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Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Musique spatiale“
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Zeitschriftenartikel zum Thema "Musique spatiale"
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Bouscant, Liouba. „L’« Union sacrée » esthétique dans La Musique pendant la guerre. Trêve des débats pour la refondation du projet national“. Revue musicale OICRM 4, Nr. 2 (08.02.2018): 58–74. http://dx.doi.org/10.7202/1043220ar.
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La notion d’« Union sacrée » contre l’Allemagne invoquée par le président français Raymond Poincaré, le 4 août 1914, rejaillit sur l’art, car la guerre est également menée sur le front culturel. La revue La Musique pendant la guerre, dont le rédacteur en chef est le musicien Francis Casadesus, est très proche du gouvernement, et, plus précisément, bénéficie de la protection du responsable de la propagande culturelle de guerre, Albert Dalimier, très investi dans l’aide aux musiciens. Le mot d’ordre de La Musique pendant la guerre pourrait s’énoncer en ces termes : la musique patriote. Le projet esthétique de la revue, consacrée au « mouvement de l’art musical », est incontestablement français et unificateur. En effet, la mission endossée consiste à se focaliser sur le mouvement de l’art musical français, à endiguer l’interruption de la vie musicale française et de l’art en temps de guerre et à accélérer la revalorisation à plus grande échelle temporelle et spatiale de la musique française. Nous montrerons dans cet article que le patriotisme musical offensif dicté par les circonstances est en réalité lié à une conception nationaliste plus anciennement ancrée. Clairement argumenté, il est doté d’un programme d’action. Tout d’abord, nous verrons que celui-ci s’emploie à redonner à la musique française, à l’occasion de la guerre, ses droits de promotion et de diffusion considérés comme bafoués depuis 40 ans. Il s’agit d’un discours collectif à teneur structurelle et non pas uniquement d’une revendication conjoncturelle et isolée qui émanerait d’une minorité de l’Action française maurrassienne. Deuxièmement, ce programme s’engage à maintenir cet état après le conflit et pose les jalons d’un débat esthétique de l’après-guerre.
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Barthel-Calvet, Anne-Sylvie. „De l’ubiquité poïétique dans l’oeuvre de Iannis Xenakis — Espace, Temps, Musique, Architecture“. Articles 29, Nr. 2 (23.11.2010): 9–51. http://dx.doi.org/10.7202/1000038ar.
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Dans les deux domaines de l’activité créatrice de Iannis Xenakis que sont la musique et l’architecture, on peut constater parfois la présence de principes identiques. Se pose alors la question de la nature des liens entre les deux champs : s’agit-il d’une pure ubiquité poïétique ou bien plutôt du transfert d’un concept propre à l’un des domaines vers un autre auquel il est extrinsèque et donc facteur d’innovation ? L’étude des rapports entre les deux oeuvres contemporaines que sont Metastasis et le Couvent de la Tourette permet d’y dégager deux principes y apparaissant de manière ubiquitaire : l’utilisation de permutations et l’élaboration d’un système d’organisation proportionnelle des durées et des dimensions spatiales. En revanche, les glissandi de Metastasis et les paraboloïdes hyperboliques du Pavillon Philips qui témoignent de l’intérêt de Xenakis pour les phénomènes de continuité, répondent à un principe de transfert qui induit des écarts perceptuels non négligeables d’un domaine à l’autre. Ultérieurement, Xenakis en viendra à travailler conjointement dans les dimensions spatiale et temporelle avec la « cinématique sonore » qu’il développa à la fois dans sa production électroacoustique et instrumentale des années soixante et soixante-dix. Dans Persephassa et Windungen qui en constituent des exemples emblématiques, la vitesse de déplacement du son dans l’espace apparaît comme un nouveau paramètre compositionnel.
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Sevin, Jean-Christophe. „Modes d’affiliations versus dynamique des scènes. Le cas de la musique techno en France“. Cahiers de recherche sociologique, Nr. 57 (24.02.2016): 79–95. http://dx.doi.org/10.7202/1035276ar.
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A partir du cas de la techno, ce texte analyse la trajectoire des notions de subculture et de tribu dans leurs appropriations contrastées entre tradition française et anglo-saxonne. Il se démarque ensuite du débat entre affiliation « néotribaliste » ou « subculturelle » pour envisager comment les acteurs et pratiques font exister une scène locale en tant que monde social. Les modes de constitution des scènes sont analysés en rapport avec les configurations locales dans leurs dimensions spatiale, socio-culturelle et politique. L’accent est mis sur l’approche dynamique, les scènes locales étant susceptibles d’évoluer, de se structurer ou de se déstructurer. Leur stabilité dépend des modes de coordination et des conventions qui encadrent et régulent les activités.
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Harley, Maria. „Musique, espace et spatialisation“. Espace Xenakis 5, Nr. 2 (05.02.2010): 9–20. http://dx.doi.org/10.7202/902104ar.
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Cet entretien présente les idées principales de Xenakis sur plusieurs sujets directement reliés au concept de « musique et espace » : la place que tient l’espace dans la musique, les dimensions spatiales sonores, la spatialisation des hauteurs et formes musicales, le mouvement des sons, les mouvements des interpètes et de l’auditoire, l’influence du phénomène acoustique sur l’interprétation, la fonction d’imaginaire spatial en musique, les éléments spatiaux de Pithoprakta, Terretektorh, Nomos Gamma, Alax, etc. Ces préoccupations sont directement reliées aux recherches doctorales effectuées par Maria Harley à propos des idées d’espace et de spatialisation en musique contemporaine.
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STEVENS, BLAKE. „Transpositions of Spectacle and Time: The Entr'acte in theTragédie en musique“. Eighteenth Century Music 11, Nr. 1 (03.02.2014): 11–29. http://dx.doi.org/10.1017/s1478570613000353.
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ABSTRACTThe entr'acte in thetragédie en musiqueis the site of compelling yet often overlooked musical and dramaturgical activity. The term refers to both spatial and musical categories: the space between acts in which rapid and potentially astonishing set changes occur and the instrumental music that accompanies these transformations. Practices in French classical tragedy established a precedent for opera; largely observing the ‘unity of place’ after 1640, spoken tragedy included brief instrumental interludes between acts while the stage remained unoccupied. These intervals punctuated the action and created suspensions in mimesis, allowing off-stage events to occur in unfixed temporal and spatial dimensions. Characterized by Mikhail Bakhtin as a ‘chronotope’ of theatrical time and space, the entr'acte exposes foundational issues concerning representation in opera and drama, including questions of illusion and the status of fictional actions and worlds. This article examines the role played by the spectator's reflection and rumination during operatic entr'actes and the use of narrative reference to shape the awareness of unseen actions presumed to transpire within them. These modes of representation and spectatorship are illustrated by Simon-Joseph Pellegrin'slivretsforJephté(1732) andHippolyte et Aricie(1733). Parodies ofHippolyte et Ariciefurther demonstrate that the possibilities of unseen action had a vital effect on the reception of thetragédie en musique.
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Lelong, Guy. „Musique in situ1“. Circuit 17, Nr. 3 (28.02.2008): 11–20. http://dx.doi.org/10.7202/017585ar.
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Résumé Avec la notion d’in situ, telle que Daniel Buren l’a conceptualisée dans le domaine des arts plastiques, le lieu d’accueil d’une oeuvre est intégré à l’oeuvre elle-même qui, de ce fait, excède le cadre censé la détenir. Ici importée au domaine sonore, cette problématique permet de montrer que de nombreux compositeurs contemporains ont élargi les limites que le concert traditionnel impose au champ musical. Cet élargissement peut s’appuyer sur la durée de cette manifestation, les caractéristiques spatiales des salles, l’image produite par tout geste musical, voire les éléments sonores du contexte lui-même. Sont ainsi répertoriées les différentes modalités de la musique in situ, sur l’exemple d’oeuvres de Stockhausen, John Cage, Gérard Grisey ou Marc-André Dalbavie.
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Vidal, Jean-Pierre. „La jeune fille est la mort ou les trois temps d’une séduction“. Articles 20, Nr. 2 (09.07.2008): 26–31. http://dx.doi.org/10.7202/018330ar.
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Résumé La musique est aussi un art de l’espace, elle spatialise les sons, elle rythme l’insertion de l’homme dans son paysage physique et mental dont la mort est la borne et peut-être le sens. Dans le rapport triangulaire qui s’institue d’Orphée à Eurydice sur la scène en forme de tribunal occupée par Hadès, c’est la musique, fût-elle strictement verbale, qui déploie sa séduction, à la fois comme un piège mortel et comme son échappatoire.
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Jaccard, Jean-Philippe. „Велемир i -поэт становлянин“. Modernités Russes 8, Nr. 1 (2009): 437–48. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1481.
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Parmi les termes qui ont été introduits à l’époque des avant-gardes, il en est un qui a eu une fortune mitigée. Il s’agit du néologisme stanovljanstvo (devenirisme), introduit par Aleksandr Tufanov (1877-1941 ?), le principal propagandiste d’une zaum’ radicale et véritable organisateur des zaumniki dans les années vingt. Après la mort de Hlebnikov, Tufanov se profile comme le successeur de celui-ci dans la fonction de «Président du Globe Terrestre de la Zaum’ », et il lui consacre plusieurs articles. Si certains d’entre eux étaient connus (Uškujniki, 1991), la publication à venir par T. Dvnijatina d’inédits (conservés à l’Institut de littérature russe - IRLI - Puškinskij dom) permet aujourd’hui de porter un regard un peu différent sur le lien qui unit les deux poètes. Dans ces articles du début des années vingt, nous rencontrons régulièrement le concept de devenirien, que Tufanov oppose à celui de futurien. Contrairement à ce qu’on a pu penser, Tufanov rejette l’appellation de futurien comme étant trop limitative. Pour lui, ne considérer que le futur dans une démarche poétique revient à renoncer à accéder à une vision totalisante de la temporalité et, partant, à l’idée que la mort puisse être surmontée, ce qui faisait partie du projet des avant-gardes. Sous l'influence de Bergson, Tufanov réfute l’idée de temps comme durée et, par conséquent, les notions elles-mêmes de futur ou de passé, au profit de celle de «merveilleuse simultanéité», qu’il convient de mettre en rapport avec celle de fluidité, principe d’une poétique capable d’appréhender la vie dans son flux éternel et dans son éternelle renaissance. Pour Tufanov, les futuriens sont dans la catégorie de ceux qui ont une perception spatiale du temps, alors que le vrai poète est celui «qui devient», et c’était le cas de Hlebnikov, notamment dans son travail de sémantisation des phonèmes consonantiques. C’est ce travail que Tufanov, qui ne connaissait pas l’ensemble des travaux de Hlebnikov dans ce domaine, dit poursuivre à cette époque. L’analyse de ces articles montre donc que la zaum’ est, pour lui, synonyme de stanovljanstvo, et que les deux termes entrent dans le même paradigme que le «sans image», le «sans objet», le «lyrisme immédiat», la «musique phonique» (bezôbraznost’, bespredmetnost’, neposredstvennyj lirizm, foničeskaja muzyka) etc. Ce sont là autant de moyens de détruire l’univers conçu dans l’espace et de le recréer dans le temps infini du «Gouvernement du Temps» (synonyme de Zaumie), accessible à l’être précisément grâce à la zaum'. Ces éléments tendent à montrer que Tufanov comptait bien implanter durablement la zaum’, autrement dit le stanovljanstvo de type khlebnikovien, de manière durable, et même comme forme poétique définitive et unique. Cela nous permet de prendre beaucoup plus au sérieux ses tentatives d’organiser les jeunes poètes de Leningrad au milieu des années vingt (notamment les futurs Oberiuty) et nous incite à ne pas sous-estimer l'influence de Hlebnikov dans l'étude des textes de jeunesse de ceux-ci.
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Carpentier, Thibaut, Natasha Barrett, Rama Gottfried und Markus Noisternig. „Holophonic Sound in IRCAM's Concert Hall: Technological and Aesthetic Practices“. Computer Music Journal 40, Nr. 4 (Dezember 2016): 14–34. http://dx.doi.org/10.1162/comj_a_00383.
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This article presents a report on technological and aesthetic practices in the variable-acoustics performance hall, Espace de Projection, at the Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique. The hall is surrounded by a 350-loudspeaker array for sound-field reproduction using holophonic approaches such as wave-field synthesis and higher-order Ambisonics. First we present the design and implementation of the audio system and discuss the challenges of both hardware and software architectures. This is followed by a discussion of spatial composition techniques, aesthetic approaches, and methodologies for composing computer music for high-density loudspeaker arrays, explored through the paradigmatic examples of pieces produced by two artist-in-research residencies.
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Lheureux-Davidse, Chantal. „Traces de mouvement et constitution de l’espace“. Enfances & Psy N° 98, Nr. 4 (07.12.2023): 65–77. http://dx.doi.org/10.3917/ep.098.0065.
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La notion d’espace se constitue et se mémorise dans le lien à l’autre, zone par zone, au cours des grandes étapes du développement psychomoteur dans des expériences synchrones. Elle est plus difficile à acquérir chez les enfants autistes qui sont souvent dans l’évitement du lien en direct qui ne leur permet pas d’évaluer les distances et la profondeur de l’espace. Ils sont ainsi soumis à des angoisses spatiales et sont en quête de verticalité et de contenance à travers des mouvements vestibulaires et des stéréotypies qui constituent des traces de mouvement à l’origine de formes dans l’espace. Les bénéfices de ces mouvements restent éphémères tant qu’ils ne sont pas partagés. Dans un cadre thérapeutique, la danse et la musique facilitent les traversées et la constitution de l’espace, dans une synchronie des liens.
Dissertationen zum Thema "Musique spatiale"
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Crawshaw, Alexis Story. „La musique électro-Somesthésique : approches spatiales, théorisation et expérimentations créatives“. Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080074.
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Ce travail de recherche propose l’idée d’une musique électro-somesthésique (MES). Nous la définissons en tant qu'une musique informatique qui cible la somesthésie dans des perspectives artistiques et musicales. La MES engage les sens somatiques non-cochléaires sensibles aux ondes mécaniques. Nous proposons que l’expérience somesthésique de l’espace est qualitativement distincte des autres sens. Ces sensations opèrent en haute précision dans notre espace intime : à travers notre seuil corporel et voire à l’intérieur de nous-même. Ces subtilités offrent un terrain novateur artistique à explorer. Toutefois, les considérations spatiales potentielles sont complexes et peuvent prêter à confusion. Ainsi, pour mieux apprécier leurs relations et expérimenter des idées compositionnelles, nous avançons des considérations théoriques avec quelques preuves de concept techniques et artistiques. Dans la première partie, nous abordons l’espace conceptuel de l’expression spatiale MES : les relations spatiales parmi les niveaux du percepteur, du contenu et de l’environnement. Dans la seconde partie, nous élaborons les possibilités matricielles du rendu spatial en informatique : trois paradigmes principaux de la manipulation spatiale—la physique (par l’acoustique), le virtuel (par l’informatique), le perceptuel (par des illusions d’espace pas apparentes)—qui passent par deux optiques : où des événements sonores sont relatifs au niveau du corps (égocentrée) ou où ils sont relatifs à l’environnement externe au corps (allocentrée). Ensemble, ces cas théoriques constituent un espace créateur prometteur et les expérimentations pratiques explorent des chemins pour ses investigations futuresThis work of research proposes the idea of electro-somaesthetic music (ESM). We define it as a computer music that targets somatosensation for artistic and musical ends. ESM engages the non-cochlear somatic senses sensitive to mechanical waves. We propose that the somatosensory experience of space is qualitatively distinct from other senses. These sensations operate at high resolution within our intimate space: across our bodily threshold and even within the interior space of our bodies. These subtleties offer a novel artistic terrain for exploration. However, its potential spatial considerations are complex, and these can lend themselves to confusion. As such, to better appreciate their relationships and experiment with compositional ideas, we advance some theoretical considerations with several technical and artistic proofs of concept. In the first part, we address the conceptual space of ESM spatial expression. We examine the relationships among the levels of the perceiver, the content, and the environment. In the second part, we elaborate upon the matrix of possibilities regarding computational spatial rendering: three principal paradigms of spatial manipulation—physical (via acoustics), virtual (via computation), perceptual (via non-evident spatial illusions)—that transpire through two lenses: where sonic events are relative to the level of the body (egocentric) or where they are relative to the environment external to the body (allocentric). Together, these theoretical cells form a promising creative space and our practical experimentations explore paths forward toward future investigations
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Iliescu, Mihu Coriola. „Musical et extramusical : éléments de pensée spatiale dans l'oeuvre de Iannis Xenakis“. Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010627.
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Un aspect important de l'originalité de Xenakis réside dans sa manière de concevoir la musique en tant qu'espace, en tant que structure hors-temps se rapportant à une méta-musique. La pensée grecque, d'un cote, et certaines formules et hypothèses scientifiques modernes, d'un autre côté, lui fournissent les fondements théoriques d'un concept d'espace musical à multiples facettes. À travers celles-ci s'expriment plusieurs personnages : le mathématicien qui géométrise et l'architecte qui dessine, le philosophe et le combattant, le demiurge et l'artisan. Le compositeur Xenakis, créateur de morphologies sonores comme les glissandi, les masses et les arborescences, réunit toutes ces figures, tout en les dépassant, car la musique lui permet de saisir une vérité inaccessible à toute méta-musiqueOne important aspect of Xenakis's originality lies in his manner of conceiving music as space, as an outside-of-time structure referring to a metamusic. Ancient greek thinking, on the one hand, and modern scientific formulae and hypotheses, on the other hand, provide him the theoretical basis to a multifaceted concept of musical space. Different personae express themselves through it : the mathematician who geometrizes and the architect who draws, the philosopher and the fighter, the demiurge and the artisan. Xenakis the composer, inventor of sonic morphologies like the glissandi, the sound-masses and the arborescences, sums up these figures but also surpass them as he reaches through his music a verity unattainable by any metamusic
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Meric, Renaud. „L' appréhension spatiale de l'écoute : un mouvement entre imagination et perception. L'exemple de la musique électroacoustique“. Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30063.
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La notion d’espace est devenue cruciale dans la musique au XXe siècle et plus particulièrement dans la musique électroacoustique. En prenant en compte l’idée d’appréhension de l’écoute, nous voulons retrouver un lien entre le corps, l’espace, l’écoute et le son : nous nous appuyons ici en particulier sur l’idée de « chair », développée par le philosophe Maurice Merleau-Ponty dans ses derniers ouvrages et sur la notion d’« énaction » introduite par le neurobiologiste Francisco J. Varela. L’écoute peut être ainsi définie à la fois comme le geste de saisie et ce qui est saisi (les sons) : l’espace appréhendé devient alors un mouvement complexe où s’entrelacent et se confondent les gestes de saisie et les mouvements propres au son. Le son, appréhendé dans l’espace, peut être ainsi considéré comme un phénomène mouvant, éphémère et complexe, sans cesse situé entre imagination et perception. Les musiques électroacoustiques et informatiques, en corrélation avec leurs recherches sur l’espace sonore, ont favorisé cet aspect évanescent du son. Pour montrer cela, nous terminons notre thèse en analysant les œuvres électroacoustiques de compositeurs qui ont accordé, chacun à leur manière, une place importante à l’espace sonore : Concret PH de Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage de François Bayle, Gymel de Horacio Vaggione et Audible ecosystemics 3a, background noise study d’Agostino Di ScipioThe notion of space became crucial in the music of the 20th century and more specifically in the electroacoustic music. By taking account of the idea of grasp of listening, we want to find a link between body, space, listening and sound: we are here based in particular on the idea of “flesh”, developed by the philosopher Maurice Merleau-Ponty in his last works and on the concept of “enaction” introduced by the neurobiologist Francisco J. Varela. In this way, the listening can be defined as the grasp gesture as well as what is grasped (sounds): then, the grasped space becomes a complex movement where the grasp gestures and the movements peculiar to the sound interweave and merge themselves. The sound, grasped in space, can be thus considered as a moving, ephemeral and complex phenomenon, constantly set between imagination and perception. The electroacoustic and computer musics, in correlation with their researches on sound space, have nurtured this evanescent aspect of sound. To illustrate that, we finish our thesis by analyzing the composers’ electroacoustic music works who, each one in his own way, has attached an importance to sound space: Concret PH by Iannis Xenakis, Paysage, personnage, nuage by François Bayle, Gymel by Horacio Vaggione and Audible ecosystemics 3a, background noise study by Agostino Di Scipio
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Guilbert, Alma. „Evaluation et prise en charge du syndrome de négligence spatiale unilatérale : apports de la modalité auditive et de la musique“. Thesis, Lille 3, 2016. http://www.theses.fr/2016LIL30033/document.
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L'objectif de cette thèse était d'étudier la modalité auditive dans le syndrome de négligence spatiale unilatérale (NSU) que ce soit dans l'évaluation ou dans la prise en charge. Notre première hypothèse défendue était que, bien que la NSU touche aussi la modalité auditive, des différences dues aux spécificités de chaque modalité existent entre les symptômes auditifs et visuels de ce syndrome neuropsychologique. En conséquence, notre seconde hypothèse était que les spécificités propres à la modalité auditive pourraient permettre de pallier les déficits attentionnels rencontrés en modalité visuelle et, donc, faire de cette modalité un support efficace pour la rééducation. Concernant l'évaluation des symptômes auditifs, les mécanismes d'orientation de l'attention en modalité auditive ainsi que la latéralisation de sons ont été explorés chez des patients atteints de NSU. Ces études ont souligné des difficultés dans les deux domaines dans la NSU. Concernant la réhabilitation, la place de l'audition, et plus particulièrement de la musique, dans les rééducations proposées aux patients atteints de NSU a été explorée. Enfin, un programme de rééducation basé sur la pratique musicale a été créé et testé auprès d'une patiente atteinte de NSU chronique. Celui-ci a montré des bénéfices à long-terme sur les signes visuels de la NSU mais également dans la vie quotidienne. Les résultats de ces études vont dans le sens des hypothèses et soulignent l'importance de prendre en compte la modalité auditive dans la pratique clinique que ce soit lors de l'évaluation du syndrome de NSU ou lors de sa réhabilitationThe aim of this thesis was to focus on hearing in the evaluation and the rehabilitation of unilateral spatial neglect (USN) syndrome. USN not only affects the visual, but also the auditory modality. The first hypothesis of this thesis was that, due to the specificities of each modality, differences exist between the auditory and visual symptoms of USN. Consequently, the second hypothesis was that the specificities of the auditory modality could permit to compensate the attentional deficits that occur in the visual modality and, thus, make this modality an efficient tool for the rehabilitation. Concerning the evaluation of the auditory symptoms, orienting attention mechanisms in the auditory modality as well as sound lateralisation were explored with patients with USN. These studies showed patients with USN to have difficulties in both. Concerning the rehabilitation, the place of hearing, and in particular of music, in the re-educations in patients with USN was explored. Finally, a program based on music practice was developed and tested with a patient with a chronic USN. This patient showed long-term benefits on USN visual signs and also on daily activities. The results of these studies are consistent with the hypotheses and underline the importance of considering hearing in clinical practice either for the USN evaluation or for its rehabilitation
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Pires, Isabel Maria Antunes. „La notion d'espace dans la création musicale : idées, concepts et attributions : une réflexion à propos d'"espaces" intentionnellement perçus ou composés de l'"entité sonore"“. Paris 8, 2007. http://octaviana.fr/document/133290859#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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Notre étude présente une réflexion à propos de espaces musicaux composables. Cette réflexion inclue l'usage intentionnel des qualités sonores perçues dans la construction de sons et donc dans la composition musicale. Nos recherches se trouvent à l'intersection entre le son, comme phénomène physique qui se propage dans un espace, les sensations spatiales qui peuvent être engendrées par la perception auditive de certaines caractéristiques du son, et la pratique de la composition musicale d'espaces de sons dans les œuvres. Nous développons l'idée d'une entité sonore composable dès sa microstructure. Nous la concevons par analogie avec les objets du monde visible et palpable. Nous utilisons les idées de volume, forme et matière ainsi que celles de position et de mouvement des objets matériels, comme métaphore pour concevoir des entités sonores et des espaces musicaux composés dans lesquels elles seront intégrées. Cette entité sonore constituée d'un ensemble d'éléments disparates, permet le développement de réseaux opératoires manipulables dans la pratique par les compositeursOur research presents some ideas about composing musical spaces. This study includes the intentional use of the perceived sound qualities in sound construction, and, by the consequence, in musical composition. Our research is in the intersection between the sound as a physical phenomenon, the spatial sensations created by the auditory perception of some sound proprieties, and the musical composition of sound spaces. We develop the idea of a sound entity that we can compose from its microstructure to the macrostructure. We conceive it by means of an analogical thinking about the tangible world objects and the auditory sound sensations. We consider the ideas of volume, form and matter, positions and movements of the material objects. We used these ideas as metaphor to conceive sound entities integrated into and musical composed spaces. The conception of the sound entity as a group of heteroclite elements ; il make possible the conception of operational networks. The composer can use these networks for sound manipulations in his compositional work
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Pires, Isabel Maria Antunes Vaggione Horacio. „La notion d'espace dans la création musicale“. Saint-Denis : Université de Paris 8, 2009. http://www.bu.univ-paris8.fr/web/collections/theses/AntunesPiresThese.pdf.
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Goré, Olivier. „L'inscription territoriale de la musique traditionnelle en Bretagne“. Phd thesis, Université Rennes 2, 2004. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00008987.
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Parmi les multiples formes de territorialité issues de la confrontation entre la mobilité et la sédentarité des acteurs, la territorialité régionale est une des plus complexes. Principal vecteur de la territorialité bretonne, la pratique actuelle de la musique traditionnelle n'agit pas que sur la construction symbolique de la Bretagne. Les pratiques vocales et instrumentales plus ou moins empreintes de tradition s'inscrivent également dans la réalité quotidienne des rapports sociaux. Perceptible à l'échelle de la localité, cette emprise socio-spatiale de la musique traditionnelle s'exerce également au niveau régional. Cette approche géographique de la musique bretonne, en mettant en valeur les interactions entre culture et territoire et en soulignant la double fonction identitaire et patrimoniale de la notion de culture, précise cette dimension spatiale multiscalaire des diverses formes d'expression musicale qui revendiquent plus ou moins un caractère breton. Cette dimension spatiale est analysée à travers la répartition des principaux lieux de diffusion – fest-noz, concours, fête et festival d'arts et de traditions populaires – mais aussi à travers les pratiques et les représentations des acteurs du système musical traditionnel – musiciens, public, comité d'organisation. Autant d'éléments qui contribuent à la territorialisation de la musique traditionnelle en Bretagne.
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Colafrancesco, Julien. „Spatialisation de sources auditives étendues : applications musicales avec la bibliothèque HOA“. Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080092.
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Les principales techniques de spatialisation sonores sont pour la plupart orientées vers la reproduction de sources ponctuelles, l’étendue reste un sujet peu exploré. Cette thèse défend l’idée que les sources étendues sont pourtant des objets expressifs pouvant significativement contribuer à la richesse des pratiques de spatialisation, notamment en musique. Nous décomposerons cette thèse en trois hypothèses. La première, auditive, postulera que les sources étendues sont pertinentes perceptivement. C’est-à-dire qu’elles offrent la possibilité de faire varier de nouveaux attributs sonores et que l’auditeur est sensible à ces variations. La seconde, analytique, proposera que la polarisation des techniques de spatialisation les plus courantes vers la source ponctuelle n’est qu’arbitraire et que d’autres modèles de sources peuvent être considérés. La troisième, opérationnelle, suggèrera qu’il est possible de créer des outils permettant aux compositeurs de manier et de s’approprier les sources étendues à des fins musicales.Pour valider ces hypothèses, nous formaliserons les propriétés auditives et musicales de ces sources puis nous proposerons des méthodes concrètes pour les analyser et les synthétiser. Ces travaux seront considérés dans le cadre de la bibliothèque HOA, un ensemble d’outils de spatialisation de bas niveau que nous avons spécialement fondé à des fins d’expérimentations. Nous décrirons les spécificités de cette bibliothèque. Nous verrons notamment comment son architecture et ses différents modules permettent d’ouvrir l’ambisonie à de nouvelles pratiques éloignées du concept de ponctualitéMainstream spatialization techniques are often oriented towards the reproduction of point sources; extension remains a relatively unexplored topic. This thesis advocates that extended sources are yet expressive objects that could contribute to the richness of spatialization practices, especially in the field of music. We’ll decompose this thesis in three hypotheses. A perceptive one, who postulates that extended sources are perceptually relevant, i.e., that they offer the possibility of varying new sound attributes and that the listener is sensitive to these variations. An analytical one, who proposes that the most common spatialization techniques focus to point sources is arbitrary and that other source’s models can be considered. And an operational one, who suggests that it’s possible to create tools for composers so they can handle and musicalize extended objects. To confirm these hypotheses, we’ll formalize the auditory and musical properties of extended sources and we’ll propose concrete methods for their analysis and synthesis. This work will be considered as part of the HOA library, a set of low-level spatialization tools we’ve founded for the purpose of experimentation. We’ll describe the specificities of this library and see how its architecture and its different modules allow the generalization of ambisonics to new practices away of punctuality
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Lessard, Andrée. „Les effets de deux programmes sur le développement d'habiletés de lecture, de musique et de mémoire chez des élèves de 2e année du primaire au Québec“. Thèse, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2012. http://hdl.handle.net/10393/22795.
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Devant l’importance de la lecture dans notre société actuelle, il importe de se questionner sur les façons qui peuvent être mises en œuvre, dès le début du primaire, afin d’aider les élèves à apprendre à lire et à surmonter leurs difficultés en lecture. Lorsque l’on considère les effets bénéfiques que peut avoir l’apprentissage musical sur un ensemble d’habiletés non musicales, dont la mémoire, il devient pertinent de se questionner sur les effets possibles de la musique sur les habiletés en lecture. Alors qu’un lien semble présent dans l’ensemble des études consultées, la nature de ce lien, à savoir s’il s’agit d’une relation causale, reste indéterminée. Devant les résultats parfois contradictoires observés dans la littérature scientifique et considérant l’absence de recherches menées en contexte majoritairement francophone, le but de notre étude était d’évaluer les effets de deux programmes d’entraînement (lecture seulement et lecture-musique) sur le développement des habiletés de lecture, de musique et de mémoire d’élèves de 2e année du primaire au Québec. Un design quasi expérimental avec prétest et post-test a été employé. Les sujets (n=94) ont été divisés en trois groupes : lecture seulement (LS, n=44), lecture-musique (LM, n=34) et contrôle (n=16). Les programmes expérimentaux ont pris place pendant quatre mois à raison de trois périodes par cycle de dix jours. Selon l’analyse des résultats, il semblerait que les programme LS et LM aient pu avoir un effet favorable sur la précision en lecture, le vocabulaire réceptif, la morphosyntaxe et la mémoire spatiale. Toutefois, cet effet n’est pas significatif sur le plan statistique puisque tous les groupes étaient considérés comme équivalents non seulement au prétest, mais également au post-test, pour l’ensemble des variables. Par ailleurs, les trois groupes se sont significativement améliorés en compréhension, en déchiffrement et en vitesse de lecture. L’ensemble des résultats a été mis en relation avec les études antérieures menées sur le sujet et le contexte précis de l’étude afin de dégager des pistes pertinentes de recherches ultérieures.
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Lidji, Pascale. „Musique et langage : spécificités, interactions et associations spatiales“. Thèse, Universite Libre de Bruxelles, 2008. http://hdl.handle.net/1866/6347.
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Automated Mapping/Facilities Management/GIS European Conference (9th 1993 Strasbourg, France). Spatial management in a Europe without borders: Proceedings : October 13-15, 1993, Strasbourg, France, Palais de la musique et des congre̓ss = Gestion de l'espace dans une Europe san frontières. [Basel, Switzerland]: AM/FM International European Division, Geographic Information Systems, 1993.
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Schiff, David. Back to Modernism. Back to Futurism. Back to New York (1948–1975). Oxford University Press, 2018. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190259150.003.0007.
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Carter’s mid-life oeuvre much of it composed in Europe, can be divided into three phases. From the Cello Sonata to the Variations for Orchestra he achieved a synthesis of European modernism, especially as found in the music of Schoenberg, Berg and Bartók, and American ultra-modernism; in all of these works Carter either quoted or alluded to compositions by Charles Ives. The works from the Second Quartet to the Concerto for Orchestra reflect his ambivalent connection with the European avant-garde. While he was particularly impressed with the spatial composition and expansion of percussion found in works of Boulez and Stockhausen, he rejected the algorithmic and aleatoric aspects of their music. After 1968 Carter returned to New York and became a central figure in the “uptown” new music scene. He formed a particularly close association with the new music group, Speculum Musicae.
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Spatial management in a Europe without borders: Proceedings : October 13-15, 1993, Strasbourg, France, Palais de la musique et des congress = Gestion de l'espace dans une Europe san frontieres. AM/FM International European Division, Geographic Information Systems, 1993.
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Grigorescu, Elena-Daniela. „Musique et représentation romanesque de la métamorphose spatiale“. In L’esprit des lieux, 87–94. Presses Universitaires de Bordeaux, 2012. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.23043.
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Battier, Marc. „Recent Discoveries in the Spatial Thought of Early Musique concrète“. In Kompositionen für hörbaren Raum, 123–36. transcript Verlag, 2015. http://dx.doi.org/10.1515/9783839430767-007.
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Mendez, Matthew. „Hugues Dufourt’s Epistemology of Fields, vis-à-vis Varèse and Bachelard“. In The Oxford Handbook of Spectral Music, C58.P1—C58.N137. Oxford University Press, 2022. http://dx.doi.org/10.1093/oxfordhb/9780190633547.013.58.
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Abstract This chapter examines Hugues Dufourt’s music-historical appreciations of Edgard Varèse, whose notion of “art-science” was an all-important inspiration for his conception of musique spectrale. For Dufourt, Varèse was the first composer to grasp the ramifications of then-recent discoveries in modern physics, particularly quantum field theory’s revision of the relationship between space and elementary particles. The chapter discusses how, in Dufourt’s view, this led Varèse to formulate analogous ideas about sonic space—above all, a fundamentally spatial understanding of sound objects as being co-constitutive with their surrounding medium. For Dufourt, this idea has been the foundation stone for the spectral approach, albeit in a radicalized form made possible by the psychoacoustic timbre space research of the 1970s. In order to take the full measure of Dufourt’s historiographical claims about this new field-inspired approach to sound, the chapter subsequently attends to some of his philosophical sources, particularly the work of Gaston Bachelard, founder of the French epistemological tradition. Dufourt follows Bachelard in insisting that “objectivity,” and thus the sound object, is a function of historically contingent processes of mediation, measurement, and visualization. The chapter concludes by reflecting on the extent to which Dufourt’s fusion of ideas from Varèse and Bachelard commits him to a new sonic ontology, or whether he can instead be read as arguing that ontologies are always thoroughly historical phenomena, tied up with changes in the scientific method, the scale of objects of measurement, and technical “relays.”