charles D. Northern painting from Pucelle to Bruegel: Fourteenth, fifteenth and sixteenth centuries. Fort Worth: Holt, Rinehart and Winston, 1991.

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Cole, Bruce. Sienese painting in the ageof the Renaissance. Bloomington: Indiana University Press, 1985.

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Mehr Quellen

Buchteile zum Thema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

Hillman, Richard. „Attribution and Tribute in Pericles“. In Intertextuality and Romance in Renaissance Drama, 106–23. London: Palgrave Macmillan UK, 1992. http://dx.doi.org/10.1007/978-1-349-22149-3_5.

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Martinet, Marie-Madeleine. „Poésie silencieuse et peinture parlante“. In Publications de la Société Internationale de Recherches Interdisciplinaires sur la Renaissance, 85–91. Turnhout: Brepols Publishers, 2015. http://dx.doi.org/10.1484/m.sirir-eb.4.00036.

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González, Abel Julio. „Legal Imputation of Radiation Harm to Radiation Exposure Situations“. In Nuclear Law, 141–59. The Hague: T.M.C. Asser Press, 2022. http://dx.doi.org/10.1007/978-94-6265-495-2_7.

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AbstractThe doctrine for legal imputation (including the derivative concepts of legal charging, suing, indicting, prosecuting and judging) of detrimental health effects to those responsible for radiation exposure situations has been a matter of debate for many years and its resolution is still unclear. While the attribution of harm in the situations involving high radiation dose is basically straightforward, the challenge arises at medium doses and becomes a real conundrum for the very common situations of exposure to low radiation doses. The ambiguous situation could be construed to be a Damocles sword for the renaissance of endeavours involving occupational and public radiation exposure. This chapter describes the epistemological situation on the attribution of radiation health effects and the inference of radiation risks, relying on estimates from the United Nations Scientific Committee on the Effects of Atomic Radiation (UNSCEAR) reported to the UN General Assembly. It discusses the implications of UNSCEAR’s refined paradigm for assigning legal liability. The chapter concludes with a recommendation to develop an international legal doctrine on the ability to impute detrimental radiation health effects.

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Zaru, Denise. „Ut rhetorica pictura: genèse et fonctions des reliefs monochromes en trompe-l'œil dans la peinture italienne de la Renaissance“. In Études Renaissantes, 69–76. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.er-eb.4.00142.

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Désirat, Dominique. „La peinture de la curiosité ou les statuts de l’image“. In Curiosité et Libido sciendi de la Renaissance aux Lumières, 516–41. ENS Éditions, 1998. http://dx.doi.org/10.4000/books.enseditions.24588.

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„The ‘Reception of the Venetian Ambassadors in Damascus’: Dating, Meaning and Attribution“. In The Renaissance and the Ottoman World, 125–38. Routledge, 2016. http://dx.doi.org/10.4324/9781315237428-15.

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„John Ford, Elegy on John Fletcher (c.1625)“. In English Renaissance Literary Criticism, herausgegeben von Brian Vickers, 541–45. Oxford University PressOxford, 2000. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780198186793.003.0032.

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Abstract John Ford (1586---c.1640) was educated at Exeter College Oxford (leaving after one year), and at the Middle Temple, like other contemporaries turning from the law to drama and poetry (Beaumont, Campion, Sir John Davies, Marston). His earliest dramatic works were in collaboration with Dekker, Webster, and Rowley, achieving independence with The Lovers’ Melancholy (1629), ‘ Tis Pity She’ s a Whore (1633), and Perkin Warbeck (1634). Through out his career Ford wrote poetry, including a number of memorial poems: both Fames Memorial! (1606) and Funeral Teares (1606) for the Duke of Devonshire; A Funeral! Elegye (1612) for William Peter (published as ‘ by WS.’ ); A Memorial!, Offered to that man of virtue, Sir Thomas Ove rburie (1616); and ‘ On the best of English Poets, Ben. Jonson, Deceased’ , in Iosonus Virbius (1638). See The Nondramatic Works of John Ford (Binghamton, NY, 1991), ed. L. E. Stock, G.D. Monsarrat, J.M. Kennedy, D. Danielson; and, for the Funeral! Elegye ascription, Brian Vickers, Counterfeiting Shakespeare: The Politics of Attribution (Cambridge University Press, forthcoming).

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Natvig, Mary. „The Magnificat Group of Antoine Busnoys: Aspects of Style and Attribution“. In Antoine Busnoys, 257–76. Oxford University PressOxford, 1999. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780198164067.003.0010.

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Abstract He singing of the canticle of the Blessed Virgin Mary, the Magnificat (see the Appendix for text and translation), constituted the high point of the Vespers liturgy in medieval and Renaissance monasteries and collegiate churches.

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Hochmann, Michel. „Pigments et colorito dans la peinture vénitienne au XVI e siècle“. In La couleur en questions, 135–44. Hermann, 2023. http://dx.doi.org/10.3917/herm.menu.2023.01.0135.

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Résumé Depuis quelques décennies, les analyses scientifiques nous permettent de mieux connaître les pigments dont les peintres du passé se sont servis. Le coloris des peintres vénitiens est, depuis la Renaissance, devenu une sorte de mythe, mais on peut aujourd’hui le considérer d’une manière différente, en essayant de comprendre quels matériaux ont permis à Véronèse, Titien ou Tintoret de construire leur supériorité dans ce domaine. De nouvelles sources ont également été exploitées : on a pu montrer en effet que Venise jouait un rôle central dans le commerce et la production des couleurs en Italie et en Europe à cette période et on a publié plusieurs inventaires de vendicolori (des marchands de couleurs) qui détaillent la nature de leur stock. En croisant ces documents avec les examens de laboratoire, on peut dégager certaines caractéristiques de la palette vénitienne au xvi e siècle.

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Woudhuysen, H. R. „The Foundations of Shakespeare’s Text“. In Proceedings of the British Academy Volume 125, 2003 Lectures. British Academy, 2005. http://dx.doi.org/10.5871/bacad/9780197263242.003.0004.

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This lecture discusses the foundations of Shakespeare's text, starting with a summary of the current views of the texts of his plays and how they should be edited. It then discusses the recent work on the attribution of plays and poems to Shakespeare. The lecture addresses some of the assumptions about the status and significance of English Renaissance play texts and the handling of certain typographic features. It also looks at the considerations of the implications of supposing that Shakespeare revised his own works. A critical account of several recent editorial views of those who advocate ‘unediting’ is also presented.

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Konferenzberichte zum Thema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

Belnakita, U. M. „Attribution of oriental carpets based on the paintings of European artists of the Renaissance and Baroque eras“. In CURRENT TRENDS IN ART AND CULTURE. Baltija Publishing, 2024. http://dx.doi.org/10.30525/978-9934-26-427-6-15.

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Peterson, Heather. „Woolen Fibers and Waxy Esters: An Expanded Material History of the Baptistry Doors of San Giovanni“. In 108th Annual Meeting Proceedings. ACSA Press, 2020. http://dx.doi.org/10.35483/acsa.am.108.70.

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On one of the longest days of 1401, the ambient temperature of the air over Florence may have been warm enough to soften wax. The hot air of the city-state, provided a befitting context for the announcement of a competition to design a set of bronze doors for the baptistry of San Giovanni; an event that is widely regarded as one of the establishing marks of the Renaissance. The sanctioned inventory of factors that pressed the aesthetic dimensions of the Quattrocento into service can be accounted for in four sheets of bronze, the demands of a quatrefoil frame measuring thirteen by seventeen inches, the old testament passage of Genesis 22:2-13, The Sacrifice of Isaac, and the constraint of one year. If we begin to imagine the milieu of the Baptistry competition, and the flow of events into and out of it, an expanded record of the doors should include the fibers of a sheep’s fleece, and the waxy ester of the honey bee, as well as the forb-covered pastures on which these species graze. For it was ultimately these two substances that the doors were staked upon. This paper will explore two distinct aspects of the ecology from which the doors emerged: first, the precursive conditions of foreign trade in wool cloth that engendered the economic mise en scène of patronage for the Baptistry project; and second, an amendment of the door’s material attribution to include beeswax—the substance from which the formal and aesthetic integrity of the project derives. These inquiries into wool and wax will serve as models, which seek to recalibrate our understanding of the conditions that form a historical instance, and to enlist structures of ecological thinking that lend agency and legibility to fields of knowledge which lie beyond the evident.

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