Dissertationen zum Thema „Mesure et rythme (musique)“
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Sauvanet, Pierre. „Le rythme et la raison : une approche philosophique des phénomènes rythmiques“. Dijon, 1996. http://www.theses.fr/1996DIJOL018.
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Ce travail part des rapports possibles entre musique et philosophie sous l'angle d'écoute du rythme (Platon, Nietzsche, Bachelard. . . ) - et non seulement de la mélodie ou de l'harmonie comme au siècle des Lumières (la querelle Rousseau-Rameau). Qu'engage un tel déplacement : vers le corps, vers la différence, vers l'essence du temps? Le problème qui se pose alors n'est autre que le rapport du rythme à la raison : en quoi le rythme est-il entrainant? Comment interagissent ici le biologique et le culturel, le spatial et le temporel? Plus généralement, peut-on rendre raison d'un phénomène rythmique? Et si oui, comment? Par "phénomène rythmique", on ne peut donc plus seulement entendre un simple phénomène musical. Contrairement à la mélodie ou à l'harmonie, le rythme - ou du moins une certaine forme de celui-ci - se retrouve dans les diverses manifestations esthétiques, voire biologiques ou même cosmologiques. Entre la science et l'art, ce que nous cherchons toujours, c'est cette raison de nommer "rythme" autant de phénomènes aussi différents les uns des autres, en évitant à la fois le réductionnisme (la critique du rythme d'H. Meschonnic) et le panrythmisme. Dans les "rythmologiques" (tome 1), les trois premiers chapitres étymologie (rhuthmos), typologie, phénoménologie - pointent trois obstacles épistémologiques à une compréhension du rythme, avant de proposer une terminologieThis work originates from the possible connections between music and philosophy as far as rhythm is concerned (Plato, Nietzsche, Bachelard. . . ) - and not only melody or harmony, as in the age of enlightenment (the Rousseau-Rameau quarrel). What does such a move involve : towards the body, the difference, the essence of time? Then the problem of the connections between rhythm and reason rises : how is rhythm stirring? How do the biological and the cultural, the spatial and the temporal interact? Generally speaking, can a rhythmical phenomenon be accounted for? And how? Thus, much more than a mere musical phenomenon must be meant by the words "rhythmical phenomenon". Contrary to melody or harmony, rhythm or at least a certain form of rhythm - is present in aesthetic as well as biological and even cosmological fields. Between science and art, we are still looking for the reason why we call "rhythm" so many phenomena so different from one to another, avoiding both reductionnism (H. Meschonnic's critique du rythme) and panrhythmism. In "rhythmologics" (tome 1), the first three chapters - etymology (rhuthmos), typology, phenomenology - deal with three "epistemological obstacles" to a comprehension of rhythm, before proposing a terminology
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Barthel-Calvet, Anne-Sylvie. „Le rythme dans l'oeuvre et la pensée de Iannis Xenakis“. Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0090.
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Accaoui, Christian. „Musique et temps : rythme, variation, symbolique dans la musique instrumentale de Haydn à Beethoven“. Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1995PA080921.
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La musiqsue instrumentale s'abandonne-t-elle a ses propres mouvements ou son mouvement est-il predetermine par une (ou des) conception(s) du temps ? dazns quelle mesure le sens de la musique instrumentale reside-t-il dans la forme de son mouvement en regard des trois modalites du temps : succession, duree, simultaneite ? cette recherche tente de repondre a ces deux questions a partir de l'etude des oeuvres classiques de haydn, mozart, beethoven. La position mediane de ce corpus dans l'histoire de la musique instrumentale, son influence durable sur les productions des deux derniers siecles, permettent d'etendre, en les nuancant, la plupart des conclusions de cette etude a une tres large periode, du baroque a nos jours. Deux premieres parties (rythme, variation), tres analytiqsues, etudient, a partir de nombreux exemples musicaux, les implications temporelles des structures rythmiques et des techniques de variation classiques. Les deux dernieres parties (temps, symboliqsue) marquent les convergences d'une telle conception du temps avec certaines conceptions philosophiques du temps : celle, contemporaine, de l'idealisme allemand, celle, plus ancienne, de la tradition theologique et philosophique, depuis plotin, saint augustin, boeceDoes instrumental music give way to its own movements or is its movement predetermined by a (or several) conception(s) of time ? does sense of instrumental music lie on its movement's configuration regarding to the three modalitees of time : succession, duraztion, simultaneousness ? this research attempts to answer to these the questions studing classical works from haydn, mozart, beethoven. The middle position of this corpus in instrumental music's history, its durable influence over the last two centuries' productions allow to extend, varing them slightly, most of this work's conclusions to a very large periode, since baroque up to now. The first two parts (rhythm, variation), very analytical, study from many musical examples the temporal involvings of rhythmical structures and classical technics of variation. The last two parts (time, symbolism) indicate convergences of such a conception of time : the contemporaneous one which is the german idealism, the earliest one which is the theological and philosophical tradition since plotin, saint augustin, boece
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Désesquelles, Anne-Claire. „L'expression musicale“. Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010540.
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Prenant appui sur des exemples analyses de grandes œuvres musicales, ainsi que sur des textes philosophiques traitant de la musique, cette thèse propose les idées suivantes : 1) La musique possède un réel pouvoir d'expression : les mouvements sonores se convertissent dans l'âme de l'auditeur en une succession de tensions et de détentes caractéristiques du processus du désir, et suscitent ainsi des sentiments plus ou moins inquiets ou calmes selon leur degré d'expressivité. 2) Le sens exprime émane de la forme même de l'œuvre, et donc de son style entendu comme une manière originale d'organiser les éléments sonores. 3) Il est injustifié de concentrer tout le pouvoir d'expression dans la seule mélodie, car les autres composantes y concourent également, en particulier le rythme, le timbre et même le silence. 4) L'expression n'est pas plus absolument directe qu'entièrement transcendante aux sons. De nature métaphorique, elle fait pénétrer l'auditeur dans une vie intérieure à la fois aventureuse et cohérente, et lui confère un être imaginaire pourvu d'une essence riche et unifiée. Par la, l'œuvre satisfait le désir d'être que toute existence humaine aspire à réaliser, et acquiert une dimension métaphysique qui explique la fascination qu'elle suscite au-delà de la variété des cultures et des caractèresBased on analysed examples, taken from great musical works, and on philosophical texts dealing with music, this thesis develops the following ideas : 1) music is endowed with a real power of expression : in the listener's mind, the sounds are converted into a succession of tensions and loosenings characteristic of the process of desire, and thus lead to unrest or peace according to the degree of expressivity. 2) the meaning which is expressed stems from the very shape of the work, consequently from its style, i. E. An original way of organizing sounds. 3) it is unjustified to impart all the power of expression to the tune only, since the other components also contribute, in particular rhytm, timbre and even silence. 4) expression is not more absolutely direct than wholly transcendent to sounds. As its essence is metaphorical, it enables the listener to have access to an inner life both adventurous and coherent, and bestows on him an imaginary being endowed with a rich and unified essence. Thus, a work satisfies the longing to be, which any human being craves for, and is blest with a metaphysical dimension which explains the fascination it rouses notwithstanding the variety of cultures and characters
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Alonso, Arevalo Miguel. „Extraction d'information rythmique à partir d'enregistrements musicaux“. Paris, ENST, 2006. http://www.theses.fr/2006ENST0036.
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L'objectif de cette thèse est la recherche d'outils de détection et de reconnaissance de la structure rythmique d'un morceau de musique. Il'existe de nombreuses applications nécessitant cette information : la transcription musicale par ordinateur, le "music information retrieval", l'édition musicale. L'axe principal du travail de recherche a consisté en le développement de techniques pour l'estimation des paramètres rythmiques tels que les cadences et la localisation de beats. Parmi les originalités de ce travail de recherche, nous avons proposé de effectuer l'analyse rythmique de façon séparée sur la partie déterministe du signal musical (contenant les sons harmoniques) et sur la partie stochastique (contenant le signal résiduel après extraire la partie harmonique du son original). Nous avons proposé un algorithme robuste pour détecter les attaques (onsets) des signaux musicaux. Celui ci est basé sur le concept du flux énergétique spectral, i. E. , le taux auquel l'énergie du contenu fréquentiel du signal audio change à un instant donné. Une autre originalité de ce travail consiste en l'utilisation d'un algorithme de programmation dynamique modifié pour suivre simultanément plusieurs trajectoires rythmiques à l'intérieur d'un signal musical. L'efficacité du système a été validé sur une base de données comportant 1435 morceaux musicaux appartenant à une dizaine de genres. Les algorithmes développés ont été soumis à évaluation dans le cadre du concours international "Music Information Retrieval Evaluation eXchange" (MIREX) dans la catégorie de "tempo extraction" et dans la l'édition 2005 un des algorithmes obtenu la première place parmi plus d'une douzaine de participantsThis dissertation presents work on the development of tools for the automated analysis of music signals, more exactly it proposes a number of techniques to identify and examine the fundamental elements of musical rhythm. There exist many applications requiring rhythmic information, for example automatic music transcription, music information retrieval, audio special effects, audio editing. The main research axis was the development of techniques to estimate rhythmic parameters of music such as beat rates and beat localizations at two different metrical levels: the tatum and the tactus (or tempo). In this work, we have proposed to carry out the analysis after separating the audio signal in a deterministic part (containing the harmonic sounds) and the stochastic part (containing the residual signal after extracting the harmonics from the original signal). We exploited the principle of the so-called Spectral Energy Flux, i. E. , the rate of change of the power spectrum as a function of time, to develop an effective algorithm to estimate the amount of musical stress at a given time. We have also presented a technique based on the dynamic programming algorithm that was specially conceived to track simultaneously the course of several rhythmic trajectories through time. The effectiveness of the system was validated using a database comprising 1435 musical pieces and covering ten musical genres. The algorithms was also submitted to external evaluation within the framework of the international contest "Music Information Retrieval Evaluation eXchange" in the category of "tempo extraction", and in the 2005 obtained the first place among more than twelve submissions
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Dhôtel, France. „Essai d'une problématique sur la place de la dimension sonore et/ou musicale dans la composition chorégraphique contemporaine“. Paris 8, 1996. http://www.theses.fr/1996PA081138.
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A partir d'une recherche sur le rythme et la pulsation, sur le complexe stabilite instabilite inherent a toute evolution spatio-temporelle, et a travers l'analyse comparative d'oeuvres musicales, picturales, et choregraphiques, nous sommes parvenus a distinguer que c'etait dans un rapport exterieur interieur propre a chaque choregraphe, dans ce rapport du corps du "choregraphe-danseur" avec le monde qui l'entoure, que le monde musical et ou sonore, propre a la composition choregraphique puisait tout son "sens", et trouvait, par consequent, toute sa place dans l'enceinte d'un espace-temps sceniqueOn the basis of extensive research on rhytm and pulsation and the stability instability component inherent to all motion set within the confines of space and time, and by way of a comparative analysis of musical score, pictorial works and choreographies, we have sought to establish that the musical and sonic universe of each individual choreographic composition is conferred full meaning only within the exterior interior relation specific to each choreographer, leading to a specific relation between the "choreographerperformer"'s own body and the world outside. This meaning comes into its own within the confines of a unique scenic space and time recombination
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Bekderna, Hanan. „Le problème de l'harmonisation dans la musique arabo-orientale“. Bordeaux 3, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30007.
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La musique arabe a suivi des évolutions plus ou moins importantes selon les époques. Dans la première des trois parties de notre thèse, nous présenterons différents aspects de la vie musicale chez les Arabes anciens, leurs théories musicales et leurs instruments, sans oublier d’exposer quelques points de vue occidentalistes sur cette musique. Dans la seconde partie, nous étudierons l’état de la musique arabe du XXIe siècle en nous appuyant sur la théorie moderne de cette musique, dont le maqam et son étude scientifique, puis nous évoquerons les congrès musicaux arabes et le rôle qu’ils ont joué pour le développement de la musique arabe. Dans la troisième et dernière partie, nous prendrons l’harmonisation comme un axe du développement de la musique arabe au XXIe siècle ; aussi analyserons- nous quelques œuvres arabes harmonisées en tentant de dégager à travers cette analyse une théorie d’harmonisation propre à la musique arabeArabic music has followed developments more or less important at different times. In the first part from the three parts of our thesis, we present different aspects of musical life in the ancient Arabs, their theories and their musical instruments without forgetting to expose some Western perspective on this music. In the second part, we will study the status of Arabic music in the twenty-first century building on the theory of that modern music, including the maqam and scientific study, then we discuss the Arab musical conventions and the role they played in the development of Arabic music. In the third and final part, we will take harmonization as an axis of development of Arabic music in the twenty-first century, We will also analyze some harmonized Arab works by focusing attention on the theory of harmonization in Arabic music
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Fai͏̈ta, Frédérique. „Approche électrophysiologique des processus cognitifs impliqués dans la perception de la musique“. Aix-Marseille 1, 1995. http://www.theses.fr/1995AIX11011.
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La perception de la musique a fait l'objet de nombreuses recherches, principalement consacrees a la representation mentale des dimensions du materiel sonore et a leur organisation en patterns musicaux. Ces recherches ont conduit a souligner l'importance, dans l'elaboration et l'utilisation des connaissances musicales, des processus d'attente qui prennent place pendant l'ecoute d'une piece de musique. La methode des erps (event-related potentials) a ete utilisee dans ce travail pour identifier les manifestations electrophysiologiques associees a la violation des regles musicales. Nous voulions preciser le role des facteurs susceptibles de moduler l'attente musicale: l'expertise musicale des sujets, la familiarite des melodies et les regles sur lesquelles est fondee la structure musicale. Nous avons montre qu'une composante positive tardive des erps, la lpc, est un indice sensible des processus impliques dans l'attente musicale. En effet, cette composante est d'autant plus ample et plus precoce que l'attente developpee est plus specifique, en raison des competences musicales du sujet ou de la familiarite des melodies. De plus, la nature de l'incongruite musicale influence aussi la lpc: plus l'attente des sujets est infirmee, plus l'amplitude de la lpc est grande et plus sa latence est courte. Nous avons cherche a preciser l'influence de la repetition d'une incongruite musicale sur la lpc. Une attenuation de l'amplitude de cette composante des erps accompagne la repetition des melodies connues, mais pas celle des melodies inconnues. Enfin, nous avons etudie l'effet d'une rupture temporelle dans la perception du langage, et de le comparer a celui d'une modification rythmique musicale. Les phenomenes electrophysiologiques accompagnant ces ruptures de rythme dans le langage et dans la musique apparaissent lorsque les phrases linguistiques sont presentees dans la modalite auditive. En revanche, un retard dans la presentation visuelle d'un mot provoque une composante des erps differente. Ces resultats temoignent du role similaire du rythme dans la structuration sequentielle du langage parle et de la musique
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Bouchard, Jean-Luc. „La modulation agogique : définition, typologie et analogie avec la modulation tonale“. Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25071/25071.pdf.
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Abecasis, Donna. „Bases neurophysiologiques du traitement des séquences sonores en temps réel : étude des accents métriques“. Paris 5, 2006. http://www.theses.fr/2006PA05H041.
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Ce travail, réalisé dans le cadre de l’étude du rythme musical, avait pour but d’explorer en temps réel les réponses cérébrales (potentiels évoqués, PE) associées à l’extraction de la métrique. Même en l’absence de différences physiques entre les sons d’une séquence régulière, l’auditeur perçoit une accentuation métrique subjective (temps forts et faibles) associée à la génération d’attentes temporelles. Dans des séquences régulières nous avons introduit des changements d’intensité sonore, induisant une rupture des ces attentes. L’amplitude d’une composante évoquée tardive dépendante de l'attention (P3) était plus élevée sur des positions accentuées. Dans les études suivantes, des PE plus précoces, latéralisés à gauche, subissaient aussi l’influence de la métrique, même en l’absence de changement. Nos résultats, discutés à la lumière des théories de l’attention, suggèrent que l’accentuation subjective suit un pattem binaire, associé à l’imposition spontanée de schémas métriques implicitesWithin the area of rhythm perception, the present work vas aimed at exploring in real time (using event-related brain potentials, ERPs) the induction of meter. Even in perfectly regular sound sequences and in the absence of physical differences between the tones (isochronous equitone sequences) we tend to perceive “subjective” metrical accenting (strong and weak beats), associated with the generation of temporal expectancies. We introduced occasional violations of expectancies (deviant soft tones) in otherwise equitone sequences. A late, artention-dependent ERP component (P3) showed larger amplitudes in response to deviants in accented positions. In further studies, earlier. Left-lateralised metrical effects on the elicited brain responses were also found, both in standard and deviant tones. Our results, discussed in the light of theories of attention, suggest that “subjective” accenting follows a default binary pattem, possibly due to covert schemes spontaneouslv imposed by listeners
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Amiot, Emmanuel. „Modèles algébriques et algorithmes pour la formalisation mathématique de structures musicales“. Paris 6, 2010. http://www.theses.fr/2010PA066680.
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Cette thèse sur travaux est fondée sur cinq articles, sélectionnés tant pour leur intérêt que pour leur représentativité. Les deux premiers traitent des canons rythmiques, un sujet riche, d'origine musicale, lié à de nombreux problèmes de mathématique, de combinatoire, d'algorithmique et même d'algèbre fondamentale (théorie de Galois). Ces articles prêtent une attention particulière à l'étude de la conjecture de Fuglede, ou conjecture spectrale. Le plus ancien traite de propriétés algébriques et combinatoires générales, mettant en avant l'importance du concept (musical) de "canons de Vuza". Le plus récent met en œuvre un algorithme original pour énumérer tous les canons de Vuza de période 120, ce qui contribue à préciser le domaine de validité de la conjecture de Fuglede (ainsi que de quelques autres). Deux autres articles traitent d'applications à des structures musicales fondamentales de la transformée de Fourier discrète : cette dernière permet en effet de classifier élégamment un certain nombre de gammes et d'accords remarquables. Le premier est une synthèse sur les gammes qui maximisent certains coefficients de Fourier, le second une surprenante application à l'archéologie musicale, permettant de comparer de façon pertinente différents tempéraments (i. E. Façons d'accorder un instrument). Cela permet en particulier de confirmer que le tempérament proposé par Bradley Lehman comme étant celui qu'aurait utilisé J. S. Bach jouit de propriétés remarquablement proches de celles que souhaitait le grand compositeur. Le dernier article présenté traite d'un sujet original, les mélodies auto-similaires. Cette propriété d'auto-similarité, mieux connue dans d'autres contextes, se retrouve aussi bien chez Scarlatti, Mozart ou Beethoven que Glen Miller ou des compositeurs contemporains, et tout particulièrement Tom Johnson qui les a mises en lumière. La synthèse ci-jointe vise à replacer ces travaux et à expliciter leur rôle dans le contexte de la recherche contemporaine en Mathématiques et Musique. L' auteur a été amené à utiliser des outils algébriques élaborés afin de mieux modéliser ces problèmes, tous d'origine musicale. Sa démarche s'avère ainsi indissociable des sciences de l'informatique, sous leur double facette d'expérimentation et d'implémentation de logiciels dédiés à l'analyse et à la composition musicale.
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Le, Coz Maxime. „Spectre de rythme et sources multiples : au cœur des contenus ethnomusicologiques et sonores“. Thesis, Toulouse 1, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU10017/document.
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Les travaux de cette thèse portent sur des méthodes permettant de retrouver automatiquement des informations dans des enregistrements sonores. Les données que nous analysons sont fournies par les archives du Musée de l’Homme de Paris : il s’agit de milliers d’heures d’enregistrements musicaux et d’interviews de 1900 à nos jours. Nous proposons deux types d’analyse conçues pour fonctionner aussi bien sûr de la musique que sur de la parole. Le premier permet d’extraire le rythme de l’enregistrement à partir de la répartition des zones stables du signal à l’aide d’un « spectre de rythme ». Le second effectue un suivi sur les fréquences les plus présentes et cherche à les regrouper par source pour détecter si plusieurs personnes ou instruments sont présents. Ces analyses peuvent permettre, entre autres, de retrouver la structure d’un chant en fonction du nombre de sources ou savoir si une personne parle, raconte, récite en encore scande en utilisant le rythme présent dans la paroleThis thesis aims at designing methods to automatically extract information on sound signals. The sound archives we analyse are provided by the Musée de l’Homme of Paris : they are compounded of thousands of hours of musical recording and interviews from year 1900 to nowadays. We propose two different types of analysis designed to work on music as well as speech. The first system aims at extracting rhythm according to the repartition of stable areas of the signal using a “rhythm spectrum”. The second uses a frequency tracking of the most predominant frequencies to group them into source-related clusters to detect if different people or instruments are present. Those techniques may extract different kind of information such as structuring a song using the number of singers or automatically knowing if a record contains someone speaking, reciting or even chanting
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Molzino, Claude. „Logos et ruthmos : le sens de la terre ou l'oubli de la musique dans la pensée de Martin Heidegger“. Nice, 1997. http://www.theses.fr/1997NICE2029.
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Partant du statut de dépassement de la métaphysique par la mise en lumière de son impensé que revendique la pensée de Heidegger, ce travail s'emploie à démontrer comment ce recouvrement ne s'opère qu'à travers un nouveau recouvrement qui fait de la pensée de l'être une réitération de la structure dualiste qu'elle dénonce sous le titre de métaphysique identifiée à l'oubli de l'être. Le recouvrement opéré par la pensée de Heidegger est celui de la musicalité sous toutes ses formes, pourtant omniprésente du début jusqu'à la fin de la pensée de l'être ; cette éviction de la musique inscrit la pensée de l'être dans la tradition métaphysique depuis Platon. Cet oubli de la musique a un nom : la terre, par laquelle Heidegger scelle le sens du sens à la parole comme logos originaire, reconduisant à travers l'opposition du logos et du ruthmos la scission classique entre l'esprit et le corps jamais pourtant nommés comme tels. L'être ne doit pas vivre et le dasein doit être désaffecté sans quoi la pensée échoue, non au sens où elle le dit d'elle-même mais en se constituant à son tour comme oubli. Une réflexion sur l'essence silencieuse du rythme comme respiration tente ici d'ouvrir l'horizon d'une phénoménologie de la musicalité qui fasse droit à la vie au sein de l'être et à la musique au sein des artsFrom its position beyond metaphysics by the lighting of its unthought that Heidegger claims, this work tries to demonstrate how this discovery can't be led except through a new recovering, which makes the thought of being be a reiteration of the dualistic structure that it denounces under the title of metaphysics identified to the forgetting of being. The recovering that Heidegger's thought does, is that musicality under all its forms yet omnipresent from the beginning to the end of the thought of being; this eviction of music has placed the thought of being into the metaphysical tradition since Platon. This forgetting of music has its name: earth, by which heidegger seals the sense of sense to the word as original logos, bringing back with the opposition between logos and ruthmos, the classical division between mind and body yet never mentioned as such. Being mustn't live and dasein must be unaffected, otherwise thought fails not in the way it speaks of itself but building itself in its turn as forgetting. A reflection about the silent nature of rythmth as breathing tries here to open the horizon of a phenomenology of musicality so as to accept life within being and music within arts
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Santana, Maria do Rosário da Silva. „Elliott Carter : le rapport avec la musique européenne dans le domaine du rythme et du temps“. Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040049.
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Elliott Carter est l'un des compositeurs des plus remarquables du 20eme siècle aux États-Unis. Le modernisme de son œuvre se révèle non seulement par les structures rythmiques et temporelles très complexes mais aussi par des structures harmoniques et mélodiques très singulières. En 1945, il définit les fondements de son écriture musicale dans les domaines du rythme et du temps, et sa carrière prend un nouveau départ. Le quatuor à cordes n. 1 [1951] en marquera un sommet, mais carter ne cessera jamais de surprendre. L'objet de cette thèse est de déterminer comment les compositeurs européens ont influence Elliott Carter rythmiquement et temporellement. Pour répondre à cette question nous avons étudié l'évolution de Carter dans le domaine de la composition musicale au moyen des plus marquantes de ses œuvres en les comparant à celles de plusieurs compositeurs européens. Nous avons choisi les œuvres en fonction de leurs caractéristiques, leurs particularités et leurs procédés de composition dans les domaines du rythme et du temps. Nos analyses sont orientées vers ces deux axes essentiels de notre thèseElliott carter is one of the most important composer in USA. His concept on rhythms, tempo, harmony and melody is one of the most important contribute to the music in this century. It starts at 1945 with sonata for piano his research on rhythms and tempo. String's quartet n. 1 [1951] is one of the most representative works on these concepts. This thesis wants to demonstrate the role of the European composers on Carter's language on rhythms and tempo. To answer to this question, we have made several analyses of the most important works of Carter and some of the most important works of European composers. The chosen of these works is found in the criteria of character, particularities and processes of composition on rhythms and tempo. The analysis of these works is make essentially on these characters
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Rioux, François. „Les nouvelles balises mélodiques et rythmiques dans le cadre du jazz actuel : la guitare contrapuntique jazz à deux voix et la modulation rythmique“. Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67946.
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La guitare est un instrument unique qui offre une variété impressionnante de possibilités du point de vue expressif et créatif grâce à des propriétés mélodiques, polyphoniques, harmoniques et rythmiques. Elle permet au guitariste une palette quasi illimitée de moyens d'expression. Depuis son électrification qui a rendu son utilisation possible en jazz au début des années 40, le jeu à l'instrument se métamorphose grâce à l'intervention de guitaristes innovateurs qui, en imitant le langage idiomatique propre à d'autres instruments, raffinent les techniques pour en tirer toute la sève créative. C'est précisément dans cette continuité que s'inscrit cette recherche de doctorat. En effet, fort d'une vaste et intime expérience à la guitare, j'ai identifié dans mon cheminement deux notions cruciales à son développement : l’improvisation contrapuntique à deux voix ainsi que la modulation rythmique. Cette dissertation expose l’état de ma recherche et les résultats créatifs obtenus à la suite de l’élaboration méthodologique de procédés de mise en application d’éléments fondamentaux issus des principes généraux du contrepoint servant à la construction du deux voix à la guitare. Cette même démarche s’applique à l’étude et l’utilisation de la modulation rythmique dans un contexte de création et d’improvisation jazz. Tout au long du processus de recherche, le constat du manque de documentation et la quasi absence d'outils pédagogiques relatifs à la guitare polyphonique à deux voix m'ont amené à puiser autant dans les fondements théoriques que dans les exemples choisis pour en faire une synthèse et créer les outils nécessaires à l'assimilation et l'application à la guitare jazz. Quant à la modulation rythmique, la documentation plus substantielle et l'existence de méthodes ont facilité le processus de synthèse vers l'application à la guitare jazz. La partie écrite de cet ouvrage offre une définition des concepts de polyphonie à deux voix et de modulation rythmique et propose des moyens de les assimiler à la guitare jazz. Elle comporte également la documentation tirée des sources, un répertoire d’exemples analysés et mis en pratique ainsi que cinq annexes. Le document audio quant à lui, comporte trois standards et sept pièces originales présentées en formation combo jazz avec quelques interventions de guitare seule.
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Cason, Nia. „L'effet du rythme musical sur la parole“. Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM4086/document.
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La musique et la parole reposent sur une organisation temporelle. En effet, l’anticipation, l’organisation et le groupement temporel y sont nécessaires. Il serait donc possible que des processus domaine-généraux sous-tendent ces deux processus temporels soient mis en jeu.Pour tester cette hypothèse, trois expériences utilisant des mesures comportementales et électrophysiologiques (EEG) ont été menées afin de déterminer si la perception et la production de la parole peuvent bénéficier d’un amorçage rythmique (i.e. la présentation au préalable d’un rythme musical qui peut renseigner sur les structures temporelles de la parole). En utilisant ces mesures, nous avons montré que le traitement phonologique de pseudo-mots parlés est renforcé lorsque la parole est conforme aux prédictions temporelles des auditeurs (Cason & Schön, 2012). Le traitement phonologique des phrases peut également être amélioré et cet effet d’amorçage augmenté grâce à un entrainement avec les rythmes musicaux (Cason, Astésano & Schön, soumis). Dans une troisième étude, nous avons montré que l’amorçage rythmique peut augmenter la production phonologique chez les enfants sourds (Cason, Hidalgo & Schön, soumis).Ces trois études montrent que la régularité du rythme musical (plus important que dans la parole) semblerait permettre, de manière générale, la formation de prédictions temporelles précises et une trace mnésique également améliorer la production de la parole chez les enfants souffrants de troubles auditifMusic and speech are both reliant on how events occur in time. Both require anticipation about when and what events will occur as well as a temporal and hierarchical organisation of salient and less salient events. These may rely on common, domain-general processes.With this in mind, three experiments using behavioural and electrophysiological (EEG) measures were conducted which aimed to investigate whether speech perception and production can benefit from rhythmic priming (inducing temporal expectations through music, and which can inform a listener about temporal structures in speech). We have found that phonological processing of spoken pseudowords is enhanced when speech conforms to listener expectations, as measured by behavioural (reaction time) and EEG data (Cason & Schön, 2012). Phonological processing of sentences can also be enhanced via rhythmic priming (behavioural measures) and this priming effect is augmented through training with the musical rhythms (Cason, Astésano & Schön, submitted).Overall, it seems that the regularity of musical rhythm (over speech rhythm) allows a listener to form precise temporal expectations and a metrical memory trace which can impact on phonological processing of words and sentences, and that rhythmic priming can also enhance articulation performance in hearing-impaired children, perhaps via an enhanced phonological perception
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Lévy, Fabien. „Complexité grammatologique et complexité aperceptive en musique : étude esthétique et scientifique du décalage entre la pensée de l'écriture et la perception cognitive des processus musicaux sous l'angle des théories de l'information et de la complexité“. Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0123.
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La complexité musicale regroupe deux catégories : les complexités grammatologiques en tant que complexité de la pensée d'une écriture, et les complexités aperceptives en tant que difficultés cognitives de perception. Leurs mécanismes sont distincts : deux procédures de même complexité grammatologique peuvent produire deux résultats sonores de complexités aperceptives dissemblables et inversement. Cependant, l'écriture musicale est aussi une façon de penser la musique. Etudier la complexité grammatologique nécessite donc d'étudier la perception analytique de la musique. Inversment, la perception d'une oeuvre est une écriture mentale. Etudier la complexité aperceptive erquiert d'étudier la complexité analytique de l'algorithme réengendré par l'auditeur. Cette recherche s'appuie sur des applications musicales ( sur l'écriture et la perception des rythmes, des transformations motiviques, des consonances. . . ) et sur l'élaboration de concepts et de paradoxes de l'écriture et de la perceptionTwo categories can be distinguished for the notion of musical complexity : the grammatological complexities, which mean the complexity of the thought of a writting, and the apperceptive complexities, designating cognitive difficulties of perception. Their mechanisms are distinct : two procedures with identical grammatological complexity can result in dissimilar apperceptive complexities, and inversely. However, the musical writting also carries a way of thinking the music. Hence, studying the musical grammatological complexity requires a study of our analytical perception of the music. Conversely, the perception of the music is a mental writting, and studying the apperceptive complexity requires a study of the analytical complexity of the algorithm reprocessed by the listener. This research uses concrete musical applications (concerning rythms, motivic transformations, consonance, etc. ), and the elaboration of theoretical concepts and paradoxes on writting and perception
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Russovich, Adrian. „De l'analyse à la composition : transformation des durées“. Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040188.
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Le sujet de ce travail de recherche est l'étude des relations et des transformations entre des séquences de durées. Traditionnellement, l'étude de l'organisation de durées s'est fait par des modèles (les pieds de la prosodie grecque, les modes rythmiques au Moyen Age, etc. ). Dans le chapitre I nous retraçons l'histoire de la modélisation des durées dans les conceptions rythmiques en Occident. Dans le chapitre II nous montrons la façon de representer numériquement les séquences de durées, ainsi que leurs caracteristiques globales. Dans le chapitre III nous expliquons notre conception des modéles de durées et les différentes méthodes pour les construire. Dans le chapitre IV nous définissons les relations possibles entre deux séquences de durées : identitié, permutation, augmentation - diminution (ou delta), monnayage et coagulatio, pseudo-permutation, renversement et relations de similarité (celles qui se verifient entre des sous-séquences). Dans les chapitre V nous montrons l'application de ces relations aux modèles de séquences de durées. Dans le chapitre VI nous montrons les transformations basées sur ces relations et dans le chapitre VII nous donnons un exemple d'utilisation du systéme avec un piéce pour clarinette seule dont l'organisation de durées est basée sur les relations mises en évidence par une analyse de Density 21. 5 de VarèseThe subject of this research is the study of relations and transformations between sequences of durations. Traditionally, the study of structures of durations was made with models (the feet of Greek prosody, the rhythmic modes in Middle Ages, etc. ). In Chapter I we trace the history of duration's models in the rhythmic theories in the West. In Chapter II we show how represent numerically sequences of durations, as their global characteristics. In Chapter III we explain our understanding of models of durations and the different kinds of methods to devise them. In Chapter IV we define the different kinds of relations between sequences of durations: identity, permutation, augmentation - diminution, division and addition, pseudo-permutation, inversion and similarity relations (these that stand between sub-sequences). In Chapter V we demonstrate the application of these relations to models of sequences of durations. In Chapter VI we explain the transformations based upon these relations, and in Chapter VII we produce an example of the use of the system, with the composition of a piece for clarinet. In this piece the organization of durations is based upon the relations established by an analysis of Varèse's Density 21
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Wald, Lasowski Aliocha. „Poétique de la ritournelle : [la musique au bout des mots]“. Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2012PA083560.
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Le discours sur la musique appartient-il à tout le monde ? Figure d’un art aux exigences classiques et aux ruptures modernes, la polyrythmie évoque les pratiques élitistes comme le partage populaire, et se mêle parfois des bruits de la foule et des larmes des anonymes. Intime et en relation, la musique suit des métamorphoses (coups, vitesses, rythmes…), devient rengaine ou ritournelle, grave ou légère. Hybride et tremblante, la poétique du langage vocal, instrumental ou sonore est traversée par le hasard, les rêves, le divers. Faite de rencontres aléatoires ou de mots incertains, que nous apprend la musique ? Pour certains musiciens-amateurs (Gide, Barthes, Sollers), pour ceux qui se définissent comme non-musiciens (Freud, Deleuze, Rancière), ou préoccupés par d’autres arts (la psychiatrie pour Guattari, la poésie chez Glissant, la peinture d’Adami), la musique parle d’autre chose qu’elle-même. Elle nous dit ce qu’il en est des couleurs, des affects, des sensations du monde. Oui, par son intensité et sa fragilité, sa puissance et sa liberté, la musique nous parle de nousDoes talk about music belong to everybody? Form of an art that has its classical requirements and its modern breaches, polyrhythmic sound calls to mind elitist practices as well as popular share, and sometimes mingles with the sounds of the crowd and the tears of anonymous people. Intimate and in relation, music follows metamorphoses (blows, speeds, rhythms…), becomes a refrain or a ritornelle, serious or light. Hybrid and flickering, poetics of vocal language, instrumental or sonorous, is crossed by chance, dreams and changes. Made up of random meetings or uncertain words, what does music teach us? For some amateur musicians (Gide, Barthes, Sollers), for those whose define themselves as non-musicians (Freud, Deleuze, Rancière) or who are st on other arts (psychiatry for Guattari, poetry with Glissant, Adami’s painting), music speaks about something further than itself. It tells us about the colours, the affects, the feelings of the world. Indeed, through its intensity and its fragility, its power and its liberty, music speaks about us
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Lebrun-Guillaud, Géraldine. „Perception de la hauteur et du temps dans des séquences musicales tonales : études comportementales et neuropsychologiques“. Lyon 1, 2006. http://www.theses.fr/2006LYO10226.
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L’objectif de ce travail de thèse est d’étudier la perception de deux dimensions porteuses de formes de la musique occidentale tonale : la hauteur (i. E. , relation harmonique entre les notes) et le temps (i. E. , rythme et métrique). De nombreuses études se sont intéressées à la perception de l’une ou l’autre des dimensions mais peu ont étudié leur traitement conjoint. La question de leur traitement, indépendant ou interactif, ainsi que les corrélats neuronaux leur étant dédiés, sont abordés dans cette thèse. Dans un premier volet, une approche de psychologie cognitive est utilisée afin d’étudier l’influence du niveau de traitement et du matériel sur le traitement de la hauteur et du temps. Trois études comportementales suggèrent que le traitement indépendant ou interactif de la hauteur et du temps dépend du niveau de traitement impliqué : pour les premiers niveaux de traitement, les deux dimensions seraient indépendantes et, interagiraient à des niveaux plus tardifs d’intégration de l’information. Dans un deuxième volet, une approche neuropsychologique a été utilisée pour étudier les corrélats neuronaux au traitement de la hauteur et du temps. Une étude chez des patients atteints de lésions du cervelet a montré qu’ils présentaient des troubles de la perception de la dimension temporelle, le traitement de la hauteur demeurant intacte. Une étude réalisée chez des auditeurs sains a permis d’observer une préférence hémisphérique droite pour le traitement de la hauteur mais aucune latéralisation n’a été observée pour la dimension temporelle. Les données des cinq études sont discutées dans la cadre d’un modèle neuropsychologique qui propose d’expliquer les différentes étapes de traitement de la hauteur et du tempsThe aim of my PhD was to study the perception of two musical dimensions : pitch (i. E. , harmonic relation between tones) and time (i. E. , rhythm and meter). Numerous research has been interested in the perception of pitch and time separately but only few have focused on their joint processing. The independence or interaction of pitch and time processing as well as their underlying neuronal networks involved have been studied in my PhD. In a first part, using a behavioral approach of cognitive psychology in healthy listeners, three experiments studied influence of the level of processing and the material used on the processing of pitch and time dimensions. The findings suggest that the independent or interactive processing of pitch and time depends on the level of processing: in the first levels, the two dimensions seem to be processed independently but interact at later levels of processing in integration. In a second part, using a neuropsychological approach, we analyzed neural networks implicated in the processing of pitch and time. Cerebellar patients showed to be impaired in the perception of the time dimension but not for the pitch dimension. A study, with healthy listeners, concluded that the pitch dimension would be rather processed by the right hemisphere whereas no hemispheric advantage was observed for the time dimension. The findings of the studies are discussed in a neuropsychological model to explain the different stages of the processing of pitch and time
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Bao, Cheng. „La Musique dans l'œuvre de Boris Vian“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA034/document.
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À la fois romancier, critique de jazz, trompettiste, chanteur et directeur artistique, Boris Vian est un homme polyvalent dont la réception est diverse. Omniprésente dans sa vie, la musique lui a conféré une sensibilité qui est certainement pour une part à la source de son originalité en tant qu'écrivain. Cette recherche vise à interroger l'importance de la musique dans son univers littéraire, ainsi que les efforts qu'il a consacrés au rapprochement des deux arts. Utilisant son acception ouverte des formes de la musique, nous avons découvert un monde où l'écrivain inscrit l'art d'Euterpe de maintes manières : par les espaces, les instruments, les musiciens et les morceaux interprétés ou cités. Les éléments empruntés au jazz ont, sur l'écriture romanesque de Vian, une emprise décisive. Boris Vian reconnaît lui-même l'importance de la musique dans son « écriture-jazz », toujours rythmée et improvisatrice, libre et inventive. Dans l'œuvre de fiction, la musique exerce ainsi son influence depuis le détail stylistique jusqu'à la structure macroscopique. Le premier volet de notre étude concerne les présentations explicites de la musique dans ses fictions tandis que la partie suivante poursuit l'exploration vers une dimension plus impliciteAs a novelist, jazz critic, trumpet player, singer and artistic director, Boris Vian is a versatile man recognized diversely. Omnipresent in his life, the music has given him a keen sense that is certainly part of his originality as a writer. This research aims to investigate the importance of music in his literary universe, as well as the efforts he has devoted to bringing the two arts closer together. By taking a broad view of music as Vian, we have discovered a world where the writer inscribes the art of Euterpe in many ways : by the spaces, the instruments, the musicians and the pieces interpreted or quoted. The elements borrowed from jazz have a decisive influence on Vian's novel writing. Boris Vian himself recognizes the importance of music in his "jazz-writing", which is always rhythmic and improvisatory, free and inventive. In the work of fiction, music exerts its influence from the stylistic detail to the macroscopic structure. The first part of our study concerns the explicit presentations of music in his fiction while the following part continues the exploration in a more implicit dimension
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Sion, Henry Justine. „Les temps discordants de la musique : Une alternative à l'homogénéité du temps dominant, un enjeu de l'enseignement musical“. Thesis, Lille 3, 2020. http://www.theses.fr/2020LIL3H004.
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A partir d’une analyse en immersion de pratiques musicales à vocation sociale au Venezuela et en Ecosse (El Sistema), la question de la perception du temps s’est imposée à moi comme essentielle à penser en tant qu’enseignante en conservatoire et musicienne. La musique entretient en elle-même un rapport étroit au temps, et l’utilisation du temps est devenue aujourd’hui une question politique cruciale sur deux aspects : dans notre vie quotidienne et dans les rapports de production. Je pose donc l’hypothèse qu’un travail de la musique peut modifier notre rapport au temps et au monde, dans une visée à la fois éthique et politique. J’analyserai les formes de temporalités (ou de temporalisations) qui sont développées par des penseurs (philosophes, historiens, sociologues, physiciens...) qui cherchent à sortir de l’urgence du temps imposée par notre société capitaliste, et qui encouragent l’anticipation, l’imagination, plutôt que la planification perpétuelle qui ne laisse aucune place – ou si peu, à l’individuation. Je suppose que la pratique de la musique, si elle est pensée dans ce sens, permet aux rythmes propres de chacun de s’exprimer (idiorrythmie), et de travailler un autre rapport au temps, et par là à l’apprentissage, à soi-même, aux autres. Il relève donc de la responsabilité de l’enseignant de penser un autre enseignement de la musique y compris au sein d’un environnement institutionnelThe opportunity I had to analyse socially oriented musical practice in Venezuela (El Sistema) and Scotland rose the question of time perception. From a music teacher's and performer's perspective, the matter seemed to be essential.Thus, from an ethical and political angle, I formulate the hypothesis that musical practice can influence our relation to time and to the world. I analyse different forms of temporality (or temporalisation) as developed by thinkers (philosophers, historians, sociologists, physicists...) who tried to think outside of the frame of time as an urgency, as it is imposed by capitalist society. These thinkers advocate anticipation and imagination, rather than the perpetual planification of time that leaves very little space, if any at all, to individuation.I suppose that musical practice, if considered this way, allows the expression of individual rhythms (idiorrhythmy). It also helps shaping another relation to time and, consequently, to learning, to oneself and to others.Therefore, it is the teacher's responsibility to design a new form of musical teaching, even within the institutions
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Servant, Isabelle. „Les Transformations de la temporalité dans les pièces pour clavecin en France à l'époque baroque (1660-1750)“. Aix-Marseille 1, 1994. http://www.theses.fr/1994AIX10076.
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Representatives, aux xviieme et xviiieme siecles, d'un langage musical en pleine expansion, les pieces francaises pour clavecin s'inscrivent dans un ensemble complexe de sensibilites au temps. Les rapports etroits entre les groupes sociaux producteurs de ces pieces et les principes qui sont a la base de leur composition donnent a penser que leur milieu temporel, d'abord polychrone a l'epoque de d'angelbert, tend a devenir monochrone avec l'application des theories ramistes et l'etablissement ferme de la musique tonale. La construction d'un instrument d'observation, inspire de l'anthropologie musicale historique, permet d'apprecier l'evolution de ce milieu temporel au cours du xviiieme siecle.
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Howe, C. Theodore. „Stasis and Motion Explored in Three of my Musical Compositions“. Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/36688.
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Le but principal de ce mémoire est d’explorer les concepts et les gestes musicaux du statisme et mouvement en musique. Le mémoire va présenter comment ces concepts et gestes peuvent enrichir la compréhension d’une composition, au niveau de sa forme, du rythme, etc. Les trois œuvres à l’étude sont : 1) Brume, pour quatuor à cordes, où l’atmosphère statique présente très peu de matériaux qui n’évoluent guère, et ce, pendant un long moment. 2) Sous le Sol, pour quintette à vents, où le statisme de la pulsation est dynamisé par les changements métriques, agogiques, et tonaux.3) Lumière et Couleurs, pour l’orchestre, dans laquelle tous les éléments du discours musicale (harmonie, durée, hauteur) sont prédéterminés à l’aide d’une série de Fibonacci. Dans le contexte du mémoire, je vais définir les mots « statisme » et « mouvement », expliquer les sources d’inspiration musicales et littéraires qui me sont dirigées vers cet approche, et, en finale, je vais analyser les trois œuvres mentionnées ci-haut et présenter les concepts de statisme et de mouvement se présentent au niveau de la composition.This thesis is meant to be an exploration of musical gestures pertaining to the concepts of stasis and motion in music, in three of my original compositions. The intent of this exploration is to demonstrate how looking at musical compositions from the perspective of stasis and motion can help both the composer and the listeners to understand their formal structures, as well as be interesting, inspiring, and can add more depth to a work. The compositions are as follows: 1) Brume, for String Quartet, which details my attempt at creating an overall atmosphere of stasis with little, minutely -detailed motion over a long period of time, using very little musical material. 2) Sous le Sol, for Woodwind Quintet, where changes in metre, rhythmic accent, and key signature (motion) come to the fore to obscure an unchanging (static) rhythmic drive. 3) Lumière et Couleurs, for Orchestra, where all of the elements of stasis and motion, such as harmony, rhythm, and pitch are guided in part by a pre-determined compositional process, namely, the Fibonacci sequence. I will first define what is meant by stasis and motion in the context of this essay, then I will explain the musical and literary sources of inspiration that led to my choosing this approach, and, finally, I will analyze the three-aforementioned works and how I applied stasis and motion throughout their compositional processes.
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Corbier, Christophe. „Poésie, musique et danse : Maurice Emmanuel (1862-1938) et l'hellénisme“. Paris 4, 2008. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-8124-4024-3.
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Joos, Maxime. „Les fondements esthétiques des principes de composition chez Henri Dutilleux : contribution, à une analyse de la structuration du matériau et de l'espace sonore“. Nice, 2006. http://www.theses.fr/2006NICE2001.
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Cette thèse aborde les fondements esthétiques de la composition chez Henri Dutilleux. La première partie de ce travail traite de la structuration hiérarchique du matériau musical et tente d'expliciter certaines notions comme la mémoire tonale, la polarisation ou encore les métaboles d'échelles. Ces notions permettent de cerner la manière dont les modes de structuration du langage musical de Dutilleux s'imbriquent. La deuxième partie porte sur les rapports de cette structuration hiérarchique du matériau avec des critères de symbolisation inhérents à des analogies acoustiques et poétiques. La dernière partie discute des liens entre genèse et forme musicale. La forme est appréhendée à la fois comme processus de composition et comme réalité d'un contenu musical "tressé"This PhD thesis approaches aesthetical foundations of Dutilleux's work. The first part of this essay deals with hierarchical organization of musical material and explains some notions like tonal memory, polarity, scales mutations. These notions help understanding the imbrication of different types of structure models. The second part deals with the relationship between genesis and musical form. The form is presented like a compositionnal process and like a reality of a "woven" musical content
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Lalitte, Philippe. „Ecriture et perception des grandes formes en musique contemporaine et, en particulier, chez Roger Reynolds“. Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040194.
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Cette thèse aborde la question de la forme et du temps musical dans la seconde moitié du XXe siècle sous le double aspect de l'écriture et de la perception. Le premier chapitre décrit les principales conceptions du temps musical, stratégies d'écriture et modèles formels des compositeurs, ainsi que les principales théories musicologiques concernant la forme. Le deuxième chapitre est consacré au carré sémiotique des formes musicales (définition du modèle, approche typologique, approche syntagmatique). Le troisième chapitre est voué à The Angel of Death de R. Reynolds, œuvre qui permet de confronter écriture et perception. Le quatrième chapitre fait le point sur les principales études et théories forgées par la psychologie autour de cette question et présente une expérience portant sur la perception de la cohérence formelle. La fin du quatrième chapitre esquisse un modèle cognitif décrivant la structuration de l'information musicale et les quatre niveaux de cohérence temporelleThis PhD approaches the issue of musical time and form in the second half of the XXth century with the joint perspective of composition and perception. The first chapter describes inflluential conceptions of musical time, compositional strategies, functions and formal models for composers, as well as the main musicological theories concerning musical form. The second chapter is devoted to the semiotic square of musical form (definition,. Typological and syntagmatical approach). The third chapter is dedicated to R. Reynolds'The Angel of Death, work which allows a dual exploration of composition and perception. The fourth chapter reviews the principal studies and theories in psychology which address the subject and presents an experiment studying the perception of formal coherence. The end of the fourth chapter outlines a cognitive model describing the structuring of musical information and four levels of temporal coherence
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Bégel, Valentin. „Evaluation and training of rhythmic skills via new technologies“. Thesis, Montpellier, 2017. http://www.theses.fr/2017MONT4003/document.
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L’être humain est doté d’une grande capacité à traiter l’information temporelle, particulièrement visible dans notre tendance à bouger avec la pulsation de la musique. Cette pulsation est appelée beat. Les capacités rythmiques sont sous-tendues par un réseau neuronal complexe, incluant les régions auditives (cortex auditif, gyrus temporal supérieur), les régions motrices et pré-motrices (les ganglions de la base, les cortex moteur et pré-moteur) et les régions de coordination motrices (par ex., le cervelet). Lorsque ces régions sont affectées par des maladies neurologiques ou développementales, les capacités rythmiques peuvent être atteintes. C’est le cas dans la maladie de Parkinson ou la dyslexie par exemple. Les déficits de rythme sont associés à des déficits moteurs et cognitifs. Une autre forme de troubles du rythme est le cas des mauvais synchroniseurs (anglais « beat deaf »), des sujets sans troubles neurologiques qui ont des difficultés à se synchroniser et/ou à percevoir le rythme.Dans cette dissertation, deux questions sont posées. Tout d’abord, est-il possible d’étendre nos connaissances des différences inter-individuelles dans les capacités de rythme avec un outil systématique, de manière à mieux comprendre les mécanismes sous-tendant le traitement du rythme ? Ensuite, les capacités de rythme peuvent-elles être entraînées, avec de potentielles applications dans l’entraînement des domaines cognitifs et moteurs associés chez les patients atteints de troubles rythmiques ?Dans la première partie de la section expérimentale, j’ai utilisé la Battery for the Assessment of Auditory Sensorimotor and Timing Abilities (BAASTA) pour évaluer systématiquement et caractériser les capacités rythmiques perceptives et sensorimotrices des individus. Les résultats obtenus à certaines tâches corrèlent hautement avec d’autres, alors que certaines tâches sont totallement indépendantes les unes des autres. Cela révèle que la batterie peut distinguer les mécanismes en commun ou différents d’une tâche à l’autre. Dans une autre étude, 20 sujets sains adultes ont été soumis à la BAASTA à deux semaines d’intervalle. La performance dans la plupart des tâches reste stable en phase de re-test. Finalement, la BAASTA a été utilisée auprès de sujets beat deaf. J’ai montré que deux individus ont des difficultés dans la perception du rythme, par exemple dans une tâche consistant à estimer si un métronome est aligné au rythme de la musique (Beat Alignment Test, BAT) alors qu’ils peuvent se synchroniser avec les mêmes stimuli. Le fait que la synchronisation au beat puisse être fonctionnelle alors que la perception est déficitaire est reporté pour la première fois. De plus, les sujets beat deaf bénéficient comme les sujets contrôles de la régularité d’une séquence (timing implicite) dans une tâche dans laquelle le but est de répondre le plus rapidement possible à une cible après une séquence de sons standards.Dans la deuxième partie de la section expérimentale, je présente un jeu sérieux pour l’entraînement des capacités de rythme (Rhythm Workers) conçu durant la thèse. J’ai développé un protocole d’entraînement des capacités de rythme progressive et conduit une étude pilote sur 20 sujets qui ont joué pendant deux semaines. Les participants ont montré une bonne adhésion au jeu et une bonne motivation à jouer. Des résultats encourageants sur l’évolution des capacités rythmiques, testés avec la version de la BAT issue de la BAASTA avant et après l’entraînement, sont présentés.En résumé, dans cette dissertation, j’ai contribué au développement d’outils pour l’évaluation et l’entraînement des capacités de rythme. Cela a permis de conduire des études pour mieux comprendre les mécanismes de traitement du rythme et d’ouvrir la voie à l’utilisation de jeux de rythme dans la réhabilitation et la remédiation cognitive et motriceHumans are highly skilled in processing temporal information. This is particularly visible in our compelling sense of rhythm that manifests in our tendency to move to the beat of music. Deliberately or spontaneously, we have a tendency to clap our hands, tap our feet, or dance with music. These skills are sustained by a complex neuronal network involving auditory regions (auditory cortex, superior temporal gyrus), motor and pre-motor areas (basal ganglia, motor and pre-motor cortices), as well as motor coordination regions (e.g., the cerebellum). However, rhythm skills can be disrupted in neurological diseases like Parkinson’s disease or in neuro-developmental diseases such as dyslexia. Rhythm deficits are associated with movement and cognitive disorders. Another form of rhythm disability is beat deafness, a specific condition in which healthy individuals encounter particular difficulties in synchronizing to the beat.In this dissertation, I aim at addressing two questions. First, is it possible to extend our knowledge of inter-individual differences to rhythm skills in order to better understand mechanisms underlying rhythmic processing with a systematic tool? Second, can rhythm skills be trained in order to improve the associated motor and cognitive domains in patient populations revealing rhythm disorders?In the first part of the experimental section, I used the Battery for the Assessment of Auditory Sensorimotor and Timing Abilities (BAASTA) to systematically test and characterize subjects’ perceptual and sensorimotor timing skills. I found that the results of some tasks were highly correlated with the ones of other tasks and that, on the contrary, some tasks were totally independent from each other. This reveals that the battery can discriminate between tasks involving different and common mechanisms. In a further study, 20 healthy adults were submitted twice to BAASTA at a two-week interval. The performance in most of the tasks remained stable at retest. Finally, BAASTA was used in beat-deaf individuals. I showed that two individuals performed poorly on rhythm perception tasks, such as detecting or estimating whether a metronome is aligned to the beat of the music or not (Beat Alignment Test [BAT]). Yet, they could tap to the beat of the same stimuli. The fact that synchronization to a beat can occur in the presence of poor perception is reported for the first time in this study. On top of that, beat-deaf participants benefited similarly to controls from a regular temporal pattern (implicit timing) in a task in which they had to respond as fast as possible to a different target pitch after a sequence of standard tones.In the second part of the experimental section, I present a serious game for training rhythmic skills (Rhythm Workers) designed during the doctorate. I developed a progressive rhythm training protocol with stimuli varying in rhythmic difficulty. I conducted a proof-of-concept pilot study on 20 individuals who played the game for 15 days. Participants in the experimental groups showed high compliance and motivation in playing the game. Encouraging results were found on the evolution of their rhythmic skills, as tested with the BAT taken from BAASTA that was submitted to the participants before and after the training.In sum, in this dissertation contributed to the development of tools for the assessment and training of rhythmic skills. This enabled us to design studies to better understand rhythm processing mechanisms and to pave the way for the use of rhythm games in cognitive and motor remediation and rehabilitation
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Vodenitcharov, Yassen. „L'influence des musiques traditionnelles extra-européennes sur les oeuvres de certains compositeurs de la deuxième moitié du XXe siècle“. Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0159.
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Au XXème siècle, certains compositeurs se sont intéressés à des sources d'inspiration musicale provenant d'un environnement extra-européen, et ce phénomène s'est accentué surtout à partir des années 1960. Cette recherche s'intéresse principalement aux œuvres de compositeurs tels Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feldman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, et quelques autres ayant marqué la seconde partie du XXème siècle, et qui utilisent certaines formules rythmiques, certains principes d'organisation modale, des timbres ou des techniques vocales, ainsi que certains aspects formels et conceptuels, provenant de traditions musicales extra-européennes. L'objectif de cette recherche est de démontrer de quelle manière ces éléments musicaux, issus de cultures exra-européennes, ont été assimilés par les compositeurs, afin de devenir partie intégrante de leur propre langage musical, en nous permettant aujourd'hui de parler de la réalisation d’une synthèseIn the twentieth century some composers researched sources of musical inspiration out of Europe, and this phenomenon mainly increased after the sixties. This research is dedicated to the works of composers like Luciano Berio, John Cage, George Crumb, Morton Feidman, Gyorgy Ligeti, Olivier Messiaen, Harry Partch, Steve Reich, Giascinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, and some others, who marked the second part of the twentieth century, and who use some rhythmic formulas, principles of modal organisation, timbres or vocal techniques, as well as some formaI and conceptual aspects, coming from extra-european musical traditions. The purpose of this research is to show the manner by which these musical elements, coming from extra-european cultures, have been assimilated by the composers, to become an integral part of their own language, so that today we can speak about the realisation of a synthesis
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Gribenski, Michel. „Le chant de la prose dans l'opéra (France, Italie, Allemagne), 1659-1902 : élements de poétique, d'esthétique et d'histoire du goût“. Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040197.
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Si l’opéra sur un livret en prose ne se manifeste publiquement en Europe qu’au tournant des XIXe et XXe siècles, dans les domaines russe, puis français, enfin allemand et tchèque, des essais de chant de prose et des réflexions sur ses conditions de possibilités sont cependant intervenus, en France, dès le XVIIIe siècle. Envisagée comme forme verbale apériodique, la prose peut ainsi être considérée comme étant au fondement du genre de l’opéra. D’une part, en effet, dans la tragédie lyrique et auparavant dans l’opéra italien, des vers mêlés apériodiques sont d’emblée associés à un chant lui aussi largement apériodique, notamment dans le récitatif. Cette caractéristique formelle du récitatif est soulignée par la notion analogique péjorative de « prose musicale », élaborée dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, en France et en Allemagne, par les partisans de la mélodie périodique italienne. D’autre part, l’ opposition entre le régime du récitatif et le régime de l’air peut être interprétée comme un conflit entre un principe dramatique linéaire de prosa oratio et un principe lyrique circulaire de versus. Sur un plan stylistique, la notion formelle de prose s’articule en outre à celle de prosaïsme, non seulement dans le drame lyrique naturaliste en prose, mais plus généralement dans le chant de type récitatif, considéré par certains théoriciens comme la prose du chant, parce qu’il est apériodique et dévolu aux matières de moindre valeur lyrique. Cette articulation entre les plans formel et stylistique s’opère notamment dans la prosodie musicale, et plus spécifiquement à travers le traitement de l’e caduc, qui fait l’objet de débats idéologiques touchant aux limites entre le naturel et le prosaïsme. Les tentatives de divers compositeurs, poètes et théoriciens pour dépasser l’antagonisme entre le vers et la prose conduisent dès lors à repenser le genre, non en termes de dichotomie formelle et stylistique, mais comme une unité organique. Celle-ci prend ainsi la forme d’un poème lyrico-dramatique, qui s’incarne dans un discours poético-musical associant chant, orchestre, et silence. Le problème du chant de la prose dans l’opéra apparaît donc comme un révélateur des enjeux génériques, esthétiques, voire idéologiques du théâtre lyriqueAlthough prose opera only appeared in Europe at the turn of the nineteenth and twentieth centuries, in Russian, French, German and Czech opera, some ventures into prose singing and reflections about it did occur in France as early as the eighteenth century. Seen as an aperiodic verbal form, prose can be considered to have been an essential part of the operatic genre from the beginning. Indeed, aperiodic free mixed verse is used in French tragédie en musique, and before that in Italian opera, in association with largely non-periodic singing, especially in recitative. This formal characteristic of recitative is summed up in the metaphoric and pejorative phrase of “musical prose”, which was created in France and Germany in the second half of the eighteenth century by admirers of the Italian periodic melody. This opposition between two modes of singing, recitative-like and aria-like singing, can be seen as a conflict between two contradictory principles in opera: on the one hand, a prosa oratio principle, whose linearity represents the dramatic progressive succession ; on the other hand, a versus principle, whose periodic circle constitutes the traditional form of lyrics. On a stylistic level, prose also has to do with prosaic matters and language, not only in the naturalistic drame lyrique, but more generally in recitative singing. The latter is sometimes considered the prose of music, not only because of its form, but also because it deals with less lyrical matters than aria. This relationship between formal and stylistic levels is particularly tight in prosodic matters, especially in the treatment of the famous mute e, which provokes multiple ideological debates concerning natural, realistic, or prosaic styles of diction. Attempts to solve this problematic opposition between verse and prose logics led various musicians, librettists and theorists to go beyond formal and stylistic dichotomy and to rethink opera as an organic whole: in the form of a lyric-dramatic poem and a poetic-musical speech, where singing, orchestra, and silence are combined. The problem of prose singing in opera thus clearly reveals the generic, aesthetic, and ideological issues concerning lyric theatre
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Canette, Laure-Hélène. „La musique pour stimuler le traitement de la syntaxe et de la sémantique chez l’enfant et l’adulte : étude de différents paramètres musicaux“. Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCH043.
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Un grand nombre de recherches ont mis en évidence des effets bénéfiques de la musique sur la cognition et le traitement du langage, à la fois à long terme et à court terme. Les effets à court terme de l’écoute de la musique ont été interprétés soit comme des effets non spécifiques (effets généraux de la modulation de l’humeur et du niveau d’éveil), soit comme des effets spécifiques, comme par exemple entre le rythme et la syntaxe. Dans cette thèse, nous avons cherché à mettre en évidence des effets de stimulation potentiels de certains paramètres musicaux (rythme, texture et paramètres permettant d’évoquer des émotions) sur des tâches linguistiques syntaxiques et sémantiques. Nous avons mesuré les performances d’enfants (âgés de 6 à 8 ans) et d’adultes dans plusieurs tâches comportementales (jugement grammatical, évocation lexicale, jugement de congruence, décision lexicale) après l’écoute de séquences musicales de différents types. L’ensemble de nos recherches suggère que le rythme, la texture et les émotions ont chacun des influences différenciées sur les traitements syntaxique et sémantique. Des séquences rythmiques régulières ont un effet bénéfique sur le jugement grammatical, tandis que des séquences texturales favorisent l’évocation lexicale. De plus, les émotions ont davantage d’influence sur le traitement sémantique que sur le traitement syntaxique. L’écoute musicale déclencherait des processus cognitifs ou des styles de traitement particuliers en fonction des caractéristiques de la musique écoutée, et ces processus influenceraient le traitement syntaxique et/ou le traitement sémantique. Ces données encouragent à considérer la musique comme un moyen potentiel de stimulation pour la cognition et le traitement du langage, en prenant en considération les effets de différents paramètres musicaux. Elles ouvrent des perspectives pour la réhabilitation des troubles du langage dans les domaines de la syntaxe et de la sémantiqueNumerous research has provided evidence for beneficial effects of music on cognition and language processing, in both short-term and long-term paradigms. Short-term effects of music listening have been interpreted as non specific effects (general effects of modulation of mood and arousal), as well as specific effects, for example between rhythm and syntax. In this thesis, we aimed to show potential stimulation effects of a selection of musical parameters (rhythm, texture, and parameters related to evoke emotions) on linguistic syntax and semantic tasks. We measured performance of 6 to 8 year-old children and of adults in a set of behavioral tasks (grammaticality judgment, lexical evocation, congruency judgment, lexical decision) after listening to musical sequences of different types. Our research results revealed that rhythm, texture and emotions each have differential influences on syntax and semantic processing. Regular rhythmic sequences have a beneficial effect on grammatical judgment, while textural sequences promote lexical evocation. Moreover, emotions have a greater influence on semantic processing than syntax processing. Music listening may trigger particular cognitive processes or information processing styles depending on the musical parameters, and these cognitive processes may influence syntax processing and/or semantic processing. These findings suggest the potential of music to boost cognition and language processing by taking in consideration the effect of different musical parameters. They open perspectives for the training and rehabilitation of syntax and semantics in the case of developmental language disorders
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Foroughmand, Aarabi Hadrien. „Towards global tempo estimation and rhythm-oriented genre classification based on harmonic characteristics of rhythm“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2021. http://www.theses.fr/2021SORUS018.
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La détection automatique de la structure rythmique au sein de la musique est l'un des défis du domaine de recherche "Music Information Retrieval". L'avènement de la technologie dédiées aux arts a permis l'émergence de nouvelles tendances musicales généralement décrites par le terme d'"Electronic/Dance Music" (EDM) qui englobe une pléthore de sous-genres. Ce type de musique souvent dédiée à la danse se caractérise par sa structure rythmique. Nous proposons une analyse rythmique de ce qui définit certains genres musicaux dont ceux de l'EDM. Pour ce faire, nous souhaitons réaliser une tâche d'estimation automatique du tempo global et une tâche de classification des genres axée sur le rythme. Le tempo et le genre sont deux aspects entremêlés puisque les genres sont souvent associés à des motifs rythmiques qui sont joués dans des plages de tempo spécifiques. Certains systèmes d'estimation du tempo dit "handcrafted" ont montré leur efficacité en se basant sur l'extraction de caractéristiques liées au rythme. Récemment, avec l'apparition de base de données annotées, les systèmes dit "data-driven" et les approches d'apprentissage profond ont montré des progrès dans l'estimation automatique de ces tâches.Dans cette thèse, nous proposons des méthodes à la croisée des chemins entre les systèmes "handcrafted" et "data-driven". Le développement d'une nouvelle représentation du rythme combiné à un apprentissage profond par réseau de neurone convolutif est à la base de tous nos travaux. Nous présentons en détails notre méthode dites Deep Rhythm dans cette thèse et nous présentons également plusieurs extensions basées sur des intuitions musicales qui nous permettent d'améliorer nos résultatsAutomatic detection of the rhythmic structure within music is one of the challenges of the "Music Information Retrieval" research area. The advent of technology dedicated to the arts has allowed the emergence of new musical trends generally described by the term "Electronic/Dance Music" (EDM) which encompasses a plethora of sub-genres. This type of music often dedicated to dance is characterized by its rhythmic structure. We propose a rhythmic analysis of what defines certain musical genres including those of EDM. To do so, we want to perform an automatic global tempo estimation task and a genre classification task based on rhythm. Tempo and genre are two intertwined aspects since genres are often associated with rhythmic patterns that are played in specific tempo ranges. Some so-called "handcrafted" tempo estimation systems have been shown to be effective based on the extraction of rhythm-related characteristics. Recently, with the appearance of annotated databases, so-called "data-driven" systems and deep learning approaches have shown progress in the automatic estimation of these tasks. In this thesis, we propose methods at the crossroads between " handcrafted " and " data-driven " systems. The development of a new representation of rhythm combined with deep learning by convolutional neural network is at the basis of all our work. We present in detail our Deep Rhythm method in this thesis and we also present several extensions based on musical intuitions that allow us to improve our results
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Ghrab, Anas. „Commentaire anonyme du Kitab al-adwar : édition critique, traduction et présentation des lectures arabes de l’œuvre de Ṣafī al-Dīn al-Urmawī“. Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040117/document.
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Notre thèse présente une édition critique et une traduction française d’un commentaire anonyme du Kitab al-adwar de ?afi¯ al-Din al-Urmawi. Partant de ce nouvel élément, nous établissons un état des lieux et révisons l’étude des textes arabes dans la tradition d’al-Din al-Urmawi. Dans ce but, nous mettons face à face les deux ouvrages principaux de ?afi¯ al-Din al-Urmawi et nous observons l’apport de ses lecteurs et commentateurs. Nous introduisons ainsi une étude détaillée des différentes thématiques abordées ~ : la place de la musique comme science médiévale, le son et sa production, les divisions du monocorde, la théorie et la conception des intervalles, l’organisation des genres, cycles et modes, la théorie du rythme, et la théorie des mouvements mélodiquesThis dissertation presents a critical edition and a French translation of an anonymous commentary on ?afi¯ al-Din al-Urmawi's Kitab al-adwar. Based on this commentary, I establish an inventory and revise the study of Arabic texts written in the tradition of al-Urmawi. For this purpose, I examine both principal works of ?afi¯ al-Din al-Urmawi face to face and observe the contributions of his readers and reviewers. The dissertation thus presents a detailed study of various themes~: the place of music as a medieval science; sound and its production; the divisions of the monochord; the theory and design of intervals, genres, cycles and modes; the theory of rythm; and the theory of melodic movement
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Haddad, Karim. „L’Unité Temporelle : une approche pour l’écriture de la durée et de sa quantification“. Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL141.
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Dans cette thèse, nous nous proposons d’étudier une nouvelle approche pour la pratique de l’écriture du temps musical à partir d’un concept de notation dédié à l’écriture de la durée, du rythme, et de la forme musicale. Ce nouveau concept appelé Unité Temporelle ouvre plusieurs interrogations et problématiques se déclinant sur trois axes : la notation des Unités Temporelles, l’opérabilité (représentant le potentiel à créer des formes inédites), et la quantification. Après un examen des diverses approches portant sur le temps, la forme, la durée et sa quantification, il sera question de dégager et de penser une nouvelle grammaire du temps musical portant sur sa syntaxe, sa représentation, à développer un dispositif rhétorique de transformation rythmique propre aux Unités Temporelles. Une fois cette tâche effectuée, nous considérerons les Unités Temporelles dans leur « mise-en-temporalité » soulevant ainsi la question de l’« unité compositionnelle » et ses implications dans le domaine formel. Après une étude exhaustive de la quantification symbolique sur les structures d’Unités Temporelles, nous explorerons le chemin menant à partir de la conception d’une œuvre, à travers l’esquisse et sa réalisation finale par une quantification « juste » préservant l’intégrité du discours musical à travers un regard de certaines œuvres personnellesIn this thesis, we will study a new approach in the practice of musical time composition starting from a notational concept dedicated to the writing of duration, rhythm and musical form. This new concept that we call Time Unit opens on several questions and issues structured around three key principles : the notation of Time Units, their operability (the potentiality to yield new musical form) and quantization. After examining these different approaches on time, form, duration and quantization, we shall try to create a new grammar of musical time directed on its syntax and its representation. We shall build tools for rhythmical transformation and production of Time Units. Once this is achieved, we will study the same Time Units under their real time aspect raising the issue of “compositional” and its implications on the scope of musical form. After a thorough study on symbolic rhythm quantization of Time Units structures we will explore the path starting from the conception of a composition, through its state of sketch, to its final state achieved by a “correct” quantization preserving the integrity of its discourse. This will be illustrated with case study examples, from our personal works
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Peckel, Mathieu. „Le lien réciproque entre musique et mouvement étudié à travers les mouvements induits par la musique“. Thesis, Dijon, 2014. http://www.theses.fr/2014DIJOL025/document.
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La musique et le mouvement sont inséparables. Les mouvements produits spontanément lors de l'écoute musicale seraient le reflet d'un lien étroit entre le système perceptif et moteur. Ce lien est l'objet d'étude de cette thèse. Une première approche concernait l'impact des mouvements induits par la musique sur la cognition musicale. Dans deux études, nous montrons que bouger en rythme sur la musique n'améliore ni la rétention de nouveaux morceaux de musique (Etude 1) ni la rétention d'informations contextuelles relatives à leur encodage (Etude 2). Les résultats des ces deux études suggèrent la superficialité du traitement inhérent à l'expression des affordances musicales nécessaire à la production de mouvements induits par la musique dans la tâche motrice ainsi qu'un traitement moteur automatique de la musique indépendamment de la tâche. L'importance du groove musical a également été mise en évidence. Une deuxième approche concernait l'influence de la perception de rythmes musicaux sur la production de mouvements rythmiques. Notre troisième étude testait l'hypothèse selon laquelle les membres du corps seraient influencés de manière différente en fonction du tempo musical. Les résultats montrent que la tâche de tapping était la plus influencée par la perception de rythmes musicaux. Ceci serait dû à la nature similaire de la pulsation musicale et des mécanismes de timing impliqués dans le tapping ainsi qu'à des phénomènes de résonance motrice. Nous avons également observé la mise en place de certaines stratégies face à la tâche. L'ensemble de ces résultats est discuté à la lumière du lien entre perception et action, de la cognition musicale incarnée et des affordances musicalesMusic and movement are inseparable. The movements that are spontaneously procuded when listening to music are thought to be related to the close relationship between the perceptual and motor system in listeners. This particular link is the main topic of this thesis. A first approach was focused on the impact of music-induced movements on music cognition. In two studies, we show that moving along to music neither enhances the retention of new musical pieces (Study 1) nor the retention of the contextual information related to their encoding (Study 2). These results suggest a shallow processing inherent to the expression of musical affordances required for the production of music-induced movements in the motor task. Moreover, they suggest that music is automatically processed in a motoric fashion independantly of the task. Our results also brought forward the importance of the musical groove. A second approach focused on the influence of the perception of musical rhythms on the production of rythmic movements. Our third study tested the hypothesis that different limbs would be differentially influenced depending on the musical tempo. Results show that the tapping taks was the most influenced by the perception of musical rhythms. We argued that this would come from the similar nature of the musical pulse and the timing mecanisms involved in the tapping task and motor resonance phenomena. We also observed different strategies put in place to cope with the task. All these results are discussed in light of the link between perception and action, embodied musical cognition and musical affordances
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Ométak, Valérie. „Approche du mouvement du rythme musical par le mouvement graphique de l’auditeur. Représentations graphiques enactives de patterns rythmiques percussifs par des enfants de cinq ans“. Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040007.
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Cette thèse porte sur le rythme musical considéré sous l’angle particulier de son mouvement et entreprend une approche empirique de cette notion abstraite, en l’absence de consensus sur la définition du rythme et d’une théorie scientifique sur le mouvement en musique. Différentes conceptions théoriques du mouvement sont exposées suivant que le rythme musical est considéré comme un objet, un phénomène ou une forme dynamique. Ces points de vue sont enrichis de données empiriques sur la description du rythme par les mouvements de l’auditeur. A l’appui de ce cadre de référence, la forme dynamique est saisie comme outil conceptuel et méthodologique qui permet de cerner les qualités dynamiques du rythme suivant l’évolution temporelle de ses éléments dynamo-agogiques, supposés porteurs d’informations de vitesse du mouvement, et d’analyser cette forme dynamique musicale par les formes dynamiques graphiques tracées par l’auditeur lors de l’écoute du rythme. Cet outil est testé dans une expérience exploratoire durant laquelle on enregistre les traçages effectués avec un stylo numérique par 33 enfants de 5 ans, sujets enactifs, lors de la représentation graphique de 24 brefs patterns percussifs. Les 792 traçages avec l’environnement sonore sont étudiés avec deux méthodes de comparaison de l’évolution temporelle du graphisme et du rythme. L’analyse de l’appariement de ces formes dynamiques rythmiques et graphiques met en évidence des liens solides entre des propriétés d’intensité et de durées des rythmes et des propriétés formelles et dynamiques des graphismes des auditeursGiven the lack of a consensual definition of rhythm and of a scientific theory of musical motion, this dissertation approaches empirically the abstract notion of the motion conveyed by musical rhythm. We present several theoretical conceptions of motion, musical rhythm being alternatively considered as an object, a phenomenon or a dynamic form. These points of view are completed with empirical data describing rhythms through listener’s movements. Within this framework, we use the dynamic form as a conceptual and methodological tool giving insights into the rhythm dynamics according the way their dynamo-agogic elements, assumed to convey information regarding motions' speed, change over time. It also allows the analysis of this musical dynamic form through the graphical dynamic form drawn by the listeners as they listen to a rhythm. This tool was tested in an exploratory experiment on 33 five-year-old enactive subjects, during which the movements of an electronic pen were recorded as the children were asked to draw an enactive graphical representation of 24 brief percussive patterns. The 792 tracing samples thus generated as rhythms unfold are studied with two methods comparing the respective temporal changes of tracing movements vs rhythms. Pairing these graphical and rhythmic dynamic forms for analysis exhibited strong links between the properties of intensity and duration of rhythms on one hand, and dynamic and formal properties of the graphical patterns generated by the listeners on the other hand
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Louboutin, Corentin. „Modélisation multi-échelle et multi-dimensionnelle de la structure musicale par graphes polytopiques“. Thesis, Rennes 1, 2019. http://www.theses.fr/2019REN1S012/document.
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Il est raisonnable de considérer qu'un auditeur ne perçoit pas la musique comme une simple séquence de sons, pas plus que le compositeur n'a conçu son morceau comme tel. La musique est en effet constituée de motifs dont l'organisation intrinsèque et les relations mutuelles participent à la structuration du propos musical, et ce à plusieurs échelles simultanément. Cependant, il est aujourd'hui encore très difficile de définir précisément le terme de concept musicale. L'un des principaux aspects de la musique est qu'elle est en grande partie constituée de redondances, sous forme de répétitions exactes et variées. L'organisation de ces redondances permet de susciter une attente chez l'auditeur. Une surprise peut alors être créée en présentant des éléments qui ne correspondent pas à cette attente. Ce travail de thèse se base sur l'hypothèse que les redondances, l'attente et la surprise sont des éléments essentiels pour la description de la structure musicale d'un segment. Un certain nombre de questions découlent de ce constat: quels sont les éléments musicaux qui participent à la structure d'un objet musical ? Quelles sont les dépendances entre ces éléments qui jouent un rôle essentiel dans la structuration d'un objet musical ? Comment peut-on décrire une relation entre deux éléments musicaux tels que des accords, des motifs rythmiques ou mélodiques ? Dans ce manuscrit, des éléments de réponse sont proposés par la formalisation et l'implémentation d'un modèle multi-échelle de description de la structure d'un segment musical : les Graphes Polytopiques à Relations Latentes (GPRL/PGLR). Dans ce travail, les segments considérés sont les sections successives qui forment une pièce musicale. Dans le cas de la pop, genre musical sur lequel se concentre ce travail, il s'agit typiquement d'un couplet ou d'un refrain, de 15 sec. environ, comprenant un début et une fin bien définis. En suivant le formalisme PGLR, les relations de dépendance prédominantes entre éléments musicaux d'un segment sont celles qui relient les éléments situés à des positions homologues sur la grille métrique du segment. Cette approche généralise sur le plan multi-échelle le modèle Système&Contraste qui décrit sous la forme d'une matrice 2×2 le système d'attente logique au sein d'un segment et la surprise qui découle de la réalisation de cette attente. Pour des segments réguliers de taille 2^n, le PGLR peut être représenté sur un n-cube (carré, cube, tesseract, ...), où n est le nombre d'échelles considérées. Chaque nœud du polytope correspond à un élément musical fondamental (accord, motif, note...), chaque arête représente une relation entre deux nœuds et chaque face représente un système de relations. La recherche du PGLR correspondant à la meilleure description de la structure d'un segment musical s'opère par l'estimation jointe : de la description du polytope (un n-polytope plus ou moins régulier) ; de la configuration du graphe sur le polytope, permettant de décrire le flux de dépendance et les interactions entre les éléments par des implications élémentaires systémiques au sein du segment ; la description de l'ensemble des relations entre les nœuds du graphe. Le but du modèle PGLR est à la fois de décrire les dépendances temporelles entre les éléments d'un segment et de modéliser l'attente logique et la surprise qui découlent de l'observation et de la perception des similarités et des différences entre ces éléments. Cette approche a été formalisée et implémentée pour décrire la structure de séquences d'accords ainsi que de segments rythmiques et mélodiques, puis évaluée par sa capacité à prédire des segments inconnus. La mesure utilisée pour cette évaluation est la perplexité croisée calculée à partir des données du corpus RWC POP. Les résultats obtenus donnent un large avantage à la méthode multi-échelle proposée, qui semble mieux à même de décrire efficacement la structure des segments testésIn this thesis, we approach these questions by defining and implementing a multi-scale model for music segment structure description, called Polytopic Graph of Latent Relations (PGLR). In our work, a segment is the macroscopic constituent of the global piece. In pop songs, which is the main focus here, segments usually correspond to a chorus or a verse, lasting approximately 15 seconds and exhibiting a clear beginning and end. Under the PGLR scheme, relationships between musical elements within a musical segment are assumed to be developing predominantly between homologous elements within the metrical grid at different scales simultaneously. This approach generalises to the multi-scale case the System&Contrast framework which aims at describing, as a 2×2 square matrix, the logical system of expectation within a segment and the surprise resulting from that expectation. For regular segments of 2^n events, the PGLR lives on a n-dimensional cube (square, cube, tesseract, etc...), n being the number of scales considered simultaneously in the multi-scale model. Each vertex in the polytope corresponds to a low-scale musical element, each edge represents a relationship between two vertices and each face forms an elementary system of relationships. The estimation of the PGLR structure of a musical segment can then be obtained computationally as the joint estimation of : the description of the polytope (as a more or less regular n-polytope) ; the nesting configuration of the graph over the polytope, reflecting the flow of dependencies and interactions as elementary implication systems within the musical segment, the set of relations between the nodes of the graph. The aim of the PGLR model is to both describe the time dependencies between the elements of a segment and model the logical expectation and surprise that can be built on the observation and perception of the similarities and differences between elements with strong relationships. The approach is presented conceptually and algorithmically, together with an extensive evaluation of the ability of different models to predict unseen data, measured using the cross-perplexity value. These experiments have been conducted both on chords sequences, rhythmic and melodic segments extracted from the RWC POP corpus. Our results illustrate the efficiency of the proposed model in capturing structural information within such data
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Zagala, Mathilde. „Le « trois sur quatre » dans la musique écrite en circulation à la Nouvelle-Orléans d’avant le jazz enregistré, 1835-1917“. Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040223.
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Ce travail porte sur le motif polyrythmique de «trois sur quatre» dans la musique écrite en circulation à la Nouvelle-Orléans d’avant le jazz enregistré, de 1835 à 1917. S’inscrivant à l’intersection de l’histoire et de l’analyse du rythme, il propose une analyse comparée à partir de trois méthodologies d’analyse (celle des polyrythmies percussives d’Afrique centrale conçue par Simha Arom,celle des dissonances métriques développée par Harald Krebset celle des polyrythmies dans le jazz mise au point par Laurent Cugny) adaptées et appliquées à des corpus archivistiques dépouillés notamment à la Hogan Jazz Archive (à la Nouvelle-Orléans), rendant compte de la vie musicale dans les salons de la bourgeoisie néo-orléanaise du XIXe siècle, puis de l’émergence du ragtime et du premier jazz. Si tout au long de la période étudiée, les exemples de trois sur quatre sont constitués de la superposition d’une figure rythmique contramétrique sur une figure rythmique commétrique, à partir du ragtime et du premier jazz, un modèle de trois sur quatre se distinguant clairement, quantitativement et qualitativement, de son utilisation au XIXe siècle s’établit: le «paradigme du secondary rag». Un exemple issu de The Banjo (1855) du compositeur néo-orléanais Louis Moreau Gottschalk annonce toutefois ce modèle, offrant ainsi de nouvelles perspectives sur l’histoire du ragtime et du premier jazz et l’histoire du rythme dans ces musiques, témoignant de leurs liens notamment avec d’une part, les musiques traditionnelles africaines et leur habitus contramétrique, d’autre part, la musique savante européenne de tradition tonale et son habitus commétrique, mais aussi avec la musique populaire de banjo de la mi-XIXe siècle, qui avait peut-être déjà alors fait la synthèse de ces élémentsThis study deals with the “three-over-four” polyrhythmic pattern in written music circulating in New Orleans before jazz was recorded, from 1835 to 1917. Through an interdisciplinary approach using history and analysis of rhythm, it proposes a comparative analysis from three methods –analysis of Central African percussive polyrhythm created by Simha Arom, analysis ofmetrical dissonance as developed by Harald Krebs, and analysis of jazz polyrhythm designed by Laurent Cugny. Those methods are adjusted and used to study archival corpora mostly held at the Hogan Jazz Archive in New Orleans, reporting on musical life in salons of 19th-century New Orleans bourgeoisie, then on the beginnings of ragtime and early jazz. While three-over-four examples are constituted from the superimposition of a contrametric pattern on a cometric pattern throughout the studied period, a new form of three-over-four pattern (clearly distinct in both quantitative and qualitative terms from its 19th-century forms) appears in ragtime and early jazz: the «paradigm of secondaryrag». An example from The Banjo (1855) by New Orleans composer Louis Moreau Gottschalkis quite similar to the new form though, allowing a reinterpretation of ragtime and early jazz history as well as history of rhythm in both musical styles. The discovery reflects on their connections, especially with respect to traditional African music and its contrametric habitus, European art music and its cometric habitus, but also with 19th-century banjo popular music, which had probably already integrated these elements
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Joly, Robin. „L'Art Ménétrier Renaissance : comment une approche choréologique de l'Orchésographie de Thoinot Arbeau peut éclairer et renseigner les musiciens sur leurs choix d'interprétations“. Thesis, Tours, 2017. http://www.theses.fr/2017TOUR2030.
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Le jeu musical pour les danses de la Renaissance, comme pour les autres répertoires, a ses propres codes et ses propres exigences. Dans les danseries imprimées à plusieurs parties en Europe de 1528 (premier livre de danseries des imprimeries Pierre Attaingnant) à 1588 (première édition de l’Orchésographie de Thoinot Arbeau), il s’agit de repérer les récurrences mélodiques, rythmiques et contrapuntiques des partitions. Par ailleurs, il s’agit également de définir les caractéristiques de chaque danse (tempo, mesure et métrique). Ces analyses ont permis, entre autres, de déceler deux grandes familles de danses récréatives : les danses de côté et les danses de marche. Elles ont chacune leurs spécificités en termes d’interprétation. Par exemple, les premières se concentrent sur l’accompagnement des directions alors que les secondes nécessitent une articulation sur chaque appui. Il ne reste, ensuite, qu’à mettre en perspectives ces observations pour faire valoir cette interdisciplinarité et exceller en art ménétrierThe way of playing for Renaissance dances has its own codes and its own demands, as in other musical repertoires. In the dance pieces printed for several voices in Europe from 1528 (first book of dance pieces printed by Attaingant) until 1588 (first edition of the Orchésographie by Thoinot Arbeau), one should notice out the melodic, rhythmic and counterpointistic recurrences in the scores. On the other hand, one should also define each dance characteristic (tempo, mesure and metric). Those analysis allowed to spot, among other things, two large families of recreational dances: the side dances and the walking dances. Each of them have their own requirements in terms of interpretation. For example, the first ones concentrate on the fact of accompanying the directions meanwhile the second ones need some articulation on each foot step. One only needs then to put into perspective those observations to excel in the “art ménétrier” (“minstrel art” or art to play for dancing)
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Calvié, Laurent. „Le rhéteur Aristide Quintilien philosophe panmusicaliste et la théorie rythmique de l'Antiquité : tradition manuscrite et histoire du texte des Eléments rythmiques d'Aristoxène de Tarente : avec une édition critique provisoire et une première traduction en français de son seul fragment conservé“. Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10001.
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Ce mémoire constitue la première partie d'un travail entrepris il y a une dizaine d'années sur le texte des rythmiciens grecs. Ce travail vise à en donner une première édition critique et une interprétation nouvelle, libérée de la tradition exégétique inaugurée par August Rossbach et Rudolf Westphal, dont il propose une lecture critique. Centré sur le seul fragment conservé du livre II des Eléments rythmiques d'Aristoxène de Tarente, où apparaît pour la première fois en Grèce une conception purement temporelle du rythme musical, le présent mémoire étudie donc la tradition manuscrite de ce traité fondateur, avant de retracer l'histoire de son texte durant l'Antiquité, le Moyen-âge et les débuts de l'époque moderne. Trois acteurs de cette dernière enrichissent principalement notre connaissance de la rythmique du disciple d'Aristote : Aristide Quintilien, Porphyre et Michel Psellos. Plusieurs des textes ici étudiés bénéficient d'une édition critique et d'une première traduction en françaisThis is a first part of a larger work on the text of Greek rhythmicians. It only concerns the fragment of book II of Aristoxenus Elementa Rhythmica and studies textual tradition and its text story during the Antiquity, Middle ages and the beginning of modern era. This story shows the great importance of Aristides Quintilianus, Porphyry and Psellus in this tradition. Some of these texts have been already translated with a critical edition
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Gillet, Olivier. „Transcription des signaux percussifs : application à l'analyse de scènes musicales audiovisuelles“. Phd thesis, Télécom ParisTech, 2007. http://pastel.archives-ouvertes.fr/pastel-00002805.
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Cette thèse tisse des liens entre les domaines de l'indexation audio et de l'analyse de séquences d'images, à travers le problème de l'analyse de l'accompagnement rythmique des signaux de musique. Nous étudions d'abord le problème de la transcription de la piste de batterie d'enregistrements musicaux à partir de la modalité audio seule. Après avoir présenté des pré-traitements permettant d'accentuer cette piste, nous utilisons des techniques d'apprentissage statistique sur une large gamme d'attributs pour réaliser la transcription. Nous introduisons également des approches supervisées et non supervisées pour améliorer la reconnaissance en exploitant la régularité des motifs rythmiques. Nous incorporons ensuite à ce système de transcription l'information visuelle provenant de caméras filmant le batteur. Différentes approches sont présentées pour détecter la position des éléments de la batterie dans la scène et pour associer les régions extraites à des catégories sonores. Des descripteurs d'intensité de mouvement sont ensuite utilisés pour la détection des frappes. Les résultats démontrent la capacité d'une approche multimodale à résoudre certaines des ambiguïtés propres à la transcription audio. Nous étendons enfin nos travaux aux clips vidéos, en tentant de mesurer de quelle manière la musique peut être illustrée par des images. Après avoir présenté ou introduit de nouvelles méthodes de structuration automatique des flux audio et vidéo à différents niveaux, nous définissons des mesures de synchronie sur les structures obtenues. Ces mesures, qui s'avèrent dépendantes du type de document musical, permettent des applications de recherche de musique par l'image.
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Paczynski, Georges. „Rythme et geste /“. Paris : A. Zurfluh, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41432527t.
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Texte remanié de: Thèse de doctorat d'État--Lettres et sciences humaines--Paris 4, 1984. Titre de soutenance : La genèse du rythme et l'anthropologie gestuelle.Notice réd. d'après la couv. Bibliogr. p. 341-357. Index.
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Özkan, Talip. „Analyse des mesures (rythmes) et des modes de la musique populaire turque“. Paris 8, 1989. http://www.theses.fr/1989PA080378.
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Talip Ozkan, auteur du present ouvrage, a ete musicien et chercheur sur le terrain a la radio turque de 1958 a 1976. Venu en europe en 1977, il entreprend, en marge de sa carriere de concertiste virtuose, des recherches approfondies visant a eclairer pour le public europeen les mysteres des musiques turques. Ce travail presente les mesures et les rythmes, analyse les mesures de base ( ana usuller ), binaires et ternaires en 2, 3, 4 temps, les mesures composees en 5, 6, 7, 8, 9 temps ( birlesik usuller ), les mesures complexes ( karma usuller ) en 10, 11, 12, 15, 16, 18, 20, 21, 25, 28 temps et enfin les mesures variees ( degismeli ). Toutes les mesures sont illustrees par de nombreux exemples. De meme, on trouvera une etude des modes de cette musique: modes simples; modes composes; modes transposesTalip Ozkan, author of the present work, has been both a musician and field researcher at the turkish national radio from 1958 to 1976. He came to europe in 1977, and started beside his carier of virtuose concertist, advanced studies aiming to light up for the european audience the mysteries of traditional popular turkish music. This work presents the basic rythms ( ana usuller ) in 2, 3, 4, beats, the combined rythms in 5, 6, 7, 8, 9 beats ( birlesik usuller ), the complex rythms ( karma usuller ) in 10, 11, 12, 15, 16, 18, 20, 21, 25, 28 beats, and finally the changing rythms ( degismeli ). For all the rythms, many examples are given. Also, the reader will find a study of the various modes of this music: basic modes ; combined modes ; transposed modes
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Benabdallah, Abdelwahab. „La nawba algéroise : de l'analyse à la classification“. Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040234.
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La nawba est la macroforme vocale et instrumentale de référence de l’héritage musical dit "arabo-andalou" des pays du Maghreb. Au sein de ce vaste répertoire, la nawba algéroise transmise dans l'école d'Alger mérite une étude particulière. Le travail de cette thèse porte donc sur le répertoire de la nawba algéroise et plus précisément sur les pièces vocales, classées dans les 16 modes/nawbât et réparties dans cinq mouvements à savoir : mṣaddar, bṭayḥi, darj, inṣiraf et ḫlaṣ. La nawba est une suite de pièces vocales et instrumentales qui s'enchainent dans un ordre bien établi selon le ṭab’ (le mode) et le mîzân (le rythme) qui sont des critères importants pour la classification des pièces. Notre analyse sera essentiellement fondée sur le ṭab’ afin de comprendre comment fonctionnent les seize modes de la nawba à Alger et comment les différencier afin de définir les caractéristiques propres de chaque pièce vocale de la nawba. Le travail d'analyse commencera par une analyse préliminaire pour caractériser précisément les seize modes algérois et repérer les anomalies. Un deuxième niveau d'analyse prendra en compte les pièces repérées afin de pouvoir clarifier le classement. Enfin nous proposons dans l’annexe, les transcriptions complètes du corpus sous forme d’un diwan ou recueil mélodique, à partir du classement scientifique mélodiqueThe nawba is vocal and instrumental macroform reference of the musical heritage called "Arabo-Andalou" of the Maghreb countries. Within this vast repertoire, the algiers nawba transmitted in the algiers school deserves special study. The work of this thesis therefore focuses on the repertoire of algiers nawba and specifically on the vocal parts, classified in 16 modes/nawbât and in five movements is: mṣaddar, bṭayḥi, darj, inṣiraf and ḫlaṣ. The nawba is a suite of vocal and instrumental pieces that keep coming in an established order in the ṭab’ (mode) and mîzân (rhythm), which are important criteria for the classification of parts. Our analysis will be based essentially on the ṭab’ to understand how the sixteen modes of nawba in algiers and how to differentiate in order to define the characteristics of each voice piece of nawba. The analytical work will begin with a preliminary analysis to accurately characterize the sixteen algiers modes and identify anomalies. A second level of analysis will consider the items identified in order to clarify the classification. Finally we propose in the Annex, the full transcripts of the corpus as a diwan or melodic collection, from the melodic scientific classification
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Chamone, de Freitas Emilia Maria. „Tradition, pratique et diffusion du maracatu de baque virado (Brésil-France)“. Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEH016.
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Cette thèse a comme objectif de questionner l’importance et le rôle de la tradition dans le monde du maracatu de baque virado contemporain. Depuis les années 2000, cette manifestation culturelle pernamboucaine vit un processus de diffusion mondiale dans lequel sa dimension spécifiquement sonore et chorégraphie se détache progressivement de son cadre culturel. Au fil de ce processus émerge nombre de conflits et de disputes d’ordre identitaire, économique et social. A partir d’une ethnographie multi-située, je parcours des villes brésiliennes et européennes afin de suivre la circulation des musiciens, des objets et des connaissances autour du maracatu de baque virado. Dans un premier temps, je décris cette pratique au Brésil, en focalisant mon attention sur un groupe en particulier, le maracatu-nação Estrela Brilhante. Protagoniste de diverses transformations musicales et sociales, Estrela Brilhante s’affirme en tant que principale référence musicale dans la diffusion mondiale du maracatu. Je tourne ensuite mon attention vers la pratique du maracatu en France. Ma porte d’entrée dans cet univers est celle des batucadas, ensembles de percussions d’inspiration brésilienne. Puis, j’aborde la rencontre entre les maîtres de maracatu brésiliens et les musiciens européens, pour analyser notamment la place que la question de la traditionnalité occupe en Europe. Enfin, la dernière partie de ce travail porte sur le groupe Tamaracá, qui souhaite reconstruire fidèlement la musique d’Estrela Brilhante à Paris. Ceci me porte à analyser les contextes et les modalités de transmission musicale du maracatu et à constater que le maracatu réalisé en France est le fruit d’une multitude de médiations culturellesThe objective of this thesis is to question the importance and role of tradition in the world of contemporary Maracatu de Baque Virado. Since the 2000’s, this cultural form has been going through a process of world diffusion, where its specific sound and choreographic dimension has been gradually breaking away from its cultural context. Throughout this process, numerous identity, economic, and social conflicts and disputes, have emerged. Based on multi-situated ethnography, I travel through Brazilian and European cities to follow musicians, objects and knowledge surrounding Maracatu de Baque Virado. To begin with, I describe the practice within Brazil, focusing my attention on one particular group, the Maracatu-Nação Estrela Brilhante. The protagonist of diverse musical and social transformations, Estrela Brilhante asserts herself as the main musical reference in world Maracatu diffusion. I then turn my attention to the practice of Maracatu in France. My gateway into this universe is that of Batucadas, percussion ensembles of Brazilian inspiration. Following which, I discuss the meeting of Brazilian Maracatu masters and European musicians, in order to analyze what position the question of traditionality holds in Europe. Finally, the last part of this work is about the Tamaracá, who would like to authentically remake Estrela Brilhante’s music in Paris. That leads me to analyze the contexts and modalities of Maracatu musical transmission, and to determine that Maracatu achieved in France is the fruit of a multitude of cultural mediations
Esta tese visa questionar a importância e o papel da tradição no mundo de maracatu de baque virado contemporâneo. Desde a década de 2000, esta manifestação cultural pernambucana passa por um processo de difusão mundial no qual sua dimensão especificamente sonora e coreográfica é progressivamente separada do seu contexto cultural. Durante este processo, emergem diversos conflitos e disputas identitárias, econômicas e sociais. Partindo de uma etnografia multi-localizada, esta pesquisa percorreu diversas cidades brasileiras e europeias acompanhando o movimento dos músicos, objetos e saberes relativos ao maracatu de baque virado. Em um primeiro momento, descrevo esta prática no Brasil, concentrando minha atenção em um grupo em particular, o maracatu-nação Estrela Brilhante. Protagonista de inúmeras transformações musicais e sociais, Estrela Brilhante se afirma como a principal referência musical na difusão mundial do maracatu. Em um segundo momento, a prática do maracatu na França será apresentada tendo como porta de entrada as batucadas, grupos de percussão de inspiração brasileira. Abordarei em seguida os encontros entre mestres de maracatu brasileiros e músicos europeus, tendo como objetivo analisar o papel que a traditionalidade desempenha na Europa. Finalmente, realizo uma etnografia do grupo Tamaracá, que deseja reconstruir fielmente a música da Estrela Brilhante em Paris. Esta etnografia, focalizada nos contextos e os modos de transmissão musical, nos leva a constatar que o maracatu realizado em França é o resultado de múltiplas mediações culturais
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Ordoñez-Flores, Eva. „La danse Flamenca : études de son rythme et de son esthétique“. Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040062.
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L'ensemble de cette thèse s'articule de manière constante autour de préocupations d'ordre esthétique, historique,sociologique et anthropologique au travers d'une étude analytique. Elle établit un classement par familles rythmiques des pièces dansables du répertoire flamenco. Chaque famille comporte une étude de ses principes généraux d'un point de vue rythmique et chorégraphique. Chaque pièce du répertoire ou "palo" comporte une étude d'un point de vue musical et chorégraphique. L'étude musicale comprend la description du chant au travers des paramètres de ses couplets,les "coplas", et la description du "toque" de la guitare : changements d'accords,jeu de la main droite et placements des temps forts. Une transcription musicale de base vient illustrer ces propos dans le second volume. L'étude chorégraphique comprend une description du caractère de la danse, la définition de sa structure de base et une analyse esthétique au travers d'un ou plusieurs documents audiovisuels. Ce dernier point d'étude définit, pour chaque exemple, la structure de la danse analysée et le nombre de cycles rythmiques dont se sert l'interprète pour chaque partie structurelle. L'étude comporte des commentaires en rapport à l'interprétation chorégraphique.
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Santana, Maria do Rosário da Silva. „Elliott Carter : le rapport avec la musique européenne dans le domaine du rythme et du temps /“. Villeneuve d'Ascq : Presses universitaires du Septentrion, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37204845t.
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Formarier, Marie. „Entre rhétorique et musique : le rythme latin de l'Antiquité au haut Moyen-Age“. Lyon 3, 2009. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2009_in_formarier_m.pdf.
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La science de l'éloquence politique est une musique ; la différence avec le chant et la musique instrumentale est une différence de degré et non de nature ". Par cette assertion, Denys d'Halicarnasse au Ier siècle avant J. -C. Pose le problème fondamental et passionnant du rapport problématique entre l'art du discours, c'est-à-dire la rhétorique, et la musique. Or, le rythme est l'un des points de contact essentiels entre ces deux domaines de compétence. La question centrale de cette étude est donc la suivante : dans quelle mesure le rapport entre le rythme déclamé et le rythme chanté témoigne-t-il des changements linguistiques, sociologiques, politiques et culturels qui ont marqué la latinité de Cicéron à Gui d'Arezzo ? Si le rythme chanté dans l'Antiquité grecque doit observer une mesure musicale, notamment pour que la mélodie puisse être dansée, le rythme oratoire en revanche, notamment dans la rhétorique latine, ne saurait respecter strictement une pulsation. Varier les combinaisons de longues et de brèves sans se soumettre à un cadre fixe et défini par avance, voilà, selon Cicéron, ce qui distingue de façon essentielle le rythme de la prose du mètre et du rythme musical. Ces principes théoriques trouvent un écho particulièrement fort au début du Moyen-Âge, en particulier dans le premier chant chrétien. Bien que la langue latine ait subi des modifications profondes, il n'en reste pas moins que les règles rythmiques établies par l'éloquence classique infléchissent considérablement les techniques de composition des mélodies chrétiennes, en particulier dans ce que Gui d'Arezzo (XIe siècle) appelle le cantus prosaicusPolitical eloquence is a sort of music. The difference between eloquence and music —either vocal or instrumental— is quantitative not qualitative”. Dionysius of Halicarnassus (Ist c. BC) thus faces with the crucial and challenging concern of the connection between rhetoric and music. Actually, those fields are both based on rhythm. My dissertation therefore addresses this question: to what extent the relationship between rhythm in speech and rhythm in song mirrors the linguistic, sociological, political and cultural changes that altered the Latin society from Cicero to Guido of Arezzo? In ancient Greece, musical rhythm has to be in time because songs are usually danced, whereas oratory rhythm must not follow a beat. According to Cicero, oratory rhythm is definitely different from musical rhythm and poetic metre because it is built on continually changing patterns. Those rhythmic principles are particularly vivid in the early Middle Ages, especially in Christian chant. Although Latin has been deeply altered, the rhythmic set of laws established by Cicero is still helpful in the composition of Christian melodies, mainly in what Guido of Arezzo calls cantus prosaicus
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Meudic, Benoit. „Détermination automatique de la pulsation, de la métrique et des motifs musicaux dans des interprétations à tempo variable d'oeuvres polyphoniques“. Paris 6, 2004. http://www.theses.fr/2004PA066563.
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Fahlstedt-Martin, Kristina. „INTER-DISCIPLINE MUSIQUE/LANGUE : L'APPRENTISSAGE DE LA GRAMMAIRE FRANCAISE EN RYTHME“. Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för utbildningsvetenskap (UV), 2015. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-43382.
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This thesis explores the influence music has on learning a foreign language. The purpose of the thesis is to find out if rhythm and music encourage students to learn French grammar, and more precisely how to conjugate verbs. We have created a rap-style learning technique to assist in conjugating the verbs “être” (to be) and “avoir” (to have). We then taught two different lessons to each grammar in this context: one with the “rap-method” and one without rhythm, which is a more classic approach. The students, who are all beginners of the French language, come from a school in the south of Sweden. After the two lessons we conducted a comparative study where we asked the students which lesson was the best. To support our study, we present theories based upon the connection between language learning and music. The two theories are: L’Apport de la musique dans l’apprentissage d’une langue étrangère (2012) written by Camille Jedrzejak and Sensibiliser les enfants à une langue étrangère par le biais d’une activité musicale (2008) by Pamula Malgorzata. The study showed that music has a value in foreign language learning and that students learned better the materiel during the “rap-method” than during the other, more classical method. Grammar lessons are often considered as boring and the students don’t like them. Changing them into a more playful method could get them more interested to learn. The theories in action reap positive results and could be used more in language-learning than they currently are. It turned out that the “rap-method” is a good method to learn grammar.