Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Journaux dans l'art“

Cet article examine les choix iconographiques du Monde diplomatique, journal à la réputation sérieuse, mais également engagé et militant, politiquement et socialement, dont les buts sont d’alerter l’opinion et susciter le débat public. L’image tient en effet une place particulière dans Le Monde diplomatique puisque c’est par la reproduction d’œuvres d’art que le journal accompagne ses articles. Ainsi, de manière distincte et créative, le mensuel offre à l’art une visibilité singulière. La démarche artistique du Monde diplomatique n’est pas celle d’un jugement esthétique mais d’un choix qui repose sur le sujet de l’œuvre, sur son titre, ou encore sur le parcours et la nationalité de l’artiste. Le rapport entre écrit et image s’établit par un jeu entre adéquation, décalage et distanciation. Le Monde diplomatique donne à l’image une place égale au texte, l’art participant ainsi au sens du discours du journal. En tant qu'acteur critique dans le débat public, cette entreprise de presse recrée l’articulation entre art et politique et entre art et démocratie. L'usage de l'art dans Le Monde diplomatique participe à sa volonté de résistance à l’ordre établi sur le fond et sur la forme.

The original Ecole royale dramatique, forerunner of the Paris Conservatoire, was opened in 1786, which makes it an institution of truly venerable antiquity compared to our own stripling Royal Academy of Dramatic Art, founded relatively recently, in 1904, by Sir Herbert Tree. Its establishment on the eve of the French Revolution came as the culmination of thirty years of projects, argument and disappointment. The idea appears to have been first mooted by three of the leading actors of the Comédie-Française Lekain, Préville and Bellecourt, who on 4 September 1756 appended their signatures to a ‘Mémoire précis, tendant à constater la nécessité d'établir une Ecole Royale, pour y faire des élèves qui puissent exercer l'art de la déclamation dans le tragique, et s'instruire des moyens qui forment le bon acteur comique.’ In their exordium, the authors drew particular attention to the fact that the provincial theatre companies, which had traditionally formed a reservoir of acting talent for the Comédie-Française, could no longer be relied on to maintain the supply. They offered no explanation why this should be, beyond hinting that the quality of these tributary companies was declining. The real reason for the crisis in recruitment, which was undoubtedly making itself felt during the closing years of Louis XV's reign, can be deduced from the pages of Papil-lon de La Ferté's Journal, beginning with the entry for 28 February 1767, in which he reproduces the gist of a memorandum he submitted at this time to the Due de Duras, one of the Gentilshommes de la Chambre principally concerned with the welfare of the Comédie-Française. It was largely a matter of relative earnings. A good provincial actor could count on an annual income of some 7–8,000 livres; if he were outstanding enough to warrant an order being despatched demanding he should make his début in the capital, he would, rather than try and make ends meet on an income of 1200 livres which was all the Comédie-Française could offer him, as like as not escape abroad. In addition, as La Ferté discovered when, in the summer of 1767, he left on a recruiting drive to the French-speaking provinces of the Netherlands, there was considerable reluctance to take up a position in Paris where, as he reported to Duras on his return, ‘les comediens les plus mediocres que j'ai vus dans mon voyage m'avaient annoncé qu'ils renonceraient plutôt au théâtre, que de venir s'exposer aux cabales des Comédiens Français et aux mauvais traitements que l'on faisait subir aux débutants’ – a reference to the notorious hostility of the permanent actors towards newcomers who might have designs on the parts in which they fancied themselves.

L’exégèse des textes de Platon, Aristote et Hegel a été le sujet d’articles antérieurs (Voir à ce propos « Arte y mímesis : la controversia filosófica », dans Revista del instituto de investigación musicológica Carlos Vega, vol. 35, n° 1, 2021, Facultad de Artes y Ciencias Musicales, Pontífica Universidad Católica, Buenos Aires. (lien externe) « La mimesis como arte – Primera parte : Hermenéutica », dans Panambí, Revista de investigaciones artísticas, n° 12, Centro de investigaciones artísticas, Facultad de Arquitectura, Universidad de Valparaíso, Chile, 2021. (lien externe) « Mimesis as art » dans American Journal of Humanities and Social Science, vol. 9, 2021. (lien externe)). De cette exploration nous sommes revenus avec la certitude que les deux idéalismes analysés, platonique et absolu, présentent des incohérences par rapport à la mimésis. Ceci nous a permis de concentrer notre attention sur la conception du Stagirite. Vingt siècles avant Alexander Baumgarten, fondateur de l'esthétique moderne, la mimésis inscrite dans La Poétique d'Aristote légitime une épistémologie de l'art basée sur ses propres règles, différentes de celles de la logique, où ce qui l’emporte n'est pas la vérité mais la démarche de la conviction de l’artiste. Notre recherche actuelle, « Mimésis, Heuristique musicale : sur les traces d’Aristote », abandonne l'exégèse des textes pour mettre en pratique les conséquences dérivées de la mimésis aristotélicienne. Nous commençons par l’incorporation des fictions à la réalisation artistique. Tout d'abord, il faut débroussailler les fictions philosophiques et scientifiques des artistiques. Ces dernières, que nous appellerons transitionnelles en utilisant la terminologie du psychologue Donald Winnicott, nous permettent d'établir des réalités intermédiaires entre le sujet créateur et l'œuvre qu’il crée. Nous repérons les fictions transitionnelles non‑immersives, celles où les frontières entre le créateur et sa réalisation se trouvent bien définies, et les transitions immersives, où l’artiste glisse de façon involontaire dans un monde de significations superposées à la réalité. À partir de ce moment, le travail s’achemine vers la spécialité musicologique. L'Heuristique musicale est présentée par la suite, en expliquant son contexte, ses objectifs, ainsi que sa nécessité d’existence comme complément des analyses dérivées de la sémiologie de la musique. En fermant la forme, l'une des propositions de l'Heuristique musicale est expliquée. Il s’agit de la reconstruction d'œuvres musicales contemporaines, conséquence dérivée de la mimésis d'Aristote.

Ce titre ne se fonde pas seulement sur un double-je(ux) mais sur un quadruple je(ux) doubles : Je et «Elle», Moi et Cube, Fiction et Realite, Image et Ecriture. Une caractéristique du coffret offre d'être soigneusement ferme : il contient un secret de la vie ou un souvenir, c'est un espace a soi seul réservé. Il représente dans ma création ce moi intime où je joue un double personnage : «Je» et «Elle». Le «Je» est sujet et objet de mon travail, et en même temps le je est jeu dans une recréation complexe qui s'exprime par la triade «lmage-Livre-Theâtre». «Elle» est la troisième personne, la partie de ma vie qui se crée un rôle de fiction pour ensuite me quitter et vivre sa propre histoire. Ainsi, le «Je» renvoie a une créature qui n'est ni «Elle», ni «MiHei HER». Ces deux personnages semblent se séparer, à la fois fictifs et réels dans I'image et le texte. L'utilisation de la transparence joue avec I'image du miroir à laquelle les spectateurs participent dans un espace-theâtre. Ce jeu de reflets liés à mon environnement est à la fois acteur et createur, et, simultanement, il devient acteur d'une scène qu'il produit lui-meme, participant à un mouvement de théâtralisation du reel. Entre le vrai et le faux, le dit et le non-dit, le montré et le caché, le lecteur qui peut être aussi spectateur est happé dans un gouffre attirant mais dont les limites restent indiscemables. Séduit par cette mise en scène du « moi », il est pris entre les feux du reel et ceux de l'illusion. A chacune de mes réalisations je dispose une petite boîte a côté de mes travaux, elle contient un livre, comme une conclusion ou une bibliographie ; en l'ouvrant, ce coffret donne ainsi l'impression qu'un secret intime est rangé a l'interieur. De la sorte chacun de mes travaux me reflète et fait eclore un petit LIVRE qui restera comme Image-Journal ou Image-Livre de ma biographie.

Une interrogation sur la nature et les pouvoirs de l’art traverse les journaux intimes de Mircea Eliade, Eugène Ionesco, Mihail Sebastian et Nicolae Steinhardt. Cette interrogation remonte aux débats littéraires de la Grande Roumanie, contexte historique d’où émergent ces écrivains. A cette période est aussi liée leur pratique du journal intime, genre qui caractérise la ‘jeune génération’, groupement de jeunes acteurs culturels lancé par Eliade. Les réceptions (selon le terme de H. R. Jauss) des œuvres d’art que ces quatre auteurs consignent dans leurs journaux intimes permettent d’illustrer trois pouvoirs de l’art mis en relief par leur jeunesse roumaine et leur cheminement après la guerre. L’art a un pouvoir formateur : il les enseigne en leur ouvrant des mondes présentés par les œuvres. Il a aussi un pouvoir nationaliste car, dans le nouvel état-nation roumain, dans le contexte d’une « littérature mineure », l’art tendait à être politisé et l’état roumain pratiqua une politique nationaliste qui n’épargna pas le domaine des arts. Enfin, l’art a un pouvoir thérapeutique car il permet d’aborder des expériences douloureuses telles que celle de la crise nationaliste roumaine, par des voies indirectes et plus attrayantes. Les quatre journaux intimes, établis à partir de textes publiés en Roumanie et en France, font découvrir quatre cheminements qui se croisent et s’éclairent mutuellement, notamment sur leurs relectures difficiles du passé roumain. Le parcours de Ionesco ressort particulièrement comme celui d’une thérapie par l’art et d’un ‘travail de mémoire’, selon le terme de Ricœur, sur son passé personnel et sur le XXe siècle européen
Reflections about the nature and powers of art pervade the diaries of Mircea Eliade, Eugène Ionesco, Mihail Sebastian, and Nicolae Steinhardt. These reflections stem from the literary debates in fashion in Greater Romania in which all four authors took part. Their practice of diary keeping also goes back to this period. It especially characterized a group of young intellectuals launched by Eliade called the ‘Young Generation.’ The diary genre lends itself well to a type of study H. R. Jauss has called ‘reception.’ The receptions of art in the four diaries illustrate three powers of art. Art has a formative power: it teaches by opening the receiver to the world proposed by the work of art. Art also has a nationalistic power: as an instrument of national-identity building for the new Romanian nation-state, art did not escape the danger of politicization characteristic of so-called ‘minor literatures,’ a term this dissertation discusses, and the Romanian state practiced nationalist policies with regards to the arts. Lastly, art has a therapeutic power: it can help in coming to terms with painful experiences like that of the Romanian nationalist catastrophe by indirect and more attractive means. The text of the four diaries is here established from fragments published in Romanian and in French publications. The diaries reveal four lives that crossed paths and that shed light on each other and especially on the difficult re-readings of the Romanian past. Ionesco’s diary in particular emerges as an example of a therapy by art and of what Paul Ricœur has called a ‘work of memory,’ about his personal history, that of his generation and of twentieth-century Europe

L’objectif de cette thèse est de recenser les critères qui permettent de donner sens aux oeuvres d’art contemporain dans l’espace public. Lors des conflits d’opinions, les protagonistes sont amenés à monter en généralité pour justifier leur point de vue, ce qui permet au chercheur d’avoir accès aux valeurs qui confèrent un sens à l’objet. Cependant, l’emprise du discours promotionnel du monde de l’art contemporain et les contraintes ayant transformé la critique d’art en un journalisme désengagé et consensuel rendent problématique la légitimité d’une critique négative dans l’espace public. L’enquête a d’abord porté sur les sujets développés par les journaux télévisés sur l’art contemporain afin d’appréhender les critères mobilisés par ce journalisme de communication qui tente de satisfaire la variété des valeurs admises par la société. Par la suite, les disputes des profanes sur le réseau social YouTube ont été analysées. Celles-ci donnent accès à une prise de parole libérée des contraintes du monde de l’art et du journalisme permettant à des critiques négatives de s’exprimer. Grâce à une sociologie des valeurs et une analyse du discours, il fut possible de typifier les arguments recevables dans l’espace public.Cette typification permet d’énoncer l’hypothèse que le sens politique donné à l’art désamorce, paradoxalement, la possibilité d’une polémique. Cette politisation de l’art favorise des critères d’évaluation des oeuvres dont la cohérence apparaît en considérant l’insolite comme une nouvelle catégorie esthétique commune à différentes pratiques culturelles
The purpose of this thesis is to identify criteria to understand how contemporary artworks make sense in public space. When conflict of opinions happen, protagonists are led to rise in generality to justify their point of view, which allows the researcher to access at values giving a meaning to the object. However, the influence of the promotional discourse from the contemporary art world and the constraints that transformed art criticism in a journalism disengaged and consensual make problematic the legitimacy of a negative critique in the public space. First, the research focused on the subjects covered by newscast about contemporary art in order to understand criteria raised by this communication journalism that tries to satisfy the variety of accepted values by society. Then, disputes on the social network YouTube were analyzed. These give access to a speech freed from the constraints of the art world and journalism where the expression of a negative critique is possible. Thanks to sociology of values and a discourse analysis, it was possible to typify the receivable arguments in the public sphere. This patterning allows to state the hypothesis that the political meaning given to art defuses, paradoxically, the possibility of controversy. This politicization of art promotes evaluation criteria of artworks whose consistency appears considering the ‘‘insolite’’ as a new aesthetic category common to different cultural practices

Au cours de son histoire, le Séminaire de Québec acquiert des œuvres d’art par voie d’achats, de dons ou d’importants legs des collections personnelles des prêtres qui en sont des membres agrégés. Qu’elles soient des objets de consultation personnelle, de collections d’étude pour l’Université Laval – institution d’enseignement fondée par le Séminaire en 1852 – ou des éléments de décor des espaces communs, certaines images se démarquent par le sujet qu’elles représentent et appellent une réflexion sur les valeurs qu’elles peuvent constituer au sein de l’institution. La forte représentativité de Rome dans les collections d’estampes s’est imposée comme un questionnement au vu de la démultiplication des objets. Ce constat est également contemporain de l’accroissement de la circulation des prêtres vers la Ville éternelle au cours de la seconde moitié du XIXe siècle. Les récits de voyages de ces derniers permettent de situer les perceptions qu’ils ont de Rome, de ses monuments, ses musées, ses églises, sa religiosité et ses mœurs. De ces récits, générateurs d’images mentales, se démarque le journal de voyage de l’archevêque de Québec, Mgr Joseph-Octave Plessis, tenu en 1819-1820, un document qui permet d’assoir des hypothèses sur la préparation du voyage des prêtres à Rome au XIXe siècle. Tout aussi pertinent, celui de l’abbé Benjamin Pâquet, rédigé entre 1863 et 1866 durant ses études de doctorat en théologie au Collège romain, est une source à partir de laquelle des faits concrets guident la définition de la visualité de Rome, comprise comme un ensemble urbain et un lieu idéal et mythique. À partir des descriptions des expériences sensorielles que les prêtres voyageurs font des lieux et des objets, les images physiques représentant Rome conservées au Séminaire et à l’Université prennent de la valeur et du sens. La concordance des objets et des commentaires génère un corpus représentatif d’une visualité de Rome et du Vatican au Séminaire et à l’Université durant la période ciblée. À ce titre, des œuvres graphiques de monuments romains par Giuseppe Vasi ou Giovanni Battista Piranesi, des portraits de prélats de la curie romaine et du pape par le peintre Vincenzo Pasqualoni et des albums de gravures ou de photographies souvenirs, participent à créer un ensemble de références pour l’institution dont la portée visuelle et culturelle repose sur des faits et une phénoménologie du sensible. L’entretien de rapports diplomatiques entre le Saint-Siège et les membres de l’institution est une constance qui ressort à l’analyse des sources textuelles. À la même époque que le voyage de l’abbé Pâquet, le pape poursuit l’application de stratégies pour consolider son autorité morale et symbolique, alors que son autorité temporelle est affaiblie par les bouleversements politiques en Italie. Ces stratégies se caractérisent, entre autres, par des décrets dogmatiques, le financement de chantiers archéologiques, la restauration de monuments, des commandes artistiques et des rééditions d’estampes à Rome, lesquelles ont influencé le développement de la bibliothèque et des collections du Séminaire. Pour analyser ces modes de correspondance à la fois physique (objets), symbolique (images), spirituel et politique, nous avons fait appel aux règles du monde commun domestique définies par Luc Boltanski et Laurent Thévenot (1991) qui se caractérisent par le respect et la reconnaissance de l’autorité et de la filiation. Celles-ci permettent de comprendre le fonctionnement de la vie en commun auprès d’une micro-société comme le Séminaire; des règles qui influencent également le système de valeurs de celle-ci. Un arrimage intellectuel sur les valeurs idéologiques, humanistes et artistiques, promues par le Saint-Siège explique les formes que peuvent prendre la présence du pape et d’œuvres célèbres du Vatican dans l’imaginaire du Séminaire. La culture visuelle de Rome et du Vatican, dans les collections de l’institution, se trouve ainsi définie par la présence de l’autorité papale garante des humanités classiques, qui s’incarne à travers des actions et des esthétiques valorisant le patrimoine romain antique christianisé, l’historicisme, le purisme et le raphaélisme.
Throughout its history, Séminaire de Québec acquired works of art by way of purchases, donations, and legacies from the personal collections of priests who are members of the religious community of the institution. Whether these were objects of personal consultation, study collections for Université Laval — founded by the Séminaire in 1852 — or decorative artifacts in common spaces, some images stand out for the subject they represent and call for a reflection on the values that they can constitute within the institution.The strong representatives of Rome in the collection of prints imposes a questioning on the multiplication of objects on the same subject. This observation is also contemporary to the increase of the long-stay of priests in the Eternal City during the second half of the 19th century. Their travel reports allow them to state their perceptions of Rome, its monuments, its museums, its churches, its religiosity and its customs. From these stories, themselves generators of mental images, stands out the travel diary of the Archbishop of Quebec, Mgr. Joseph-Octave Plessis. Written in 1819-1820, this document allows to formulate hypotheses on the preparation of the journey of priests in Rome in the 19th century. Equally relevant, the travel diary of Abbot Benjamin Pâquet, written between 1863 and 1866 during his doctoral studies in theology at the Roman College, is a source from which concrete facts guide the definition of the visuality of Rome, understood as a urban ensemble and as an ideal and mythical place. From the descriptions of the sensory experiences that traveling priests make of places and objects, the physical images representing Rome kept at the Séminaire and at the Université acquire value and meaning. Concordance of objects and comments generates a corpus representative of a visualization of Rome and the Vatican at the Séminaire and at the Université during the targeted period. As such, graphic works of Roman monuments by Giuseppe Vasi or Giovanni Battista Piranesi, portraits of prelates of the Roman curia and of the Pope by the painter Vincenzo Pasqualoni, and albums of prints or souvenir photographs, create a set of references for the institution whose visual and cultural significance is based on facts and on a phenomenology of the sensitive experience. The fostering of diplomatic relations between the Holy See and the members of the Séminaire is a constancy that emerges from the analysis of textual sources. Around the same time of Abbot Pâquet’s journey, the Pope continued to apply strategies to consolidate his moral and symbolic authority, while his temporal authority was weakened by political upheavals in Italy. These strategies were characterized, among other things, by dogmatic decrees, the funding of archaeological sites, the restoration of monuments, artistic commissions, and reissues of prints in Rome, which influenced the development of the library and of the collections of Séminaire de Québec. To analyze these modes of correspondence which are both physical (objects), symbolic (images), spiritual and political, we have used the rules of the “common domestic world” defined by Luc Boltanski and Laurent Thévenot (1991) which are characterized by respect and recognition of authority and filiation. These make possible to understand the functioning of a life in common within a micro-society, like at the Séminaire; rules also influence its system of values. An intellectual link with the ideological, humanist and artistic values promoted by the Holy See explains the forms that the presence of the Pope and famous Vatican works can take in the imagination of the priests of the Séminaire. The visual culture of Rome and the Vatican, in the collections of the institution, is thus defined by the presence of a papal authority, guardian of the classical humanities, which is embodied through actions and aesthetics valuing Christianized ancient Roman heritage, historicism, purism and Raphael ism.

Premier quotidien français, le Journal de Paris innove la périodicité de la presse à la fin de l’Ancien Régime. A sa parution quotidienne et à la recherche de la diversité de l’information le Journal ajoute sa forme épistolaire, censée le tranformer dans une “correspondance familière et journalière des citoyens d’une même ville”. C’est à la fois sa périodicité quotidienne qui assure son succès et lui attire de nombreux ennemis, dans le contexte d’une presse en pleine expansion et lourdement soumise à la censure. Si le domaine politique lui est interdit, le Journal de Paris se concentre, dès sa parution, sur le thème de l’utilité publique et sur les beaux-arts. Il accorde une place importante au discours sur les arts visuels (peinture, sculpture, gravure, architecture, urbanisme) et propose à ses abonnés un tableau de l’actualité artistique, sous la plume d’un correspondant pour les arts stable, dans la personne d’Antoine Renou, peintre et secrétaire adjoint de l’Académie de peinture et de sculpture. Malgré la censure imposée à la presse par l’institution académique, qui possède le monopole d’une grande partie du domaine des arts visuels, le débat sur les arts mené dans le Journal de Paris révèle un public des arts plus large et plus varié, passionné par l’expression critique et la circulation des idées
The “Journal de Paris” first French newspaper renews the press standards at the end of the Old Regime.Through its daily publication and its research for a different type of information, the newspaper aims at becoming a more familiar correspondence among the citizens of a same town.Thanks to its daily publication it has been successful drawing lots of enemies as well due to a widely spreading press hardly submitted to censorship.The “Journal de Paris”, being the political field strongly forbidden, focuses its attention on public services and fine arts and architecture.It gives a very important place to visual arts (painting, sculpture, engraving, architecture, town planning) proposing to its subscribers a portrait of the artistic panorama carried out by one of a stable correspondent for arts, Antoine Renou, painter and assistant secretary for the Academy of paintings and sculpture.Despite the censorship imposed to the press by the academic institution, having the monopoly of a large part of the visual arts field, the debate upon the arts carried in the “Journal de Paris” shows a larger and more varied arts-oriented public, fascinated by the critical expression and the spreading of ideas