Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Interprétation au piano“

Le compositeur Jacques Hétu revient sur l’expérience qualifiée de « choc » violent qu’a représenté pour lui l’enregistrement de ses Variations pour piano par Glenn Gould en 1967. Il rappelle, dans un premier temps, que ce musicien qui s’est exprimé essentiellement à travers l’interprétation rêvait aussi d’être compositeur. Il s’interroge sur la façon dont il « s’emparait parfois de la musique des autres et la transformait, parfois en la défigurant, parfois en la transfigurant ». Il cible, à travers des exemples tirés de chacune des variations, les écarts de tempi, d’articulations, de dynamiques de même que les changements dans les jeux de pédale que s’est autorisé un Gould qui s’éloignait de plus en plus de la partition au fur et à mesure que l’oeuvre se déroulait. Admettant que cette interprétation possède sa propre logique, Jacques Hétu salue en Gould un authentique créateur qui « nous communiquait impérieusement son propre univers de musicien ».

Qu’est-ce qu’un point d’orgue ? Le présent article part de cette question apparemment anodine. Il analyse à cette occasion la structure ontologique de l’oeuvre musicale, constituée à la fois d’idéalité (son signe écrit : la partition) et de présence (le moment de sa réalisation instrumentale). Il s’appuie ensuite sur un exemple précis, le premier point d’orgue de la Sonate D960 de Schubert, et sur l’écoute comparée de trois interprétations enregistrées de cette sonate. Il met en perspective l’analyse du point d’orgue en regard de la forme sonate ici déployée par Schubert. Cet exercice lui permet d’étayer la thèse suivante : l’avènement de l’oeuvre repose sur la temporalisation de son inscription, la projection du signe écrit en son temporalisé; le signe (ce point d’orgue par excellence) est donc nécessairement un signe-pour-un-geste, et en appelle à la subjectivité d’un interprète pour achever la réalité qu’il n’a pu circonscrire entièrement dans son injonction.

English Abstract: This article represents and reveals, for the first time, the life and artistic career of pianist Victoria Boshko. Born in New York to a family of Ukrainian immigrants, Boshko became a renowned pianist in the 1920s on the U.S. concert stage. A graduate of the prestigious Ethical Culture School and the Juilliard School, she epitomises a generation of musicians who came of age and launched their careers during the tumultuous years of World War I. Furthermore, she serves as an exemplar of a female pianist, shedding light on the challenges women faced in achieving artistic recognition in the U.S. during the first half of the twentieth century. Boshko has left behind only a handful of music recordings, with half of them intended for player pianos. Consequently, her interpretations are better recognised through newspaper reviews rather than audio recordings. While she primarily performed as a solo pianist, she also provided invaluable assistance to famous musicians during their tours in the U.S., including Feodor Shalyapin, Eugène Ysaÿe, and Pablo Casals. While Boshko's name may be forgotten today, she undeniably enriched the landscape of the U.S. concert stage, leaving an indelible mark on its history. French Abstract: Cet article révèle et met en évidence, pour la première fois, la vie et la carrière artistique de la pianiste Victoria Boshko. Née à New York dans une famille d'immigrés ukrainiens, Victoria Boshko devient dans les années 1920 une pianiste renommée sur la scène américaine. Diplômée de la prestigieuse Ethical Culture School et de la Juilliard School, elle incarne une génération de musiciens qui se sont formés et ont lancé leur carrière pendant les années tumultueuses de la Première Guerre mondiale. En outre, elle représente un exemple de femme pianiste, mettant en lumière les défis auxquels les femmes ont dû faire face pour obtenir une reconnaissance artistique aux États-Unis durant la première moitié du vingtième siècle. Boshko n'a laissé derrière elle qu'une poignée d'enregistrements musicaux, dont la moitié était destinée à des pianos mécaniques. Par conséquent, ses interprétations sont davantage reconnues par le biais de critiques de journaux que par des enregistrements audios. Bien qu'elle se soit avant tout produite en tant que pianiste soliste, elle a également apporté une assistance inestimable à des musiciens célèbres lors de leurs tournées aux États-Unis, notamment Feodor Shalyapin, Eugène Ysaÿe et Pablo Casals. Si son nom est aujourd'hui oublié, Victoria Boshko a indéniablement enrichi le paysage de la scène américaine, laissant une trace indélébile dans son histoire. German Abstract: Dieser Artikel präsentiert erstmalig Leben und künstlerische Karriere der Pianistin Victoria Boshko. In New York als Tochter einer ukrainischen Einwandererfamilie geboren, wurde Boshko in den 1920er Jahren eine renommierte Pianistin auf den Konzertbühnen der Vereinigten Staaten. Als Absolventin der angesehenen Ethical Culture School und der Juilliard School verkörperte sie eine Generation von Musikern, die in den turbulenten Jahren des Ersten Weltkriegs aufwuchsen und ihre Karriere starteten. Darüber hinaus steht sie als Pianistin beispielhaft für die Herausforderungen, mit denen Musikerinnen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts konfrontiert waren, um in den USA künstlerische Anerkennung zu erlangen. Boshko hat nur eine Handvoll Musikaufnahmen hinterlassen, von denen die Hälfte für Player Piano gemacht wurden. Folglich sind ihre eigenen Interpretationen eher durch Zeitungsrezensionen als durch Audioaufnahmen erfahrbar. Während sie hauptsächlich als Solistin auftrat, war sie auch berühmten Musikern, darunter Fjodor Schaljapin, Eugène Ysaÿe und Pablo Casals, auf deren Tourneen durch die USA eine wertvolle Begleiterin. Auch wenn Boshkos Name heute vielleicht in Vergessenheit geraten ist, hat sie unbestreitbar die Landschaft der US-Konzertbühnen bereichert und einen unauslöschlichen Beitrag zu deren Geschichte hinterlassen.

La thèse porte sur les six dernières sonates de Scriabine. L’analyse des œuvres a été pensée en relation avec l’interprétation pianistique. L’univers de référence et l’imaginaire sonore de Scriabine sont reconstitués à partir de la perception des œuvres et des indications d’interprétation présentes dans les partitions. Une méthode inspirée par l’analyse schenkerienne est développée pour étudier les logiques d’écriture d’un langage dans lequel la notion de tonalité est considérablement élargie. La dernière partie, plus directement liée à l’interprétation, étudie les spécificités de l’écriture pianistique et des paramètres du timbre et du temps en s’appuyant sur l’étude d’enregistrements historiques
The following thesis focuses on the six final piano sonatas by Alexander Scriabin from the point of view of pianistic interpretation. The first part reconstitutes Scriabin’s unique musical and image-oriented universe from the basis of the listener’s perspective. The second part analyses the works from a musicological stand-point, taking into consideration indications on interpretation found in the scores. In order to more clearly identify the logic and structure of the musical language, which is marked by the usage of extended tonality, the analyses presented are inspired from Schenkerian traditions. The third part, directly linked to performance practises, explores the pianistic writing style as well as the timbral and temporal parameters, with an important place given to historical recordings

Chaque sujet possède non pas un corps humain mais des corps humains qui sont influencés par son interaction avec l’environnement. Mais il possède également une dimension primitive corporelle, qui incarne son style (sa façon d’être au monde). Le style est inséré dans les intentions expressives du sujet, par une énergie intentionnelle et inconsciente, qui influence ses attitudes. On s’est intéressé aux intentions expressives chez des pianistes à travers l’interprétation d’un geste musical (qui est une combinaison entre la représentation mentale que le sujet se construit de l’œuvre et sa mise en action par le corps pianistique). Les résultats montrent que la dimension primitive et le style oriente le corps pianistique vers une organisation particulière : il est organisé en différents niveaux qui sont liés aux différents aspects du geste musical. Cette organisation suggère que le corps pianistique incarne la structure proto-narrative du geste musical, ce qui implique qu’il incarne également l’histoire que le pianiste a construit au travers de sa représentation mentale de l’œuvre. Il n’est pas uniquement un support fonctionnel, ni uniquement un support émotionnel, il est inscrit au-delà de ces deux dimensions. De plus cette utilisation du corps pianistique est inconsciente, ce qui confirme l’existence d’une énergie intentionnelle et inconsciente. Ce travail met notamment en évidence que le corps pianistique est un corps surnaturé qui incarne et donc raconte une histoire
Every subject possesses not only one human body but several bodies, influenced by their interaction with the environment. A subject is also influenced by a primitive corporal dimension, which incarnates their style, their way of being in the world. Style is inserted into the expressive intentions of the subject, by an intentional and unconscious energy which influences their behaviour. This doctoral thesis concerns the expressive intentions of a pianist during the performance of musical gesture (a combination of the subject’s mental representation of the musical work and the involvement of the pianist’s body). Results have shown that both style and the primitive dimension orient a pianist’s body towards a particular organization: a body organized at various levels linked to differing aspects of musical gesture. This organization suggests that a pianist’s body incarnates the proto-narrative structure of musical gesture, implying that a pianist’s body also incarnates their personal story constructed throughout their mental representation of the musical work. It is not purely a functional support, neither purely an emotional support, but fits in above these two dimensions. Furthermore, a pianist’s body is manipulated unconsciously, confirming the existence of an intentional and unconscious energy. This research shows importantly that a pianist’s body has been “surnaturé” to incarnate the telling of a story

Cette étude consacrée à l'œuvre pour piano de Heitor Villa-Lobos, compositeur brésilien de la première moitié du XXe siecle (1887-1959), qui s'attache à dégager les propriétés essentielles de son langage par l'analyse du rythme, de la mélodie, de l'harmonie et de la forme de ses compositions, a pour objet déclaré de définir le style de l'auteur. La méthode métrotectonique appliquée à l'étude structurale du discours s'est avérée précieuse et a largement contribué à fixer les paramètres en jeu. Ce travail de recherche a eu recours également à l'étude de la technique pianistique, procédant par classification des touchers et analysant la conception actuelle de ses principes de base. En annexe de cette étude, avec l'ensemble des documents, critiques, programmes et copies de manuscrits du compositeur, figure notamment l'enregistrement sonore sur cassette de certaines œuvres du compositeur dans l'interprétation de l'auteur de la thèse, présentée à l'occasion du concours international de piano Villa-Lobos de 1981. Nous prions les auditeurs d'excuser la médiocre qualité sonore de cet enregistrement réalisé grâce à l'aimable accord de la direction du musée Villa-Lobos à Rio de Janeiro
This study on the piano works of Heitor Villa-Lobos -Brazilian composer of the first half of this century (1887-1959) -aims to uncover the essential principles of his musical language through the rhythmic, melodic, harmonic and formal analyses of his compositions, and has for goal to define the composer's style. The investigation of the regional elements was a top priority, among the various characteristics of Villa-Lobos music. Such study enables the comprehension of the interaction due to the use of ethnic elements with the evolution of the musical language in western countries during the present century. The metrotectonic method applied to the structural study of Villa-Lobos language has proved to be worthwhile and has contributed to establish its bases. This research has also worked on the piano technique, classifying the piano touches and analyzing the nowadays conceptions and basic principles. On the appendix, besides documents, reviews, programs and copies of manuscripts, one can also find one cassette recording of certain Villa-Lobos pieces performed by the author of this work, during the Villa-Lobos international piano competition, Rio de Janeiro, 1981

Le piano de Xenakis, comme tous les langages instrumentaux du compositeur, reste un objet assez singulier dans la littérature de l’instrument. Encore aujourd’hui rarement abordé par les pianistes, il semble d’une difficulté vertigineuse, et les voies qui mènent à sa réalisation restent dissimulées. L’originalité du langage musical du compositeur génère une technique extrêmement détachée de la tradition pianistique, et un pianiste manque souvent de savoir-faire et d’outils pour parvenir à l’exécution. Dans cette recherche nous essaierons d’aborder ce lien entre les principaux concepts xénakiens (musique stochastique, musique symbolique, mouvement brownien et pans ondulatoires, arborescences, cribles) et son langage pianistique, afin de mieux identifier cette écriture instrumentale et envisager des chemins pouvant favoriser l’interprétation de cette musique. Nous étudions la totalité des œuvres avec piano, puis nous explorons chacun des grands concepts du compositeur, pour établir ensuite leur connexion avec le langage pianistique dans quatre œuvres majeures pour le piano : Herma, Synaphaï, Evryali, Mists. Pour chacune de ces œuvres nous effectuons une analyse, puis proposons une approche pianistique visant le travail, l’exécution et l’interprétation
Xenakis’ piano, like all the composers’ instrumental languages, remains a rather peculiar issue in the literature of the instrument, still rarely approached by pianists, not only because of its obvious difficulty, but mostly because of the great number of question raised by it, questions related to its feasibility and execution. The originality of the composer’s musical language generates a technic extremely detached from piano tradition, and a pianist often lacks the savoir-faire and the tools to reach a convincing execution of these works. In this research we try to approach the link between the principal xenakian concepts (stochastic music, symbolic music, Brownian movement and wave-like sides, arborescences, sieves) and the pianistic language related to it, in order to identify Xebakis’ writing for the instrument and consider the ways that the performance of this music can take place. We study briefly the whole output of Xenakis’ piano works (solo, concerto, chamber music, piano in the orchestra), then we explore each of the composer’s main concepts, in order to establish their connection to the pianistic language in four major works for piano : Herma, Synaphaï, Evryali, Mists. For each one of these works, we first perform an analysis, then we propose a pianistic approach aiming at the preparation and the performance

Ce travail est une étude sur le style et les références présentes dans l’œuvre pour piano solo de Nikos Skalkottas (1904-1949). Il (ré)intègre pour la première fois le compositeur dans le milieu des pianistes qu’il a connu pendant ses années berlinoises (1921-1933), en inscrivant l’œuvre dans son contexte et l’ensemble des références auxquelles elle renvoie. Une méthodologie analytique émerge de ces mises en relation, destinée à faciliter le travail de l’interprète et à révéler les composantes stylistiques du corpus. Une importance particulière est portée sur le raffinement du timbre des pianistes berlinois dans l’entre-deux-guerres, mis en valeur par le « son coloré » des Bechstein historiques. Cette observation devient le point de départ d’une série d’analyses graphiques, montrant le rôle de la texture et du timbre en tant qu’éléments compositionnels chez Skalkottas. Les analyses, destinées à être utilisées par les interprètes, dévoilent une interaction de la texture avec le schéma formel. Elles sont complétées par l’étude des pièces, groupées par pôles de référence pour l’ensemble du corpus. Ces références s’étendent de la musique baroque et de Beethoven au jazz dansant et à la musique légère, tout en incluant des éléments provenant de la musique grecque. Les deux approches choisies s’appuient sur des sources mises pour la première fois au service de ce répertoire et s’avèrent complémentaires. Elles ont comme but d’offrir aux pianistes des clés pour son interprétation, de le rendre plus accessible et de faciliter sa propagation
This thesis is a research into the style and influences on the solo piano works of Nikos Skalkottas (1904-1949). For the first time the composer is considered in relation to the pianistic milieu he was acquainted with during his Berlin years (1921-1933) and his oeuvre is examined in the light of its various references. A specific analytical methodology emerges from these influences, aiming at facilitating the performer’s work and revealing the stylistic components of the pieces. The refinement of the timbre in the playing of Berlin pianists in the interwar years, enhanced by the “coloured sound” of the Bechstein historical pianos, acquires a special importance. It leads to a series of analyses and graphs, showing the role of texture and timbre as compositional elements in Skalkottas’s piano music. The graphs, meant for the use of pianists, reveal an interaction between texture and form. This is complemented by the study of the piano pieces grouped according to their references; they extend from baroque music and Beethoven to dance jazz, light music, and Greek music elements. Both approaches can be justified from the study of primary sources, used for the first time in relation to this repertoire, and are complementary. By offering pianists new tools for its interpretation, the aim is to facilitate the access to this music and help its further promotion

Cette thèse porte sur la recherche-création ayant menée à l’apprentissage et l’exécution publique de Diário, œuvre pour piano du compositeur brésilien Heber Schuenemann (né en 1971). Dans ce cycle, qui comprend 23 courtes pièces, le compositeur explore la notion de « hasard », propre à la musique aléatoire. Il utilise également des techniques de composition s’apparentant au sérialisme et au minimalisme. Après avoir présenté les principales caractéristiques des courants musicaux propres à l’œuvre, la chercheuse-pianiste procède à une analyse de l’œuvre, décrivant la structure et les techniques de composition de chaque pièce. Par la suite, elle décrit sa propre démarche d’interprète – du déchiffrage de l’œuvre à sa prestation publique et à son enregistrement en studio – et elle commente son expérience à la lumière de la littérature pertinente. Sont abordées, notamment, les difficultés inhérentes au déchiffrage d’une œuvre atonale et les diverses étapes menant à l’identification de ses éléments structuraux; les difficultés relatives à la technique pianistique; l’importance du regroupement d’unités et de l’acquisition d’automatismes corporels; la définition de l’image artistique. Des pistes pédagogiques favorisant l’enseignement et l’apprentissage de l’œuvre sont également présentées.
Cette thèse porte sur la recherche-création ayant menée à l’apprentissage et l’exécution publique de Diário, œuvre pour piano du compositeur brésilien Heber Schuenemann (né en 1971). Dans ce cycle, qui comprend 23 courtes pièces, le compositeur explore la notion de « hasard », propre à la musique aléatoire. Il utilise également des techniques de composition s’apparentant au sérialisme et au minimalisme. Après avoir présenté les principales caractéristiques des courants musicaux propres à l’œuvre, la chercheuse-pianiste procède à une analyse de l’œuvre, décrivant la structure et les techniques de composition de chaque pièce. Par la suite, elle décrit sa propre démarche d’interprète – du déchiffrage de l’œuvre à sa prestation publique et à son enregistrement en studio – et elle commente son expérience à la lumière de la littérature pertinente. Sont abordées, notamment, les difficultés inhérentes au déchiffrage d’une œuvre atonale et les diverses étapes menant à l’identification de ses éléments structuraux; les difficultés relatives à la technique pianistique; l’importance du regroupement d’unités et de l’acquisition d’automatismes corporels; la définition de l’image artistique. Des pistes pédagogiques favorisant l’enseignement et l’apprentissage de l’œuvre sont également présentées.
This thesis reports on a research-creation focused on learning and public performance of the cycle Diário, a piano work by Brazilian composer Heber Schuenemann (born in 1971). In this cycle, which includes 23 pieces, the composer explores the notion of chance, specific to the indeterminate (aleatory) music, and uses the compositional techniques comparable to the serialism and the minimalism. After presenting main features of musical styles of the cycle, the researcher-pianist proceeds to the analysis of the cycle, describing the structure and the technique of composition of each piece. Thereafter, the author describes her own approach of an interpreter, from the deciphering the work to its public performance and studio recording, commenting on her experience in the light of the relevant literature. In particular, the author examines the difficulties in deciphering an atonal work and various steps leading to the identification of its structural elements. In addition, the author focuses on the definition of the artistic image, the difficulties related to the piano technique, the combination of units, and the acquisition of automatisms. Educational means promoting the teaching and learning of the work are also presented.
This thesis reports on a research-creation focused on learning and public performance of the cycle Diário, a piano work by Brazilian composer Heber Schuenemann (born in 1971). In this cycle, which includes 23 pieces, the composer explores the notion of chance, specific to the indeterminate (aleatory) music, and uses the compositional techniques comparable to the serialism and the minimalism. After presenting main features of musical styles of the cycle, the researcher-pianist proceeds to the analysis of the cycle, describing the structure and the technique of composition of each piece. Thereafter, the author describes her own approach of an interpreter, from the deciphering the work to its public performance and studio recording, commenting on her experience in the light of the relevant literature. In particular, the author examines the difficulties in deciphering an atonal work and various steps leading to the identification of its structural elements. In addition, the author focuses on the definition of the artistic image, the difficulties related to the piano technique, the combination of units, and the acquisition of automatisms. Educational means promoting the teaching and learning of the work are also presented.

Ce travail est une étude historico-esthétique de l'interprétation des sonates pour piano de Beethoven, fondée sur la comparaison d'enregistrements réalisés au cours de diverses périodes du XXeme siècle. Selon la méthodologie adoptée - l'analyse interprétative comparée - nous relevons les options interprétatives de chaque exégète lors de sa lecture "personnelle" de ce corpus beethovenien considéré dans sa matérialité "objective". Nous essayons de dégager les perspectives esthétiques des artistes-interprètes en tenant compte des différentes périodes de composition des sonates, des différentes époques de leur interprétation et, de plus, de l'influence de la tradition interprétative du XIXeme siècle, comme de l'esthétique de certains courants d'art du XXeme siècle, sur les options exégétiques des pianistes. Les œuvres (op. 2 n01, op. 53 et op. 111) ont été choisies en tant que représentatives et révélatrices des trois périodes de la création beethovenienne entre classicisme et romantisme. Les interprètes (Artur Schnabel, Claudio Arrau, Tatiana Nikolayeva, Friedrich Gulda et Michael Levinas) possèdent tous des formations musicales distinctes car ils appartiennent à des écoles pianistiques européennes majeures aux fondements différents. Pour chacun d'entre eux, nous avons choisi le moment correspondant à l'enregistrement de l'intégrale des sonates pour piano, afin d'obtenir, grâce à leur comparaison, des éléments représentatifs de l'évolution de l'esthétique pianistique au XXème siècle
The present thesis is a historical-aesthetic study of the interpretation of Beethoven's piano sonatas. As such, it is based on the comparison of certain recordings during different periods within the 20th century. Through the methodology we e adopted -the comparative interpretative analysis- we reveal each artist's interpretative choice, consistent with his "individual" reading of beethoven's piano sonatas "corpus". We have strived to uncover the aesthetic perspectives of the artists taking into account the different chronological periods of the creation and interpretation of the sonatas, as well as the influence of the 19th century interpretative tradition and 20th century aesthetic currents, on the artists' interpretative preferences. The works (op. 2 n01, op. 53 and op. Ill) were selected as being representative and revealing of the three periods of beethoven's creation between "classicism" and "romanticism". The interpreters (Artur Schnabel, Claudio Arrau, Tatiana Nikolayeva, Friedrich Gulda and Michael Levinas) possess a remarkable musical education, especially as they all belong to grand european piano schools, each being characterized by different founding principles. Each artist has recorded beethoven's piano sonatas in their entirety. These complete recordings provided the chronological framework against which our comparisons were made. Our ultimate aim has been to capture those unique elements reflecting the evolution of piano- playing aesthetics in the 20th century