Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Madrid (Spain). Teatro Moratin“

This research focuses on the different visions of the female body and the gender issue in puppet theatre in Spain developed by the theatre company Winged Cranes based in Madrid through the study of three of its most relevant productions: Don Kiss me, I’m in training; The soldier with no name and Bernarda’s Backstage. An analysis of the multicultural and interdisciplinary contexts in which Winged Cranes has been formed and developed its artistic work is proposed. The performative bodies created by this company for the stage are analyzed by examining the puppets shown in its productions. This investigation values the contribution of Winged Cranes to the representation of women in puppet theatre and theatre in general in Spain from a feminist and a gender perspective.

<p><strong>¿Por qué corres, Ulises?</strong></p><p>Autor: Antonio Gala.</p><p>Estreno: Teatro Reina Victoria, Madrid, en 16 de octubre de 1974.</p><p>Director: Mario Camus.</p><p>Reparto: Alberto Closas (Ulises), Mary Carrillo (Penélope), Victoria Vera (Nausica), Margarita Calahorra (Eurimedusa), Rosario García Ortega (Eurimena) y Juan Duarto (Euríalo).</p><p align="center"><strong>Penélope y Nausica: romper los mitos para construir mujeres. </strong><strong><strong>Análisis de arquetipos en la obra de Antonio Gala, ¿Por qué corres, Ulises?</strong></strong></p><p><strong>Resumen</strong></p><p>A través de los personajes de Penélope y Nausica podemos apreciar cuáles eran algunos de los ideales y arquetípicos de las mujeres de la España de inicios de los 70. En esta obra de Gala, las mujeres acaban por renunciar a sí mismas en beneficio de los principios impuestos por los hombres a los que, supuestamente, se enfrentan. No importa lo radical de su postura, llega un punto en el que se “dejan ir” y asumen una condición de sumisión que el autor hace patente con palabras y hechos. El cansancio y el hastío que subyacen en la obra representan a la España de entonces: cansada de la situación y con ganas de cambio y, sin embargo, resistiéndose a cambiar.</p><p><strong>Abstract</strong></p><p>The characters of Penelope and Nausicaa reveal some of the ideals and archetypes of women which prevailed in Spain during the early 1970s. In Gala’s play, women renounce their own identities for principles imposed on them by the men they, supposedly, come up against. Regardless of how radical their position is, there comes a point in which they take on a submissive attitude which the author portrays through both words and deeds. The underlying sense of tedium and exhaustion reflects the Spain of the time: a country tired of the status quo, hungry for change, and, nevertheless, resisting change.</p><p> </p><p> </p><p><strong> </strong></p>

Anna May Wong was the most widely known Asian American film actress of her generation, achieving unprecedented success in the Hollywood and European industry. When she traveled to Spain in 1935 to perform at the Teatro Casablanca in Madrid, she was already an international star and her visit garnered extensive coverage from the Spanish press, particularly film magazines of the period. These magazines provided their largely female readership with access to Hollywood stars such as Wong, whose celebrity was the site of complex negotiations of race, ethnicity and citizenship in the United States and Europe during the 1930s. Publications such as Cinegramas and Popular Film represented Wong for Spanish readers who, although removed from the particularities of race politics in the United States, were nevertheless intrigued by her ‘exotic allure’, positioned as she was at the intersection of racial otherness and Hollywood glamour. By reading Wong in Spanish magazines from the 1930s, this article considers how Spanish readers might have used these representations as a tool for negotiating their own identities as cosmopolitan at a moment when Spain was often perceived as existing on the cultural margins of Western Europe.

This article examines the development of Wagnerism in late-nineteenth-century Spain, focusing on how it became an integral part of Catalan nationalism. The reception of Wagner's music and ideas in Spain was determined by the country's uneven economic development and the weakness of its musical and political institutions—the same weaknesses that were responsible for the rise of Catalan nationalism. Lack of a symphonic culture in Spain meant that audiences were not prepared to comprehend Wagner's complexity, but that same complexity made Wagner's ideas acceptable to Spanish reformers who saw in the composer an exemplar of the European ideas needed to fix Spanish problems. Thus, when Wagner's operas were first staged in Spain, the Teatro Real de Madrid stressed Wagner's continuity with operas of the past; however, critics and audiences engaged with the works as difficult forms of modern music. The rejection of Wagner in the Spanish capital cleared the way for his ideas to be adopted in Catalonia. A similar dynamic occurred as Spanish composers tried to meld Wagner into their attempts to build a nationalist school of opera composition. The failure of Tomás Bréton's Los amantes de Teruel and Garín cleared the way for Felip Pedrell's more successful theoretical fusion of Wagnerism and nationalism. While Pedrell's opera Els Pirineus was a failure, his explanation of how Wagner's ideals and nationalism could be fused in the treatise Por nuestra música cemented the link between Catalan culture and Wagnerism.

Poor Man's Bread (El pan del pobre) is the work of two little-known Spanish authors, Félix González Liana and José Francos Rodriguez. First performed on 14 December 1894 at the Teatro de Novedades in Madrid, Poor Man's Bread was, according to its authors, inspired by a reading of Gerhart Hauptmann's The Weavers (1893). Both The Weavers and Poor Man's Bread describe the appalling conditions suffered by industrial workers, the indifference of their bosses to their plight, and their eventual ransacking of the bosses' property. While the German play deals with the lot of the weavers in Hauptmann's native Silesia, its Spanish counterpart is concerned with a metal smelting plant, a fundición, and is set in a small town in the south east of Spain. There are, naturally, many similarities between the two plays, but also a number of important differences which serve to highlight some of the characteristics of the Spanish social drama of the late nineteenth and early twentieth centuries.

ABSTRACT: Although much has been written about the renowned poet Plácido's significance in Cuban history, the lack of scholarship on his reception in Spain might suggest that his prestige as a poet, his role in one of the most important antislavery revolts in nineteenth-century Cuba, and his subsequent tragic ending, never crossed the Atlantic. In this article, I show that the figure of Plácido persisted in the Spanish cultural imaginary in the decades following his death and retained the power to provoke, offend, inspire, and mobilize. I explore his reception and transformation first in press articles and then in two literary works: Rogelia León's poem "Al negro Plácido" (1857) and Manuel de los Santos Barrios's play La cadena del esclavo (Madrid, 1867). Through different emphases on Plácido's victimization or agency, in both press articles and literary works, Plácido embodies the promise for, and the limitations of, racial inclusivity for the Afrodescendant population in the Spanish overseas territories, as he is appreciated for his capacity both to stand for the racial other and to represent what is reassuringly similar. RESUMEN: Aunque mucho se ha escrito sobre el significado del famoso poeta Plácido para la historia de Cuba, apenas hay nada sobre su recepción en España, sugiriendo de esta manera que su prestigio como poeta, y su papel como líder de una de las rebeliones más importantes contra la esclavitud del siglo XIX nunca cruzaron el Atlántico. En este ensayo muestro como la figura de Plácido persistió en el imaginario cultural español después de su muerte, y retuvo el poder para provocar, ofender, inspirar y movilizar. Exploro en particular su recepción y transformación en los artículos de prensa y en dos obras literarias: el poema de Rogelia León "Al negro Plácido" (1857) y la obra de teatro de Manuel de los Santos Barrios La cadena del esclavo (Madrid, 1867). Mediante diferentes énfasis en su victimización o agencia, Plácido personifica para los españoles tanto la promesa como las limitaciones de la inclusividad racial para los Afro-descendientes en los territorios de ultramar, al ser valorado tanto por evocar al otro racial como por representar lo tranquilizadoramente similar.

El texto aborda la evolución del análisis historiográfico que se ha llevado a cabo sobre la Cataluña moderna entre finales del siglo XVI y principios del XVIII. Aunque la frontera moderna de Cataluña puede ser múltiple, nos centramos esencialmente en aquella que va desde el Valle de Arán hasta el Mediterráneo. El texto abre con una primera reflexión sobre el camino hacia el cambio de modelo, luego evoca los efectos de las guerras con Francia, con algunos ejemplos concretos, como el de Cerdaña, y, por último, expone la realidad percibida y llevada a cabo con la nueva “fortificación” de la frontera catalana a finales del siglo XVII, cuando el control de Francia se hace evidente. Palabras clave: Frontera, fronterización, fortificaciónTopónimos: Francia, España, Cataluña,Período: época moderna ABSTRACTThe text addresses the evolution of the historiographical analysis that of modern Catalonia between the end of the 16th and the beginning of the 18th century. Although the modern border of Catalonia may be multiple, the focus will essentially be upon the border that runs from the Arán Valley to the Mediterranean. The text opens with an initial reflection on the path towards a change of model, before evoking the effects of the wars with France, with some specific examples, such as that of Cerdanya, and finally presenting the reality perceived and manifested with the new “fortification” of the Catalan border at the end of the 17th century, when French control became evident. Keywords: Border, bordering, fortificationPlace names: France, Spain, CataloniaPeriod: modern era REFERENCIASAyats, A., Louis XIV et les Pyrénées catalanes de 1659 à 1681. Frontière politique et frontières militaires, Trabucaire, Canet, 2002.Bély, L., “La representación de la frontera en las diplomacias durante la Época Moderna”, Manuscrits, 26, (2008), pp. 35-51.— “Westphalie, Pyrénées, Utrecht: trois traités pour redessiner l'Europe”, en O. 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Dans la rencontre entre l'architecture contemporaine et le patrimoine bâti, la thèse propose de s'affranchir de la polarité conservation-création en analysant l'actualisation patrimoniale en tant que phénomène culturel à l'œuvre. La cohabitation entre le nouveau et l'ancien en architecture, si elle se pratique depuis plus de deux mille ans, est devenue un enjeu au XXe siècle. L'explosion des formes en architecture contemporaine, parallèlement à la montée d'une prédominance de la signature de l'architecte, semble difficilement réconciliable avec l'extension de la notion de patrimoine, extension autant sémantique que géographique et spatiale. Or, que ce soit pour des raisons économiques et environnementales, fonctionnelles ou patrimoniales, les insertions d'éléments d'architecture contemporaine sur des bâtiments patrimoniaux transforment désormais le patrimoine d'objet-relique en un projet dynamique, constituant un genre architectural particulier et indépendant. L'actualisation est une façon de réinterpréter le patrimoine en lui donnant un sens actuel grâce à une action (en l'occurrence, un ajout architectural dans un style contemporain), ce qui modifie les représentations du lieu tout en lui ajoutant une couche de significations. Ce processus communicationnel se pose ainsi comme une réponse à l'obsolescence patrimoniale ; en transformant les représentations d'un lieu par un langage contemporain et en s'immisçant dans son processus de patrimonialisation. L'hybridité architecturale qui en résulte favorise un espace de médiation à la fois physique (par les formes) et symbolique (par le patrimoine et les représentations). À travers trois cas espagnols récents, l'actualisation est observée dans trois types de manifestations : la « ponctuation » à l'œuvre dans l'accès au CaixaForum de Barcelone (Arata Isozaki), la « prolongation » du musée national Centre d'art Reina Sofía à Madrid (Jean Nouvel) et, finalement, la « révélation » du musée du Théâtre romain de Carthagène (Rafael Moneo). ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : actualisation, patrimoine, patrimonialisation, architecture contemporaine, médiation, Espagne

In Tirso de Molina’s Por el sótano y el torno, Jusepa and the family’s slave Polonia team up to thwart her planned marriage to an ancient perulero. Opposing her is her sister Bernarda, a widow who is concerned about the family’s finances. They come to Madrid to a house owned by the perulero with limited outside contact. When a rich noble falls for Jusepa, the stage is set for her escape from the trap represented by the house. Using this conflict as his starting point, Tirso explores a number of contradictions embedded in Spanish society. Primarily, the contrast between love and financial security, which is an explicit point of conflict between the sisters. Additionally, the work contrasts Spain and Portugal, freedom and slavery, and social class distinctions. The play uses the perulero’s house as a metaphor for the various conflicts. The house, closed off to all except the women and their servants, is actually much more permeable than described. As the title indicates, the house has multiple entry points, some more legitimate than others. In my article, I consider how the house becomes the physical representation of the two competing worlds, as expressed through a conflict of ideas, actions, and symbols.