Dissertationen zum Thema „Formation esthétique“

Cette thèse a pour ambition d’approfondir nos connaissances sur la formation de la préférence esthétique pour les objets visuels chez l’humain. Afin d’examiner l’effet de l’expérience personnelle dans l’émergence du jugement esthétique, nous avons étudié la relation entre les jugements de préférences esthétiques des adultes et les préférences visuelles des nourrissons âgés de 4 à 24 mois et des adultes. Si l’expérience personnelle et culturelle est nécessaire à l’émergence du jugement esthétique, des différences sont attendues entre les appréciations subjectives esthétiques des adultes et les temps de regard des nourrissons. Des invariances comportementales entre les nourrissons et les adultes soulignent a contrario l’importance des traitements perceptives et d’intégration en mémoire implicite dans la formation du jugement esthétique ; les processus cognitifs de haut niveau et l’expérience jouent alors un rôle secondaire. Notre première étude questionne la relation entre jugement de préférence des adultes et préférence visuelle des nourrisons et des adultes pour des patterns de points en mouvement. Pour ces points en mouvement, les jugements de préférence des adultes prédisent les temps de regard des nourrissons et des adultes. Les études 2.a et 2.b révèlent que pour les portraits, même si les jugements de préférence esthétique des adultes sont robustes et qu’ils prédisent les temps de regard des adultes, ils ne prédisent pas les comportements visuels des nourrissons. De même pour les paysages, les jugements de préférence esthétique ne prédisent pas les temps de regard des nourrissons et des adultes (étude 3). Même si les localisations des fixations sont plus fréquentes dans les régions de saillance visuelle chez les adultes et les nourrissons pour les portraits et les paysages (étude 4), les informations visuelles traitées sont insuffisantes pour expliquer les jugements de préférence esthétique des adultes. La corrélation entre les jugements de préférence et les préférences visuelles dans le cas des patterns de points en mouvement pourrait s’expliquer par une préférence précoce pour les degrés modérés de complexité (Berlyne, 1971). Les études 5.a et 5.b portent sur la préférence visuelle des nourrissons envers les mouvements biologiques complexes ou simples, et envers des mouvements biologiques et leur version perturbée plus complexe. Les résultats vont dans le sens d’une préférence pour la complexité dans le mouvement biologique ou non. L’expérience personnelle constitue une étape nécessaire dans l’émergence du jugement esthétique pour les œuvres d’art, même réalistes. Pour les stimuli visuels singuliers comme les mouvements ou les stimuli sociaux comme les visages, la formation du jugement esthétique semble antérieure à l’expérience personnelle, pouvant traduire la différence entre attractivité et esthétique
This thesis aimed to improve our knowledge on the emergence of the aesthetic preference for visual objects in humans. In order to examine the effect of personal experience in the emergence of aesthetic judgment, we investigated the link between adults’ aesthetic preference judgments and visual preferences of 4-to-24-month-old infants and adults. If personal and cultural experience was necessary for the emergence of aesthetic judgment, differences were expected between subjective aesthetic judgments of adults and infants’ preference. Behavioural similarities in both infants and adults would underline the importance of perceptual processing and implicit memory integration in the formation of aesthetic judgment. High-level cognitive processes and personal experience playing a secondary role. Our first study examined the link between adults’ preference judgment and visual preference of infants and adults for moving dot patterns. For these moving dots, adult preference judgment predicted the looking time of both infants and adults. Studies 2.a and 2.b used portraits, although adults’ aesthetic preference judgments were robust and predicted adults’ looking time, they did not predict infants’ visual behaviour. Likewise for landscapes, adults’ aesthetic preference judgment did not predict the looking time of infants nor adults (study 3). Even if both adults and infants looked more often towards salient regions for portraits and landscapes (study 4), the visual information processed is insufficient to explain the aesthetic preference judgments of adults. The correlation between preference judgment and visual preference in the case of moving dot patterns could be explained by an early preference for moderate degrees of complexity (Berlyne, 1971). Study 5.a focused on the visual preference of infants towards complex or simple biological movements, and study 5.b towards biological movements and their more complex scrambled version. The results supported a preference for complexity in biological and non-biological movement. Personal experience is a necessary step in the formation of aesthetic judgment for works of art, even realistic ones. For singular visual stimuli such as motions or social stimuli such as faces, the formation of aesthetic judgment seems to predate personal experience. Our results may reflect the difference between attractiveness and aesthetics which requires further investigation

Dans le schématisme sans concept propre au jugement réfléchissant esthétique, la synthèse de l'appréhension dans l'intuition est libérée des synthèses de la reproduction dans l'imagination et de la recognition dans le concept. Dès lors, elle doit être expliquée en vertu de la structure propre des formes pures de la sensibilité, l'espace et le temps. Dans le goût, en effet, la synthèse est d'abord produite au niveau de ces formes. Le beau est le jeu de l'espace-temps formant ou se formant indéfiniment dans les formes, avant de former une objectivité quelconque (même " indéterminée ") ; le sublime, c'est le sérieux d'une énormité qui, dévastant l'espace et le temps, met l'intuition à l'épreuve de ses limites constitutives. Tout cela implique, peut-être, que la synthèse des formes pures de la sensibilité ne se fonde pas dans l'imagination transcendantale. L'Esthétique transcendantale peut en ce sens être lue dans une perspective qui n'est plus celle du Schématisme transcendantal (à rebours donc de l'interprétation dominante du Kantbuch). Les fondements ontologiques de l'intuition pure ne sont plus redevables à la " spontanéité " de l'imagination, mais reposent à même la passivité du sensible : à même le donné. C'est dans l'être-donné du donné que nous repérons la naissance première ou l'archi-formation des conditions formelles pour toute donation ; la synthèse des formes pures de l'intuition est à fonder dans ce que nous appelons les synthèses de la sensation (interprétée comme factualité du donné ou réalité non catégorielle) et de la chose (intérprétée comme différence phénomène / chose en soi, instaurant la phénoménalité en général). C'est autour de ces synthèses qu'on peut construire une théorie ontologique du sensible qui sous-tend et qui fonde la théorie de l'intuition pure (dans la première et troisième Critiques). Or, n'est-ce pas là proposer aussi un sens esthétique de l'être, avant toute compréhension ontologique (l'imagination transcendantale) ?
In the schematism without concept that characterizes the reflective aesthetic judgment, the synthesis of apprehension in the intuition becomes free from the synthesis of reproduction in the imagination and of recognition in the concept. Thus, it must be explained in terms of the structure of pure forms of sensibility, space and time. In the realm of the taste, indeed, the synthesis is initially produced at the level of these forms. The beautiful is the play of space-time forming forms or forming itself indefinitely in them, before the formation of any objectivity (even an "indeterminate" one) ; the sublime is the seriousness of an immensity that devastating space and time, challenges intuition to feel its constitutive limits. All of the might imply that the synthesis of pure forms of sensibility is not grounded upon the transcendental imagination. The "Transcendental Aesthetics" might, in this sense, be read from a different perspective than the one derived from "Transcendental Schematism" (and therefore different than the prevailing interpretation of the Kantbuch). The ontological grounds of pure intuition are no longer derived from the "spontaneity" of imagination but they are based upon the very passivity of the sensibility and consequently in the sense-data itself. It is in the ontological condition of data where we locate the first birth or the archi-formation of the formal conditions for any giving ; the synthesis of the pure forms of intuition must be based upon what we here call the syntheses of sensation (interpreted as that factual character of data or as an non-categorial reality) and of the thing (interpreted as the difference phenomenon / thing in itself that allows for phenomenality in general). Starting from these syntheses one can build an ontological theory of the sensible, one that underlies and provides the fundament of the the theory of pure intuition (in the first and third critique). Would this not also imply an aesthetic meaning of being, preceding any ontological understanding (transcendental imagination)?

L'analyse iconologique du mariage des Arnolfini, par Jan Van Eyck, conduit à mettre à jour les trois dimensions constitutives du tableau : le spectaculaire, l'hallucinaire et l'origine. L'ordre spectaculaire pense l'acte fondateur : Giotto invente un espace d’illumination maximale - la "majesté" - où toute évidence est vérité. Perspective esthétique qui se définit par l'amplitude panoramique plutôt que par l'exactitude géométrique. De la mosaïque, par le vitrail jusqu'au tableau, il est possible de dénombrer les degrés de cette ouverture. Le revers hallucinaire offusque cet éclat : sur l'escamoteur de Bosch, qui sert ici de paradigme, le regard est déjoué par un piège latéral. La gloire de la majesté cède sous la pression des grotesques qui pullulent dans la périphérie et envahissent le centre. La rivalité hallucinaire s'apaise quand apparaissent les figures de la condensation : Diane la nymphe et Christophe le passeur. Alors s'ouvre l'espace illimité du devenir onirique. La première leçon d'anatomie, par Rembrandt, inaugure ce troisième mouvement. L'éclat du point de regard se dissipe et le tableau se fait le réflecteur de la durée. Ainsi se disposent des cohérences imaginaires susceptibles d'orienter l'érudition. Une légende médiévale éclaire d'un jour nouveau l'interprétation de l'escamoteur par J. Bosch et confirme l'appartenance du tableau à l' ensemble hallucinaire. Reste à énoncer la méthode : on montre comment, depuis le choc sensationnel de la rencontre, diffuse la signification depuis le point de fixation du signal, par l'ambivalence jamais apaisée du symbole jusqu'à l'ouverture métaphorique dont le signe est l'origine
The iconological analysis of Arnolfini's wedding, by Jan Van Eyck, reveals the three constitutent dimensions of painting : "spectacular", "haullucinar" and "oneiric". Spectacular order comments the foundation : Giotto invents a new space of absolute clearnes - the "majesty"- in which obviousness is necessary truth, an aesthetical perspective whose meaning is panoramic amplitude more than geometrical construction. From mosaic through leaded glass window unto @painting, we can enumerate the degrees of this aperture. Hallucinar order turns upside down and darken this brightness. The conjurer, by H. Bosch, gives us a model : here, the glance is falling into a side trap. The glory of majestic gives up its seat to grotesque figures which come from periphery and invade center. The hallucinar opposition becomes quieter when figures of condensa- tion are appearing : diana the nymph and christopher the ferryman. Then, the infinite development of oneiric time may be opened out. The first anatomy lesson, by Rembrandt, begins this third movement. The sparkle of the hallucinar glance vanishes and the painting becomes the mirror of time. Thus, imaginary cohesions take shape and lead the erudite research : a medievel legend renews the interpretation of the conjurer, by H. Bosch, and confirms its adherence to the hallucinar order. Finally, we way set down the rules of our method : from the point of the aesthetic encounter, the meaning of the images is growing up. It is, first, the fixation of the signal; then, the ambivalence of the symbol; and, at last

Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne Duchamp, Beuys et leurs célibataires mêmes, explore ce qui s'enseigne et se pratique afin d'esquisser une définition de l'art dont nous sommes les contemporains. Les voies empruntées sont celles des artistes, celles mises en évidence par des analyses issues d'entretiens réalises auprès d'eux et de scientifiques et, enfin, celles issues d'une approche processuelle de la pratique artistique, tant dans son versant de création que dans celui de réception. La première partie définit un corpus en le soumettant à la double épreuve de l'art et de l'éducation. À son terme, il est tangible que l'art -comme la formation- s'empare de tout ce qui le sert, quel que soit le champ initial dans lequel il puise ses moyens conceptuels et matériels. La seconde partie analyse des processus sollicitant, entre autres, la perception, la représentation et la création. Les régimes de la pensée sont interrogés : la formation du concept, l'usage du langage comme le recours à une pensée élaborée grâce aux arts plastiques et à l'écriture. L'étude des fonctions de l'arrangement, de la composition, de l'ordre, du lieu ou de l'espace permet de dégager les gains cognitifs pour la personne et la conquête de territoire bénéficiant à l'art lui-même. La troisième partie reproduit les entretiens. Ils donnent à entendre divergences, nuances ou communauté de vue. A leur suite, le risque pris à la définition de l'art résonne autrement : loin de l'abstraction supposée détachée d'une pratique, la formulation repose sur l'expérience et l'analyse qui en est faite. L'idée de l'art comme une ile perdue et d'un monde à part tombe. La formation devient préparation à l'évènement qu'est l'œuvre.

L’écrivain Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) est l’auteur d’une œuvre qui introduit, en Espagne, une écriture dont la critique souligne très tôt la singularité. En 1912, il crée les Greguerías, forme littéraire brève et ludique, immédiatement commentée pour sa nouveauté mâtinée de subversion. Celle-ci se diffuse en quelques années dans la presse espagnole et reçoit un écho favorable hors des frontières de la Péninsule. Jusqu’en 1962, Ramón Gómez de la Serna publie, dans les journaux ou sous forme de volumes anthologiques, ces courts paragraphes qu’il définit comme l’union de l’humour et de la métaphore, et où il allie la recherche de la dissonance à un travail poétique sur notre perception du monde. C’est pourtant la forme tardive de la greguería qui est la mieux connue et rares sont les études qui ont posé la question de la formation littéraire de Ramón Gómez de la Serna, tant dans les lectures qui ont pu influencer l’auteur que par les choix éditoriaux qui ont présidé à la naissance des greguerías. La présente étude prétend réévaluer la situation littéraire de Ramón Gómez de la Serna dans son contexte de formation, celui des années 1910, où les modèles d’écriture et de professionnalisation, au travers d’une collaboration quotidienne aux journaux et revues de l’époque, sont les fondements esthétiques essentiels de l’œuvre future de l’écrivain. Dans ce cadre, la prose ramonienne offre alors un nouvel éclairage sur la nature plurielle et syncrétique de ce que j’ai appelé le creuset esthétique des années 1910 en Espagne
Ramón Gómez de la Serna (1888-1963) was the author of a work that introduced in Spain a kind of writing whose singularity was very early underlined by the critics. In 1912, he created the Greguerías, a brief and playful literary form which was immediately commented on for its novelty tinged with subversion. Within a few years, that form spread throughout the Spanish press and was welcomed in a positive way outside the frontiers of the peninsula. Until 1962, Ramón Gómez de la Serna published numbers of these short paragraphs in newspapers or anthologies. He defined them as the alliance of humour and metaphor, and combined there his research into dissonance with a poetical work on our perception of the world. Yet, it is the later form of the greguería that is best known today; very few studies have focused on the literary education of Ramón Gómez de la Serna and raised the issue of the readings which may have influenced the author or o! f the editorial choices which gave birth to the greguerías. The purpose of this study is to reassess the literary position of Ramón Gómez de la Serna within the context of his training, that of the years 1910. The models of writing prevailing then and the vocational dimension the craft took on at the time — shaped by a daily collaboration with newspapers and magazines — were the essential aesthetic foundations of the writer’s future work. In this context, the Ramonian prose sheds a new light on the plural and syncretic nature of what I have called the aesthetic ferment of the years 1910 in Spain

Notre recherche interroge la genèse du récit dans la littérature arabe de deux points de vue : le rôle joué par la littérature religieuse dans cette genèse et le développement progressif de la culture de l’écrit durant les deux premiers siècles de l’Islam. Au contraire des thèses qui considèrent le récit comme un genre étranger à la littérature arabe classique, notre corpus, construit sur des textes narratifs bien connus des islamologues mais souvent négligés par les chercheurs littéraires, nous a conduit à affirmer qu’une narrativité arabe naquit dans une tradition orale archaïque et que les textes à caractère religieux des premiers siècles de l’Islam constituent un maillon essentiel dans la formation de la tradition narrative arabe.L’analyse est fondé sur l'étude comparative de deux versions d’un même récit religieux, l’une tirée du Coran(Mūsā avec le Serviteur de Dieu, XVIII : 60-82), datant du premier quart du VIIe siècle, l’autre du commentaire de Muqātil b. Sulaymān, au milieu VIIIe siècle. Il est en effet possible de définir une narrativité archaïque arabe ancrée dans l’oralité telle qu'illustrée dans la première version du récit, alors que la seconde version, de par son appartenance à un genre écrit, le commentaire, met en évidence un certain détachement par rapport aux structures de la communication orale. Dès lors, la période séparant ces deux repères chronologiques peut être envisagée comme une phase de mutation, culturelle et esthétique, laquelle ouvre à une étude du développement de l’usage de l’écriture dans un contexte oral ainsi que de l’impact de cette évolution culturelle sur la manière de concevoir le récit
Our research examines story’s genesis in the Arabic literature from two points of view: the role played by religious literature in this genesis and the progressive development of the written culture during the first two centuries of Islam. Unlike thesis which consider narrative as an extraneous genre to Arabic literature, our corpus, based on narrative texts well known by Islamic studies yet often neglected by literature’s researchers, led us to affirm that an Arabic narrativity was born in an archaic oral tradition and that earliest centuries’ texts with religious character represent an essential link in the configuration of the Arabic narrative tradition.The analysis is founded on a comparative study of two versions of the same religious text, one from The Qur’an (Mūsā and the Servant of God, XVIII : 60-82), dating back to the first quarter of the 7th century, and the other from the commentary of Muqātil b. Sulaymān in the middle of the 8th century. It is indeed possible to define an Arabic archaic narrativity rooted in the orality that we can in the first version of the story. Meanwhile the second version, giving the fact that it belongs to a written genre, the commentary, highlights a certain detachment from the oral communication’s structures. Therefore, the period between these two chronological references could be seen as a shifting stage, both cultural and aesthetic. This shifting stage opens the way for a study concerning the development of the writing’s practice in an oral context and as well the impact of this cultural evolution on the conception of story

Cette recherche a pour but le développement d’un modèle didactique de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne dans le contexte de la formation en arts visuels au collégial où trois principaux défis se posent. L’art postmoderne s’inscrit dans un nouveau paradigme caractérisé par la perte de critères esthétiques et un foisonnement des pratiques qui rendent ses contours difficiles à définir. S’ajoutent à cela une forte présence des préceptes modernistes en didactique des arts visuels et une absence de ressources pour l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne. Notons aussi le malaise qui persiste à son égard chez l’apprenant adulte. La problématique de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne s’oriente donc autour de trois dimensions : épistémologique, praxéologique et psychologique. De nature qualitative/interprétative, cette recherche s’est tenue avec la participation de onze enseignants en arts visuels ou en histoire de l’art du Département des arts du Cégep de l’Outaouais. Les résultats ont été obtenus par la rédaction d’un journal de bord de la part de la chercheure, mais aussi par l’alternance de deux entrevues individuelles avec trois entretiens de groupe réalisés avec les participants. Selon un devis de recherche développement, la démarche d’investigation a été établie suivant la métaphore de la carte et de la boussole avancée par Fabre (2011a, 2011b). Cette métaphore a guidé les trois objectifs de recherche balisés par les activités de cartographier, de localiser et d’orienter. Ce faisant, nous avons élaboré une matrice disciplinaire (Develay, 1992) de l’enseignement-apprentissage de l’art postmoderne qui nous a permis de cartographier, sous forme de cartes conceptuelles, les connaissances déclaratives (dimension épistémologique), les objets, les tâches et les activités ainsi que les connaissances procédurales qui y sont associés (dimension praxéologique). Nous avons également localisé les étudiants en ce qui a trait à l’expérience esthétique de l’art postmoderne en précisant quelles étaient leurs différentes positions lors de leur entrée dans le programme ainsi que celles où ils se trouvent en fin de parcours (dimension psychologique). L’étude des écarts entre la situation initiale et la situation souhaitée à la fin du programme ont contribué à cibler les objectifs de formation. Cette démarche de localisation a été appuyée par un cadre théorique issu d’une juxtaposition entre le modèle de l’expérience esthétique par interaction (Csíkszentmihályi et Robinson, 1990) et les stades de développement esthétique (Housen, 1983). De manière concomitante avec les deux premiers objectifs de recherche, nous avons finalement présenté le modèle didactique. Ce dernier reprend la forme du système didactique (Chevallard, 1985/1991) placée dans un contexte (Dabène, 2005) auquel nous avons ajouté quatre concepts intégrateurs (Develay, 1992) : l’hétérogénéité, l’identité, l’engagement et le trialogue. Ces quatre concepts représentent la trame organisatrice du modèle didactique développé. Telle une boussole, le modèle didactique a donc pour principale fonction d’orienter la pratique des enseignants sans toutefois imposer une voie à suivre. En tant que représentation simplifiée de l’enseignement-apprentissage de l’expérience esthétique de l’art postmoderne, il guide la pratique tout comme il se veut un référent théorique permettant un regard réflexif sur ce qui est réalisé en classe en termes de contenus disciplinaires, d’approches praxéologiques. Il permet aussi de se pencher sur les modalités d’appropriation disciplinaire et des obstacles susceptibles de freiner ce dernier.

Aujourd’hui, la pratique des ateliers d’écriture créative a véritablement sa place dans les classes du Français Langue Étrangère. Mais force est de constater que les activités proposées dans ces ateliers portent principalement sur les apprentissages linguistiques et culturels de la langue. Cette recherche doctorale met en place une modalité originale de mise en œuvre de la perspective actionnelle préconisée par le CECR. Elle propose de croiser les champs de la didactique des langues, de la didactique de la littérature et de la didactique de la production de l’écrit en FLE pour tenter de déterminer la spécificité et l’impact de la pratique des ateliers d’écriture littéraire dans la construction des compétences linguistique, interculturelle et esthétique. Lors de l’expérimentation, l’analyse de productions écrites littéraires réalisées vise à observer comment les apprenants du FLE, considérés comme des acteurs sociaux qui utilisent leur répertoire langagier et culturel, manifestent leur créativité littéraire. Nous avons porté notre attention sur les stratégies qu’ils adoptent en s’appropriant les consignes d’écriture proposées et sur leurs choix stylistiques, qu’ils soient empruntés ou originaux. Nous montrons que des savoir-faire linguistiques limités ne sont pas forcément un obstacle à la créativité, et que les tâches d’écriture littéraire impliquent pour tout apprenant un travail sur la langue dont le but est l’expression de soi, de sa vision du monde, de l’évolution de son rapport à la langue acquise, à sa biographie langagière, et à la communication humaine. Un chapitre didactique conclusif propose des pistes de réflexion pour l’élaboration d’un cours de production écrite créative
Today, the practice of creative writing workshops has its place in the classrooms of French Foreign Language (FFL). But it is clear that the activities proposed in these workshops focus mainly on linguistic and cultural learning.This PhD research sets up an original implementation of the action-oriented approach advocated by the CEFR. It proposes to intersect the fields of language teaching, literature teaching and didactics of the production of written FFL, in order to determine the specificity and the impact of literary writing workshops on building linguistic, cross-cultural and aesthetic skills.Through the analysis of literary productions written during the experiment, the study aims to observe how learners of FFL, considered as social actors who use their linguistic and cultural repertoire, show their literary creativity.We focus our attention on the strategies they adopt when appropriating the proposed writing protocols, and on their stylistic choices, whether borrowed or original. We show that limited linguistic knowledge and expertise is not necessarily an obstacle to creativity, and that literary writing tasks urge every learner to work on the language with the purpose of self-expression of his worldview, of the evolution of his relationship to the target foreign language, of its linguistic biography, and of human communication.A concluding chapter offers exploring resources for a course in creative writing and for teacher training

Le présent travail de recherche retrace les conditions de possibilité des discours sur le virtuel sous un angle spécifique: on reconduit en effet le virtuel à l'image reflétée et par conséquent, à l'image spéculaire et donc au miroir en tant qu'instrument catoptrique qui depuis l'Antiquité, en Occident, a été considéré comme le lieu d'émergence d'images virtuelles. La recherche a donc pour but d'indiquer les premiers éléments d'une généalogie du virtuel qui permette de mettre en évidence la différence entre des ordres de connaissance qui dépendent de la mimesis et des paradigmes théoriques des instruments technologiques et des pratiques qui soient capables, par contre de valoriser par le moyen de la phantasia, la production de simulacres qui ne dépendent pas de modèles transcendants ou préexistants. Toute la première partie de la thèse est consacrée à l'individuation de quelques-unes parmi les conditions de possibilité des discours sur le virtuel et à rendre compte, en particulier, de l'écart par rapport à la tradition précédente, qui peut être détectée dans les textes que Giordano Bruno, dans la dernière phase de sa pensée, consacre à la réévaluation de la phantasia et à la métaphore du miroir, présentée en tant que via inveniendi et ratio docendi. La deuxième partie de la thèse propose une approche particulière aux mondes d'internet, aux mondes virtuels de la contemporanéité. On montrera donc les résultats d'une expérimentation qui utilise un blog collectif en tant que Laboratoire pour des pratiques d'intelligence connective, d'autoréflexion et d'émergence identitaire
This research-work aims to find the conditions of possibility for the discourses on the virtual moving from a specific perspective: the virtual is, indeed traced back to the reflected image. Thus to the mirror image (specular), therefore to the mirror as a catroptic instrument, which, since the ancient times in the West, has been considered the place of emergence for virtual images. This research therefore aims to indicate the first elements for a genealogy of the virtual. Which allows the focalization of the difference among cognitive orders that depend on the mimesis and theoretical paradigms, technological instruments and practices capable to enhance, by means of phantasia, the production of simulacri that do not depend on transcendent or pre-existent models. The whole first part of this dissertation tries to individuate some of the conditions of possibility for the discourses on the virtual and particularly to account for the distance from the previous tradition that can be especially found in the last writings of Giordano Bruno, which revalue the phantasia and treat the theme of the metaphor of the mirror that is indeed presented as via inveniendi and ratio docendi. The second part of this dissertation presents a particular approach to the Internetworld, to the contemporary virtual worlds: one will present the results of an experimentation that makes use of a collective blog as laboratory for practices of connective intelligence, self-reflection and emergence of identity

Le présent travail se propose de considérer l'ensemble composé par les œuvres des premiers romanciers russes Fedor Emine, Mikhaïl Khéraskov et Mikhaïl Tchoulkov comme un système clos, mû par une dynamique précise. Figurée, conformément à la théorie du polysystème, comme l'expression des efforts des trois auteurs pour imposer leur propre norme romanesque au centre du système en rejetant les normes concurrentes de leurs rivaux vers sa périphérie, cette dynamique s'exprime à tous les niveaux de la poétique des sept œuvres étudiées. Largement tributaire du jugement des lecteurs qui, à mesure que s'impose le nouveau genre, occupent une place de plus en plus affirmée dans la production de l'œuvre littéraire, cette dynamique épuise les possibilités du système, amenant la disparition du roman russe pour plus de dix ans, qui est alors remplacé par le système nouveau et concurrent du journal satirico-littéraire
The aim of the present work is to consider the novels of the first Russian novelists Fedor Emin, Mikhail Kheraskov and Mikhail Chulkov as a closed system moved by specific dynamics. Figured, according to the polysystem theory, as the expression of the attempts of our three authors to impose their own norm at the center of the system, while rejecting competitive norms to its periphery, these dynamics appear at all levels of the novels' poetics. Widely determined by the readers' judgment, more and more important in the process of literary production as the novel develops, these dynamics progressively exhaust all the possibilities offered by the system, bringing the collapse of the new genre, which disappears in Russia for nearly a decade, and is replaced by the competitive system of satirical journals

L'objectif principal de notre étude a été d'explorer la relation qui existe entre les processus créatifs et la construction identitaire. L'acte créatif est personnel, subjectif et intime. « L'action est au cœur de la subjectivité, car elle a le pouvoir de mettre en relation les intentions, les représentations, le système de valeurs et le sentiment de capacité » (Costalat-Founeau, 2008). Nos recherches s'appuient sur la base théorique de l'égo-écologie (Zavalloni & Louis-Guérin, 1984 ; Zavalloni, 2007) qui met en évidence la complexité des transactions qui concourent à la construction du sens et de manières d'être et d'agir au sein de la dynamique identitaire. Cette approche envisage l'individu de façon holistique, elle conçoit l'identité comme un environnement intérieur et centre son analyse sur les représentations sociales construites en tant que métaphores imagées de la réalité. Le sujet en tant qu'agent transactionnel et dialogique est un sujet discursif. C'est par et dans le discours que l'égo-écologie et sa méthode IMIS cherche les liens entre les éléments de l'environnement interne et ceux du monde externe en faisant émerger des mots identitaires qui agissent en tant que régulateurs ontologiques de la dynamique identitaire et de tout projet créatif. Le projet créatif prend racine et se dynamise dans la subjectivité du le sujet en privilégiant l'expression des émotions, des valeurs, des intentions, des motivations et des capacités investissant l'action d'un pouvoir réalisateur qui vise la cohérence interne et externe. Nous avons mené cette étude exploratoire de façon longitudinale en ayant pour cas des étudiants en création de mode sur trois ans
The main purpose of our research was to explore the relation between the creative processes and the identity construction. The creative act is personal, subjective an intimate. «Action is to be found at the heart of subjectivity because it has the power of relating aspirations, representations, as well as values and the sense of ability» (Costalat-Founeau, 2008). Our research leans on the theoretical basis of ego-ecology (Zavalloni & Louis-Guérin, 1984; Zavalloni, 2007) which highlights the complexity of the exchanges contributing to the construction of sense and way of being and acting at the very core of identity dynamics. This approach sees the individual on a holistic way; it conceives identity as an internal environment and focuses on the analysis of social representations built as imaged metaphors of reality. The subject as a transactional and dialogical agent is a discursive subject. It's with and in the speech that ego-ecology and the IMIS method try to find a relation between internal and external environment elements by finding identity words that are used as ontological regulators of the identity dynamic and any creative project. The creative project starts and boosts itself in the subject's subjectivity preferring the expression of emotions, values, aspirations, motivations and abilities that take part of a productive power focused on internal and external coherence. We made this exploratory study on a longitudinal way using as subjects fashion design students during three years

Cette thèse cherche à comprendre l'apport des musées d'art de la ville de Rio de Janeiro en tant que lieu de formation culturelle et esthétique des enseignants de l´école primaire et la relation que ces professionnels établissent avec les musées. Appréhender la formation culturelle comme étant à la fois un droit et un contenu de la formation des enseignants implique de concevoir la diversité, la continuité et la médiation comme faisant partie des principes éthiques, politiques et esthétiques de la dimension humaine de la formation des enseignants. La formation culturelle est comprise comme un processus intentionnel, continu, médiatisé, réflexif et partagé qui mobilise des expériences esthétiques et contribue à une éducation à la diversité par l'exercice de l'altérité et le partage de la sensibilité. Avec le soutien d'auteurs du domaine de l'éducation et de l'éducation muséale, le concept de formation esthétique et culturelle est abordé à partir d'un examen théorique, du point de vue des enseignants et des éducateurs de musée. Comme ressources méthodologiques, un questionnaire en ligne a été proposé aux enseignants de l’école maternelle et élémentaire, des entretiens semi-directifs ont été menés avec des éducateurs de musées et une analyse documentaire de musées sélectionnés complète la construction des données. Les résultats de la recherche indiquent que, malgré une sous-utilisation du musée d'art comme lieu de formation, les musées étudiés proposent des activités qui privilégient la créativité des enseignants, l'écoute et la circulation des connaissances. Du côté des enseignants, on a pu constater que la notion de formation culturelle n'est pas claire et, en général, l'idée d'accès à des biens culturels légitimes prévaut comme norme. Cette perception affecte la relation que les enseignants interrogés établissent avec les équipements culturels de la ville et la vision compensatoire qui traverse leurs pratiques avec les enfants. Cependant, certains résultats laissent apparaitre des voix dissonantes qui associent une formation culturelle à une formation sensible qui transforme la subjectivité du sujet et privilégie la diversité et l'altérité
This thesis seeks to understand the contribution of art museums in the city of Rio de Janeiro as a locus of cultural and aesthetic training for teachers in the early years of basic education and the relationship that teachers establish with these cultural spaces. Understanding cultural training as a right and part of teacher training implies assuming diversity, continuity and mediation as part of ethical, political and aesthetic principles of humanizing teacher training. Cultural formation is configured in an intentional, continued, mediated, reflexive and shared process that provides aesthetic experiences so that cultural formation is not just a veneer that represents only one voice. With the support of authors from the field of Education and Museum Education, the concept of aesthetic and cultural formation is approached from a theoretical review, from the perspective of teachers and museum educators. An online questionnaire, interviews and document analysis were the data production tools used. The research findings indicated that, despite an underutilization of the art museum as a place of formation, the investigated museums offer activities that prioritize the authorship and creativity of teachers in a process that involves listening and the permeability of knowledge. As for the teachers, it was possible to observe that the concept of cultural training is not clear and, in general, the idea of access to legitimate cultural goods prevails as a model. This perception affects the relationship that the teacher establishes with the city's cultural facilities and the compensatory vision that runs through his practice with children. However, it was also possible to observe the emergence of dissonant voices that associate a cultural formation with a sensitive formation that transforms the subjectivity of the subject and privileges diversity and otherness

Freud découvre que la cause de la pensée et du désir est "défaut de traduction" entre les représentations verbales, que les mécanismes qui ordonnent l'inconscient subvertissent la rationalité reposant sur les a priori kantiens. Ils méconnaissent la linéarité du temps et la géométrie binaire de l'espace, du fait de la l'absence de la négation. Freud construit intrinsèquement à la clinique de l'inconscient un savoir conforme à ces données. La cause du manque est rapportée au hiatus entre les chaînes verbales. Cherchant à la situer extrinsèquement dans la science positiviste du 19e siècle, Freud en appelle à l'hypothèse causale erronée, mais alors acceptée, de la transmission phylogénétique du souvenir de la menace d'un père d'une horde primitive et de la culpabilité de son meurtre. Biologie, logique, ethnologie, linguistique, psychologie invalident cette thèse. La psychanalyse est divisée. L' "Ego psychology" continue à s'en réclamer. Jacques Lacan, tenant compte de ces critiques dès 1938, formalise la raison inconsciente, la rationalité de la cause subjective, la consistance de la psychanalyse à partir d'approches topologiques successives (graphes et surface pour l'intrinsèque, nœuds pour l'extrinsèque). Il soustrait l'analyse à la critique poppérienne de tautologie et ouvre un champ clinique rigoureux indépendant de la biologie et de la psychiatrie. Son avancée ouvre sur une éthique du contemporain sujet sans altérité. Elle permet la transmission du savoir construit dans une cure. La topologie des nœuds, après 1972, implique des considérations nouvelles sur la "passe", dispositif inventée par Lacan dans son École de psychanalyse pour sanctionner la fin d'une cure et garantir la formation du psychanalyste
Freud discovers that the cause of thought and desire lies in a "defective translation" between verbal representation, that the mecanisms governing the unconscious subvert the rationality founded on Kantian a priories. They ignore the linearity of time and the binary geometry of space as a result of the absence of negation. Freud develops intrinsically in the clinic of the unconscious a knowledge in harmony with these data. The cause of lack is attributed to the hiatus between verbal chains. Seeking to situate it extrinsically in the positivist science of the 19th century, Freud calls on the erroneous - but accepted at the time - causal hypothesis of the phylogenetic transmission of the memory of the threat of the father of a primitive horde and the guilt resulting from his murder. Biology, logic, ethnology, linguistics, psychology invalidate this theory. Jacques Lacan, taking these criticisms into account as early as 1938, formalises the unconscious reason, the rationality of the subjective cause, the consistence of psychoanalysis using successive topological approaches (graphs and surfaces for instrinsicness, knots for extrinsicness). He substracts analysis from the Popperian critique of tautology and opens a rigorous clinical field independent from biology and psychiatry. His advance opens up to an ethic of the contemporary subject without transcendent alterity. It allows the transmission of knowledge constructed in the cure. The topology of knots after 1972 implies new considerations on the "passe", a device invented by Lacan in his School of psychoanalysis to sanction the end of a cure and guarantee the training of the psychoanalyst

Notre recherche se propose d’étudier le débat interprétatif littéraire, objet inédit et emblématique apparu dans les programmes de l’école primaire française en 2002, et plus particulièrement les conditions de son émergence en tant que genre scolaire disciplinaire, à partir de trois niveaux : historique et épistémologique, didactique, et sur le plan des pratiques de classe. Pour ce faire, nous avons développé le concept du genre méga-outil, emprunté à la psycholinguistique, en tant que lieu d’intervention didactique pour construire un modèle descriptif intégrateur qui puisse rendre compte des champs dont relevait notre objet, l’oral et la littérature, et se traduire en observables des pratiques ordinaires. Nous avons mis ce modèle à l’épreuve de deux études de cas lors de séances d’interprétation d’œuvres littéraires. Les corpus analysés comparent des transcriptions de séances menées par des enseignants expérimentés et des enseignants débutants, leurs préparations, et des entretiens post-séance. La première étude de cas valide les catégorisations de notre modèle et spécifie les composantes langagières de l’interaction : modulation du système de médiations et du rapport de place de l’enseignant, structuration de l’échange en cycles de négociation polygérés, déplacement des postures de lecture des élèves. La seconde, consacrée à l’investissement du méga-outil par les enseignants pour définir des objets à enseigner, planifier et conduire l’activité, montre que le genre scolaire disciplinaire fonctionne comme un écosystème dont les composantes sont solidaires et interdépendantes. Elle invite à conclure à l’intrication des apprentissages langagiers et disciplinaires
Our research aims to explore the interpretative literary debate, a new and emblematic subject which appeared in the French primary school programs in 2002, and more particularly the conditions of its emergence as a school subject genre, from three levels: historical and epistemological, didactic, and in terms of classroom practice. To do this, we have developed the concept of the genre mega-tool, borrowed from psycholinguistics, as a place of educational intervention to build a descriptive model that can account for fields that fall within our subject, oral and literature, and translate into observable ordinary practices. We have developed this model to test two case studies in interpretation sessions of literary works. The corpus analyzed compare transcripts of sessions conducted by experienced teachers and beginning teachers, their preparation, and post-session interviews. The first case study validates the categorization of our model and specifies the linguistic components of interaction: modulation of the mediation system and report of the place of the teacher, structuring of exchange of polymanaged rounds, moving postures of student reading. The second, given over to the investment of the mega-tool by teachers to define teaching objects, plan and conduct the activity, shows that school subject genres function as an ecosystem whose components are interdependent and interrelated, and suggests the intricacy of language and subject learning

La question de l’ontologie s’est cristallisée en philosophie de la musique autour de la notion d’œuvre, mais il est possible de centrer le raisonnement sur d’autres objets, tels que la formation instrumentale ou le genre musical. Il est ainsi possible de construire une ontologie du quatuor à cordes. Le quatuor est à la fois une formation, un genre né à l’époque classique et un ensemble de quatre musiciens, ces trois niveaux sémantiques constituent les éléments fondamentaux de ce système. La formation est une instrumentation cristallisée, plus techniquement, elle est une structure des moyens d’exécution devenue autonome, potentiellement séparable de la structure sonore pure qui lui était adjointe dans les premières œuvres pour ces instruments. Il s’est formé, au fil des ans et des œuvres, une réalité quatuor à cordes ontologiquement dense. Cette densité ontologique s’explique en partie parce qu’un genre a découlé de cette formation. Le genre « quatuor à cordes » a un fonctionnement historique qui peut être comparé à celui des autres grands genres de la musique savante occidentale, grâce à deux concepts : la cristallisation et la plasticité. Tout genre oscille en effet entre ces deux tendances antagonistes : la cristallisation qui transforme l’inédit, le nouveau et l’occasionnel en norme, règle et tradition et la plasticité qui, elle, pousse à l’innovation, à l’exploration et à la recherche compositionnelle. Le quatuor à cordes n’est pas un genre paradigmatique, il est exceptionnel, puisque son histoire montre un équilibre spécifique entre une forte plasticité et une forte cristallisation. Si la formation peut être définie en termes d’autonomisation d’une structure des moyens d’exécution, le genre, lui, gagne à être pensé comme une réunion d’archi-structures. Une dernière partie est consacrée au corps et au geste musicien. Il s’agit alors de voir si les outils conceptuels platonistes permettent de penser les réalités plus concrètes, physiques et matérielles, du quatuor. Tout comme l’équilibre dialogique des quatre voix est une caractéristique essentielle du quatuor à cordes, le dialogue entre les analyses conceptuelles, les développements historiques, les observations esthétiques et les études musicologiques constitue la spécificité de ce travail
The aim of this thesis is to build an ontology of the string quartet. The designation ‘string quartet’ can refer to three different meanings: a group of four musical instruments (formation), a genre, or a group of four musicians who play together. In musicology, a string quartet is distinguished by the homogeneity of the timbres, the individuality of voices, the quaternity and the specific dialogism of the voices. This work proposes to describe these three semantic levels and their essential characteristics, hence a wide selected corpus: Haydn, Mozart, Beethoven, Reicha, Bartók, Schönberg, Feldman, F.Baschet amongst others. The first part consists of an ontology of the instrument formation and shows that a quartet is a “structure of performing means” which became autonomous with regard to the “pure structure” as defined by Jerrold Levinson. From that point of view, the string quartet is a reliable paradigm to think of the birth of other formations and their historical developments. The second part consists in constructing an ontology of the genre and demonstrates that the historical evolution of the string quartet is not paradigmatic but exemplary; and that its development is determined by a balance between plasticity and crystallisation. The final part examines the ontological limits of the string quartet: on the one hand, the timbre, and on the other, the musicians’ bodies through specific physical gestures. This thesis, therefore, aims to develop an ontological system that is characterised by its different essential elements, its specific rules (plasticity versus crystallisation), and its limits. These philosophical analyses not only relate to existing musicological research, but also involve a consideration of dance performance, film and various other artistic works

Le présent travail s’inscrit dans une perspective d’interprétation du phénomène de l’interaction musicale comme expérience esthétique dans les contextes inter- et trans-culturels du jazz post-1969. À partir d’une révision critique des approches musicologiques traditionnelles sur l’interaction dans le jazz nous proposons la formalisation du concept herméneutique de « Lieu interactionnel-formatif » consistant en un ensemble de conditions qui caractérise l’expérience esthétique interactionnelle comme un processus dynamique de constitution et de reconnaissance mutuelle de la règle artistique qui, indépendamment du programme poétique pré-adopté, conduit la performance musicale improvisée au statut d’œuvre. Deux apports décisifs fondent cette conception et sont traités dans la première partie du travail : la Théorie de la formativité, du philosophe italien Luigi Pareyson, et la phénoménologie et taxinomie de l’expérience musicale comme formativité audiotactile, de Vincenzo Caporaletti. Cette réflexion s’occupe essentiellement de fournir une vision approfondie des propriétés de la formativité pareysonienne, notamment l’idée d’isomorphisme personne/œuvre, intégrées et articulées à la spécification anthropologico-cognitive-culturelle de la Théorie de la formativité audiotactile présentant ainsi une contribution philologique de la conceptualisation caporalettienne, et permettant une confrontation de ces deux apports avec la problématique générale de l’interaction. Finalement, dans la seconde partie du travail, nous proposons une formalisation des dimensions interpersonnelle, contextuelle, et systémique du « Lieu interactionnel-formatif », et une série de trois essais analytiques
This study consists of a hermeneutic approach of the phenomenon of musical interaction as aesthetic experience, within the inter- and trans-cultural contexts of the post-1969 jazz. A critical review of the traditional musicological analysis on the subject of interaction in jazz was an essential tool for this work to propose a formalization of the hermeneutical concept of the “Interactional-Formative Space” [IFS], which consists of a set of conditions that institutes the interactional aesthetic experience as a dynamic process of constitution and mutual recognition of the artistic rules that, regardless of the poetic agenda pre-adopted, can lead the improvised musical performance into being work of art. There are two key approaches to this conception, which we discuss in the first part of this work: the formativity theory of the Italian philosopher Luigi Pareyson, and the phenomenology and taxonomy of the music experience as audiotactile formativity of Vincenzo Caporaletti. Our main purpose is to build an in-depth view of some characteristics of the Pareysonian formativity, particularly the one regarding the isomorphism between the person and the work in process, alongside with the cultural-cognitive-anthropologic design of the audiotactile formativity theory, which results in a philological contribution to the conceptualization of Caporaletti, making way for a confrontation between these two theoretical systems and the general problem of the interaction. Finally, in the second part, we propose the formalization of the interpersonal, contextual, and systemic dimensions of the IFS and also a series of three analytical essays

L’objet de cette étude est d’interroger la place de l’improvisation dans la création théâtrale tunisienne, depuis ses origines – où elle apparaît dans des formes parathéâtrales, (el-Fdawi le conteur solo, Jha le blaguer sage, le théâtre d’ombre, etc.), jusqu’à nos jours. L’accent est mis sur les rapports organiques entre improvisation et dramaturgie, dans la formation et la création théâtrales en Tunisie, durant les dernières décennies. La notion d’"improturgie", qui traverse toute la thèse, rend compte d’une poïétique propre à de nombreux créateurs – tels Ezzeddine GANNOUN et Fadhel JAÏBI – qui consiste à construire une œuvre à partir du travail de plateau, à la recherche d’une écriture dramatique qui témoigne du contexte historique, culturel, social, idéologique et politique dans lequel elle s’inscrit. En l’absence d’un répertoire dramatique, l’"improturgie" apparaît ainsi non seulement comme un moteur d’activation dramaturgique sur la voie d’un théâtre militant – luttant contre l’impérialisme d’État et contre toute forme d’intégrisme – mais aussi comme un laboratoire de recherche pour des formes théâtrales encore inédites dans le monde arabo-musulman
The subject of this study is to investigate the place of improvisation in the Tunisian theatrical creation since its inception, as it appears in many paratheatrical forms (such as el-fedawi, the solo storyteller, Jha, the wise joker, underground theatre, etc.), until nowadays. The focus is laid on the organic relationship between improvisation and dramatic art in Tunisian theatrical formation and creation throughout the last decades. The concept of "improturgie", which spans the whole dissertation, accounts for a poietic which is specific to particular playwrights such as Ezzeddine GANNOUN and Fadhel JAÏBI, and consists of making a play by drawing on the work on stage in the search for a playwrighting which reflects the historical, cultural, social, ideological and political context of the play. In the absence of a dramatic directory, "improturgie" appears not only as a catalyst towards a militant drama – fighting against state imperialism and all forms of fundamentalism – but also as a research laboratory for more novel theatrical forms in the Arab and Muslim worlds

Comment entendre l'idée d'une expérimentation de n'importe qui ? Nous nous interrogeons ici sur la manière dont elle pose ses problèmes, ouvre des nouvelles possibilités et engage des processus de transformation de nos espaces sociaux. Pour mener cette interrogation, il nous faut développer une « cartographie esthétique » du champ social, capable de tracer d'une part les multiples mondes en exploration, chacun peuplant ce champ avec des différents problèmes, coordonnées et espoirs, et d'autre part la manière dont ces différentes expérimentations entrent en conflit et se travaillent réciproquement. Nous ouvrons ces réflexions par un rapprochement réciproque entre Karl Marx et Jacques Rancière, en déterrant les tendances démocratiques qui parcourent l'oeuvre du premier et en développant l'hypothèse selon laquelle la pensée de Rancière est une radicalisation de ces tendances. Ceci nous permet de rejeter les lectures convenues de sa pensée, en cherchant d'autres lignes de continuité de ses travaux depuis 1974 jusqu'à aujourd'hui pour repenser sa « méthode de l'égalité ». À partir de là, nous développerons non seulement l'idée d'une cartographie esthétique liée à une éthique du problème, définissant différents registres d'évaluation des problèmes posés et explorés par les multiples expérimentations du champ social, mais aussi, plus spécifiquement, quatre procédés d'expérimentation et quatre formations sociales respectives : police, utopie, politique, démocratie. Nous développerons ces idées en nous inspirant des expérimentations de Claudette Colvin, d'Alphonse Bertillon, de Jean-Baptiste André Godin, de Leopold von Sacher- Masoch, de Lewis Carroll et de James Agee
How to understand the idea of experimenting as anyone? We will interrogate the way in which experimentation defines its problems, opens new possibilities and engages transformative processes of our social spaces. In order to do so, it is necessary to develop an "aesthetic cartography" of the social realm, in order to map the several worlds being explored in this realm, with their different problems, coordinates and horizons, as well as to understand how they interact and enter into conflict. We enter into these reflexions through a mutual questioning of Karl Marx and Jacques Rancière, trying to identity the democratic tendencies of Marx with the hypothesis that Rancière's philosophy radicalizes them. This will permit us to reject the common interpretations of Rancière and engage a reevaluation of his works from 1974 to today in order to search for other continuities and conceptual developments. From there, we develop the idea of an aesthetic cartography linked to an "ethics of the problem", as well as four experimental registers, and thus four respective social formations: police, utopia, politics and democracy. We will develop these ideas through readings of the experimentations of Claudette Colvin, Alphonse Bertillon, Jean-Baptiste André Godin, Leopold von Sacher-Masoch, Louis Gabriel Gauny, Lewis Carroll (revisited by Walt Disney) and James Agee

Ce travail de recherche a été réalisé dans le cadre du programme de maîtrise en art, volet transmission. Il s'intitule : Une démarche de recherche sur la formation de Vacteur: la "vérité" du jeu à travers quatre esthétiques théâtrales. La "vérité" du jeu chez le comédien est, somme toute, quelque chose d'abstrait, surtout dans l'optique où le talent, le charme et la présence sont des phénomènes hautement subjectifs. Former l'acteur pour qu'il joue avec justesse serait alors, peut-être, une affirmation plus exacte, mais certainement tout aussi subjective. Dans un premier temps, je me suis donc arrêtée sur cette notion de "vérité" dans le jeu de l'acteur et j'ai cherché à bien cerner ses paramètres. J'ai ensuite examiné différentes théories du jeu, pour proposer une méthode de transmission de celui-ci. La formation pratique de l'acteur est donc le noyau de cette recherche, d'abord expérimentale. J'ai donné, pour valider hypothèses et méthodes, des séries d'ateliers à plusieurs groupes. Ces ateliers ont été le lieu d'une exploration à partir de quatre formes traditionnelles toujours bien vivantes: le jeu choral, la marionnette, le jeu masqué et la tragédie classique. L'idée maîtresse de ce mémoire est qu'avec l'apprentissage de ces quatre formes on touche à l'essence des qualités qu'il faut transmettre pour produire un bon acteur de théâtre. Ces qualités, ramenées à vingt aspects ou dimensions du jeu, ont été réunies en un lexique et mises en interrelations dynamiques suivant plusieurs modèles. NOTE Pour introduire et illustrer la présentation de cette recherche liée à l'enseignement du théâtre, un atelier de formation ouvert au public a été donné, dans un lieu où des traces des ateliers étaient exposées.

L’objectif de cette thèse est de réfléchir aux enjeux d’une histoire du jeu de stratégie en temps réel (STR). Il s’agit de mieux comprendre les contextes dans lesquels le genre prend sens pour historiciser son émergence et sa période classique. Cette thèse cherche à documenter, d’une part, la cristallisation du STR en tant qu’objet ayant une forme relativement stable et en tant que corpus précis et identifié et, d’autre part, l’émergence des formes de jouabilité classiques des STR. La première partie est consacrée à décrire l’objet de cette recherche, pour mieux comprendre la complexité du terme « stratégie » et de la catégorisation « jeu de stratégie ». La seconde partie met en place la réflexion épistémologique en montrant comment on peut tenir compte de la jouabilité dans un travail historien. Elle définit le concept de paradigme de jouabilité en tant que formation discursive pour regrouper différents énoncés actionnels en une unité logique qui n’est pas nécessairement l’équivalent du genre. La troisième partie cartographie l’émergence du genre entre les wargames des années 1970 et les jeux en multijoueur de la décennie suivante. Deux paradigmes de jouabilité se distinguent pour former le STR classique : le paradigme de décryptage et le paradigme de prévision. La quatrième partie explique et contextualise le STR classique en montrant qu’il comporte ces deux paradigmes de jouabilité dans deux modes de jeu qui offrent des expériences fondamentalement différentes l’une de l’autre.
This thesis is a reflection on the stakes of a history of the real-time strategy (RTS) genre. The goal is to understand contexts in which RTS makes sense to historicize its emergence and its classical period. It seeks to document, on the one hand, the crystallization of RTS as an object having a relatively stable form and as a precise and identified corpus and, on the other hand, the emergence of classical RTS gameplay figures. The first part of this thesis describes the object of this research in order to understand the complexity of the words “strategy” and “strategy games.” The second part puts in place the epistemological thinking by showing how gameplay can be taken into account in a history of video games. It defines the gameplay paradigm concept as a discursive formation to regroup actional statements as a logical unit that is not necessarily equivalent to a genre. The third part maps the emergence of the genre from wargames in the 1970s to multiplayer games of the following decade. Two gameplay paradigms are distinguished and will form the classical RTS: the paradigm of decryption and the paradigm of prediction. The last part explains the role of classical RTS by showing how these two paradigms coexist as two different game modes that offer fundamentally different gameplay experiences.

Les grammaires germanophones rationnelles, dites aussi philosophiques, constituent le premier domaine des approches historiographiques réunies ici. A côté d'études synthétiques portant sur des ouvrages spécifiques, la théorisation de certains concepts - prédicat, diathèse, 'valence', adverbe - est retracée à travers le XVIIIe siècle dans une analyse critique. Celle-ci fait apparaître dans l'approche rationnelle l'importance des fondements philosophiques, la fécondité conceptuelle qui peut en résulter, mais aussi des problèmes de cohérence et de non prise en compte de faits de langue. Un second domaine est celui de la critique de la langue où l'attention se porte sur la théorisation de la synonymie, de la formation des mots et du concept arts du langage dans des textes esthétiques et philosophico-linguistiques. Les investigations portent sur des textes de référence et sur des textes secondaires voire 'oubliés' et cherchent à les (ré-)évaluer selon leur validité historique propre.