Dissertationen zum Thema „Littérature XX et XXI siècles“

Cette thèse étudie les notions de géographie imaginaire et de sociologie fantastique dans l’œuvre de Marcelo Cohen (Buenos Aires, 1951). Le corpus de travail comprend l’ensemble de la production de fiction narrative de l’auteur (contes, nouvelles et romans en une vingtaine d’ouvrages) entre son premier recueil de récits, Lo que queda (1972), et son roman Balada (2011). La thèse est organisée en trois parties : la première (« Marcelo Cohen et son œuvre. Perspectives théoriques et méthodologiques ») propose une présentation de l’auteur et de son œuvre et un bilan théorique et pratique des notions de géographie imaginaire et de sociologie fantastique ; la deuxième (« Écrire l’espace ») analyse la construction de l’espace dans le corpus choisi dans une double démarche chronologique et figurative ; la troisième (« Littérature et société ») se penche sur les manifestations des dimensions idéologiques, sociales et politiques, et sur les relations entre l’individu et la société dans les ouvrages de Marcelo Cohen. Le travail s’achève par une réflexion globale sur la poétique et l’esthétique de l’auteur argentin
This thesis considers such concepts as fictional Geography and fantastic Sociology in Marcelo Cohen’s work (Buenos Aires, 1951).The body of this research includes all the narrative fiction by this author (some twenty tales, short stories and novels in total), between his first collection of stories, Lo que queda (1972), and his novel Balada (2011).Our thesis develops three domains : the first one (« Marcelo Cohen and his work, a theoretical and methodological outlook ») introduces the author and his work, along with a theoretical and practical evaluation of such concepts as fictional Geography and fantastic Sociology ; the second one (« Space in writing ») analyzes the make of space in the selected books, in a dual approach : both chronological and representational ; the last one (« Literature and society ») addresses the expressions of ideological, sociological and political dimensions, plus the relationship between a particular person and his/her society in Marcelo Cohen’s works. This research ends with a global consideration of poetry and estheticism in the work of our Argentinean author

L’objectif de ce travail est d’étudier les résonances de la pensée scientifique dans les récits fantastiques du XIX et XX siècle et de revivifier, du même coup, l'approche théorique du genre fantastique. L'axe dorsal de ma thèse consiste à étudier le rapport du genre à la raison (la plasticité de ce concept permet de dépasser les découpages habituels entre science et non-science). Si l'on résume la position de la critique sur la question, on aboutit au constat suivant : le Fantastique met en exergue les carences de la raison. Il en souligne les défaillances, les limitations, les insuffisances, au nom de l’inexhaustible complexité du réel. L'image que le Fantastique véhicule de la raison est donc passablement négative, mais elle est liée à une conception classique de la rationalité, aujourd'hui périmée. L'image de la raison que proposent les sciences a considérablement évolué. Quelques unes des révolutions conceptuelles les plus marquantes du XX siècle dans le domaine des sciences physiques et des mathématiques sont à l'origine de cette évolution, elles marquent le passage de la raison classique (absolutiste) à la raison contemporaine (relativiste et complexifiée). On ne peut s'attendre à ce que le miroir de sorcière reflète une image irréprochable et normative de la raison, mais on ne saurait se satisfaire d'une image strictement négative. Le Fantastique ne se tient pas, contrairement à ce qu'on pourrait croire, à l'écart des vertiges de la science moderne. Il évolue en symbiose avec elle. Je m'attache à montrer, tout au long de ce travail, que la littérature fantastique restitue une image positive mais impure de la raison. Cette dernière dérive des « monstres » que la raison engendre au XX siècle : relativité einsteinienne, mécanique quantique, théorème de Gödel, relativité einsteinienne, logiques non-classiques (entre autres). Dans un récit fantastique, la raison strictement déductive, rigide et totalisante est systématiquement battue en brèche. Mais ce n'est pas là la preuve que la raison a atteint ses limites. La pensée scientifique nous enseigne que ce peut être, au contraire, le signe d'une extension de la raison. Cette réhabilitation de la raison – de son versant « impur » – qui tient compte du contexte scientifique actuel a le mérite de réactualiser le genre fantastique et lui confère une nouvelle unité. Cette réactualisation passe par une modification substantielle du statut du surnaturel : il n’est plus tenu pour un principe désorganisateur mais considéré comme agent de la rationalité
The purpose of this doctoral dissertation is to analyze the reflection of scientific thinking in the Fantastic literature of the nineteenth and twentieth centuries, and, by the same token, to re-invigorate the theoretical approach to the Fantastic genre. The backbone of my thesis is to study the connection between reason and the Fantastic genre. In summarizing the specialists on this subject, one comes to the following conclusion: the Fantastic genre highlights the insufficiency of reason. It underlines the shortcomings, restrictions and failures of reason in the name of the inexhaustible complexity of reality. The image of reason that the Fantastic genre conveys is quite negative, although connected to a classical concept of rationality, nowadays obsolete. Some key revolutionary concepts of the twentieth century in the fields of physics and mathematics have significantly changed the way we regard reason. This progress marks the passage from classical reason (absolutist) to contemporary reason (relativist and a high degree of complexity). It could not be expected that Fantastic literature reflect a faultless and canonical image of reason, but a strictly negative image is unsatisfactory. The Fantastic genre is not insensitive, contrary to usual belief, to the amazing discoveries of modern science. It evolves in symbiosis with modern science. My goal is to show throughout this work that Fantastic literature gives a positive but troubled image of reason. The latter comes from the “monsters” that were invented by science during the twentieth century: Einstein’s relativity, quantum mechanics, Gödel’s theorem, non- classical logics (among others).In a Fantastic tale, strictly deductive reasoning, unbending and all-knowing is systematically defeated. But this is not proof that reason has reached its limits. Scientific thinking teaches us that it can be, on the contrary, a sign of an extension of reason. This rehabilitation of reason –of its "troubled" side– that takes into account the current scientific context updates the Fantastic genre and gives it a new unity. This updating means a substantial modification of the status of the supernatural: one does not consider it as a disorganizing agent but as an agent of rationality

La recherche se focalise sur l’étude d’un corpus composé d’oeuvres littéraires françaises et de la région du Río de la Plata (Amérique du Sud), qui vont de la seconde moitié du XIXe siècle jusqu’à 2015. L’étude s’appuie aussi sur l’analyse d’images iconographiques, pour analyser l’image du personnage de l’employée domestique qui se dégage dans la convergence entre la littérature et les arts plastiques. Dans une perspective comparatiste, le travail explore les formes de la représentation de cette figure d’un point de vue stylistique, thématique et politique. Les contiguïtés entre les deux corpus nationaux montrent non seulement l’existence d’une dynamique d’échanges entre le Río de la Plata et la France en ce qui concerne les débats esthétiques et politiques, mais aussi l’existence d’un partage du sensible commun. L’étude établit une périodisation des modes de représentation du personnage, depuis son accès au rôle principal, à travers l’analyse de la construction littéraire de sa voix, de son parcours de vie, de son intimité et du regard qu’il porte sur le monde. Cette recherche se fonde sur la conviction que la domesticité est un fait social total, dont l’analyse mène à une radicale interrogation ontologique. Cela marque de son empreinte le personnage et les rapports qui se tissent autour de lui et résulte dans sa puissance politique, dont les auteurs se sont emparés. Finalement, et suivant une tradition d’études qui se font sur la longue durée et en prenant compte d’une certaine « transnationalisation » de la figure, nous entendons encourager l’étude de la domestique dans le domaine de la littérature comparée.

L’œuvre de Joan Ganhaire (Jean Ganiayre en français) est d’une exceptionnelle richesse. Cet auteur contemporain, qui a fait de l’occitan limousin son unique langue d’écriture, a abordé des genres littéraires variés : nouvelles fantastiques, « nhòrlas » [histoires drôles], romans de cape et d’épée, romans policiers, sans compter une forme de poésie en prose qui affleure dans de nombreux textes. Sous son apparente diversité, cette œuvre est d’une grande cohérence par ses thèmes, par ses images, par ses « biais de dire » [façons de s’exprimer] récurrents. Elle peut se lire à des niveaux multiples et ouvre sur des possibilités d’interprétation très différentes selon le point de vue que l’on adopte, interprétations qui se croisent et s’enrichissent mutuellement. Hanté par les questions de la mort, de la violence omniprésente et de l’absurdité du monde, à la fois en tant qu’homme et par sa profession de médecin, Ganhaire, comme de nombreux auteurs des XXe et XXIe siècles, leur oppose le rire et la dérision comme un ultime pied de nez. Son œuvre est un hommage à l’imaginaire limousin, en relation étroite avec la nature, et dont il s’est senti imprégné dès l’enfance. Elle en propose une expression contemporaine, irriguée et hybridée par les imaginaires de grandes figures de la littérature mondiale, mais aussi par d’autres arts comme le cinéma
The work of Joan Ganhaire (in French Jean Ganiayre) is of exceptional richness. This contemporary author, who made the Limousin Occitan his only language of writing, addressed various literary genres : fantastic short stories, «nhòrlas» [funny short stories], cape and sword novels, detective novels, not to mention a form of poetry in prose that outcrops in many texts. Under its apparent diversity, this work is very consistent because of its themes, its images, and its recurring « biais de dire » [ways of saying]. It can be read at multiple levels and opens up very different possibilities of interpretation depending on the point of view adopted, interpretations that cross and enrich each other. Haunted by the questions of death, of the omnipresent violence and of the world’s absurdity, both as a man and by his profession as a doctor, Ganhaire, like many authors of the twentieth and twenty-first centuries, opposes them laught and derision like an ultimate snub. His work is a tribute to the imaginative limousin world, in close relationship with nature, which he felt imbued from childhood. It proposes a contemporary expression of it, irrigated and hybridized by the imaginative worlds of great figures of world literature, but also by other arts such as cinema

Notre thèse envisage le rapport entre critique d’art et expression poétique dans l’œuvre de Bernard Noël. Elle comprend trois parties qui articulent sa prose d’idées artistiques avec son imaginaire et sa lyrique du regard et du corps.Dans un souci de représentativité, notre recherche suit certaines thématiques significatives traversant l’œuvre de Bernard Noël, de la critique d’art à la poésie. Les deux parties liminaires se fondent sur une sélection de critiques d’art. Dans la première, les écrits sur Ramón Alejandro et François Lunven donnent l’occasion de retracer la généalogie de la littérature d’art chez Bernard Noël. Sont ensuite traitées les critiques relatives à Magritte, Matisse et Masson, qui se révèlent fondamentales pour le parcours poétique de l’auteur. Sont enfin envisagées, à travers les textes sur Télémaque, Klasen, Debré et Wou-Ki, la figuration et l’abstraction, ces mouvements aux antipodes l’un de l’autre. La deuxième partie de la thèse fait dialoguer critique d’art et poétique. La progression de l’analyse permet alors de reprendre à nouveaux frais certains acquis de la section précédente. Les critiques consacrées à Moninot, à Fred Deux, à Moreau, à David et à Géricault sont rapportées de façon plus spécifique aux éléments qui constituent la poétique personnelle de l’auteur (représentation du corps, opposition corps-esprit, correspondances entre peinture et écriture). La pratique poétique de Bernard Noël fait l’objet de la troisième partie : il s’agit non seulement d’y déceler les modes d’expression versifiée du regard, notamment dans les poèmes inspirés par des œuvres plastiques (graphiques, picturales ou sculpturales), mais encore d’y relever les principes de collaboration régissant les livres de dialogue avec les artistes contemporains. Ce faisant, le prisme de la poétique de Bernard Noël permet d’interroger la notion de réalisme dans la peinture française, la période surréaliste, l’abstraction d’après-guerre, ou encore le mouvement de la nouvelle figuration.Notre corpus, qui ne se prétend pas exhaustif, est constitué de monographies de peintres significatives, tout autant que de textes issus de catalogues d’expositions. Il comporte des poèmes d’art et des livres à figures, tant il est vrai que la place de la peinture et de la sculpture est centrale dans l’œuvre de Bernard Noël. Son rapport à l’art conditionne, en effet, sa relation existentielle, esthétique, voire politique, à la société comme au monde
Our thesis contemplates the connection between art criticism and poetic expression in the work of Bernard Noël. This thesis is articulated in three parts and it analyses how the prose d'idées artistiques of the poet is melted with his imaginary and his lyrics of eyes and body.Our research is led by a representativeness intent and it follows some significant thematic through the work of Bernard Noël. The two preliminary parts are based on a selection of art criticism. In the first part the writings about Ramon Alejandro and François Luven give us the opportunity to go back to the genealogy in Bernard Noël work. In the same part we examine the critics regarding Magritte, Matisse and Masson which turned out crucial to the author's poetic process. Then we contemplate, through the texts about Télémaque, Klasen, Debré and Wou-Ki, figuration end abstraction as movements one opposite to the other. The second part of the thesis engages art criticism and poetic. The progression of the analysis allows to recall some issues of the previous section.The critics addressed to Moninot, Fred Deux, Moreau, David and Géricault are treated in a more specific way to and mixed with elements which constitute author’s personal poetic (body representation, body and mind opposition, painting-writing connection). Bernard Noël's poetic practice is the subject of the third part: here we try to reveal not only the versified expressions use, especially in the poems inspired by plastic art works (graphics, paintings or sculpture), but also the principles of collaboration which stand above the books of dialogue with the contemporary artists.Through the analysis of the work of Bernard Noël we can examine the concept of realism in the french painting, the surrealist period, the abstraction movement after the war or the new figuration movement.Our corpus, which claims not to be exhaustive, is made by monographs of important painters and by texts of exposition catalogues. It includes art, poems and figure books since it is true that the place of painting and sculpture it’s central in Bernard Noël’s work as his relationship with art which influences his existence, aesthetics, even political view of society and of the world

L’œuvre de Michel Butor se caractérise par la diversité formelle de ses textes. A y regarder de plus près, les thèmes abordés se recoupent malgré la prolixité de l’œuvre. Depuis Portrait de l’artiste en jeune-singe (1969) les références à la tradition alchimique foisonnent. Elles sont ici exhibées à la manière du nouveau-roman tout en participant du roman d’apprentissage. Déjà, dans le texte critique "L'Alchimie et son langage" (1960) l’alchimie est référencée comme un langage, un genre. Il nous a donc fallu tenter de répondre à la question de savoir ce qu’est l’alchimie et quelles images elle met en œuvre, depuis ses origines supposées jusqu’à sa redécouverte par les scientifiques de la Renaissance, les Romantiques et les Surréalistes. Cela nous a permis de clarifier certains liens de l’œuvre avec son intertexte. L’iconologie alchimique est par la suite mise en scène dans La Rose des Vents (1970), texte à la frontière du roman d’apprentissage, de la poésie et de la critique. Cette œuvre y met en scène la véritable essence de l’alchimie, à savoir la philosophie hermétique, dont nous retrouvons les images dans de nombreux textes poétiques depuis 1960 jusqu’en 2009.Relativement au nombre d’œuvres publiées par l’auteur, le corpus de cette étude a été défini par une étude succincte des titres. Auteur thotien, Butor dispose des signes pour présenter une géocritique a fragmentation analogique des notions. Notre démarche historique a donc porté principalement sur une étude d’ordre sémiotique
Michel Butor’s work is marked by the formal diversity of his texts. From a closer point of view, the different themes. Looking from a closer point of view, all the different themes all find an echo in each other. Since Portrait de l’artiste en jeune singe (1969) (Novel-capriccio), the alchemical references are abundant. They are presented in the same way as the nouveau roman and are also a kind of roman d’apprentissage.The writing-morphing process is the main topic of this novel and constitutes an analogy with the transmutation of his writing substance. This tradition appears firstly in "L'Alchimie et son langage" as a language. We also needed to draw up a brief study of alchemy from its origins to the numerous rediscoveries made by the renaissance scientists, romantic and surrealist writers. The aim of this approach was to make clear the hints between the works of Michel Butor and his intertextuality. Alchemy pictures can be found in La Rose des vents, which clearly illustrates the hermetical philosophy. These alchemical pictures can also be found in many texts of poetry written between 1960 and 2009. In order to constitute our corpus, we picked up the different books because of their titles.To Conclude, we can say that Butor is a concerned author, a thotian writer, and that geocriticism applies to the human space. In his works the form creates the sense and the sense helps the form. Our historical approach focuses mainly on a semiotic study. The alchemical impulse of the Butor’s verve rests on the exhibition of the links and the analogical fragmentation

Cette thèse se propose de circonscrire et d'étudier les équivalents littéraires du ready-made duchampien dans la poésie moderne et contemporaine. historiquement issu du domaine des arts plastiques, cette pratique connaît des équivalents poétiques depuis le début du vingtième siècle (cendrars 'dernière heure') sans que l'on puisse pour autant toujours parler d'importation ou d'appropriation de la part des poètes concernés. on essaiera ainsi de définir l'appellation de << poésie ready-made >> dans un sens davantage générique que proprement généalogique, à l'aide de critères permettant de la distinguer de pratiques proches comme le plagiat ou le collage. on essaiera de montrer que, tout comme le ready-made duchampien, ces pratiques bouleversent la conception traditionnelle de la poésie et de l'écriture poétique. qu'on l'envisage en termes de production (le geste d'écriture se voit nié et remplacé par un geste de sélection / prélèvement / déplacement d'éléments non littéraires) ou en termes de réception (les effets de sens du ready-made en poésie reposent en grande partie sur des logiques non discursives, et l'objet déplacé n'est pas nécessairement écrit), la définition du << poétique >> se voit mise en question, amenant par là-même à une << chute des paradigmes >> (thierry de duve), ce qui pose alors la question de savoir quels outils peuvent être mis en place pour analyser ces objets et leur fonctionnement.

Ce travail explore les représentations du corps mort dans des cuentos hispano-américains contemporains pour essayer d’établir par ce biais une typologie des rapports que l’être humain entretient de façon générale avec la mort. L’idée centrale que nous avançons est que la littérature reproduit un nombre limité de réactions universellement valables, se montrant ainsi capable de mettre à la disposition de ses lecteurs un inventaire étrangement fiable des attitudes qu’eux-mêmes, à l’instar des personnages, sont susceptibles d’aborder face à cet événement ultime. Le choix du cadavre comme protagoniste des récits étudiés s’explique par le fait qu’il soit la seule image concrète et tangible de la mort et que, par son apparence repoussante, il représente une terrible source de hantise qui conditionne et altère toute tentative paisible de se rapprocher de celle-ci. Le cadre théorique des mondes possibles littéraires qui posent la fiction comme expérience envisageable et la particularité formelle du genre littéraire du cuento avec sa petite étendue et son caractère auto-suffisant permettent la vision du texte comme espace tombal où gisent ces nombreux cadavres fictionnels. Le lecteur a ainsi accès de près au corps mourant/mort, froid, putride, puant, dépecé ou bien embaumé, et les expériences littéraires acquises de cette manière s’ajoutent à son effort d’apprivoisement de la réalité effrayante de la mort
This work explores the dead body as it is represented in a number of contemporary Latin American cuentos in order to establish a typology of the different reactions of human beings in general when faced with death. I suggest that literature reproduces a limited number of universal behaviours in this situation and thus it gives readers a fairly reliable inventory of the attitudes that they, like the characters, are likely to adopt.The corpse as a protagonist of the short stories discussed here has been selected because it is the only concrete and palpable image of death and that, by its repulsive appearance, it represents a terrible source of fear which conditions and alters any intention of peacefully trying to come to terms with it. The theoretical framework of the literary possible worlds whereby fiction is seen as a potential experience, and the formal characteristics of the cuento, such as its reduced, self-contained nature, allow the text to be read as a funerary space where all these fictional dead bodies lie. The reader is thus brought into close contact to the dying/dead, cold, putrid, stinking, dismembered or embalmed body and the literary experiences he/she goes through help him/her to come to grips with the frightening reality of death

La personnalité de l’empereur, le bilan de son règne ont suscité toujours de nombreuses discussions tant en France qu’à l’étranger et la Russie n’a pas fait exception. Le corpus poétique et historique consacré à Napoléon a retenu mon attention car je me suis demandé quelles ont été les causes de la naissance du mythe napoléonien en Russie et comment sa perception a évolué au fil du temps. En analysant les ouvrages écrits par les historiens russes entre la chute de Napoléon et le début du XXe siècle et les œuvres littéraires des écrivains de cette période, on voit les changements dans l’image de l’empereur. La légende noire était de courte durée et après sa mort Napoléon devint le héros préféré des poètes tandis que les historiens essayèrent d’expliquer les événements ayant eu lieu en Europe au début du siècle. Le transfert des cendres de Napoléon marqua l’apogée de la légende ; en Russie elle commença à s’effacer après la mort de Lermontov et surtout après la parution de Guerre et Paix de Tolstoï. Au début du XXe siècle le mythe napoléonien n’émerveillait plus les poètes russes mais les historiens s’intéressèrent de plus en plus à l’époque impériale, aux relations franco-russes, à la politique intérieure de Napoléon. L’alliance franco-russe et le centenaire de la guerre de 1812 influencèrent positivement les études historiques mais les événements survenus après 1917 ont donné à la légende une autre dimension et d’autres significations
Napoleon’s personality and the results of his reign have always been a source of discussion both in France and elsewhere, nor is Russia an exception to this rule. The corpus of poems and writings on Napoleon attracted my attention: what were the causes of the birth of the Napoleonic myth in Russia, and how did attitudes towards the French emperor change over time? Analysis not only of works by Russian historians written after Napoleon’s death up to the beginning of the 20th century, but also of literary works from the same period, reveals changes in the image of the Emperor. The black legend lasted for only a brief time, and after his death Napoleon became a hero for poets. And historians looked positively on the emperor as they attempted to explain the events that had taken place in Europe at the beginning of the century. The transfer of Napoleon’s mortal remains back to France in 1840 marks the apogee of the golden legend. In Russia, this legend began to wane after the death of Lermontov and especially after the publication of Tolstoy’s War and Peace. At the beginning of the 20th century, whilst the Napoleonic myth no longer excited Russian poets, historians on the other hand grew more and more interested in imperial period, Franco-Russian relations, and Napoleon’s internal policy. The Franco-Russian alliance and the centenary of the Campaign of 1812 influenced historical studies positively, but the events occurring in Russia after 1917 gave the legend another dimension and other meanings

À la charnière entre les XIXe et XXe siècles, alors que la question de l’identité nationale se pose avec acuité en Espagne, la guitare y est à maintes reprises évoquée comme « l’instrument national ». Ce lieu commun se révèle finalement être un symbole paradoxal d’une identité encore en débat. Tandis que le cliché caricature la réalité en la simplifiant, les pratiques de la guitare se diversifient au contraire pendant la Restauration, en raison des transformations techniques de l’instrument et de l’évolution de la musique populaire, classique et flamenca. La composition en 1920 par Manuel de Falla de la première pièce pour guitare soliste (Hommage à Debussy) et l’organisation du Premier Concours de Cante Jondo à Grenade en 1922 attestent la progressive reconnaissance de l’instrument. Pourtant, la multiplication des imprimés, favorisée par la loi de liberté de la presse (1883), donne lieu à de nombreuses représentations littéraires et plastiques de la guitare qui ne reflètent pas fidèlement ces mutations. Elles mettent surtout en lumière son caractère populaire, andalou, voire flamenco, et sa capacité à imprégner l’imaginaire. Publiées dans des périodiques andalous ou madrilènes, ces œuvres influencent la réception de l’instrument : celui-ci est à la fois apprécié par un public de plus en plus large, méconnu car il est absent des musées et des institutions, et rejeté selon des critères sociaux et moraux en raison de sa présence dans des lieux décriés. Pourtant, même lorsque le stéréotype est contesté, la guitare revêt une dimension symbolique originale, ancrée dans le quotidien, qui se manifeste à travers l’émotion qu’elle suscite
During the transition from the nineteenth to the twentieth centuries, when the question of national identity is continuing to develop in Spain, the guitar is repeatedly mentioned as the “national instrument”. This platitude ultimately proves to be a paradoxical symbol of an identity that is still under debate during this period. While stereotypical descriptions caricature the reality by oversimplifying it, on the contrary, guitar practices diversify during the Restoration, because of technical changes in the instrument and the evolution of folk, classical and flamenco music. The composition in 1920 by Manuel de Falla of the first piece for solo guitar (Homenaje a Debussy) and the organization of the First Contest of the Cante Jondo in Granada in 1922 testify to the gradual recognition of the instrument. Yet the proliferation of printed matter, favored by the freedom of the press law (1883), gives rise to numerous literary and visual representations of the guitar that do not accurately reflect these changes. They mostly bring out its popular, Andalusian and even flamenco character, and its ability to impregnate the imagination. Published in periodicals in Madrid or Andalusia, these works influence the reception of the instrument: it is both appreciated by an increasingly wide audience, disregarded for being absent from museums and institutions, and rejected by social and moral standards because of its presence in decried places. Yet, even when this stereotype is disputed, the guitar takes on an original symbolic dimension, rooted in everyday life, which manifests itself through the emotions it provokes
En la bisagra entre los siglos XIX y XX, cuando la cuestión de la identidad nacional se planteaba con intensidad en España, se aludió muchas veces a la guitarra como el “instrumento nacional”. Este lugar común aparece como un símbolo paradójico de una identidad todavía en debate. Mientras que el cliché caricaturiza la realidad simplificándola, las prácticas de la guitarra, por el contrario, se diversificaron durante la Restauración, debido a las transformaciones técnicas del instrumento y a la evolución de la música popular, clásica y flamenca. La composición en 1920 por Manuel de Falla de la primera obra para una guitarra solista (Homenaje a Debussy) y la organización del Primer Concurso de Cante Jondo en Granada en 1922 dan fe del progresivo reconocimiento del instrumento. Sin embargo, la multiplicación de los impresos, favorecida por la Ley de Policía de Imprenta (1883), dio lugar a numerosas representaciones literarias y plásticas de la guitarra que no reflejaban fielmente esas mutaciones, sino que destacaban, sobre todo, su carácter popular, andaluz e incluso flamenco, y su capacidad de impregnar todo el imaginario colectivo español. Publicadas en periódicos andaluces o madrileños, estas obras influyeron en la recepción del instrumento que, apreciado por un público cada vez más amplio, resultaba también desconocido, por su ausencia en museos e instituciones, al mismo tiempo que era rechazado según criterios sociales y morales por su presencia en lugares considerados deshonrosos. No obstante, incluso cuando se critica el estereotipo, la guitarra posee una dimensión simbólica, enraizada en lo cotidiano, que se manifiesta a través de la emoción que suscita

Isolée géographiquement, économiquement, mais surtout socialement, du fait de la composition raciale de la population, majoritairement indienne, la Bolivie devait donner naissance à un roman social, fruit de la réflexion sur le fait racial. Les intellectuels boliviens du début du siècle découvrent en même temps leur pays et l'indien, victime absolue des contraintes géographiques et des systèmes d'exploitation et d'oppression fonde sur la distinction raciale. Produit de son milieu, le personnage de l'indien conditionne le roman et apparait a la fois comme le thème littéraire essentiel et comme l'acteur dépersonnalisée d'un cycle dramatique dont tous les éléments sont déterminés à l'avance. Le roman bolivien dépend étroitement du rapport dialectique qui s'établit à partir de la relation entre le personnage et l'espace, étant entendu que toute existence individuelle et toute position sociale est conditionnée par la possession ou la dépossession de la terre. De fait, l'orientation sociale qui caractérise le roman bolivien se fait au détriment de l'espace textuel et de la fonction active des personnages. Leur action résulte ainsi de comportements archétypiques représentatifs de l'action de masse et du schéma d'oppression dénonce. Le roman bolivien atteint sa maturité des lors qu'il nie cet espace omniprésent et privilégie l'espace textuel et la représentation de l'imaginaire et de l'action individuelle. Le "nouveau roman" bolivien nie ainsi certaines frontières raciales, non pas pour rejeter l'indien et le replacer dans un contexte de marginalité, mais bien pour l'intégrer dans le processus romanesque de valorisation de l'individu, nouveau pas dans cette quête d'identité à la fois romanesque et nationale
Bolivia, which is geographically, economically but mostly socially isolated (due to its mainly indian racial population composition) was bound to produce a socially engaged type of novel, resulting from a reflection on the racial problem, early century bolivian intellectuals discovered at the same time their own country and the indian, who is the perfect victim of geographical constraints and of the exploitation and oppression system founded on racial distinction. The indian figure, appearing like a product of the environment, is a determining factor in bolivian novels; he's at the same time the main literary subject and the "depersonalized actor" stemming from a dramatic cycle whose components are defined in advance. Bolivian novel is tightly dependant upon the dialectical link which is established from the relationship between the characters and the notion of space, knowing that every individual existence and every social position is conditioned by the possession or non-possession of land. Thus the social orientation which characterizes bolivian novel is made at the expense of the textual space and of the characters' active function. As a result their active function arises from an archetypal behaviour which is representative of mass action and the oppression scheme denounced, bolivian novel comes to maturity when it starts denying this omnipresent space and privileging the textual one, the representation of imagination and individual action, bolivian "nouveau roman" denies certain racial frontiers, not to replace the indian seen as an outcast, but to integrate him into a novelistic process enhancing individuality, a new step towards this novelistic and national search of identity

La présente recherche étudie les romans de la trilogie de Jorge Volpi ( En busca de Klingsor, El fin de la locura et No será la Tierra) sous l'angle des relations entre le Savoir et le Pouvoir. Nous nous proposons de démontrer que l'auteur mexicain, sous l'influence des travaux de Michel Foucault sur les liens unissant le couple savoir-pouvoir, a bâti une trilogie mettant en relief les rapports étroits et paradoxaux entre ces deux notions qui, tout au long de ces trois romans, s'entrecroisent et s'inversent l'une l'autre jusqu'à converger vers leur exacte antithèse, la folie. Tant dans les conflits opposant " les hommes de savoir " – les scientifiques et les intellectuels – au pouvoir politico-économique que dans les strates les plus intimes de la psyché de l'individu – dans ses rapports aux autres et à soi-même –, ou au cœur même de sa conception et de sa pratique de la littérature, nous avons pu constater que Jorge Volpi revisite les concepts de savoir et de pouvoir par le prisme de la folie : tout au long de cette œuvre, les relations de savoir-pouvoir conduisent à la folie qui est elle-même source d'un autre mode de savoir-pouvoir, à la fois insondable et incontrôlable, pour lequel Volpi semble ressentir une profonde fascination
This thesis examines the novels that compose Jorge Volpi's trilogy (En busca de Klingsor, El fin de la locura et No será la Tierra) from the perspective of the relationships between Knowledge and Power. The study demonstrates that the Mexican author, under the influence of the works by Michel Foucault on the links unifying the notions of Knowledge and Power, built a trilogy that highlights the close and paradoxical relationships between these two concepts, which intersect and inverse throughout these three novels, until finally converging in their exact antithesis, madness. Whether it be in the conflicts opposing "men of knowledge" — the scientists and the intellectuals — to the politico-economic power, or in the most intimate strata of an individual's psyche — in one's relationships with others and with oneself —, or even at the very heart of his conception of literature and in his own writing, this study reveals that Jorge Volpi revisits the concepts of knowledge and of power through the prism of madness. Throughout his work, the knowledge-power relationships lead to madness which is itself the source of another form of knowledge-power, both unfathomable and uncontrollable, for which Volpi seems to feel a deep fascination

Le monstre intrigue et fascine : il a été étudié, disséqué, et abondamment mis en scène dans des œuvres littéraires. Il reste pourtant mystérieux : nous retrouvons par exemple des monstres similaires dans des cultures éloignées sans aucun contact aussi bien temporellement que géographiquement. Mais si la tératologie est florissante dans de nombreux pays, cet engouement paraît être moins partagé lorsqu’il s’agit de la littérature mexicaine contemporaine car les monstres y sont moins analysés. Ils y sont pourtant présents et nombreux. Une grande partie de notre travail consiste à proposer une typologie des figures du monstre du folklore mexicain en regroupant ceux qui apparaissent dans des recueils de légendes ou des dictionnaires de créatures étranges. Cela permet de comprendre comment il est perçu dans la croyance populaire puis ensuite réutilisé par des auteurs d’œuvres fictionnelles.Le monstre est inscrit dans un imaginaire populaire collectif partagé d’abord oralement puis passé à l’écrit, et ainsi transmis en héritage aux générations futures. L’écriture littéraire s’inspire de cet héritage, ce qui crée une sorte d’hypertextualité entre l’imaginaire collectif présent dans les mythes et légendes, et l’imaginaire individuel de l’auteur par le biais de ses œuvres de fiction. Ce dernier réactive ces sources et même les modifie. L’intertextualité est aussi présente entre les fictions mexicaines et celles du reste du monde, ce qui nous invite à proposer une analyse littéraire comparatiste lorsque celle-ci est possible. Le but de ce travail est de déterminer à travers ces jeux d’écriture et ces inventions, les enjeux de ces figures du monstre dans la littérature mexicaine
The monster intrigues and fascinates: he was studied, dissected, and abundantly staged in literary works. He remains nevertheless mysterious: we find for example similar monsters in distant cultures without any contact so temporarily as geographically. But if the teratology is prosperous in numerous countries, this craze appears to be less shared when it is the contemporary Mexican literature because monsters are less analyzed there. Nevertheless, they are present and numerous. A big part of our work consists in proposing a typology of the figures of the monster of the Mexican folklore by grouping those who appear in collections of legends or the dictionaries of strange creatures. It allows to understand how it is perceived in the popular belief and then reused by authors of fictional works.The monster is registered in a collective popular imagination, shared at first orally then passed to the paper, and transmitted in inheritance to the future generations. The literary writing is inspired by this inheritance, what creates a sort of hypertextuality between the present collective imagination in the myths and the legends, and the individual imagination of the author by means of its works of fiction. The latter revives these sources and even modifies them. The intertextuality is also present between the Mexican fictions and those besides of the world, what invites us to propose a comparative literary analysis when this one is possible. The purpose of this work is to determine through these sets of writing and these inventions, the stakes in these figures of the monster in the Mexican literature

Thesis title The poetic universe of Giuseppe Conte Abstract The main object of our research is the poetic work of Giuseppe Conte. His entire poetic production, although differentiated, reveals a continuity in stylistic research and philosophy of existence. Conte's poetry collections are an attempt to express in artistic form his personal vision of literature, the world, society, man and different cultures. Our study explores a poetics that expresses Conte's relationship with poets and writers of the past and present. For Conte, poetry is necessary and fundamental to contemporary civilisation, it is an essential nourishment of the human imagination and soul, it must be understood as fundamental to the aesthetic, moral and economic rebirth of the world. In our study, we first analyse Conte's distance from the neo-avant-garde: he has always considered himself an «outsider» in relation to the artistic and literary movements of the 20th and 21st centuries. His conception of myth and nature as an antidote to the materialism of Western society led him to be one of the founders of «Mythomodernism». We ask why the poet was interested in lost non-European civilizations and examine his reinterpretation of classical myths. We study the role that Conte attributes to poetry in bringing together Western and Eastern cultures; we also analyse the influence of Ligurian «culture» and landscape on Conte. Finally, we focus on the values of language, in particular the expressive value of metaphor (on which Conte wrote fundamental essays), on poetic form and the analysis of language. The techniques used by Conte allow poetry to become the bearer of a new energy and a renewed work of civilisation.
Titre L'univers poétique de Giuseppe Conte Résumé L'objet principal de notre recherche est l'œuvre poétique de Giuseppe Conte. Toute sa production poétique, bien que différenciée, révèle une continuité dans la recherche stylistique et la philosophie de l'existence. Les recueils de poésie de Conte sont une tentative d'exprimer sous forme artistique sa vision personnelle de la littérature, du monde, de la société, de l'homme et des différentes cultures. Notre étude explore une poétique qui exprime la relation de Conte avec les poètes et les écrivains du passé et du présent. Pour Conte, la poésie est nécessaire et fondamentale pour la civilisation contemporaine, elle est un aliment essentiel de l'imagination et de l'âme humaine, elle doit être comprise comme fondamentale pour la renaissance esthétique, morale et économique du monde. Dans notre étude, nous analysons d'abord l'éloignement de Conte de la néo-avant-garde: il s'est toujours considéré comme un «étranger» par rapport aux mouvements artistiques et littéraires des XXe et XXIe siècles. Sa conception du mythe et de la nature comme antidote au matérialisme de la société occidentale l'a conduit à être l'un des fondateurs du «Mythomodernisme». Nous nous interrogeons sur les raisons qui ont poussé le poète à s'intéresser aux civilisations non-européennes disparues et examinons sa réinterprétation des mythes classiques. Nous étudions le rôle que Conte attribue à la poésie dans le rapprochement entre les cultures occidentale et orientale; nous analysons également l'influence de la «culture» et du paysage ligurien sur Conte. Enfin, nous nous concentrons sur les valeurs du langage, en particulier la valeur expressive de la métaphore (sur laquelle Conte a écrit des essais fondamentaux), sur la forme poétique et l'analyse du langage. Les techniques utilisées par Conte permettent à la poésie de devenir le porteur d'une nouvelle énergie et d'une œuvre de civilisation renouvelée.

Depuis la découverte de l’Amazonie, la région a été représentée de différentes manières, à travers les récits e voyage. Compte tenu des différentes représentations de l’Amazonie effectuées au fil des siècles, il est important d’évaluer dans quelle mesure les récits produits par des Brésiliens sur cette région incorporent ou rejettent ces perceptions, dans la dialectique entre l’élément extérieur et celui intérieur, qui constitue la principale question culturelle des pays postcoloniaux comme le Brésil. Dans ce panorama, l’analyse se concentre sur la relation existant entre la littérature, la science et l’identité nationale. L’objectif est d’examiner comment ces formes de discours entrent en compétition pour constituer l’ethos national brésilien, durant une période clé d’autodétermination au Brésil
Since the discovery of the Amazon, the region has been represented in different ways, mainly through travelogues. Concerning the geographical borders of the Brazilian Amazon, they will only be defined in the early twentieth century. The aim of this thesis is to analyze the representations of the Amazon, from the beginning of the twentieth century to the present, through the point of view of national authors. In this sense, it is important to analyze how Brazilian literature presented the relation between identity and memory, in competition with other forms of discourse

Notre étude consiste à retracer l'histoire du genre narratif arabe et plus précisément la nouvelle arabe de la fin du XIXème siècle jusqu'à 1969. Dans un premier temps, nous faisons un rappel historique et littéraire incluant la floraison du genre narratif en Egypte. Dans un second temps, nous analysons, à travers les préfaces de Mahmoud Taymour, l'évolution et les changements que le genre narratif arabe a subis dans la première moitié du XXème siècle. Enfin, la troisième partie illustre le gain en maturité du genre romanesque et plus précisément la nouvelle, à travers les oeuvres de Naguib Mahfouz, dans lesquelles nous trouvons un tableau complet de la société égyptienne et arabe de l'époque
Our study consists on tracking the history of the arab narrative type, more precisely the arab novel since end of nineteenth century till 1969. First, we start in the first chapter by a litterature and historical reminder of the birth of the narrative type in Egypt. Then, we analyze in the second chapter, through the Mahmoud Taymour introductions, the changes and evolutions that occur on this arab narrative type in the first half of the twentieth century. Finaly, the third chapter is the occasion to illustrate the gain in maturity of the narrative litterature and more specificaly the novel. This illustration is done through Naguib Mahfouz novels where we find a complete drawing of the egyptian and arab society at that time

Dans une perspective toute à la fois poétique, rhétorique et juridique, ainsi que générique et intertextuelle, cette étude propose une réflexion sur la mémoire et la parole de l’héroïne ovidienne. Une lettre simple (Médée, Héroïde XII) et une lettre double (Acontius et Cydippe, Héroïdes XX-XXI) sont au cœur de notre recherche. Médée et Cydippe allient le souvenir de l’instant à la parole intime et nous invitent à illustrer la représentation de la femme qui surgit au sein de l’art poétique du pathos, puis à affirmer la légitimation de son statut juridique dans une vraisemblance historique, et à apercevoir, dans un dernier temps, son émancipation, conquise dans une diversité dialogique et tensionnelle des genres et des textes. Les interférences textuelles avec les modèles fondateurs sont bien répertoriées, dans le cadre d’une allusion propre à faire apparaître une réécriture métaphorique de la réflexivité, dans un entrecroisement des instants que favorise particulièrement la figure d’Ariane catullienne (Carmen LXIV). Menée dans cet esprit, l’étude de la réminiscence littéraire est effectuée dans un travail des mots et des notions, pour la recherche d’une véritable mimésis poétique. Cette lecture aboutit à dégager la valeur autoréflexive de l’image du texte : mémoire ingénieuse et parole polysémique participent à un jeu savant où la figure féminine et la poiésis composée sont, à vrai dire, inséparables. Là réside encore l’originalité ovidienne : entre le souvenir de l’écrit et le futur de la lecture se situe la parole mnémonique, défense et message ultime de la femme ovidienne, ainsi récompensée
In a poetic, rhetorical and juridical perspective, as well as a generic and an intertextual one, this study proposes a reflexion on the ovidian heroine’s memory and speech. A single letter (Medea, Heroine XII) and a double letter (Acontius and Cydippe, Heroines XX-XXI) are at the heart of our research. Combining the memory of the instant with intimate speech, Medea and Cydippe extend an invitation to illustrate the representation of women that emerges from the poetic art of pathos, to affirm the legitimization of her juridical status in a historical plausibility, and to perceive, finally, her emancipation, gained in a dialogical and tensional diversity of genres and texts. The textual interferences with the founder models are well listed in the framework of an allusion that brings out a metaphorical rewriting of reflexivity, in an intersection of moments that particularly privileges the Catullian figure of Ariadne (Carmen LXIV). Carried out in this spirit, the study of literary reminiscence is completed in a work of words and notions for the research of a genuine poetic mimesis. This interpretation leads to highlight the autoreflexive value of the textual image: ingenious memory and polysemous speech participate in a learned play in which the feminine figure and the composed poiesis are, actually, inseparable. Therein can also be found Ovid’s originality: between the written memory and the future reading is set the mnemonic speech, defence and the ultimate message of the ovidian woman, thus rewarded

Le présent travail enrichit la thématologie à un double niveau, à la fois par une réflexion méthodologique sur les différents modes de manifestation du thème, et par une meilleure connaissance d'un "mythe" littéraire précis, celui de sainte Marie-Madeleine, dont la vitalité ne laisse aucun doute, tant dans la fréquence de l'utilisation du personnage depuis deux mille ans, que dans l'originalité des interprétations, malgré d'inévitables redites et banalités.

Sur la base d'une analyse minutieuse des différentes composantes du thème magdaléen dans la littérature franco-belge d'expression française après 1814, et des incarnations féminines qui s'en dégagent, cette thèse définit les contours du visage de la Madeleine de ces deux derniers siècles, et démontre la raison fondamentale de la permanence de la figure évangélique à travers les siècles :sa rencontre immédiate, et constante, avec le motif de la Femme dans la civilisation judéo-chrétienne.
Doctorat en philosophie et lettres, Orientation langue et littérature
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L’élan créateur consécutif à la guerre civile espagnole (1936-1939) reste très vif dans les générations de poètes qui écrivent en Espagne vers les années 50 ; c’est ce que l’on appelle poesía social, où l’on classe habituellement des noms tels que Blas de Otero, Gabriel Celaya ou José Hierro. Le ton combatif des années de guerre (Alberti, Hernández) devient alors résigné et seule une pointe d’espoir semble surgir de cette poésie radicalement solidaire. Quelques années plus tard, pour une nouvelle génération poétique (Jaime Gil de Biedma, José Agustín Goytisolo, entre autres) il ne s’agit plus d’écrire une poésie de circonstances, mais de donner voix à leurs inquiétudes personnelles, même si celles-ci sont étroitement liées au devenir collectif de leur pays. Habituellement on considère que ce type de poésie engagée termine avec l’avènement, dans les années 70, des Novísimos, groupe de poètes cherchant, bien au contraire, à faire une poésie aux antipodes de la triste réalité espagnole. Ces poètes ont besoin d’actualiser un horizon lyrique suranné et de donner à la poésie une dimension ludique absente de la poésie espagnole depuis les avant-gardes des années 20-30. Il n’en est pas moins que cette prise de position très critiquée constituait également une réaction subversive. Pour ces jeunes poètes il fallait résolument aller de l’avant et ne pas laisser la poésie espagnole, qui avait connu des heures si brillantes, s’engouffrer elle aussi dans les enfers d’un régime dictatorial. Ce changement de paradigme va à son tour se voir en quelque sorte interrompu dans les années 80 par le groupe poétique La otra sentimentalidad, qui revient à la poésie liée étroitement à l’histoire, cette fois-ci en pleine movida, ce mouvement social et culturel qui dynamitait les mœurs espagnoles et qui coïncidait avec l’arrivée des socialistes au pouvoir, en 1982. Il s’agira désormais de concevoir la littérature comme discours idéologique et d’en assumer l’historicité radicale. Javier Egea, membre fondateur du groupe de Grenade et figure centrale de ce travail, s’évertue non seulement à intégrer les réflexions matérialistes dans son œuvre, surtout dans ses recueils capitaux (Troppo mare, de 1984, Paseo de los tristes, de 1982, et Raro de luna, de 1990), mais aussi à cultiver une poésie qui évoque les événements historiques de manière directe, notamment dans ses poèmes dispersés ou inédits. C’est sur cette œuvre et sur les liens qui se tissent entre poésie et histoire dans le dernier tiers du XXe siècle espagnol que ce travail se propose de réfléchir
The creative impulse resulting from the Spanish Civil War (1936-1939) remained very vivid in the generations of poets who wrote in Spain in the 1950s; this is called social poetry, where authors as Blas de Otero, Gabriel Celaya or José Hierro are usually classified. The combative tone of the war years (Alberti, Hernández) then became resigned and only a hint of hope seemed to arise from this radically solidary poetry. A few years later, for a new poetic generation (Jaime Gil de Biedma, José Agustín Goytisolo, among others), it is no longer a question of writing a poem of circumstances, but of giving voice to their personal anxieties, even if those anxieties are closely linked to the collective future of their country. Usually it is considered that this type of committed poetry ended with the advent, in the 70s, of the Novísimos, a group of poets were seeking, on the contrary, to make a poetry at the antipodes of the mournful Spanish reality. These poets needed to actualize an outdated lyrical horizon and to give poetry a playful dimension absent from Spanish poetry since the avant-gardes of the years 20-30. Nevertheless, this highly criticized position was also a subversive reaction. For these young poets it was necessary to resolutely go forward and not let the Spanish poetry, which had known such brilliant hours, also plunge into the underworld of a dictatorial regime. This paradigm shift will in turn be seen in some way interrupted in the 80s by the poetic group La otra sentimentalidad, which returns to poetry closely linked to history. This period coincided with the arrival of the Socialists in power in 1982 and the movida, a social and cultural movement life which dynamited the Spanish manners. It will now be a question of conceiving literature as an ideological discourse and assuming its radical historicity. Javier Egea, founding member of the Grenada group and central figure of this work, strives not only to integrate the materialistic reflections in his work, especially in his capital collections (Troppo mare, 1984, Paseo de los Tristes, of 1982, and Raro de luna, of 1990), but also a poetry directly related to the historical events, especially in his dispersed or unpublished poems. This thesis proposes a reflection on this work and on the links between poetry and history in the last third of the Spanish twentieth century

La présente recherche sur des sources documentaires étudie la façon dont cinq intellectuels de Bahia ont vécu et interprété le processus de modernisation lors du passage du XIXe au XXe siècle, mis en lumière dans les mesures d'urbanisation ayant influé non seulement sur le tissu urbain mais aussi sur les usages, pratiques et interactions sociales qui donnaient un sens à l'espace. Il s'agit d'une sociologie de l'intellectuel analysant la conduite de Silva Lima (1826-1910), Anna Bittencourt (1844-1930), Manuel Querino (1851-1923), Xavier Marques (1861-1942) et Cardoso de Oliveira (1865-1962) dans leurs œuvres respectives : A Bahia de Hâ 66 Anos (1907); Longos Serôes do Campo (1920); A Bahia de Outrora (1916); Boto e Cia / O Feiticeiro (1897/1922) et Dois Métros e Cinco (1905). Ces cinq écrivains aux vies distinctes ethniquement, socialement et professionnellement parlant, sont réunis dans un échantillon qui compose un riche tableau de la vie intellectuelle de Bahia à l'époque en question. Cette analyse est partie d'études antérieures ayant mis en relief la relation entre production intellectuelle et transformations urbaines. Ce champ de recherche soulève, dans le cadre méthodologique, le problème de la réification conceptuelle relevé dans la construction de l'intellectuel comme catégorie d'analyse et dans l'approche des textes comme sources de données. On observe d'une part la versatilité du statut intellectuel soumis à l'accès à certains groupes et critères de reconnaissance et, d'autre part, la nature dynamique des mémoires et romans publiés par les écrivains de Bahia qui, au-delà de la contrainte des supports matériels tels que livres et périodiques, réalisèrent des actions dans la sphère publique devant être envisagées selon une perspective historique. Ainsi, la recherche ne s'est pas limitée à une définition conceptuelle de l'intellectualité et a tracé le profil de l'intellectuel bahianais, examinant les espaces par eux fréquentés - les confréries et leurs critères de distinction, les milieux d'édition, les auditoires, le public, les éditeurs et directeurs de journaux. Elle a abordé les textes de ces écrivains non comme sources d'information passives mais comme événements historiques, actions politiques dans le milieu de la presse et de l'édition. La première partie de la thèse étudie le passage des intellectuels dans les sociétés abolitionnistes et républicaines, les associations littéraires, l'Institut Géographique et Historique de Bahia et les périodiques à grand tirage de la ville. La seconde partie, consacrée à l'analyse de contenu d'une publication de chacun des auteurs, aborde les transformations des modes de vie dans la ville de Salvador, intégrant l'expérience de rupture qui définit progrès et modernité à partir de la perspective des intellectuels bahianais représentés par ces cinq auteurs. Les textes ont révélé non seulement leurs opinions quant aux dommages et bienfaits de la modernisation, mais aussi leur expérience de vie dans la ville, contribuant à la phénoménologie du processus compris dans l'abstrait comme « modernité », soulignant les aspects pertinents des changements dans les formes de sociabilité tels que l'extinction de coutumes religieuses, l'affaiblissement de fêtes populaires, l'adoption du carnaval pour remplacer Ventrudo, et les nouvelles formes de rencontres dans les espaces ouverts au public (rues, places et espaces commerciaux) - aspects liés à la ségrération socio-spatiale qui allaient influencer la coexistence entre riches et pauvres
This research on documentary sources investigates the way five intellectuals from Bahia, Brazil, lived and interpreted the process of modernization in the passage from the 19th century to the 20th century, evidenced in measures of urbanization that interfered not only in the urban fabric as well as in customs, practices and social interactions that gave meaning to the space. It deals with the sociology of intellectual which analyzes the performance of Silva Lima (1826-1910), Anna Bittencourt (1844-1930), Manuel Querino (1851-1923), Xavier Marques (1861-1942) and Cardoso de Oliveira (1865-1962) in the following works, respectively:/4 Bahia de Hâ 66 Anos (1907); Longos Serôes do Campo (1920); A Bahia de Outrora (1916); Boto e Cia /O Feiticeiro (1897/1922) and Dois Métros e Cinco (1905). The sample gathered five writers with distinct lives in ethnie, social and professional terms, composing a rich picture about the intellectual life of Bahia in the period in question. It was stimulated by previous studies which highlighted the relation between intellectual production and urban transformations. This field of research raises the problem of conceptual reification in the methodological sphere, confronted in the construction of "intellectual" as an analysis category and in the approach of the texts as data sources. On one side, it was observed the volubility of the statusof intellectual, conditioned by the access to certain groups and by criteria of récognition, and, on the other side, the dynamic nature of memoirs and of the novels produced by thèse writers that, beyond the imprisonment on media materials such as books and serial novels, constituted actions in the public sphere, claiming to be examinedfrom a historical perspective. Thus, the research isn't constrained to a conceptual definition of intellectuality, tracing instead the intellectual profile of Bahia, analyzing the spaces they frequented — their societies and their distinction criteria, the means of publication, the auditoriums, the audience, the editors and directors of newspapers. The research approached the texts of these writers as historical events, political actions in the printed media rather than as passive information sources. The first part of this thesis investigates the passage of intellectuals through abolitionists and republican groups, writers' coteries, in the Geographical and Historical Institute of Bahia and in the main periodicals of the city. The second part is devoted to the analysis of contents of a publication of each author, dealing with the thorough transformations that occurred in the dynamics of coexistence among citizens in the city of Salvador, thus outlining the sens of rupture which defines, from the perspective of local intellectuality, the coming of progress and modernity. The texts revealed not only the opinions of writers about the damage or benefits of modernization, but theirliving experience in the city, contributing to the phenomenology of the process abstractly understood as "modernity", emphasizing relevant aspects of changes in the forms of sociality such as the extinction of religious customs, the weakening of popular festivals, the adoption of Carnival replacing the "Entrudo", and new ways of meeting in open public spaces (streets, commercial spaces and squares) — aspects related to the process of socio-spatial segregation which interfered in the coexistence between rich and poor

Cette thèse s'inscrit dans une dynamique de recherche qui seulement récemment a commencé à remettre en discussion une doxa de l'historiographie théâtrale un peu simpliste: dans le contexte italien, l'avènement de la mise en scène moderne serait un phénomène tardif, par rapport à d'autres Pays, comme par exemple l'Allemagne, la France, la Russie. Ce « retard » trouverait son origine dans la persistance d'une tradition autoréférentielle de l'acteur. Le système dans lequel il se produit - un système de troupes nomades, en l'absence d'un pôle théâtral hégémonique comme pouvait l'être Paris pour la France - serait inévitablement réfractaire à l'intrusion d'une figure artistique perçue comme étrangère: le metteur en scène. Il faudrait attendre l'après-guerre pour assister en Italie à l'affirmation de ce qu'on appelle la regìa. Ce lieu commun de l'historiographie a véhiculé une série d'équivoques et d'approximations qui aplatissent un phénomène comme l'affirmation de la mise en scène moderne, nourrissant ainsi un discours téléologique de progrès qualitatif.Une série de recherches menées à partir des années 2000 nous invite cependant à considérer la mise en scène comme un aspect de l'art théâtral dans toute sa complexité. Des concepts comme ceux de proto-regia (proto-mise en scène, Perrelli, 2005), de continuité/discontinuité (Sarrazac-Consolini, 2010), montrent les limites d'une définition univoque de cet art. Sous cette lumière, le contexte italien apparaît alors comme un terrain en friche. Une étude récente a justement montré la sensibilité du système italien envers l'œuvre des maîtres européens de la scène, en tournée dans la Péninsule entre 1911 et 1940 (Schino, 2008).Nous nous proposons alors de revenir d'une part sur la construction de l'idée du « retard », et sur les raisons qui ont fait de la mise en scène un véritable graal, d'une autre part nous souhaitons souligner de quelle façon cet art émerge en Italie justement à partir de la présupposée cause du retard: l'acteur. L'avènement de la mise en scène ne serait donc pas une épiphanie brusque, mais un art qui s'exprime de manière différente, selon le modus operandi des artistes et en fonction des caractéristiques du système théâtral
This doctoral thesis challenges the simplistic doxa in theatre historiography that views genesis of theatre direction in Italy as a late phenomenon in comparison to other countries such as Germany, France, and Russia. This “delay” is thought to be due to the actor’s persistent self-referential tradition. According to the doxa, the Italian theatre system would have been resistant to the introduction of the new role of director, which was perceived as extraneous. This situation would have been caused in Italy by the popularity of wandering companies and the absence of a dominant theatrical focal point such as Paris was in France. The phenomenon of a strictly speaking regìa would have only emerged after the Second World War. This view has led to a series of misinterpretations and misunderstandings that oversimplify the phenomenon of the development of modern direction, favouring a teleological argument of qualitative progress. However, a number of studies carried out from the 2000’s encourage us to consider the direction as a complex aspect of the theatrical art. Concepts such as ‘proto-direction’ (Perrelli, 2005) and continuity/discontinuity (Sarrazac-Consolini, 2010), show the limits of an univocal definition of this art. In light of these studies, the Italian panorama appears as an uncharted territory. A recent study of the European directors’ tours in Italy for the years from the 1911 to 1940, has actually demonstrated the Italian system’s responsiveness (Schino, 2008).My research investigates the origin of the concept of “delay”, and the reasons by which theatre direction in Italy came to be considered by scholars as some sort of grail. I also highlight how direction in Italy emerges from the main source of the supposed delay itself: the actor. Indeed, the appearance of theatre direction is not abrupt; but rather a multifaceted art, which changes according to artists’ modus operandi and is dependent on the characteristics of the theatrical system

En Amérique du Nord aux XX et XXIe siècles, les auteurs étudiés : Ying Chen (La mémoire de l’eau, L’ingratitude et Quatre milles marches : un rêve chinois), Dany Laferrière (Comment faire l’amour avec un nègre sans se fatiguer, Pays sans chapeau et Je suis fatigué), et, Wajdi Mouawad (Incendies, Littoral et Je suis le méchant) avancent des oeuvres qui sont l’expression de voix, à la fois contrastantes, divergentes dans la littérature nationale québécoise. Prenant leur distance par rapport à des représentations stéréotypées de leur époque telles que la littérature d’exil et la littérature du voyage, les auteurs migrants campent des histoires à travers lesquelles s’offrent des images nouvelles de la ville nord-américaine, des lieux emblématiques, une rencontre à l’autre. L’auteur migrant se livre, d’ailleurs, à l’instar de sa trajectoire éclatée dans la ville, à un jeu avec le lecteur en endossant plusieurs rôles, plusieurs figures auctoriales. L’écriture migrante se révèle palimpseste : elle intègre différents modèles littéraires tout en les dépassant. Dans sa construction interne, dont le processus de création, on retrouve ce dérobement aux normes littéraires. Enfin, elle offre une vision du monde réconciliatrice et bienveillante en faisant cohabiter les vivants avec les morts
In the America of the XXe century, works of Ying Chen, Dany Laferrière and Wajdi Mouawad express voices that are, at the same time, different, various and deviating for the ones of the quebecker’s national literature. Taking their distance toward stereotyped representations of their time, like the exilic literature or the travel literature, migrant authors set stories where brand new images of the northern towns emerge, as well as emblematic places and the meeting of the other occurs. The migrant author reveals, just like his exploded path, a game with the reader by taking over several roles, several auctorial figures. His writing is therefore, a palimpsest: it’s integrating various literary models while it goes beyond. In its intern construction, in its creation process, we may discover how it shielded literary norms. Finally, the migrant writer offers a view of the world that is both reconcile and indulgent by making live together the alives and the deads

Cette étude exhume la poésie créée dans les espaces carcéraux du premier franquisme, depuis l’occupation progressive de l’Espagne par le camp national, entre 1936 et 1939, jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale voire des années cinquante selon les incarcérations. Ce phénomène, souvent réduit en Espagne à deux figures héroïsées (Miguel Hernández et Marcos Ana), recouvre pourtant une multitude de cas, allant du poète emprisonné, dont les ambitions littéraires sont entravées, aux prisonniers de guerre ou politiques qui s’essayent au romance pour tuer le temps : au-delà de la valeur littéraire de l’œuvre, on s’intéresse à la poésie de témoignage autant qu’à la poésie lyrique, aux poèmes en prose et en vers, oraux ou écrits, à travers un corpus varié, tant sur le plan générationnel qu’idéologique, d’une soixantaine d’auteurs. José Luis Gallego (1913-1980) est un exemple paradigmatique, puisqu’il compose une vingtaine de recueils en prison de 1939 à 1942 puis de 1943 à 1960, dont seulement trois ont été publiés. Toute la géographie espagnole est concernée (notamment Madrid, l’île de Saint Simon ou les Canaries) et divers espaces carcéraux, dont des camps. Si certains symboles singularisent un auteur, la culture ou la situation espagnole, cette poésie carcérale relève globalement d’une poétique de la libération, visant à fuir l’espace-temps oppressant de l’enfermement, tout en évacuant les émotions douloureuses dans des moules métriques qui disent la contrainte, et en glissant occasionnellement une subversion entre les vers. On envisage également les processus de création et de diffusion de ces œuvres lyriques, l’enjeu de la collaboration avec le pouvoir dans les pages de l’hebdomadaire pénitentiaire Redención et le destin de vers confiés aux réseaux semi-clandestins ou exposés à un silence éditorial. À partir d’archives familiales et nationales, on analyse ces voix lyriques d’une résilience difficile, inédites ou méconnues, en tension entre l’enfermement dans l’intimisme de l’insilio et l’extériorisation subtile d'une dissidence réprimée
This study sets out to uncover the poetry created in carceral spaces during early Francoism, from the progressive advancement of the Nationalist faction in Spain, between 1936 and 1939, to the end of the Second World War, up until the late fifties in some cases in line with the duration of imprisonment. This phenomenon, mainly reduced in Spain to the two heroicized figures of Miguel Hernández and Marcos Ana, nonetheless, involves a vast number of others, ranging from the jailed poet, whose literary ambitions are thwarted, to the prisoners of war or political prisoners who try their hand at romances to kill time. The focus of this study is not limited to the literary value of a poem, but also considers testimonial as well as lyrical poetry, prose poems and verse, both written and orally-transmitted. The corpus in question varies widely both in terms of generation and ideology and spans sixty authors. José Luis Gallego (1913-1980) is paradigmatic, since he composed around twenty collections of prison poems from 1939 to 1942 and then from 1943 to 1960, of which only three were published. The whole of Spanish geography is covered (especially Madrid, San Simón island and the Canaries) and several prison spaces, including prison camps. Even if certain symbols underline the specific circumstances of a particular author, specific cultural aspects or the Spanish situation on the whole, the prison poetry discussed here mainly derives from a poetics of liberation, whose goal is to leave behind the oppressive space-time of imprisonment. At the same time, the poetry acts as a release for painful emotions expressed and compressed into metrical moulds indicative of the constraint, occasionally letting slip subversive comments between the lines. In addition, the process of creation and diffusion of these lyrical works, the implications of collaborating with power in the pages of the prison weekly Redención and the destiny of those verses that were entrusted to semi-clandestine networks or met with editorial silence are examined. Taking family and national archives as the starting point, these lyrical voices of a difficult resilience, unpublished or unappreciated, in constant tension between being locked into the intimism of the insilio and the subtle exteriorization of a repressed dissidence
Este estudio exhuma la poesía creada en los espacios carcelarios del primer franquismo, desde el avance progresivo en España del bando nacional, entre 1936 y 1939, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, incluso de los años cincuenta según los encarcelamientos. Este fenómeno, que suele reducirse en España a dos figuras heroizadas (Miguel Hernández y Marcos Ana), abarca sin embargo una multitud de casos, que van desde el poeta encarcelado, cuyas ambiciones literarias son obstaculizadas, hasta los prisioneros de guerra o políticos que se ejercitan escribiendo romances para matar el tiempo: más allá del valor literario de la obra, nos interesamos tanto por la poesía testimonial como por la poesía lírica, por los poemas en prosa o en verso, orales o escritos, a través de un corpus variado, tanto a nivel generacional como ideológico, de unos sesenta autores. José Luis Gallego (1913-1980) es un ejemplo paradigmático, ya que compone una veintena de poemarios en prisión de 1939 a 1942, y de 1943 a 1960, de los cuales solamente tres han sido publicados. Se aborda toda la geografía española (especialmente Madrid, la isla de San Simón o las Canarias), y diversos espacios carcelarios, como los campos. Si bien algunos símbolos singularizan a un autor, la cultura o la situación española, esta poesía carcelaria implica en general una poética de la liberación, que apunta a huir del espacio-tiempo opresivo del encierro a la vez que evacua las emociones dolorosas en unos moldes métricos que expresan la coerción, y desliza a veces una subversión entre los versos. Igualmente, contemplamos los procesos de creación y de difusión de estas obras líricas, la cuestión de la colaboración con el poder en las páginas del semanario penitenciario Redención y el destino de unos versos confiados a redes semiclandestinas o expuestas al silencio editorial. A partir de archivos familiares y nacionales, analizamos esas voces líricas de una resiliencia difícil, inéditas o desconocidas, en tensión entre el encierro en el intimismo del insilio y la exteriorización sutil de una disidencia reprimida

Cette thèse a pour objectif d’étudier le retour de la tragédie grecque sur la scène française du XXe siècle, et de comprendre les significations qui s’appliquent à la forme théâtrale de la tragédie au XXe siècle, autour de quelques figures féminines. Notre recherche doctorale a retenu cinq écrivains, auteurs de pièces de théâtre inspirées par des personnages de la tragédie grecque : Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre et André Gide.En partant des oeuvres de l’Antiquité grecque comme berceau de la tragédie, on conçoit rapidement le fait que ces oeuvres constituent une source inépuisable pour les dramaturges français à travers les siècles. Ainsi, les auteurs français n’ont pas cessé de redonner la vie aux personnages tragiques grecs. Toutefois, il n’y a pas de lien particulier avec la civilisation antique si ce n’est un regard posé sur des mythes fondateurs de la pensée humaniste. Au plan méthodologique, nous nous appuyons sur les oeuvres, sans faire - plus que nécessaire - référence aux œuvres du théâtre grec. Bien qu’il prenne place dans le champ de la dramaturgie pour réinventer les dispositions d’un espace sociétal en plein mutation, le genre féminin n’a jamais été étudié d’une manière spécifique, détaillée et à partir d’un large corpus.Ce travail de thèse entre dans le cadre général de la thématique de la transformation du féminin qui est ainsi retranscrite ou traduite par la parole du dramaturge masculin. Après une identification de la personnalité des héroïnes et de leurs attitudes, notre propos sera de décrypter le réseau des alliances entre féminin et masculin. Les femmes s’impliquent dans les systèmes d’organisation que nous avons classés en trois parties : les relations dans la famille, les relations dans le couple et les relations dans le système politique. Au terme de cette exploration, nous arriverons à la conclusion suivante : la nouvelle identité que le XXe siècle a offerte à la femme a été mise en valeur. Alors qu’une infériorité considérable marque le statut de la femme, pendant des siècles, par rapport à celui de l'homme, des thématiques nouvelles surgissent pour donner naissance à une amélioration remarquable et à un changement de statut de la femme
This thesis aims to study the return of the Greek tragedy into French theatre in the twentieth century, and to understand the significance applied to the Tragedy in the twentieth century focusing on some female figures. In this research, the following five French playwrights, authors of plays were chosen because they were inspired by characters of Greek Tragedy: Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre and André Gide.The return of Greek themes in French plays over the years shows us indeed just how valuable these finite sources of information and reference actually are and how much of an inspiration they have been. For this reason mainly, authors such as those mentioned above have not stopped bringing these old characters back to life in their plays. There is not any specific link with old civilization; it is but a look at the founding myths of the humanistic thinking. In terms of the methodology, work done in the 20th century with relation to classic Greek themes/ tragedy genre, has been selected specifically as a tool of studying more recent French theatre. The role played by these female characters in these plays has not been analyzed or looked at before in detail using this quantity of authors as a sample, making this thesis unique and an interesting contribution to the field.This study looks more deeply into the change or shift that took place when considering the role/character played by women in these plays, through the eyes of these male authors. After determining these distinctive female characters and their personalities and attitudes, the relationship between men and women can be analyzed and particular relationships, divided into 3 sections, namely will be analyzed and discussed: -  Role and relationship of female characters from a political system perspectiveThis thesis will aim to conclude that the identity and status associated to female characters, for several centuries have been significantly less than the status of men, and more specifically in these olden Greek plays from the 20th century.The study predicts that in light of the recent changes and developments undergone by new French play writers, inspired by classic Greek genre has led to a paradigm shift and drastic improvement in the identity and status associated to the Female characters in these plays

Dans le sillage des guerres totales et des génocides du XXe siècle sont apparus des ouvrages d’un genre nouveau : les témoignages. Ils sont le fait d’hommes et de femmes survivants d’une violence politique extrême qui, endossant le rôle de témoins, ont entrepris de faire connaître leur expérience au plus grand nombre en rendant compte par écrit des sévices endurés. Leur mission : attester ce qu’ils ont vu et subi, rendre hommage aux disparus, initier un questionnement sur les mécanismes ayant conduit au meurtre de masse, et opposer aux tentatives de destruction de l’humain et de sa culture une réflexion sur le vivre-ensemble et la dissolution toujours possible des liens sociaux les plus fondamentaux. Le corpus légué par ces témoins constitue l’objet d’étude de cette thèse de doctorat, qui poursuit un double objectif : décrire, sur la base d’une lecture minutieuse des textes, partiellement assistée d’outils d’analyse textométriques, les principales caractéristiques du genre, et poser les jalons d’une histoire du témoignage et de sa réception, publique et critique, à partir de récits faisant état d’expériences aussi diverses que celles du feu pendant la Grande Guerre, de l’univers concentrationnaire sous le régime nazi et de la violence coloniale en Algérie. Comprendre ce qui spécifie génériquement ces textes au-delà de la diversité des œuvres et des événements dont elles sont issues, suppose de dégager le projet commun qui les sous-tend et les constitue en lignée, étant entendu qu’un genre ne se définit pas en fonction de critères ontologiques immuables. Il apparaît dans des circonstances socio-historiques précises, et se déploie à un niveau d’interférences sémiotiques qui justifie cette double approche, philologique et historique
Books of a new kind appeared out of the total wars and genocides of the twentieth century – testimonies. They are written by male and female survivors of extreme political violence, who, taking on the role of witnesses, decided to share their experiences with others by writing of the suffering they had undergone. Their mission consists in testifying what they saw and experienced, paying tribute to those who did not survive, questioning the mechanisms which led to mass murder, and opposing to the attempts to destroy human beings and their culture a reflection about living together and the ever-present possibility of the most fundamental social relationships falling apart. The corpus left by these witnesses is the object of study of this PhD dissertation, which has two aims: to describe, based on a close reading of the texts, partially aided by the tools of textometric analysis, the main characteristics of the genre, and to create the basis of a history of testimonies and their public and critical reception, using accounts which reveal such diverse experiences as trench warfare during the World War One, the concentration camps of the Nazi regime, and colonial violence in Algeria. In order to understand the generic specificity of these texts going beyond the diversity of the works and the events they proceed, it is necessary to define the underlying common project which forms a tradition, given that a genre is not defined according to unchanging ontological criteria. It appears in precise socio-historical circumstances, and is situated at a level of semiotic interference which justifies this dual philological and historical approach

Dans cette thèse est analysé le deuxième et dernier livre Beribilez (En voiture) de Jean Etchepare (1877-1935). Le but de la recherche est d’établir l'idéologie de l'auteur à l’âge adulte et l’image qu’il donne tout au long de ce récit de voyage, fait en voiture à travers le Pays Basque. On a utilisé deux méthodologies principalement : la sémiotique (Philippe Hamon) et l´imagologie (Daniel-Henri Pageaux). On a relu les critiques portant sur l´œuvre de cet auteur pour les comparer avec nos intuitions. Nous avons sondé la formation intellectuelle de Jean Etchepare, et nous avons vu qu'au Pays Basque du Nord, il était confronté à la pensée traditionnelle, dominante à cette époque. Durant la confrontation entre l'État et l'Église autour de la laïcisation, Etchepare a choisi une voie indépendante inspirée souvent par la philosophie allemande. Dans le domaine de la pensée esthétique, la vision du paysage basque est plutôt économiciste, l'appréciation des terres rurales se combine avec un mysticisme poétique. Au sein des beaux-arts, il critique l'enthousiasme théâtral du luxe religieux baroque qu'il voit dans le Sanctuaire de Loyola; dans l´aspect du savoir-vivre il s'éloigne modérément de l'ascétisme confessionnel traditionnel, donnant dans le texte une place inhabituelle jusqu’alors, aux petits plaisirs des sens (gastronomie, danse…). Dans le domaine de l'éthique, il critique la croissance urbaine de Saint-Sébastien : il proclame la spiritualité laïque contre le matérialisme et la dégénérescence de la haute bourgeoisie. Il prophétisa la Seconde Guerre mondiale qui s´approchait, parce qu'il voyait les êtres humains sans respect mutuel. En tant que positiviste, il critique aussi toute croyance irrationnelle. Enfin, il indique qu'à l'âge adulte il s'est aligné sur la philosophie grecque de la mesure. A propos du Pays Basque, il entend promouvoir la solidarité entre les deux versants basques des Pyrénées, en réinterprétant les avatars de l'Histoire de manière diplomatique. L'attitude envers le Sud-est de filia (Pageaux). En conclusion, on peut dire que l'écrivain dans ce livre a modélisé soigneusement l´expression de sa pensée, car il ne voulait pas que l´ouvrage soit rejeté, comme ce fut le cas avec le premier (Glanes, 1910)
The second book ((original Basque title) Beribilez; (engl.) By car) by Jean Etxepare (1877-1935) is analysed in this doctoral thesis. The aim of this research is to define the author’s ideology/ in his intellectual maturity and his image of the Basque Country, along the journey made by car through the Southern Provinces. Semiotic Methodology (Philippe Hamon) and Imagology (Daniel-Henri Pageaux) have been used as a study method. We have looked at the academic training of Jean Etxepare, and we have seen that in the Northern Basque Country he was confronted with the hegemonic traditional catholic way of thinking. During the years of dissent between the State and the Church, Etxepare chose the free-thinking path, inspired by German philosophy. In the area of aesthetics, his view of the Basque landscape is mostly economicist. His perspective of the appreciation of rural lands combines with a poetic mysticism. He considers the display of Baroque religious luxury that he sees in the Sanctuary of Loyola, spiritually deficient; we can see that, on the one hand, we are dealing with an intellectual author of petit bourgeois standing and sound artistic judgement... On the other hand, even if he proves to be a knowledgeable person, he is very capable of enjoying the small pleasures of life as gastronomy, wines, dances and eroticism in a harmonious and measured way. He moves moderately away from traditional confessional asceticism, giving in his book to the pleasures of the body an unusual and enlightening place unknown to the catholic dominant literature. In the field of ethics, he criticizes the urban growth of San Sebastian: he proclaims secular spirituality against the materialism and degeneration of the high bourgeoisie. He prophesied that there would be the Second World War, because he saw the human beings lacking mutual respect. As a positivist, he criticizes any irrational belief. Finally, he indicates that in adulthood he has been aligned with the Greek philosophy of measure, in spite of his non-conformist youth. About the Basque Country, he intends to promote solidarity between the two sides of the frontier, reinterpreting the history passages in a diplomatic way. His attitude towards the South is of a philia one (Pageaux). As a conclusion, we can say that the writer measured the expression of his dissident way of thinking, because he did not want his second book to be rejected as had been the case with the first one (Buruxkak, 1910)

À l’orée des années soixante, la performance a cherché à imposer un art de l’action éphémère que n’entraverait aucun type de médiation, qu’il soit symbolique (la distance acteur/spectateur), technique (les médias), ou même linguistique (le langage, les signes). Enjeu de nombreux débats entre les années 1960 et 1990, ces tentatives ont trouvé de multiples formulations théoriques s’appuyant sur les outils du poststructuralisme en particulier, mais aussi sur des cadres de pensée différents, directement hérités du modernisme de Greenberg. On explore ici les étapes et enjeux de ce croisement, jusqu’à la rupture apportée dans les années 1990 et 2000 où les débats théoriques, toujours dirigés par des schémas poststructuralistes, redonnèrent une place centrale aux médiations, tout particulièrement au document. Or, la figure importante de la pratique artistique qu’est devenu le document depuis les années soixante s’avère mettre en question l’ontologie traditionnelle de la performance, orientée sur l’événement, autant que son épistémologie, qui valorise l’expérience directe. La prise en compte des dimensions instrumentales et artistiques du document nous conduit à réviser la poïétique traditionnelle de la performance et les théories de la communication qui lui sont liées, et à repenser par là même l’opposition entre objet et événement qui fonde la définition de la performance. C’est ainsi qu’on interroge le rapport de celle-ci à l’inscription, pour la redéfinir comme un art irréductible à son contexte d’exécution et travaillé en profondeur par la reproduction et la représentation, au travers notamment de l’étude de certaines figures exemplaires, Allan Kaprow, Chris Burden ou Tino Sehgal
On the edge of the 1960’s, performance looked after imposing an art of ephemeral action that no kind of mediation would impede, be it symbolic (the distance between actor and spectator), technical (the medias), or even linguistical (language, signs). Those attempts led to numerous discussions between the 1960’s and the 1990’s, and have found numerous theoretical formulations using particularly the tools of poststructuralism, but also frames of thought directly inherited from Greenberg modernism. We explore here the stages and issues of this cross-over until the break of the 1990’s and 2000’s where the theoretical debates, always using poststructuralist schemes, gave a central role to mediations, particularly to the document. Documents have become an important figure of artistic practice since the 1960’s and turned out to question the traditional ontology of performance, based on the event, as well as its epistemology that promotes live experience. We try to consider the instrumental and artistic dimensions of the document ; this leads us to revise the traditional poetics of performance and theories of communication that are related to it, and to consider anew the opposition between object and event on which the definition of performance is based. Thus, we question the links between performance and inscription, redefined as an art that is irreducible to its context of execution and worked in depth by reproduction and representation, through the study of certain figureheads : Allan Kaprow, Chris Burden or Tino Sehgal

Este trabajo analiza la gestación, funcionamiento y recepción de la estrategia literaria de Fernando Vallejo, en especial, el malditismo y la subversión que caracterizan su controvertida poética. Para hacerlo, adopta un enfoque metodológico que tiene en cuenta tanto los aportes de la Sociología de la literatura como los de disciplinas como la Estética de la recepción y el Análisis del discurso, sin olvidarse de estudiar los códigos narrativos, afectivos y culturales que favorecen los efectos subversivos de sus textos, entre los que destaca el pacto ambiguo firmado con sus lectores por el autor colombiano, único en la narrativa actual en español.

Ante la ausencia de un marco teórico sobre este tipo de obras subversivas o malditas, de manera más específica se intentan desentrañar las claves principales de las poéticas del mal y de la subversión, llegando a proponer un cuadro explicativo con los rasgos que, en base al estudio pluridisciplinar de nociones como la “desviación social”, el “mal” y la “subversión”, presentan los textos literarios subversivos y malditos. En este sentido, los no hispanistas pueden leer esta tesis como un case study o materialización de dicha propuesta

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Ce travail analyse la gestation, le fonctionnement et la réception de la stratégie littéraire de Fernando Vallejo, et plus particulièrement la malédiction et la subversion qui caractérisent sa poétique controversée. Dans ce but, l’étude adopte un point de vue méthodologique qui tient compte tant des apports de la Sociologie de la littérature que de l’Esthétique de la réception et de l’Analyse du discours. Seront également étudiés les codes narratifs, affectifs et culturels qui favorisent les effets subversifs des textes, parmi lesquels ressort l’ambiguïté du pacte signé par l’écrivain colombien avec ses lecteurs, unique dans la littérature contemporaine de langue espagnole.

Devant l’absence de cadre théorique sur ce type d’œuvres subversives ou maudites, il s’agit d’identifier de manière plus spécifique les éléments clés des poétiques du mal et de la subversion, pour arriver à proposer un cadre explicatif. Celui-ci comprend les caractéristiques que présentent, sur base de l’étude pluridisciplinaire de notions telles que la “déviation sociale” et la “subversion”, les textes littéraires subversifs et maudits. En ce sens, les non hispanistes pourront lire cette thèse comme une étude de cas ou comme la matérialisation d’une telle proposition théorique.
Doctorat en Langues et lettres
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La thèse présente une analyse comparative de l’œuvre du poète, philosophe, journaliste et dramaturge Nicolas Maksimovitch Minsky, l’un des fondateurs du symbolisme en Russie. L’œuvre de Minsky est considérée dans le contexte du symbolisme français. Le présent travail étudie la genèse du symbolisme russe qui s’est partiellement inspiré des notions et de l’esthétique du symbolisme français. Il contient un large corpus des traductions inédites des textes russes jamais étudiés dans le cadre des analyses littéraires. Ces textes apportent des éléments précieux permettant de mieux comprendre la situation socioculturelle et les particularités de la conscience « transitoire » de la fin du XIXème siècle. L’œuvre de Minsky est née sous l’influence de deux littératures, française et russe. L’approche comparative permet donc de définir sa place dans l’évolution de la culture mondiale et de réaffirmer l’importance des liens culturels entre la France et la Russie
The dissertation is devoted to a complex comparative research of works of the poet, philosopher, publicist, playwright and one of founders of symbolism in Russia, Nikolay Maksimovich Minsky, in the context of the French symbolism. The dissertation examines the genesis of early Russian symbolism, which was partially shaped by the concepts and categories of French symbolism. The work presents a large body of texts in Russian, translated into French for the first time and previously not subject to literary analysis; these texts reveal the picture of the socio-cultural situation and the main features of the turn-of-the-century consciousness of the late XIX century. Minsky's work was formed at the junction of influence of French and Russian literature, so the comparative approach to the analysis of the poet's work allows us to determine its place in the development of world culture, as well as to emphasize once again the importance of the cultural ties between Russia and France
Диссертация посвящена компаративистскому исследованию творчества поэта, философа, публициста, драматурга, одного из родоначальников символизма в России, Николая Максимовича Минского, в контексте французского символизма. В диссертации рассматривается генезис раннего русского символизма, сформировавшегося частично благодаря понятиям и категориям французского символизма. В работе представлен большой корпус русских текстов, впервые переведенных на французский язык и ранее не оказывавшихся предметом литературоведческого анализа, которые раскрывают картину социокультурной ситуации и основные особенности рубежного сознания конца XIX столетия. Творчество Минского формировалось на стыке влияния французской и русской литератур, поэтому компаративистский подход к анализу творчества поэта позволяет определить его место в процессе развития мировой культуры, а также в очередной раз подчеркнуть важность культурных связей между Россией и Францией

La spécificité de l’œuvre d’André du Bouchet se tient dans un lien extrêmement étroit avec les arts plastiques et les artistes. Son écriture engage la poésie, à l’égal de la peinture, dans la compréhension de l’énigme de la visibilité, en inventant sa propre mise en espace. La page est traitée comme une surface où le fait d’agencer des termes selon des orientations spécifiques octroie au support le bénéfice de l’énergie exercée par cette spatialisation des éléments, en plus de la tension déployée par les entrelacs du sens. Trois axes sont ainsi successivement abordés : le Tracé, la Vision, et le Support. Chacune des opérations lexicales comme syntaxiques procèdent du souci de désenclaver les notions qui viennent clore le sens et de porter l’accent sur la mobilité. Ainsi, André du Bouchet entend approcher les procédés que les peintres mettent en œuvre pour rendre compte, et de leur vision du monde, et de cette échappée du réel à laquelle ils se confrontent. S’interrogeant sur le regard porté sur le monde, puis retournant la question sur la façon dont le monde vient au regard, il façonne cette « langue sans parler…..aveuglément peinture » qui fait entrevoir une réalité inédite. Sa conception d’une épaisseur du support s’appuie sur une pensée en volume qui substitue aux coordonnées spatio-temporelles de la géométrie de l’espace des qualités intensives liées à une appréhension kinesthésique du monde. Il fonde une énergétique de l’espace et engage, ce faisant, une conception de la place de l’homme dans le monde entendue comme déplacement, emportement incessant
The specificity of André du Bouchet's work lies in its intimate connection with the fine arts and artists. His writing commits poetry - the way painting does - to understanding the riddle of invisibility by inventing its own spatial disposition. The page of a book is treated like a surface which disposing terms together according to specific orientations gives the medium the energy exerted by that spatialisation of elements, on top of a tension displayed by the interweaving of word meaning. Three lines of research are thus treated in succession : Layout, Vision and Medium. Each lexical and syntactic operation aims at opening up the notions which give a limit to meaning, and to emphasise mobility. in this manner, André du Bouchet, intends to come close to the techniques that painters apply in order to express their vision of the worl, but also the escape from reality which they confront themselves to. Pondering on the way we look at the world and then - conversely - on the way the world appears to the eye, he shapes that "speechless language ... dazzlingly painting" which gives a glimpse of an unfamiliar reality. His thinking in terms of volume explains his conception of a multi-layer medium ; its substitutes the space-time coordinates of space geometry for intensive qualities linked to a kinaesthetic apprehension of the world. He brings into being a form of energetics of space and thus introduces a conception of man's place in the world as movement and constant flow

Cette étude est une recherche sur les relations complexes entre la poésie et l’érotisme au sein de la poésie colombienne, et elle suit un itinéraire qui va de la poésie de José Asunción Silva, à la fin du XIXe siècle, à celle du groupe Mito, dans les années 50. Cet exercice d’investigation et d’analyse démontre qu’on peut observer une tradition de l’érotisme dans la poésie colombienne, au sein de laquelle l’érotisme comme sujet sensible a pénétré la poésie de plusieurs groupes –modernistes, piedracielistes et Mito– et de quelques-uns des auteurs les plus importants, parmi lesquels: Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López et León de Greiff
This study examines the complex relationships between poetry and eroticism that have emerged in the Colombian poetry throughout a historical journey that goes from José Asunción Silva’s poetry (late nineteenth century) to the poetry of the group Mito, during the decade of 50s in the twentieth century. This research and analytical work shows that a tradition of the erotic in the Colombian poetry can be observed, in which eroticism, as a sensitive subject, has permeated the poetics of various groups –modernists, Piedracielistas, and Mito– as well as some of the most important Colombian authors such as Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López, and León de Greiff
Este estudio se pregunta por las complejas relaciones entre poesía y erotismo que se han dado en la poesía colombiana, en un recorrido histórico que va desde la poesía de José Asunción Silva, finales del siglo XIX, hasta la poesía del grupo Mito en la década del 50 del siglo XX. Este ejercicio investigativo y analítico demuestra que se puede observar una tradición de lo erótico en la poesía colombiana en la que el erotismo, como asunto sensible, ha permeado la poética de varios grupos –modernistas, piedracielistas y Mito– y de algunos de los más importantes autores, entre los cuales: Silva, Porfirio Barba Jacob, Luis Carlos López y León de Greiff