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Thematische Bibliographien / Parcours scéniques

Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Parcours scéniques“

Autor: Grafiati

Veröffentlicht am 22. Juni 2024

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Zeitschriftenartikel zum Thema "Parcours scéniques"

1

Cyr, Catherine. „L’expérience immersive et les intermittences de l’attention“. Tangence, Nr. 108 (30.05.2016): 77–93. http://dx.doi.org/10.7202/1036455ar.

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Depuis quelques années, au Québec comme en Europe, plusieurs artistes s’attachent à mettre en scène des parcours théâtraux où le spectateur se déplace dans l’espace, de façon plus ou moins structurée. Alors que quelques-uns privilégient une certaine restriction de la mobilité physique et proposent une avancée strictement balisée, d’autres préfèrent laisser le spectateur déambuler sans contrainte dans un lieu aux frontières mouvantes, indéterminées. Cet engagement physique du spectateur dans un espace qu’il sillonne de ses pas et partage avec des acteurs (présents ou virtuels), induit des modalités particulières de réception. À travers des exemples tirés des pièces Résonances, de Carole Nadeau, et Himmelweg, de Geneviève L. Blais, et par le biais d’une réflexion portant sur le rapport à l’espace, à l’environnement sonore et aux acteurs (projetés et présents), le présent article s’attache à questionner la relation ambiguë à la représentation développée par le spectateur plongé dans un dispositif scénique où il perçoit sa propre activité, et où persiste, aiguë, sa conscience de soi. Catherine Cyr s’intéresse en particulier aux moments « blancs » ou interstitiels qui émaillent son parcours ambulatoire. Des moments de pure présence à soi qui, lorsque par intermittence disparaissent les images ou s’éteignent les voix, abolissent le rapport à l’Autre et viennent suspendre l’attention à la représentation.

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2

Fricker, Karen. „Le goût du risque : KÀ de Robert Lepage et du Cirque du Soleil“. Le Québec à Las Vegas, Nr. 45 (25.08.2010): 45–68. http://dx.doi.org/10.7202/044274ar.

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Cet article se veut un examen critique de la première collaboration entre Robert Lepage et le Cirque du Soleil, qualifiés par Susan Bennett comme deux des « plus précieux produits (culturels) d’exportation » du Québec. KÀ, qui a débuté au MGM Grand Hotel de Las Vegas en 2005, est considéré comme la production la plus onéreuse jamais montée en Amérique du Nord. Elle constitue une tentative pour mélanger le théâtre avec quelques-unes des tropes de la performance aérienne qui ont fait la réputation du Cirque. Cet article traite de la production de KÀ dans le double parcours du Cirque et de Lepage et défend la thèse suivant laquelle ses créateurs, en dépit d’avoir formulé une proposition scénique visuellement époustouflante et techniquement innovante, n’ont sans doute pas totalement saisi les défis esthétiques que représentait l’union de leur entreprise créative respective.

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3

Do, Tess, und Darren Zhang. „Cambodge, me voici : trauma, post-mémoire et construction d’un espace culturel féminin dans le théâtre parlé de Jean-Baptiste Phou“. Quêtes littéraires, Nr. 12 (30.12.2022): 223–33. http://dx.doi.org/10.31743/ql.14880.

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Plus de quarante ans après la fin du régime Khmer rouge, le poids du génocide pèse encore sur la diaspora franco-cambodgienne. Confronté au silence des aînés qui refusent de parler du passé génocidaire, Jean-Baptiste Phou recourt au théâtre parlé khmer pour donner la parole à quatre femmes cambodgiennes et mettre en scène leur parcours. Dans cet essai nous proposons de lire Cambodge, me voici à la lumière de la post-mémoire de Marianne Hirsch. Le croisement des axes de désir des protagonistes et la création d’un espace familial, féminin et maternel nous permettront d'analyser la formation de la mémoire diasporique des femmes et les modalités de sa transmission intra- et intergénérationnelle à travers deux couples, sororal et mère-fille. Nous postulons que le choix du casting et la mise en scène des deux versions française et khmère de la pièce transforment l’espace scénique en un lieu de partage mémoriel dans lequel se révèle le rôle de réparatrice et de passeuse culturelle attribué aux femmes.

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4

Denizot, Marion. „Roger Planchon : héritier et / ou fondateur d’une tradition de théâtre populaire ?“ L’Annuaire théâtral, Nr. 49 (07.06.2012): 33–51. http://dx.doi.org/10.7202/1009301ar.

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Figure aux multiples facettes (directeur d’institution, metteur en scène, auteur, cinéaste), Roger Planchon, né en 1931 et mort en 2009, fondateur du Théâtre de la Comédie à Lyon en 1952, directeur du Théâtre de la Cité en 1957 et du Théâtre National Populaire de Villeurbanne entre 1972 et 2002, incarne les tensions propres à l’histoire du théâtre public français, entre ambition artistique et volonté de popularisation. L’artiste a revendiqué trois filiations : avec le mouvement de la décentralisation dramatique qui naît après la Seconde Guerre mondiale, avec Jean Vilar, directeur du Théâtre National Populaire de 1951 à 1963, et avec Bertolt Brecht, qui fait figure d’homme de théâtre complet. Cet article se propose d’analyser ces filiations, pour tenter d’en déterminer le caractère opératoire. Il apparaît alors que le fil conducteur qui sous-tend le parcours de Roger Planchon tient dans l’obsession de l’artiste de forger une « écriture scénique » personnelle et autonome, qui le conduit en 1968 à revendiquer « le pouvoir aux créateurs » ; Roger Planchon contribuerait, en cela, à forger une nouvelle dimension du théâtre public, centrée autour de la figure du metteur en scène-créateur.

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5

Guinebault-Szlamowicz, Chantal. „Fondements de la scénographie moderne : étymologie, histoire et esthétique“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, Nr. 1 (2010): 23–36. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.887.

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Parler de scénographie, induit de parler de scène et donc faire référence au modèle scénique de l’espace dont le caractère serait d’être profondément unitaire (cf. J. Aumont, in L’Image, Nathan Université). L’élaboration sur plusieurs siècles (XVe-XIXe), du modèle italien de la scène théâtrale, montre comment l’application de la perspective dans le domaine du spectacle, met en jeu une corrélation technique-esthétique qui donne à la scénographie ses premiers enjeux en tant que dispositif. Une scène n’est pas un espace ordinaire, c’est pourquoi le travail du scénographe consiste avant tout à définir “la scène”, c’est-à-dire à définir les limites de la représentation. Ces limites – autrement dit ce cadre – peuvent être poreuses ou souples, et l’au-delà (coulisses voire même espace spectatoriel) contaminés par la représentation, mais pour cela il doit exister et le parti pris doit être volontaire. Pour qu’il y ait jeu avec le hors-scène, encore faut-il qu’il y ait “scène” ! (cf. Louis Marin sur Pollock et le dripping, in De La Représentation : au départ, il faut bien qu’il y ait la toile !) Une scène est également un espace unitaire parce que c’est un espace qui montre et qui démontre, d’où le lien depuis l’Antiquité avec la dramaturgie retrouvée aujourd’hui sous d’autres appellations : scénario, parcours, direction, etc., à condition de rappeler son étymologie, “drama” : action.

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6

CYR, CATHERINE. „MOUVANCES IDENTITAIRES ET INFLEXIONS CORPORELLES DE LA PAROLE DANS YUKONSTYLE DE SARAH BERTHIAUME ET NACRE C DE DOMINICK PARENTEAU-LEBEUF“. Dossier 43, Nr. 1 (05.02.2018): 79–92. http://dx.doi.org/10.7202/1043152ar.

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« Le corps est le bougé de l’âme », écrit le philosophe Jean-Luc Nancy dans ses 58 indices sur le corps et Extension de l’âme. Au théâtre, cette mouvance d’une intériorité qui affleure sur le corps trouve sur la scène, dans le jeu et la présence de l’acteur, sa pleine incarnation. Or, en amont de celle-ci préexiste souvent au corps de chair un corps de papier. En effet, entre les pages du texte dramatique que préoccupe la corporéité y a-t-il souvent un « déjà-là » du corps qui s’énonce. Tissé de mots, ce corps est à la fois tout entier tendu vers la scène et indépendant de toute actualisation scénique (dont il pourra, néanmoins, se révéler un ressort important). Porteur de différents discours — souvent noués à la question de l’identité —, le corps qui se déploie sur la page se donne à lire à travers différentes poétiques d’énonciation qui, peu à peu, en tracent les contours. Cet article analyse les rapports qui se nouent entre ces poétiques énonciatives et les imaginaires du corps rencontrés dans les pièces Yukonstyle, de Sarah Berthiaume, et Nacre C, de Dominick Parenteau-Lebeuf. Il s’agit d’étudier la dynamique établie entre l’imaginaire corporel et l’énonciation, et de voir comment, par le biais de poétiques énonciatives différentes — mécanique dissociative et narrativité mobile chez Sarah Berthiaume, abolition du « Je » énonciatif chez Parenteau-Lebeuf —, chaque pièce propose, à travers la trajectoire de la parole, un parcours extatique, soit une échappée hors de soi, et parfois hors du monde. Cyr observe comment cette parole, dissociée, inassignable ou fractionnée, rend compte d’un corps désinvesti, provisoirement ou définitivement étranger à lui-même.

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7

Boissel-Cormier, Nancy. „De l'espace scénique au mouvement : le symbole du maṇḍala sur la scène contemporaine en Inde au Tamil Nadu“. Déméter, Nr. 7 | Hiver (01.12.2021). http://dx.doi.org/10.54563/demeter.458.

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Au Tamil Nadu, le maṇḍala est visible devant chaque porte, sur tous les lieux sacrés, mais aussi dans les œuvres plastiques, le spectacle vivant et les médias, et ses fonctions sont esthétiques, rituelles, religieuses et/ou magiques. À partir des années 80, et dans un pays qui a été colonisé pendant deux siècles, la danse contemporaine entre en résistance esthétique contre les nouveaux codes du bharata-nāṭyam tout en défiant l’influence de l’Ouest. Les chorégraphes, dont le questionnement est à la fois politique et esthétique, puisent dans la mythologie indienne et les symboles pour affirmer leurs racines. Elles transportent les symboles sur la scène, initiant ainsi une corrélation entre cette « reconquête » identitaire postcoloniale à une reconversion du sacré. Dans cet article, des études de cas précises mettent en évidence les différentes formes sous lesquelles le symbole du maṇḍala apparaît sur la scène contemporaine de Chennai : qu'il soit visible sur le proscenium ou un dessin éphémère que le parcours des danseurs trace sur le sol. Il peut également être incarné par des postures et/ou une séquence de mouvements. Les sources proviennent en partie d'une étude ethnologique de terrain menée au Tamil Nadu de 2010 à 2016.

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Dissertationen zum Thema "Parcours scéniques"

1

Lauraire, Héloïse. „Parcours scéniques : un genre de dispositif esthétique spécifique dans l'art contemporain occidental des années 2005-2012 : étude d’une sélection d’œuvres de Christoph Büchel, Mike Nelson, Jonah Freeman & Justin Lowe“. Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080034.

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Entre le début des années 2000 et celui des années 2010, quatre artistes contemporains occidentaux Christoph Büchel, Mike Nelson, Jonah Freeman et Justin Lowe construisent en Europe et aux États-Unis de gigantesques et énigmatiques installations multi-pièces. Notre hypothèse initiale était qu’il existait des relations entre les super-productions labyrinthiques de ces artistes, tant du côté de leurs conceptions que de celui de leurs réceptions. Notre étude s’attache à décrire et analyser les spécificités (construction, accueil du public, thèmes et références …) et les enjeux (exploration, élaboration d’un récit, mise en danger et prise de risques du spectateur…) des expériences esthétiques offertes par ces dispositifs aujourd’hui invisibles. La réunion et le dépouillement d’archives inédites concernant dix de ces œuvres et leurs génétiques ainsi qu’une enquête de terrain menée auprès de leurs spectateurs nous ont permis de reconstituer des images mentales de ces œuvres. Les plans et les ekphraseis, récits fictionnels illustrés, que nous présentons dans cette thèse témoignent des dimensions spatiales et temporelles de ces parcours scéniques et mettent au jour un ensemble de mises en scène, matériaux, thématiques analogues. Prenant pour objet les stratégies scénographiques des artistes et les ressentis des spectateurs, notre analyse nous conduit à envisager ces œuvres comme des installations émotionnelles et comme des narrations environnementales dystopiques. La traversée de celles-ci, tel un voyage initiatique, permet à chaque spectateur de déployer son imagination et de se ressaisir comme individu et sujet-agissant
Between the early 2000s and the early 2010s, four contemporary Western artists Christoph Büchel, Mike Nelson, Jonah Freeman and Justin Lowe built gigantic and enigmatic multi-room installations in Europe and the United States. Our initial hypothesis was that there were relationships between the labyrinthine super-productions of these artists, both in terms of their conceptions and their receptions.Our study describes and analyzes the specificities (construction, visitors reception, themes and references ...) and the issues (exploration, elaboration of a story, visitors’ endangerment and risk-taking...) of the aesthetic experiences offered by these works of art, nowadays invisible. The gathering and assessment of unpublished archives concerning ten of these artistic devices and their geneses as well as a field survey carried out among their spectators have enabled us to reconstruct mental images of these works. The plans and ekphrases, illustrated fictions, presented in this thesis reveal the spatial and temporal dimensions of these aesthetic walkthroughs and bring to light a set of similar set ups, materials, and themes. Based upon the scenographic strategies of the artists and the feelings of the spectators, our analysis leads us to consider these works as emotional installations and as dystopian narrative spaces. Walking across these, as if journeying through a voyage of initiation, sparks the spectator’s imagination and makes him fully conscious of his individuality and ability to take action

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2

Jean, Anne-Marie. „Léon et le vent du diable : adaptation dramatique ; suivi de Réflexion sur un parcours de création : de l'adaptation dramatique de C'est pas moi, je le jure! à la représentation scénique de Léon et le vent du diable“. Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23942/23942.pdf.

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3

„Léon et le vent du diable Adaptation dramatique Suivi de Réflexion sur un parcours de création : de l'adaptation dramatique de C'est pas moi, je le jure ! à la représentation scénique de Léon et le vent du diable“. Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23942/23942.pdf.

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Bücher zum Thema "Parcours scéniques"

1

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Sciences de l'activité physique pse4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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2

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Technologie de l'information en affaires btx4e cours préemploi. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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3

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Études informatiques ics4m cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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4

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Mathématiques de la technologie au collège mct4c cours précollégial. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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5

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Sciences snc4m cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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6

Ontario. Esquisse de cours 12e année: English eae4e cours préemploi. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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7

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Le Canada et le monde: une analyse géographique cgw4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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8

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Environnement et gestion des ressources cgr4e cours préemploi. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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9

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Histoire de l'Occident et du monde chy4c cours précollégial. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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10

Ontario. Esquisse de cours 12e année: Géographie mondiale: le milieu humain cgu4u cours préuniversitaire. Vanier, Ont: CFORP, 2002.

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