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Dissertationen zum Thema „Fleurs – Dans l'art – 19e siècle“
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Lavigne, Valérie. „« Féminiflores » : le motif de la femme-fleur dans l'imaginaire décadent“. Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2024. https://theses.hal.science/tel-05000838.
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Le motif de la femme-fleur, récurrent dans les représentations littéraires et iconographiques de la fin du XIXe siècle, a un sens spécifique dans l'imaginaire décadent. Un large corpus de romans, de nouvelles et de poèmes, organisé notamment autour des œuvres de Jane de La Vaudère et de Félicien Champsaur, ainsi que de tableaux, d'affiches et de lithographies, faisant la part belle aux œuvres d'Edmond Rocher, de Georges de Feure et d'autres artistes Art nouveau, permet de rendre compte de son succès entre 1880 et 1910 et d'analyser ses caractéristiques symboliques. En lien avec un contexte de misogynie avérée d'une part et d'engouement pour l'horticulture d'autre part, la parenté entre femme et fleur témoigne des obsessions d'une époque. La femme-fleur est l'une des modalités de la femme fatale, figure d'une essence féminine séductrice et duplice, à la fois belle et dangereuse. La thèse s'attache non seulement à mettre au jour la fécondité des images florales pour dire la femme fatale, mais aussi à montrer qu'elles ont pour effet d'érotiser et d'esthétiser cette figure du féminin fatal, d'en faire à la fois un objet de désir et un objet d'art. Le travail est organisé en trois parties : l'enracinement du motif de la femme-fleur dans l'esthétique décadente, l'éclosion d'un érotisme floral, et l'épanouissement d'une icône 1900. La première partie vise à identifier et analyser les traits caractéristiques des femmes-fleurs décadentes, envisagées comme des parangons de cette esthétique. La deuxième partie étudie la portée érotique de l'association entre femme et fleur, détaillant comment les dimensions concrètes et symboliques de la fleur permettent de décrire le sexe et la sexualité. La troisième partie traite de la consécration et de la codification du motif de la femme-fleur, devenu emblématique au début du XXe siècle, marquant le triomphe de son caractère ornemental sur son caractère fatal. Ce parcours souligne que le motif de la femme-fleur est crucial dans l'imaginaire décadent, dont il cristallise plusieurs dimensions, et permet de conclure à une objectification et à une minoration symbolique du féminin par les images floralesThe motif of the flower-woman, widespread in literature and the pictorial arts at the end of the nineteenth century, carries specific meaning in the Decadent movement. Through a broad corpus of novels, short stories and poems, centered on Jane de La Vaudère and Félicien Champsaur, as well as paintings, posters and lithographs by various Art nouveau artists like Edmond Rocher and Georges de Feure, this dissertation accounts for the trope's success between 1880 and 1910, and analyzes its symbolic characteristics. In a context marked by blatant misogyny and horticultural enthusiasm, the link between women and flowers encapsulates the obsessions of an era. The flower-woman is one of the many facets of the femme fatale, a figure of the seductive and duplicitous female, both beautiful and dangerous. The thesis not only sheds light on the fecundity of floral images to express the femme fatale, but also shows that they serve to eroticize and aestheticize it, making it both an object of desire and a work of art. The dissertation is organized in three parts: the rooting of the flower-woman motif in Decadent aesthetics, the blossoming of a floral eroticism, and the flourishing of a 1900 icon. The first part identifies and analyzes the characteristic traits of decadent flower-women, considered as paragons of this aesthetic. The second part studies the erotic scope of the association between woman and flower, detailing how the concrete and symbolic aspects of flowers express sex and sexuality. The third part considers the consecration and codification of the motif of the flower-woman, which became emblematic at the beginning of the twentieth century, marking the triumph of its ornamental character over its fatal character. This thesis shows that the flower-woman motif is crucial in the Decadent movement, of which it crystallizes several dimensions, and that the floral images objectify and debase the female gender
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Tapié, Alain. „Le sens cache des fleurs : symbolique et botanique dans la peinture du xviieme siecle“. Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1304.
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Deja present dans les fresques de l'antiquite ou les enluminures du moyen-age, l'art floral trouve son apogee et son autonomie dans la peinture du xviie siecle. Si le spectateur d'aujourd'hui retient avant tout de ces tableaux la seduction decorative, la richesse de coloris ou la facture minutieuse, il ne doit pas ignorer que les fleurs qui y sont representees constituaient, au-dela de leur fonction ornementale, le vecteur de sens multiples. Dans les ecoles francaise, italienne ou nordique de cette epoque, les artistes ont recueilli et combine un heritage de sens particulierement foisonnant : plus que dans les filiations esthetiques, c'est dans les spheres d'influence religieuse ou philosophique qu'il convient de rechercher la signification multiforme de ces tableaux. Ainsi la tradition chretienne, la vision protestante du monde, comme les sources mythologiques de l'antiquite ou la science botanique naissante, se combinent a des degres divers a la fonction decorative, se juxtaposent ou se fondent, pour charger les fleurs d'une infinite de significations. Guirlandes glorifiant une scene religieuse ou un personnage de haut rang, bouquets ou fleurs isolees incarnant les vertus des saints et de la vierge marie, symbolisant la fragilite de la vie humaine ou des choix moraux proposes a l'homme, temoignages de la beaute de la creation divine, metaphores des saisons ou des cinq sens, recits de metamorphoses mythologiques. Fruits et insectes, a leur tour charges de significations, viennent souvent renforcer l'interpretation symbolique du tableau.
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Salvi, Claudia. „Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699) : peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique“. Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3068.
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A partir de l'élaboration du catalogue de son oeuvre (tableaux de chevalet et peintures décoratives), cette thèse étudie et ré-évalue la place de Jean-Baptiste Monnoyer dans la France du Grand Siècle. L'étude des oeuvres de ses collaborateurs et contemporains permet de préciser l'originalité de sa personnalité artistique et de définir sa place dans le développement de la peinture de nature morte en France au XVIIe siècle. Né à Lille, Monnoyer arrive tôt à Paris, où il ajoute à son expérience de la nature morte nordique l'influence des peintres français de la vie silencieuse. Il inscrit aussi son nom dans le siècle de Louis XIV comme peintre décorateur, effectuant les premiers décors des résidences de jeunesse du monarque (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, les Tuileries). Il y donne ses lettres de noblesse au motif de la guirlande tressant la gloire du prince.Comme collaborateur de Le Brun, il travaille dans des chantiers privés (Hôtel Lambert, château de Vaux), ou des châteaux de ministre du roi (Sceaux). Il part encore travailler en Angleterre à la fin du siècle. L’abondance des commandes royales l'oblige à s’entourer d’assistants. Les enjeux artistiques de cette production sont enfin analysés : la position du genre de la nature morte dans la doctrine officielle de l’Académie et sa reconnaissance dans les collections privées ; le statut du peintre de nature morte dans la génération des classiques, de Félibien à Perrault. Enfin, le rôle fondamental de Monnoyer dans le développement et la diffusion de ce genre est étudiéHaving compiled the entire work catalogue of Jean-Baptiste Monnoyer (easel paintings and decorations), this thesis aims to study and re-value his importance in France during the Grand Siècle.Through the study of works of his collaborators and contemporaries the uniqueness of his artistic personality is specified, as well as his position in the development of still life painting in France during the 17th century.Born in Lille, Monnoyer came early to Paris, where he joins his knowledge of Nordic still life painting to the influence of French « silent life » painters.His name is famous too during the century of Louis XIV as a painter decorator. As such, he made the first decorations for the youth residences of the monarch (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, the Tuileries). He there develops the importance of the pattern of the garland glorifying the prince.As a collaborator of Le Brun, he works in private worksites (Hôtel Lambert, château de Vaux), or in castles of ministers (Sceaux). He also works in England at the end of the century. Due to the great amount of royal orders, he was forced to gather assistants. The artistic issues of this production are analysed: the situation of the still life genre in the official doctrine of the Academy, and his recognition in private collections ; the position of the still life painter in the classical generation, from Felibien to Perrault. And then, the fondamental part of Monnoyer in the development and the rayonnment of this genre is studied
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Lecerf, Guy. „Le coloris dans l'art des jardins : théories en France et en Angleterre, 1820-1930“. Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010644.
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Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.
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Absalon, Patrick. „La Légende d'Oedipe dans l'art en France au XIXe siècle“. Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20051.
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Cette thèse propose d'explorer la légende d'Œdipe et ses avatars dans l'art en France, à travers l'analyse d'œuvres diverses, peinture, sculpture, poésie et critique d'art. Elle a pour objectif de déterminer les réceptions du mythe par les artistes et plus généralement dans l'esprit du temps. Œdipe intéresse les artistes et les écrivains du XIXe siècle pour plusieurs raisons. En premier lieu, la question du mythe se pose dès lors qu'on s'interroge sur le théâtre, en particulier la tragédie. Dans un second temps, le héros thébain se place fréquemment au cœur de réflexions découlant de la philologie comparée, laquelle permet d'alimenter les nombreuses recherches de mythologie comparée. En troisième lieu, Œdipe suscite l'intérêt des archéologues qui mettent au jour les richesses du passé de la Grèce et renouvellent les études de son histoire. Enfin, deux œuvres d'art fondamentales, dont la renommée a traversé tout le siècle, ont contribué à faire d'Œdipe l'un des mythes les plus prégnants dans l'histoire culturelle du XIXe siècle : le chef-d'œuvre de Jean-Auguste Dominique Ingres de 1808 et celui de Gustave Moreau exposé en 1864. Participant au renouvellement de la peinture d'histoire, la légende d'Œdipe a su reconquérir son statut de mythe symbolique, devenant de la sorte un maillon essentiel de la culture classique et littéraire. Mais il a également fait l'objet de nombreuses manipulations, témoignant ainsi du pouvoir exégétique des artistes, qui en ont rapidement fait un mythe personnel. Œdipe incarne, à la fin du siècle, au même titre que les mythes d'Orphée et de Prométhée, la figure du héros tueurs de monstres, l'artiste déchiffreur des mystères de la nature
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Aivalioti, Maria. „Le motif de l’ange dans la peinture symboliste européenne“. Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100208.
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Le Symbolisme, qui a acquit son identité officielle en 1886 par Jean Moréas, est devenu le courant par excellence, qui a dépassé les frontières de son pays natal et a été embrassé par des artistes européens, originaires des pays différents. Pourtant, les artistes symbolistes n’ont pas inventé un nouveau répertoire iconographique, mais ils ont élaboré sous leur propre prisme des sujets déjà traités. Les thèmes à caractère religieux occupent une place primordiale dans leur production En outre, ils ont dégagé de leur sens chrétien afin d’attribuer les pensées des artistes. Messagers, exécutants, judicaires ou protecteurs, souvent privés du nom, les anges réapparaissent dans la moitié du XIXème siècle et jusqu’aux débuts du XXème, ils rétablissent leur place dans une société tourmenté qui cherchait des refuges. L’étude présente, en analysant la représentation de la figure de l’ange, qui constitue un motif pertinent dans la peinture symboliste, vise à éclairer, sous une interprétation à la fois typologique et iconographique, le rôle du motif angélique dans les peintures symbolistes ainsi que les rapports, concernant le style et la thématique, entre les artistes européens qui ont subit l’influence du courant, dans une tentative de prouver que la figure de l’ange, grâce à sa nature et son rôle, devient un emblème iconographique pour les peintres symbolistesIn 1886, Jean Moréas gave to the symbolist movement its official identity. Symbolism became one of main movements which came over the borders of its birth country and it was embraced by artists coming from different countries. The symbolist artists didn’t invent new themes, but they elaborated the existent ones under their own prism. The religious subjects occupied a considerable role in their production. Furthermore they abandoned their religious aspect in order to express artist’s thoughts. Messengers, executors, jurists or protectors, often disqualified from their name, the angels, reappeared in the middle of XIX century and until the first decades of XX, established their place in the society which was searching for refuges. The present study, analysing the image of the angel, which is a recurrent motif in symbolist painters work, is going to present, via a typological and iconographical interpretation, the rapports, concerning the style and the thematic, among the European artists who were influenced by the symbolist movement in order to prove that the angel, because of its nature and its role, has become a iconographical emblem for the symbolist painters
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Soulillou, Jacques. „La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles“. Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.
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La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.
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Aicardi-Chevé, Dominique. „Les corps de la contagion : étude anthropologique des représentations iconographiques de la peste (XVIème-XXème siècles en Europe)“. Aix-Marseille 2, 2003. http://www.theses.fr/2003AIX20688.
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Kang, Hui-an. „La représentation de la pauvreté dans la peinture française du XIXe siècle (1830-1900)“. Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30020.
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Jamais peinture ne s'est autant preoccupee de la pauvrete que durant le xixeme siecle. Non sans raison puisque celle-ci est un phenomene fondamental de cette epoque. Aux sociologues, aux philosophes et aux litterateurs qui tous se sont penches sur ce probleme, s'ajoutent des peintres tres divers. Ils n'ont pas hesite a peindre l'etre humain dans les pires situations: aveugles mendiants, familles sans-abris, enfants vendant des fleurs, ouvriers se suicidant. . . Mais aussi les actes de la charite dans leurs formes individuelles et institutionnelles. Pourtant leur regard sur la pauvrete etant bien different, cela entraine un mode d'expression tres complexe. En effet, la peinture du xixeme siecle est impregnee d'un caractere eclectique qui mele tous les genres et tous les styles. D'une facon generale, ces oeuvres s'inscrivent dans une production marquee, globalement, par la rivalite entre l'idealisme et le realisme. Ce double concept est pour ainsi dire l'axe de l'esthetique dans la representation de la pauvrete du xixeme siecleNever painting has so much been worried about poverty than during the xixth century. Not without reason since the latter is a fundamental phenomenon of the time. To the sociologists, philosophers and writers who have all thought carefully, one time or another, about the problem of poverty, we can add various painters. They have had no hesitation to paint and unveil the human beings in the most horrible situations: blind beggars, homeless families, little flower-sellers, workers in dispair commiting suicide. . . But also the acts of charity, individual and institutional. Neverthelesse, their different look leads to a complex mode of expression. Actually, the xixth century painting have an eclectic vision which mixes all genres and all styles. In the whole, all these painting come within the scope of a production marked by the opposition between idealism and realism. This double path is the esthetical axis of the representation of poverty during the xixth century
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Nayrolles, Jean. „Roman et néo-roman : de l'invention du passé dans la culture archéologique et dans l'art du XIXe siecle français“. Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20054.
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Grandordy, Béatrice. „Charles Darwin et l'évolution dans les arts plastiques, 1859-1914“. Paris, EPHE, 2011. http://www.theses.fr/2011EPHE4025.
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L’Origine des espèces à partir d’un ascendant commun par sélection naturelle (1859) de Charles Darwin (1809-1882), a introduit l’évolution, le temps infini et l’histoire dans le destin de l’homme, proposé la découverte du merveilleux dans le réel, et inspiré d’abord les romanciers réalistes, puis le roman préhistorique, d’aventure et de science-fiction. L’évolution est illustrée scientifiquement par Haeckel, Kupka, Brehm et Gosse. Elle stimule en France l’anthropologie préhistorique ; on représente ancêtres et chaînons manquants parmi les objets de fouille minutieusement copiés. Elle autorise pour Degas et Cormon la fluidité des corps et Duranty l’identifie dans les artefacts humains depuis la haute antiquité. Odilon Redon, puis Jean Carriès, transforme avec une fausse naïveté la faune observée par Darwin en un bestiaire imaginaire. L’Allemagne assimile le darwinisme à Goethe et au romantisme et s’oriente vers l’anthropologie des mythes ; Klinger illustre la lutte pour la vie humaine et animale. Bientôt la veine réaliste s’épuise dans la représentation ; le désenchantement s’installe en Europe, traduit par le symbolisme en peinture et dans l’Art Nouveau. L’évolution (qui ne conduit pas nécessairement au progrès et certainement jamais à la perfection) s’y intègre. Böcklin, Moreau, la Sécession viennoise, voient dans l’évolution la parenté entre les êtres et l’énergie vitale sans pré-détermination. Bon goût, beau idéal et sens moral de John Ruskin, volent en éclat devant « l’esthétique physiologique » évolutionnaire selon Grant Allen. Pour les architectes, l’évolution est une nécessité qui accompagne le fonctionnalisme. Le débat sur l’évolution comme ‘élément culturel nouveau’ ou ‘contre-culture’ fut présent tout au long du XIXe. La science l’avait depuis longtemps acceptéeOn the Origin of Species by means of natural selection (1859) by Charles Darwin (1809-1882), introduced evolution, endless time and history in species destiny, seaked wonder in reality, and first inspired realistic, then prehistoric, adventure and finally science-fiction novel. Evolution was scientifically illustrated by Haeckel, Kupka, Brehm and Gosse. It boosted in France prehistoric anthropology ; ancestors and missing links were accurately represented among archaeological findings. It enabled Degas and Cormon to deal with body fluidity, and Duranty identified it in human artefacts since the most ancient antiquity. Odilon Redon, followed by Jean Carriès, shifted, with false ingenuity, the animalia observed by Darwin into an imaginary bestiary. Germany assimilated darwinism with Goethe and romanticism, and focused on myths anthropology ; Klinger illustrated human and animal struggle for life. Soon, the realistic vein in paintings and sculpture vanished; disenchantment settled in Europe, expressed by symbolism in painting and in Art Nouveau. Evolution (which does not necessarily lead to progress and certainly never to perfection) merges into then. In evolution, Böcklin, Moreau, as well as Viennese Secession, contemplate kindred beings and non-teleological vital energy. John Ruskin’s taste, ideal of beauty and moral sense, explode in front of evolutionnary « physiological aesthetics » according to Grant Allen. As to the architects, evolution was a pre-requisite, which accompanied functionalism. Debate on evolution as a ‘new cultural fact’ versus ‘a counter-culture’ was present along the whole second half of XIXth century. Science had, since long, accepted it
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Auger-Sergent, Anne-Sophie. „Les graffiti marins de Normandie (13e siècle- 19e siècle)“. Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010544.
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La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont raresNormandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare
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Buyssens, Danielle. „La question de l'art à Genève, du cosmopolitisme des Lumières au Romantisme des nationalités“. Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0064.
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Fondée dans les premières décennies du XIXe siècle, l'histoire de l'art genevoise postule traditionnellement que la pratique et la réception de l'art à Genève auraient longtemps souffert de l'opprobre caliviniste, condamnés à l'exil hors d'une société inhospitalière au goût et hostile au luxe. Le même "mythe" fait coïncider le dépassement de ces interdits avec l'essor d'un art national chargé d'exprimer la qualité de la société genevoise de la Restauration. Basée sur l'analyse critique de sources nouvellement mises en relation et sur des comparaisons avec la situation des arts en France, cette étude restitue une réalité des pratiques bien différentes dans le contexte de l'Europe des Lumières, de son effritement et de la naissance des nationalités romantiques. Elle s'attache en même temps aux conditions et aux motivations de la construction d'un récit historique profondément marqué par les circonstances de son énonciationFounded in the first decades of the nineteenth century, Genevan history of art traditionally postulates that the exercise and reception of art in Geneva long suffered from Calvinist disgrace, and were condemned to an exile outside a society inimical to good taste and hostile to luxury. The same "myth" equates the overcoming of these prohibitions with the blossoming of a national art excepted to express the quality of the Genevan society of the Restoration period. Based on the critical analysis of documents freshly combined as well as on comparisons with the situation of the arts in France, this study puts into focus a far different reality of practices in the context of European Enlightenment, of its crumbling and the birth of Romantic nationalities. At the same time, it examinates the conditions and motivations of the construction of a historical discourse profoundly marked by the circumstances of its enunciation
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Fartas, Nadia. „Modernité et simplicité : l'art de la nuance. Littérature et arts visuels en France dans la seconde moitié du XIXe siècle“. Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0162.
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Le propre de la modernité est d'inclure la critique dans ses fondements et de permettre les questionnements autant que le développement des savoirs. La modernité est donc indissociable du mouvement et du changement. Elle implique de nouvelles relations sociales, politiques et culturelles entre le singulier et le collectif, le particulier et l'universel, une complexité dont la littérature du XIXe siècle a su témoigner. Il est néanmoins remarquable que la notion de simplicité soit au centre des préoccupations d'auteurs fondateurs de la modernité littéraire et artistique. Dans les œuvres de Flaubert qui portent sur la modernité, dans les écrits sur l'art de Baudelaire et dans certaines vues urbaines et architecturales, tant littéraires que picturales, dont la série de La Cathédrale de Rouen de Monet, les formes de la simplicité et les notions afférentes permettent de mettre en évidence les formes du changement, afin de composer une esthétique de la modernité fondée sur la nuance plutôt que sur la binarité ou le dogmatisme. Si la simplicité désigne l'indécomposable, la nuance se caractérise en effet par des différences de degrés quasiment indiscernables. L'art de la nuance qui procède d'une réévaluation moderne de la simplicité fait tenir ensemble la défense du beau, la singularité de l'œuvre d'art, l'attention portée au réel, aux savoirs et aux nouvelles temporalités, afin d'éloigner l'esthétisation, c'est-à-dire une conception du beau qui lisse les traits de la modernité. La nuance témoigne ainsi d'une relation inédite entre le visuel et le verbal, le texte et l'image, qui permet de mettre au jour les nouages entre poétique, esthétique et politique au coeur de la modernitéThe peculiarity of modernity is to integrate criticism in its foundations and to allow questions as well as knowledge development. Therefore, modernity cannot be dissociated from movement and change. Thus, it implies a new kind of social, political and cultural relationship beween the singular and the collective, the particular and the universal, a complexity which XlXth literature managed to testify. However, it is noteworhy that the notion of simplicity is at the centre of the preoccupations of founder authors of artistic and literary modernity. In Flaubert's works dealing with modernity, Baudelaire's written works on arts and in urban views, either literary, pictorial or architectural ones, for instance Monet's series of The Rouen Cathedral, the simplicity forms and meanings which are associated to them make it possible to put the forms of change in a conspicuous position in order to make up an aesthetics of modernity based on shade instead of on binarism or dogmatism. If simplicity refers to what cannot be broken down, the main features of shade are, indeed, grade differences which can hardly be detected. The art of shade which originates in a modern revaluation of simplicity holds together the defence of the beautiful, the singularity of the work of art, the attention to reality, knowledge and new temporalities in order to thwart aesthetization, in other words a conception of the beautiful that covers the features of modernity. Thus, shade shows a new relationship between the visual and the verbal, the text and the image, which brings up to date the knotting between poetics, aesthetics and politics at the heart of modernity
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Loustalot, Bernard. „Desgenettes : 1762-1837 : un homme de réseau dans la transformation de l'art de guérir“. Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0041.
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Médecin, Desgenettes a traversé une époque très mouvementée tant sur le plan politique que militaire et a constitué un important réseau de connaissances : Franklin, madame Rolland, Chaptal,. . . Et Napoléon Bonaparte. Assidu des salons de différentes époques, il a été témoin des transformations de la société et lui aussi « personnage historique », il a été acteur dans la médecine militaire. Mais Desgenettes a eu une importante activité « civile », d'abord de type scientifique, dans l'enseignement (défense de l'anatomie), diffusion des connaissances en participant à l'édition de plusieurs revues, puis comme professeur d'hygiène à l'école puis faculté de médecine de Paris. C'est comme maire du Xe arrondissement de Paris et professeur d'hygiène membre de nombreux comités, qu'il affrontera en 1832 la première épidémie de peste moderne : le choléra-morbus. Issu de la bourgeoisie de province qui prétendait à la noblesse, Desgenettes est un excellent reflet de ces ambitieux qui ont adopté les idées des Lumières (cosmopolitisme intellectuel, franc-maçonnerie opérative), se sont faufilés entre les accidents de la Révolution pour constituer la méritocratie napoléonienne. Très cultivé mais sceptique dans tous les domaines, religieux, médical (ami de Broussais tout en combattant ses doctrines) ou politique (fidèle mais non inconditionnel de l'Empereur), sa forte personnalité et son indépendance d'esprit l'ont marginaliséRené Nicolas Dufriche des Genettes, known as Desgenettes, is a doctor who lived between two centuries. He had been through a tumultuous period, both on the political levels and on the military issues. Thus, he had the opportunity to meet several historic characters: Benjamin Franklin, Madam Rolland. . . And above ail Napoléon Bonaparte. Familiar with the salons of the period, he had been a witness of the transformation of the French society more than the political events, and as chief doctor of Bonaparte army's then Napoléon, he followed several campaign of the great gênerai of the time. His career survived to the Empire, tormented by the political vicissitudes. Historical character himself, he first of ail played a rôle in the military medicine in Egypt and in the Great Army after 1807. Two "prowess" are generally at his crédit: his inoculation of the plague, and his opposition to Bonaparte about the poisoning of the sick people of Jaffa. On a routine basis, he had managed health service that had to be adapted on the daily movement and the situation of an army more and more numerous and uncoordinated, often in foreign territories and with frequent and deadly epidemics. Nevertheless, Desgenettes had also had a significant civil activity, first a scientific activity with some publications about the absorbing system (lymphatic), about education (anatomy defence), spreading of knowledge by taking part of the edition of several revues, second, as a Professor of Hygiene at the school subsequently university of medicine of Paris. Besides, it is as mayor of the 10th district of Paris and Professor of Hygiene that he will faced in 1832 the first modern plague epidemic: the cholera-morbus. Born in a family part of the bourgeoisie that pretended to be aristocratic, Desgenettes is a remarkable image of this ambitious people that embraced the Enlightenment ideas (intellectual cosmopolitanism, operative freemasonry), and managed to get through the revolutionary turmoil to compose the Napoleonic meritocracy. Very cultivated but sceptical about religious, medical (friend of Broussais but fighting his doctrines) or politic (loyal but not docile to the Emperor), his strong character and his independent spirit (opposition to Bonaparte and resignation of the Academy of Medicine) ostracised him
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Frangne, Pierre-Henry. „Le statut de la négation dans l'art symboliste français : les modèles philosophiques du symbolisme“. Lille 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LIL30017.
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La thèse est une interprétation philosophique du symbolisme français de la fin du XIXe siècle. A la question "Qu'est-ce qui fait l'unité de ce mouvement artistique?", elle répond : non une théorie unifiée du symbole, mais une théorie de la négation. Cette dernière apparaît sous une triple forme : comme opération logique d'abstraction et de purification ; comme sentiment existentiel malheureux ; comme principe métaphysique (Néant, Rien, Mort). Ces trois figures engendrent la négation comme valeur et comme exigence : celle d'abolir et de manifester l'art et le réel au sein d'une inconsistance fondamentale. Utilisant trois modèles philosophiques principaux (Platon, Schopenhauer, Hegel) afin d'élaborer sa métaphysique et son ontologie négatives, le symbolisme produit différents rouages du philosophique et de l'artistique : au philosophème d'un néoplatonisme surplombant et d'un schopenhauerianisme nourrissant, succède une réelle philosohie symboliste au travail chez Mallarmé
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Schvalberg, Sophie. „Des marbres d'Elgin à la Dame d'Auxerre : le modèle grec en débat dans l'art français au XIXe siècle (1815-1908)“. Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100185.
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Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, BourdelleThe Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
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Lecanu, Anne. „L'image du Christ dans la peinture russe au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle“. Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040047.
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L'image du Christ dans la peinture russe au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle se définit dans le cadre de la peinture d'histoire, dont les schèmes iconographiques subirent une évolution conceptuelle et formelle pendant cette période. La représentation du Christ devait incarner les enjeux idéologiques antagonistes, qui opposèrent le pouvoir autocratique et les membres de l'intelligentsia russe, conférant aux sujets christiques un caractère métaphorique et une interprétation polysémiqueThe figure of the Christ in the russian painting of the XIXth painting and the first half of the XXth centuries becomes clear in the limits of the historian painting. Besides, iconographic bases ought to be changed into relation with the theoretic and formal changes which appeared during this period. The pictures of the Christ had to embody antagonist ideological stakes, which opposed autocratic power and members of the russian intelligentsia, confering metaphorical nature and divergent interpretations to pictures dedicated to the Christ
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Torcinaro, Emanuela. „Le personnage "lecteur" dans le roman et les arts picturaux du XIXè siècle européen“. Limoges, 2011. http://www.theses.fr/2011LIMO2012.
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Le but de cette recherche est de montrer comment le roman du XIXè siècle, romantique d'abord, ensuite réaliste et enfin décadent, est capable de représenter les changements sociaux et culturels d'une époque à travers ses personnages et en comparant les images décrites dans les romans et celles peintes des peintres européens contemporains aux écrivains. On veut montrer la continuité thématique et la réciproque influence, parmi les deux arts apparemment si différents. Cette étude inter artes est le résultat d'une recherche de type thématique, le constant duquel est le personnage "lecteur". On a examiné le roman du XIXè siècle européen, le siècle du roman et des grandes Expositions, conçues comme un témoignage au monde non seulement par des progrès technologiques mais aussi artistiques des différentes nations. On a décliné, donc, la figure du lecteur, avec ses différents nuances selon la période historique d'appartenance, le niveau social, le lieu dans lequel il vit, le sexe et l'âge. Le but de cette recherche est l'étude du personnage qui lit par intérêt, par passion, qui se "plonge" dans le texte, qui s'abandonne en risquant de s'y perdre comme Emma Bovary, qui lit des romans d'amour en s'identifiant aux protagonistes au point à ne plus réussir à distinguer la réalité de la fantaisie, en arrivant au suicide. A travers une comparaison continuée entre roman et oeuvre picturale et une analyse approfondie socio-historique de la période, on a pu montrer que l'image décrite ou peinte du lecteur est prépondérante dans l'Europe du XIXè siècleThe aim of this research is to show the way how the European nineteenth century novel could be able to represent the social and cultural changes of a time both through its characters and the comparison between the images depicted in the novels and those ones portrayed by the painters. Therefore, the thematic continuity and the mutual influence between the two arts will be demonstrated. This inter artes research is the result of a thematic type study whose constant is the "character as a reader", who makes his appearance in literature when reading becomes relevant as a social practice as well. The interest here is focused on the character who uses to read as a passion, who plunges himself into the text, and completely abandoning himself to it almost to be likely to get lost. The "character as a reader" is there in many literary masterpieces, and only with a careful and accurate study among the classics of Italian, French, Russian and English literature it has been possible to make a selection and have a homogeneous corpus. Even though in the 800s is the usually less considered figure of the woman reader as the love novelette consumer who stands out, and girls are seen having their heads full of silliness by those kind of novels -instead of reading the Bible and the Sacred Texts - it will eventually emerge the real meaning of their readings : not only women read because of their love for culture, but also to learn, to know, in spite of the role the 800s society has relegated them to. It is considerable the predominant presence of women in the act of reading in paintings, as well. All in all, through a continuous comparison between the novel and the pictorial work and a deep socio-historical analysis of the period, the written and painted image of the reader has been demonstrated as prevailing in the European eighteenth century
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Moulinat, Francis. „Théophile Gautier, critique d'art, dans les années 1830“. Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040243.
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La critique d'art de Théophile Gautier a suivi la même évolution que sa pensée littéraire. Elle est passée du romantisme à une mise à distance de celui-ci. Entre 1836 et 1838, Gautier reporta, sur la critique d'art, le sacerdoce que l'écrivain était censé exercer sur la société. En se faisant le champion de la souveraineté de l'artiste, en acclimatant au journalisme le romantisme, en pratiquant la critique des beautés qui est une adhésion entière à l'œuvre, au travers de sa description, il inventa la critique artiste. Gautier a vue en Paris et Munich les deux ateliers où s'inventait le futur. Mais, c'est à Paris qu’Ingres, par le dessin, Delacroix, par la couleur, avaient rénové la peinture et formé ceux qui formuleraient la synthèse de leur art. Gautier a aussi noté, à partir de 1837, le recul du romantisme pictural et l'influence grandissante du dessin et du style. Ce modèle binaire, fut reporte sur le paysage, mais non sur la sculpture, art essentiellement antique, ne devant montrer que la beauté. Dans l'esthétique de Gautier, contrairement au naturiste qui copiait la nature, l’artiste supérieur abritait en lui un microcosme et un idéal. Exprimer sa vision de la beauté était sa mission; Gautier l'étendit à la vie entière. L'artiste, en concevant des objets, reconquerrait son sacerdoce perdu, éduquerait la société et susciterait une nouvelle renaissance. En développant une telle utopie et en divinisant l'art, devenue valeur suprême et refuge où oublier le réel, Gautier formula une esthétique, romantique par la place conférée à l'artiste, éclectique, car elle acceptait la couleur et le dessin, novatrice, car elle préfigurait nombre de courants de la seconde moitié du siècleGautier's art criticism followed the same evolution as his literary thinking. It praised romanticism before standing aloof from it. But, between 1836 and 1838, he transferred to art criticism the priesthood every writer is supposed to fulfill within society. He defended the artist's sovereignty; he introduced romanticism in journalism, and the practiced the criticism of beauties through descriptions: in fact, he had invented the artist criticism. Gautier considered that Paris and Munich were the two studios where the future was taking shape, that is was however in Paris that Ingres, through drawing, and Delacroix, through colors, had reformed painting and trained those who would later make up the synthesis of their art. Gautier also noticed, from 1837 on, the decline of the pictorial romanticism and the growing influence of drawing and style. This binary system was applied in landscape, but not in sculpture which is a principally antique art, meant to show only beauty. In Gautier’s aesthetics, the superior artist would shelter both a microcosm and an ideal, contrary to the naturist who copies nature. His mission was to express his own vision of the beauty, and Gautier widespread this mission to the whole life. By designing objects, the artist would regain his lost priesthood, educate society and lead to a new renaissance. By developing such an utopy, by divinizing art which had become the supreme value and a refuge to forget reality, Gautier expressed an aesthetics which was at the same time romantic, as it awarded a major position to the artist, eclectic, since it accepted color and drawing, and innovative, for it would foreshadow many trends of the second half of the century
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Valance, Hélène. „Au filtre de la nuit : le nocturne dans l'art américain, 1890-1917“. Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070069.
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Après que James Mc Neill Whistler a renouvelé le genre du paysage de clair de lune en peinture avec ses fameux Nocturnes, les milieux artistiques américains manifestent, au tournant du 20ème siècle, un profond engouement pour la nuit. Alors que les artistes du nocturne, et bon nombre de critiques et d'historiens de l'art à leur suite, s'attachent à distinguer leur art de son environnement matériel, ce travail consiste à replacer les nocturnes dans leur contexte historique, en considérant le rôle qu'ils prennent dans la culture visuelle de leur époque. Alors que le paysage nocturne américain se trouve radicalement altéré par le développement de l'éclairage électrique, le repli des artistes du nocturne vers des scènes de clair de lune rurales et désertes apparaît comme une réaction anti-moderne. Mais au-delà du contexte immédiat de l'électricité, la peinture de la nuit fonctionne comme un espace de représentation permettant de traiter indirectement des changements historiques qui affectent le pays. La première partie de cette étude considère les nocturnes comme une réponse aux transformations qui affectent l'ordre du visuel à la fin du 19ème et au début du 20ème siècles, de la redéfinition des limites entre visible et invisible à la croissance exponentielle du nombre des images, et propose de lire les nocturnes comme une forme d'anti-vision. Une seconde partie envisage la nuit dans ses valeurs métaphoriques, en particulier raciales, dans les discours qui font des Indiens d'Amérique un people voué à disparaitre dans la nuit ou qui promeuvent l'entreprise impérialiste comme une mission éclairée. La troisième et dernière partie de ce projet s'attache aux représentations de la nuit urbaine, montrant comment les artistes du nocturne négocient les reconfigurations des identités sociales par le biais d'une refonte du paysage pictural. Il s'agit ici de démontrer que les nocturnes constituent un art anti-moderne, au sens que Jackson Lears donne à ce terme : s'ils dénotent un certain rejet de la modernité, ils offrent aussi dans une certaine mesure une forme d'adaptation aux changements qu'ils tentent de maintenir à distance. En ce sens, les nocturnes forment un portrait négatif des Etats-Unis au tournant du siècleWhile most of the literature about nocturnes has stressed their melancholy qualities, my project is to explain the attraction fin-de-siècle Americans felt for them by looking at their historical context, notably that of the development of electric lighting. Beyond the immediate context of electricity, however, I want to show that night acted as a powerful metaphor in the culture of the time. From the dark continent of imperialism to that of the unconscious, the metaphorical uses of night were pervasive. My dissertation relies on a wide range of examples of nocturne imagery, from popular visual culture to the fine arts, and explores the visual dimension of this metaphor. It examines how night served to address the threatening but also thrilling aspects of the new environment Americans were discovering at the turn of the 20th century
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Bellot, Michel. „Esthétique des figures impossibles et ambiguës“. Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010647.
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La classification des figures impossibles et ambiguës, proposée ici, montre que trois mécanismes plastiques permettent de rendre compte des rates de la représentation spatiale : la superposition, le contact et l'alignement. Il apparait encore que l'impossible et l'ambigu sont des territoires proches, lies par un espace intermédiaire : l'impossible-possible, et que ces différents ratés de la représentation investissent les trois types de surface de l'image, que sont la figure, le fond et leur association. Mais, au-delà des mécanismes plastiques, ces images exercent encore une fascination que seul l'imaginaire est à même d'expliquer. Le discours latent d'une construction impossible évoquerait l'inceste et les différents interdits qui peuvent y être rattachés, tandis qu'une forme ambiguë, par son alternative jamais résolue, rappellerait l'ambivalence qui, émanant de ces premiers désirs, vient ensuite investir nos sentiments ultérieurs. Une réhabilitation esthétique des figures impossibles et ambiguës a enfin été entreprise, car ces images utilisent des mécanismes identiques à ceux que Cézanne, Matisse et Magritte ont employés pour opérer leur critique de la représentation. Certaines pratiques contemporaines vont d'ailleurs moins loin, en préférant l'auto-référentialité du propos et la matérialité des moyens à la question fondamentale de toute représentation plastique : l'impossible passage des trois dimensions du réel aux deux dimensions du support.
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Christófoglou, Mártha-'Ellī. „"Avant-gardes" et politisation dans l'art néohellénique (1965-1975)“. Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010508.
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Le principal objectif de cette thèse est de contribuer à l'examen de la réalité culturelle de la Grèce contemporaine. La période: 1965-1975, a été choisie pour son exemplarité: c'est pendant cette décennie que le rapport art-politique acquiert une importance fondamentale dans la vie artistique grecque. La place des formes d'art dites d'avant-garde, dans l'art néohellénique, doit être évaluée par rapport à certains facteurs propres à la culture grecque. Ces facteurs sont: 1. Le rôle idéologique et esthétique des modelés tirés de la tradition locale. 2. L'influence de l'art moderne occidental et, plus particulièrement, parisien. 3. L'émigration des artistes. 4. L'engagement politique très apparent pendant les années 1960 et 1970, c'est à dire avant, pendant, et après la dictature de 1967-1974. 5. La prédominance de l'individualisme des artistes grecs, qui défavorise les mouvements collectifs. L'étude de ces problèmes devrait permettre l'approche d'un aspect important de la culture grecque d'aujourd'hui.
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Echenique, Catalina Valdés. „Del cruce a la frontera : una historia visual de la Cordillera de los Andes entre Argentina y Chile durante el siglo XIX“. Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0147.
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Cette thèse porte sur la configuration visuelle de la Cordillère des Andes dans la culture et l'histoire de l'art de l'Argentine et du Chili au cours du XIXe siècle. Elle propose un parcours thématique de la période à partir d'une sélection d'objets visuels et textes produits dans les deux pays au moment où ils ont été définis et instaurés en tant que nations modernes. Dans le début de ce parcours, aux premières années de l'époque républicaine, la cordillère est représentée et symbolisée comme le scénario des principaux événements de la révolution d'indépendance, alors elle devienne un point de repère pour la construction d'une mémoire et d'une identité nationale. L'analyse se poursuit autour de la présence picturale de la cordillère, notamment dans quelques œuvres qui représentent les Andes comme un lieu d'enjeu politique pour ces deux nations vers la moitié du siècle. Avec l'instauration de la cordillère comme une image paysagère, une réflexion a été élaborée autour du statut esthétique du sublime et ses actualisations dans le contexte latino-américain en considérant la particulière installation du genre picturale dans le milieu chilien. Le parcours s'achève avec l'analyse de la construction visuelle de la cordillère en tant que frontière naturelle entre les deux pays. On observe comment des images de divers types deviennent des pièces argumentatives pour la dispute géopolitique. Le but de ce travail est de vérifier, par le biais de l'analyse de cas, la diversité de fonctions rhétoriques qui assume la représentation de la nature dans le processus d'élaboration d'un récit du nationalThis thesis focuses on the visual configuration of the Andes in the history of culture and art of Argentina and Chile during the nineteenth century. It proposes a thematic journey of the period from a selection of visual objects and texts produced in both countries at the time when they were defined and established as modern nations. At the beginning of this journey, in the early years of the republican era, the Cordillera is represented and symbolized as the scenario of the main events of the independence revolution, so it becomes a landmark for the construction of a memory and a national identity. The analysis continues with the pictorial presence of the Cordillera, particularly in some works representing this Andes as a place of political stake for these two nations at the middle of the century. With the establishment of the Cordillera as a landscape image, a reflection has been elaborated around the aesthetic status of the sublime and its updates in the Latin American context by considering the installation of the pictorial genre in the Chilean environment. The journey ends with the analysis of the visual construction of the Cordillera as a natural border between the two countries. It is observed how images of various types become argumentative pieces for the geopolitical dispute. The purpose of this work is to verify, through case studies, the diversity of rhetorical functions that assumes the representation of nature in the process of developing a national narrative
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Kei, Nikolina-Antonia. „L' esthétique des fleurs : kosmos, poikilia et charis dans la céramique attique du VIe et Ve siècle avant J.C“. Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0120.
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Les fleurs sur les vases attiques sont avant tout des ornements beaux à regarder. Néanmoins, réduire leur fonction à une simple esthétisation serait une erreur ; ils sont également des agents figuratifs qui épaulent l'architecture du vase tout en façonnant le regard du spectateur. Ils participent à cette opération que les Grecs appellent kosmesis et qui renvoie aussi bien à la parure qu’à la mise en ordre, à l'arrangement. Les motifs floraux ornent aussi une longue série d'objets figurés sur les vases, tels que des vêtements, des armes, des couronnes, des sceptres, des meubles de luxe, des vases et enfin des éléments architecturaux. Ils véhiculent et visualisent la notion de poikilia, celle de kosmos et celle de charis, trois notions qui, lorsqu'elles s'appliquent à un objet, lui assignent l'essence d'un daidalon, d'un agalma. Les motifs floraux participent à la mise en exergue de ces objets et à une meilleure perception de leur portée sémantique. Enfin, les fleurs qualifient très souvent des figures, mortelles ou divines, des liens que celles-ci tissent, qu’ils soient de nature érotique, amicale, familiale ou religieuse mais aussi des manifestations ludiques et festives, telles que les concours athlétiques et musicaux, les banquets, les danses et le mariage. En effet, dans les images attiques, les parures florales, véhicules de sensations visuelles et olfactives, magnifient les figures mais aussi alimentent l’image d' un réservoir de valeurs associées à la charis et à toutes ses déclinaisons incarnées par les trois Grâces hésiodiques, Aglaïè (beauté physique, jeunesse), Thaliè (générosité, faveur et don) et Euphrosynè (allégresse, plaisir des sens)Although flowers on attic pottery are mainly ornamental motifs, it would be an error to limit their function to a pure aestheticization of the ceramic surface. They are also figurative agents that support the architecture of the vase and, at the same time, shape the spectator's perception of the narrative scene: floral frames and floral motifs floating inside the scene echo and emphasize the action. Ln other words, they participate to the kosmesis, operation that refers to ornament as well as order and arrangement. Floral ornaments appear on Athenian vases but also on abjects depicted in the scenes on Athenian vases, such as drapery, armour, jewellery, sceptres, mirrors, furniture, architectural elements and vessels. They con vey and visualize the notion of poikilia, of kosmos, and that of charis, three notions which assign to ail these luxurious and prestigious objects, the essence of a daidalon, of an agalma. The role of the floral ornaments is to highlight the presence and therefore the significance of these objects inside the image. Nevertheless, flowers do not qualify only objects but also mortal figures and deities, different kinds of relations between erotic partners, friends, family members, humans and gods, and finally festival activities and celebrations, such as athletic and musical competitions, symposia, dances and weddings. In other words, flowers, vehicles of visual and olfactory sensations, magnify figures and, at the same time, supply the vase scenes with a reservoir of values linked to charis and its declinations personified by the three Charites, Aglaia (physical beauty and youth), Thalia (generosity, favour and gift) and Euphrosyne (jubilation and pleasure of the senses)
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Haddad, Michèle. „L'art de Courbet : transgressions/création, sources“. Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040239.
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Quels sont les sources et les ressorts principaux de l'art de Courbet ? A partir de la découverte d'une image d'Epinal dont la composition est très proche de celle de l''Enterrement à Ornans',ce travail s'interroge sur l'élaboration des oeuvres du peintre et propose des hypothèses nouvelles sur ses toiles les plus célèbres,tout en procédant à la révision générale nécessitée par la publication de sa 'Correspondance' par Petra ten D. Chu en 1992. La démarche créatrice de Courbet se fonde sur deux axes principaux,une volonté affichée de trangression et un intérêt marqué pour les processus de la création. De l''Enterrement' à 'L'origine du monde',son regard trangressif impose son témoignage dans une exigence jusqu'au-boutiste de tout voir pour pouvoir tout montrer. Renouant avec la lignée des peintres français qui,tel Gueuze,se sont insurgés contre l'Académie,et se sont plus nourris en Hollande qu'en Italie,Courbet,au même titre que Balzac et Flaubert,apparaît comme l'un des grands témoins de son tempsWhat are the sources and the principal forces of Courbet's art ? Starting from the discovery of an Epinal image whose composition is very close to that of the 'Burial at Ornans',this study examines the elaboration of the painter's works and proposes new hypotheses about this most famous canvases. .
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Schaub, Nicolas. „L'Armée d'Afrique et la représentation de l'Algérie sous la Monarchie de juillet“. Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1021.
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Quel corpus d’images ont constitué les artistes qui ont accompagné l’armée d’Afrique après la conquête d’Alger en 1830 et comment l’ont-ils réalisé ? Quelle a été la circulation de ces images ? Dans quelle mesure ont-elles joué un rôle majeur dans la constitution de l’orientalisme européen au XIXe siècle ? Telles sont les questions auxquelles nous avons voulu répondre dans cette thèse. Entre 1830 et 1850 la conquête militaire et politique de l’espace algérien s’accompagne de la diffusion de créations textuelles et visuelles (estampes, dessins, peintures, photographies et sculptures) qui modèlent ce territoire. En quelques décennies, un déploiement de représentations et de formes contradictoires, relativement autonomes, atteint le public européen. La circulation de ces motifs orientalistes profite de l’expansion des procédés industriels dans le domaine des productions visuelles. Ces images sont chargées d’affects qui investissent jusqu’ à aujourd’hui nos différents regards. Comprendre la genèse de ces images suppose d’interroger les rapports complexes entre producteurs de formes artistiques et autorités militaires et politiques qui imposent le nouveau cadre colonial en Algérie. La plupart des artistes à qui l’on doit les images les plus fortes dans la culture visuelle du XIXe siècle se sont en effet enrôlés aux côtés des militaires. Il a fallu retracer le parcours des créateurs qui ont rapporté d’Algérie leurs expériences les plus proches du terrain, élaborant des représentations qui appartiennent certes aux fantasmes « orientalistes », mais reposent aussi sur des perceptions de la réalitéMany artists followed the Army of Africa after the conquest of Algiers in 1830. What corpus of pictures did these artists constitute and how did they achieve it? How did these pictures get around? To what extent did they play a role in the formation of the European orientalism during the XIXe century? These are the questions we wanted to answer in this thesis. Between 1830 and 1850 the military and political conquest of the Algerian space comes with the diffusion of textual and visual creations (engravings, drawings, paintings, photographs and sculptures) that shaped the algerian territory. In a few decades, a spreading of contradictory and relatively autonomous representations reached the European public. The circulation of these orientalist features took advantage of the expansion of the industrial processes in the domain of image-making. The affects carried by these pictures influenced our gaze durably, and are still active today. Any understanding of the genesis of these pictures implies a review of the complex relationships between image-makers, and military or political authorities that imposed the new colonial setting in Algeria. Most artists to whom one owes the strongest pictures of the XIXe century visual culture were themselves enlisted among the soldiers. This work argues that it has become a necessity to trace back the path of these artists and image-makers that returned from Algeria with their experiences of the land, elaborating representations that belong without any doubt to the ‘orientalists’ fantasies, but also rest upon a particular perception of reality
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Inaga, Shigemi. „Theodore duret (1838-1927) du journaliste politique a l'historien d'art japonisant. Contribution a l'etude de critique artistique dans la deuxieme moitie du xixe et au debut du xxe siecles“. Paris 7, 1988. http://www.theses.fr/1988PA070114.
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I. Nous restituons la vie de journaliste politique de theodore duret (1838-1927) a la fin du second empire. Ii la fin de la vie politique et les debut de la critique artistique se chevauchent. Leur comparaison devoile que le style du futur historien de manet et de l'impressionnistes n'est qu'une transposition du style du "grand art" que duret critique. Iii. Ce paradoxe de l'esthetique "moderniste" se concretise dans son courbet (1918): duret nie systematiquement le cote politique de l'artiste. Iv. Manet se situe sur le seuil ou l'art se separe de la politique. Ce deplacement coincide avec un renversement de l'echelle des valeurs de l'esthetique classique. L'effet conjougue aboutit a l'autonomie de l'art dont duret trouve une justification dans le "japonisme", une ideologie esthetique. V. Avec l'accomplissement de ce renversement, un humble chroniqueur incarne une dimension exageree de l'historien exemplaire. Les japonais qui ont rendu visite a duret dans les annees vingt en temoignent. Une fantaisie personnelle: le japonisme sera d'ailleurs ratifiee apres-coup par ces japonais en intimite avec duret. Dans l'annexe nous presentons: a. Transcription annotee de la correspondance inedite de theodore duret b. Une restitution de la collection duret c. Une table chronologique du "japonisme" d. Une anthologie critique de la litterature "japonisante" e. Iconographie f. Pieces justificatives.
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Izbicki, Jean-Louis. „Représentation de la lumière électrique dans les peintures de la fin du XIXe siècle à 1937“. Thesis, Toulouse 3, 2020. http://www.theses.fr/2020TOU30002.
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Pour justifier son point de vue dans une controverse scientifique, Volta fabrique un dispositif, nommé postérieurement "pile de Volta", qui constitue le premier générateur permettant l'obtention d'un courant permanent. Après ses voyages en Europe pour montrer sa découverte, et sa publication dans une revue scientifique, les premières applications suivent immédiatement, notamment grâce à Davy. La "lumière électrique" apparaît et son développement ne s'arrêtera pas jusqu'à nos jours. Arc électrique, bougie Jablochkoff, ampoules électriques, tubes néon, telles sont les différentes technologies mises en œuvres dans les années 1840 - 1910. Le plus étonnant, sans doute, est le fait que pendant toutes ces années, il n'est pas possible de préciser exactement ce que recouvre la notion de courant électrique. En quoi la connaissance de l'électricité, et donc de la lumière électrique, est pertinente et enrichissante pour le regard, le plaisir, l'analyse des tableaux liés à la nouvelle lumière artificielle apparaissant au tout début du XIXe siècle ? Ce travail est fondé sur le présupposé suivant : le regard d'un scientifique peut apporter à la compréhension d'un tableau. La connaissance des faits scientifiques, de leurs observations ou leurs conceptualisations, leurs hésitations, leurs imprécisions accompagnant la naissance et le développement de la lumière électrique semble nécessaire à la grille d'analyse des œuvres. Dans quels lieux et à quelles époques se manifeste cette nouvelle lumière ? Comment est-elle reçue dans le milieu intellectuel ou dans la presse ? Quelles évolutions la lumière électrique entraîne-t-elle et comment sont-elles montrées ? Entre le mitan et la fin du XIXe siècle, quelles évolutions des technologies de la lumière électrique se produisent-elles ? Quels sont alors les sujets nouveaux traités par les peintres ? L'analyse, sous la lumière électrique, d'une partie de l'histoire de l'art a montré de nouvelles peintures montrant des lumières électriques vues de face de Sonia Terk Delaunay à Gontcharova et à Balla, des éclairements saturés de Sluijters à Rockwell ; des faisceaux structurant l'espace nocturne, de Nevinson à Vallotton ; l'action politique sous la lumière électrique de Devambez à Deïneka et à Steinlen ; des paysages nocturnes des villes de Hassam à Ury ; des approches expressives de la ville de Kirchner à Masereel ; des intérieurs sous la lumière électrique de Vuillard à Hopper. Des peintres que l'on n'associerait pas spontanément à la lumière électrique ont également apporté une contribution à la lumière électrique comme Gérôme, Monet, Manet, Picasso. Cet ensemble fort disparate dans le style, de peintres de toutes nationalités, traduit des appropriations variées de l'apparition, puis de la présence et du développement de la lumière électrique dans la sociétéTo justify his point of view in a scientific controversy, Volta made a device, later called "Volta pile" or "Volta battery", which was the first generator that made it possible to obtain a permanent current. After his travels in Europe to show his discovery, along with its publication in a scientific journal, the first applications followed immediately, thanks in particular to Davy. The "electric light" appeared and its development has continued ever since. The electric arc, the Jablochkoff candle, light bulbs, neon tubes. - these are the various technologies implemented in the 1840s - 1910. The most surprising, no doubt, is the fact that during all those years it was not possible to specify exactly what the notion of current covered. In what way can the knowledge of electricity, and therefore of electric light, be relevant and enriching for the eye, the pleasure, and the analysis of paintings related to the new artificial light that appeared at the very beginning of the 19th century? This work is based on the following assumption: a scientist's perspective can contribute to the understanding of a painting. The knowledge of the scientific facts, their observations or their conceptualizations, their hesitations, their inaccuracies accompanying the birth and the development of the electric light seem necessary to help establish a complete analysis of the works. In what places and at what times did this new light manifest itself? How was it received in the intellectual sphere or in the press? What evolutions did the electric light cause and how were they represented? From the mid- to late nineteenth century, what evolution in electric light technologies occurred? What, then, were the new subjects dealt with by painters? The analysis, under electric light, of one part of the history of art has revealed : frontal views of electric lights in paintings by Sonia Terk Delaunay, Goncharova and Balla; saturated illuminations in the works of Sluijters and Rockwell ; beams structuring the night space, from Nevinson to Vallotton; political action under Devambez's electric light in Deïneka and Steinlen's work; night landscapes of cities from Hassam to Ury; expressive approaches of the city from Kirchner to Masereel; interiors under electric lighting by Vuillard and Hopper. Even painters that we do not spontaneously associate with electricity and electric light such as Gérôme, Monet, Manet, and Picasso have also made a contribution to the artistic representations of electric light. This highly disparate collection of painters of all nationalities reflects the varied appropriations of the appearance, presence and development of electric light in society
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Scaccianoce, Luc. „Essai sur les thèmes iconographiques au XIXe siècle et leur évolution“. Paris 8, 1992. http://www.theses.fr/1992PA080724.
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Ce que l'on nomme la peinture du xixe ne saurait etre circonscrit par une date seculaire. Bien que tous les genres aient ete pratiques, la specificite du xixe s. Est d'avoir donne a la peinture d'histoire et de genre un prestige superieur a toutes les autres formes de representation. Cette derniere ne sera pas fondamentaliste mais formaliste tout en etant fonctionnaliste. La representation picturale est alors investie de sa fonction la plus vile : celle d'illustrer. La permanence d'une representation indispensable de l'autorite montre nettement qu'en france une nouvelle iconicite tend a s'imposer dans le champ symbolique en inaugurant une nouvelle ere iconographique. Desormais, tout ce qui porte la marque de l'ecrit est garant de verite; ainsi ce que l'oeil voit ou le regard lit est-il considere comme la reference absolue du reel. L'image en redevenant verbe semble biffer des siecles de representations picturales qui avaient justement tente de degager l'image du verbe divin. Cette obstination sociale a saisir la realite humaine poursuit un etrange but : celui de capter le reflet d'elle-meme. Cela devait mener inevitablement dans une impasse. En fait, privee d'une essence fondamentale, la peinture profane est condamnee a trouver sa fonction. Ces deux facteurs conjugues, que sont la secularisation de la peinture et son appropriation par les maitres, forment l'essence meme de la peinture du xixe s. Le recours a la norme evite la peur declenchee par l'incertitude de ce qui fait l'epreuve de realitePainting in the 19th century can't be limited to a period. Although every styles have been used, history and genre painting were more prestigious than the other kind. The form is more important than the substance and painting is functionalist. Its function which is to illustrate becomes vile. In france, the necessary representation of the authority has imposed a new iconographic era in the symbolic field. From now on, all that eyes can see or read is considered as the truth and the absolute reference to reality. Being as speech again, picture seems to have put an end to the previous centuries, which had tried to release the picture from the sacred word. This social persistence that wants to catch human reality has a peculiar goal which is to catch its own image. It has unavoidably come to a deadlock. Indeed, deprived of a fundamental spirit the profane painting has to find its function. These both factors, which are the secularization of the painting and its appropriation by the masters are the essence of the 19th painting. The appeal to the norm avoids the fear caused by the incertitude of the proof against reality
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Levaillant, Françoise. „L'oeuvre d'André Masson : essais sur l'art et les savoirs dans la première moitié du XXe siècle“. Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010565.
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Les etudes publiees et les travaux inedits sur l'oeuvre et la vie du peintre andre masson (ne a balagny, oise, 1896) que nous regroupons en 1986 representent l'etat des recherches et des interpretations engagees depuis 1972. Les recensions publiees, avec apparat critique et catalogue, sont l'anthologie des ecrits de l'artiste et le corpus de ses illustrations de livres. Une autre, en voie de publication, concerne sa correspondance. Le catalogue de l'oeuvre peint est en preparation. Le remaniement des faits et l'interpretation portent 1 sur la biographie,2 sur la notion d'automatisme, 3 sur la conception du mythe, 4 sur les liens de masson avec le surrealisme et plus generalement avec les ecrivains et la litterature. Nos sources sont en majorite inedites. L'etude des origines biographiques et des annees d'apprentissage de masson pose d'emblee la question des "savoirs" culturels au debut du siecle et des mutations sociales et symboliques qui affectent, des avant la guerre de 1914 dans son cas, ses reorientations artistiques (ou ideologiques). Le probleme de l'automatisme est resitue avec precision dans la perspective des origines cliniques du concept ; l'appropriation du terme par les surrealistes signifie une prise en compte (ambigue) de l'action de l'inconscient dans l'ecriture. Dans le cas des dessins de masson, sa definition bute sur son contraire : la construction, le style (importance des series, des ruptures). Differents types de savoirs se combinent et les "contextes" de reference sont permeables l'un a l'autre. Le mythe, d'abord repris par masson dans la tradition des "sujets" symbolistes, est ensuite retourne,. .Our publications and unpublished essays on the life and work of the painter andre masson (born balagny, oise, 1896) gathered up to 1986 represent the essential of our researches and interpretations from 1972 on. The corpus published, with critical notes and historical presentation, are 1 the anthology of the painter's writings and the almost complete catalogue of his illustrated books. His correspondence is to be published too. The catalogue raisonne of the paintings and drawings is still in preparation, being computerized. The interpretation and change of appreciation which we suggest deal with 1 the biographical data 2 the notion of "automatism" 3 the idea of "myth" 4 the links with surrealism and more generally with writers and literature. Our sources are mostly new and unpublished. 1 studying the origins of masson's family and his formative years, we try to figure the cultural trends and essential "breaks" which appear to have determined, before the first world war, his new choices in his artistic and social activities. 2 studying "automatism", we replace the term in his historical context, mainly psychopathology and spiritism vs psychoanalysis ; his use by the surrealists reveals a very ambiguous attitude toward the unconscious. In the case of masson's "automatic drawings", we recognize the paradoxal presence of construction and stylistic series. Different kinds of knowledge are linked without any frontier between the various patterns of references. 3 myth
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Bazile, Sandrine. „Le saltimbanque dans l'art et la littérature de 1850 à nos jours“. Bordeaux 3, 2000. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2000BOR30025.
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Entre la deuxième moitié du 19e s. Et la première moitié du 20e, la figure du saltimbanque est récurrente dans l'art. Son évolution coïncide avec la transformation de la figure de l'artiste et l'entrée dans la modernité. Le saltimbanque apparaît d'abord dans la littérature romantique ; simple représentation pittoresque et manichéenne, il devient chez Musset, Hugo, Sand, une figure allérorique de l'artiste. Alter ego idéalisé chez Banville, double distance du poète chez Baudelaire ou Mallarmé, sa présence s'assortit d'une réflexion sur le sens d'une parole poétique que le poète pressent menacée. Le poète n'est d'ailleurs qu'un pitre méprisé par le public qui se livre a un art dérisoire et vénal. Ce questionnement s'amplifie avec la fin du siècle : chez les symbolistes et les décadents la récurrence du thème de la pantomime et l'engouement pour les arts populaires résonnent comme la chronique d'une mort annoncée de la littérature et des mythes. Les décadents trouvent alors dans la figure du Pierrot et dans l'imaginaire de la foire un reflet déformé et parodique de leurs propres hantises. Or, c'est ce Pierrot moribond, par l'importance qu'il accorde conjointement aux arts populaires et à l'inconscient, qui va servir de tremplin à l'émergence d'un art nouveau. Chez Apollinaire comme chez Picasso, corps et spiritualité se retrouvent unis dans la même vision messianique du poète/ saltimbanque à qui incombe la tâche -légère- de révéler au peuple la modernité du monde. La reconstruction de nouveaux mythes se réalise alors, dans un syncrétisme de fantaisie. Dès lors, l'artiste, le plasticien (Léger, Calder. . . ), poète (Mc Orlan, Prévert. . . ), dramartuge ou comédien se fait saltimbanque en reprenant à son compte les outils et la fantaisie du cirque. Ainsi, cet art vivant qui se réclame du cirque a, comme lui, partie liée avec le danger et la mort ; la création s'assimile alors à la piste circulaire en devenant un lieu de tentatives, de péril et d'exposition
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Gongalves, Flavio. „Où se trouve le dessin? : une idée de dessin dans l'art contemporain“. Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010582.
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Cette étude analyse le rôle du dessin comme pratique constitutive de mes travaux artistiques. Le dessin s'avère le principe conceptuel qui les imprègne dès leur origine jusqu'à leur achèvement. Cela soulève la réflexion que mes travaux, malgré l'apparent éloignement de certains du champ du dessin, portent en eux les traces qui permettent la compréhension à la fois du dessin lui-même et du processus qui les a engendré. La question où se trouve le dessin ? Cherche alors à déterminer les lieux ou le pouvoir projectif du dessin demeurerait concentre dans l'œuvre, comme un spectre dévoilant les actions qui ont été déployées. Dans ce sens, l'action du dessin est vue ici comme l'établissement d'un champ mnémonique, ouvert à tous les genres d'additions techniques et de matériaux. L'analyse des aspects phénoménologiques et archaïques du dessin est issue de la pensée de Walter Benjamin, ainsi que les concepts d'origine, d'allégorie et d'image dialectique. L'œuvre et les textes de certains artistes comme entre autres René Magritte, Jasper Johns, Luciano Fabro, Carlos Pasquetti, sont analysés a titre de référence dans la caractérisation du champ du dessin et de son expression dans l'art contemporain. La thèse est que le dessin se trouve dans l'enfance des images et dans nombre. L'enfance représente le commencement du travail ou toutes les possibilités de transformation se donnent à voir. Quant à l'ombre, elle est le premier indice de la vocation projective du dessin mais aussi et en mémé temps le lieu où l'image semble cacher son secret. L'enfance et l'ombre demeurent ainsi inscrits dans l'œuvre comme instances évocatoires de la présence du dessin.
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Chabrol, Nicolas. „Répertoire des peintres de l'Auvergne et artistes auvergnats du dix-neuvième siècle“. Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040310.
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Ce répertoire donne la biographie des peintres, dessinateurs, sculpteurs et graveurs originaires de l'Auvergne (départements du Puy-de-Dôme, Cantal, Haute-Loire) qui ont été productifs entre 1800 et 1900. Pour la même période, sont aussi mentionnés les peintres non autochtones ayant exposé au salon des œuvres inspirées par les sites ou les habitants d'Auvergne. Ce répertoire est précédé d'une étude chronologique dans laquelle, après un inventaire des sources de renseignements, sont analysés les fluctuations du nombre des artistes et l'évolution dans le choix et le traitement des thèmes auvergnats. L'impact de cette production sur le public est étudié. Sont aussi pris en considération les principaux évènements ayant eu des répercussions sur la création locale, telles l'ouverture de musées et d'écoles d'art et la mise en place d'expositions régionales. Cette recherche permet donc de situer la place de l'Auvergne dans la vie culturelle et artistique de la France du dix-neuvième siècleThis repertory presents the biography of the painters, sketchers, sculptors and engravers from the Auvergne (i. E. The "departements" of Puy-de-Dôme, Cantal, Haute-Loire), whose works span the nineteenth century. Included in same period are painters from outside the Auvergne whose works, inspired by places and people in the Auvergne, were exhibited at the salon. This repertory is preceded by chronological study in which, after an inventory of sources of information, there is an analysis of the variations of the number of artists, the evolution in the choice and the treatment of auvergnat themes, and the impact of these works on the public. The main events, such as the opening of museums and art-schools, and the setting up of local works, have also been considered. Thus this thesis helps place the Auvergne in the cultural and artistic life of nineteenth-century
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Florea, Vladimir. „L'art littéraire de Guy de Maupassant dans ses Contes, ou la mimesis et sa. . . TVA“. Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040103.
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La première partie de la thèse dégage quelques grands traits de la pensée théorique de Maupassant écrivain: elle est le fruit d'un héritage littéraire (Flaubert et Tourgueniev), elle fait la part belle à la reproduction de la situation réelle de communication. Maupassant rejette le terme de réaliste et préfère celui d'illusionniste. La deuxième partie détaille quelques moyens de créer l'illusion: les déictiques et l'effacement du narrateur derrière les personnages qu'il fait parler (au style direct ou indirect libre, très rarement au style indirect); l'emploi de diverses formes de la répétition (phonétique, métrique, lexicale) crée un effet de séduction du lecteur. La troisième partie étudie le fonctionnement de l'interrogation dans les contes - elle montre le désemparèrent et la solitude des personnages, mais aussi du narrateur. Enfin, l'étude des noms des personnages montre d'une part le souci de créer l'illusion (des noms "normaux"), d'autre part des distorsions nombreuses qui permettent un autre niveau de lecture de certains contesThe first part of the thesis draws some main outlines of Maupassant’s theoretical thought as a writer: we know that it is the incoming of a literary inheritage (from Flaubert and Tourgueniev); his thought attaches a great importance to the replication of the real-life situation of speaking. Maupassant throws out the term of realistic, he prefers being called illusionist. The second part lists some means of making illusion: the shifters, the self-effacement of the narrator beyond the dramatis personnae who are promoted to talk (direct speeches, discours indirect libre, and a few reported speeches); by using some forms of repetition (phonetical, metrical or lexical), he obtains a seductive effect in the reader. The third part studies how questions work - the characters feel alone and distraught and the narrator shares their distress and ignorance. The thesis lastly shows that in addition to the use of "normal" proper names, there are much distortion that allows other mays of meaning Maupassant’s short stories
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Besson, Françoise. „Le paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle“. Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20012.
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Le but de cette these est d'etudier les differentes perceptions du paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle. La representation du paysage pyreneen est analysee dans un certain nombre de recits de voyages, de romans et de nouvelles, de poemes, ainsi que dans des tableaux et des gravures. Une premiere partie est consacree a l'influence des references culturelles et des souvenirs britanniques sur la perception du paysage par le voyageur. Une analyse de la decouverte fragmentaire du paysage naturel conduit ensuite a une etude de l'utilisation du monde vegetal et du monde animal dans la representation esthetique des pyrenees. La troisieme partie s'attache a demontrer l'importance de l'observation du monde humain dans la decouverte du paysage. Allant du regard esthetique et historique porte sur l'architecture au regard ethnologique porte sur l'homme, cette partie veut demontrer l'interet des voyageurs britanniques pour la vie locale et leur approfondissement du paysage dans le regard porte sur l'homme. Un dernier chapitre etudie dans cette partie le lien entre le paysage et la langue. Le role du paysage dans sa relation a l'ecriture est aussi analyse et fait l'objet d'une quatrieme partie dans laquelle sont etudies le roman "gothique" ainsi qu'un certain nombre d'autres oeuvres de fiction, d'oeuvres poetiques ou autobiographiques. Dans la derniere partie de cette these, est etudiee la revelation et spirituelle du paysage telle qu'elle est percue par les voyageurs britanniques. Le regard religieux et l'attitude du voyageur devant les montagnes sont analyses dans cette partie ainsi que la quete du montagnardThe aim of this thesis is the study of the pyrenean landscape as seen by british artists pyrenean landscape are analysed in travel books, novels, short stories, poems as well as paintings and engravings. The first part deals with the influence of cultural references on the travellers' perception of the pyrenean landscape. In the second part, the role of the gradual identification of the vegetable and animal worlds and their function in the aesthetic representation of the pyrenees are exposed. The third part is devoted to the discovery of the pyrenean landscape through the observation of the human world. From the aesthetic and historical observation of architecture to the ethnological perception of pyrenean life, those chapters illustrate the role of the human world in the perception of the landscape. And the link between the landscape and language is analysed at the end of this part. In the fourth part of this thesis, the role of the landscape in poetry and fiction, particularly in gothic novels, is analysed. One chapter explains how some of these writers have used the pyrenean landscape in the structure of their works. Finally the last part deals with the spiritual revelation of the pyrenean landscape for those travellers. The traveller's attitude in front of the mountain, the religious perception of the landscape as well as the mountain-climber's quest are analysed in that part
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Le, Penven Françoise. „Les notes de Marcel Duchamp ou l'art d'écrire“. Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010657.
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De 1912 à 1923, alors qu'il murissait le projet d'un nouveau tableau, Marcel Duchamp se mit à confier au jour le jour à des papiers de fortune, ses idées et conjectures. Ainsi sont nées les notes. Esquivant la concrétisation d'un tableau et son achèvement, Marcel Duchamp opta pour le chantier d'une œuvre en reproduisant à l'identique ses brouillons et en les rassemblant dans des boites. Nous avons souhaité suivre l'avènement de ce projet singulier qui prit racine dans un contexte familial, personnel, éthique et intellectuel qui lui fut propre. Un système de renvoi et de concentration transforme la réception de ces écrits en un appel intertextuel incloturable. Mais le constat d'une œuvre faite de mots ne saurait faire passer sous silence la phobie duchampienne du langage. La mise en abime d'une théorie d'un langage mis sous « conditions » atténue la portée d'un tel paradoxe. Libérés de leur fonction d'usage, les mots écrits et leur plasticité s'étant substitués à la palette attendent d'être estimés dans la spécificité de leur medium et de leur « signification d'image ». Enfin, l'ouverture des notes repose sur une circularité de forme et de principe qui confère au texte qu'elles constituent un genre indéterminé (livre, livre d'artiste, peinture écrite ?. . ) Et surtout un caractère d'infinitude.
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Decléty, Lorraine. „L'Alhambra : le rêve de l'Europe : étude comparée de l'orientalisme en France et en Allemagne au XIXe siècle“. Technische Universität (Dresde, Allemagne). Philosophische Fakultät, 2008. http://www.theses.fr/2008EPHE4016.
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Ce travail entreprend l'étude de l'architecture orientaliste, genre architectural européen qui plonge ses racines dans l'exotisme du XVIIIe siècle et s'en émancipe au cours du XIXe siècle. La comparaison de ses manifestations architecturales en France et en Allemagne, pays dont les histoires politiques, économique, sociale et plus encore coloniale diffèrent grandement, permet de saisir la sémantique polysémique de ce style. Cette recherche s'efforce de reconstituer, de façon chronologique, les conditions de l'élaboration, les modalités de l'épanouissement de ce style et la diversité des fonctions sociales et symboliques qui lui sont attribués par les contemporains. Pour cela, l'étude des discours discurifs et visuels produits tout au long du XIXe siècle sur l'architecture islamique, source de l'orientalisme, constitue le point de départ du travail. Elle révèle l'existence d'un imaginaire européen de ces architectures étrangères peu à peu dévoilées au public qui marque profondément la définition de l'orientalisme. L'orientalisme apparaît ainsi comme l'association de deux conceptions de l'Orient: un Orient rêvé, fantasmagorique, identique dans les deux pays et se nourrissant des formes de l'Alhambra; et un Orient présent, connu et convoité, étroitement lié à l'impérialisme européen et revêtant des formes distinctes en France et en Allemagne. Ce style s'apparente enfin à un instrument culturel élaboré par différents groupes sociaux (d'abord l'aristocratie puis, de façon croissante la bourgeoisie des deux pays) en réaction aux grandes mutations du siècleThis research aims to examine the orientalist architecture as a european architectural style, which style is rooted in the exotism of the 18th century and has flourished in the 19th century. The comparison of its architectural outputs in France and Germany - countries with very different political, economic, social and colonial histories - allows to capture the polysemic semantics of this style. This thesis endeavours to relate, in a chronological manner, the conditions of development and blooming of this style, as well as the range of its social and symbolic functions that contemporaries have attributed. The starting point of the research looks at the study of discursive and visual discussions about islamic architecture - the foreign architectures, slowly unveiled to the public, which strongly influences and inspires the definition of Orientalism. Therefore, orientalism represents the connection of two conceptions of Orient: a dream orient, fantasmagoric, identical in both countries and shaped by the features of the Alhambra; and a real orient, known and desired, linked to the european imperialism and displaying different characteristics in France and Germany. Finally, this style is a cultural means, elaborated by different social groups first aristocracy, then bourgeoisie in both countries) in response to the century's changes and mutations
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Ntsame, Mve Carole. „L'art du feuilleton dans les Habits Noirs de Paul Féval“. Thesis, Lille 3, 2012. http://www.theses.fr/2012LIL30057/document.
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Le présent travail concerne les huit romans du cycle Les habits noirs de Paul Féval : Les habits noirs, Cœur d’acier, La rue de Jérusalem, L’arme invisible, Maman Léo, L’avaleur de sabre, Les compagnons du trésor, La bande cadet. Si nous avons choisi d’étudier la série Les habits noirs de Paul Féval, c’est parce que nous sommes convaincue que ce cycle de romans sollicite la collaboration du lecteur. Nous n’avons pas la prétention d’affirmer que nous allons épuiser tout le potentiel interprétatif que recèlent ces romans mais nous pensons au contraire que beaucoup de choses restent à dire. Les quelques études menées dans ce travail ne sont qu’une contribution infime dans le vaste champ de la littérature et plus précisément dans la critique littéraire. Le XIXe siècle en France est incontestablement l’ère de l’essor de bien des innovations. Tous les paramètres de l’activité physique et intellectuelle vont connaître des bouleversements incommensurables. Des domaines technologiques, scientifiques en passant par ceux des humanités, aucun secteur ne peut se targuer de n’avoir pas subi quelques chamboulements l’ayant profondément modifié. Paul Féval est souvent considéré comme l’un des grands romanciers populaires du XIXe siècle : contes, nouvelles, livres d’histoire, romans autobiographiques, fantastiques, historiques, policiers, sociaux, pièces de théâtre ; journaliste, épistolier, conférencier. Notre travail sur Les habits noirs est consacré à tout ce qui se rapporte à la formation humaine et intellectuelle chez Paul Féval. Notre problématique est de savoir si Les habits noirs de Paul Féval renferme les caractéristiques principales qui déterminent le roman feuilleton au XIXe siècleOur Thesis is based on the eight novels from the Paul Féval’s cycle Les habits noirs (The black clothes): Les habits noirs, Cœur d’acier, La rue de Jérusalem, L’arme invisible, Maman Léo, L’avaleur de sabre, Les compagnons du trésor, La bande cadet. We decided to study the series Les habits noirs of Paul Féval because we are convinced that this cycle of novels requests the collaboration of the reader. We do not claim to exhaust all the interpretative potential which these novels conceal, but we think in contrast that many things remain to be said. The studies undertaken in our work are only one contribution in the field of literature, and more precisely in literary criticism. The 19th Century in France is obviously the era of the rise of many innovations. All the fields of technological and intellectual activity will know important changes. Technological and scientific fields, as well as Humanities, have known changes that deeply modified them. Paul Féval is often considered as one of the most popular novelists of the 19th Century: he wrote tales, short stories, books of history, autobiographical, fantastic, historical, social, epistolary, crime novels, plays; he was also journalist and lecturer. Our work is devoted to all that refers to the human and intellectual formation in Paul Féval’s Les habits noirs. Our issue is to know if Les habits noirs contains the main characteristics of the 19th Century serial novels
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Chassagnol, Anne. „La renaissance féerique dans les contes et les tableaux de fées en Grande-Bretagne de 1840 à 1870“. Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100064.
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Entre 1840 et 1870, la fée, longtemps bannie du territoire britannique, s'impose dans bien des domaines, notamment dans le conte et dans la peinture. La plupart des grands romanciers victoriens, comme Charles Dickens, William M. Thackeray, ou encore John Ruskin, publient des contes de fées. Le motif de la renaissance, voire de la naissance paraît commun à de nombreuses œuvres. Cette étude comparative a pour but d'expliquer les modalités de ce retour féerique, plus tardif que dans les autres pays, néanmoins si caractéristique de la culture britannique. Cette thèse vise à mettre en lumière toute l'originalité d'une telle renaissance qui semble marquée par un paradoxe : d'une part, la féerie victorienne évoque avec nostalgie un âge d'or perdu, rural et pré-industriel, et dans le même temps, elle se nourrit des multiples découvertes scientifiques de l'époque, comme la biochimie, la géologie, la médecine, la botanique ou encore l'entomologie. Loin d'être coupée du monde dans lequel elle émerge, la féerie s'en inspire et s'en rapproche plus que jamais, comme si elle était devenue le dernier domaine pouvant encore échapper aux équations scientifiques. Le conte est souvent intimement lié à la peinture; nombreux sont les peintres qui s'inspirent de l'œuvre de Shakespeare. Parallèlement, les contes présentent une véritable dimension picturale. La représentation de la fée oscille entre visibilité et invisibilité, lisibilité et illisibilité, lui permettant de s'adresser à plusieurs types de lecteurs ou de spectateurs, parfois aux frontières de l'érotismeBetween 1840 and 1870, the fairy, long banished from Britain, exerted itself in a number of fields, notably in tales and in paintings. The majority of the great Victorian novelists, such as Charles Dickens, William. M. Thackeray and John Ruskin published fairytales. The motif of the renaissance, that of revival or even birth, appears in numerous works featuring fairy themes. This comparative study aims to explain the modalities of the return of the fairy, which occurred much later than in other countries, but is nonetheless characteristic of British culture. This thesis seeks to bring to light the originality of a renaissance that seems paradoxical. On the one hand, the Victorian fairy nostalgically evoked a lost golden age, both rural and pre-industrial; on the other hand, it was nourished by numerous scientific discoveries of the period, such as in biology, geology, medicine, botany and entomology. Far from being cut-off from the world in which it emerged, the fairy is inspired and has never been closer to it, now providing a final bastion that refuses to yield to the power of scientific equations. Text and image are intimately linked in this field. Numerous artists were inspired by the work of Shakespeare and, similarly, fairy tales exhibit a pictorial dimension. The representation of the fairy oscillates between visibility and invisibility, the legibility and illegibility, enabling it to address several types of readers or viewers, often at the frontier of eroticism
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Deschênes, Émilie. „L'EMPLOI DE L'ORDRE IONIQUE DANS L'ARCHITECTURE RELIGIEUSE QUÉBÉCOISE AU XIXe SIÈCLE“. Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/27931/27931.pdf.
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Lin, Chi-Ming. „Description et jugement dans le discours de la critique d'art : de Diderot à Baudelaire“. Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0050.
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Description et jugement, consideres comme deux composantes essentielles du discours de la critique d'art, sont etudies dans leur fonctionnement au sein d'une visee commune - la realisation d'une critique. La naissance de la critique d'art moderne, au milieu du xviiie siecle, suscite une polemique portant sur << qui a le droit de juger l'art >>, et diderot approfondit la reflexion metacritique en mettant l'accent sur l'intersubjectivite et en opposant l'idee et la chose. Dans ce contexte, le discours critique se situe dans un champ social constitue de divers interlocuteurs et le lien entre la description et le jugement se developpe dans une epaisseur textuelle suscitee par la confrontation entre le mot et l'image. Avec l'avenement du romantisme, on assiste a un veritable changement paradigmatique de la critique d'art : quittant l'attitude appreciative du juge du gout, l'acte meme de la critique devient une comprehension intime de l'oeuvre. La reflexion metacritique de baudelaire, qui marque des le debut sa critique d'art, developpe la pensee romantique vers une critique passionnee, partiale et politique. Le jugement devient chez lui l'eveil de l'attention, et la description, au lieu de construire le jugement, devient la suspension meme de l'application des regles preetablies pour apprehender le nouveau et le divers. Trois aspects transversaux dans la structuration de la conscience critique sont egalement abordes tout au long de cette etude : la structure a trois termes - artiste, critique et public, celle de la crise/critique et finalement la tendance a la fictionalisation dudiscours critique.
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Sofio, Séverine. „"L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)“. Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.
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L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.
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Herrmann, Simone. „Harry comte de Kessler (1868-1937) et la France : études sur la réception de l'art français dans l'Allemagne de Guillaume II“. Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010552.
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Fils d'un banquier allemand et d'une mère issue de la noblesse irlandaise, Harry Kessler grandit à Paris, puis en Angleterre et en Allemagne. Il s'installe à Berlin où il fréquente l'avant-garde artistique et se passionne pour l'art moderne français tout en collaborant à la revue " Pan ". Un fabuleux héritage, légué par son père, lui permet de créer une collection d'art moderne d'une qualité exceptionnelle. Il vit entre Berlin, Londres et Paris où il fréquente les cercles néo-impressionnistes et symbolistes. De 1903 à 1906, Kessler, directeur du musée grand-ducal de Weimar, permet à ces groupes d'artistes non confirmés d'exposer leurs oeuvres. Lui même présente dans son domicile la plus grande partie de sa collection privée. Il favorise ainsi, avant la première guerre mondiale, la rencontre de l'avant-garde de la culture allemande et de la culture française ainsi que celle entre artistes, collectionneurs, marchands de tableaux, hommes de musée et hommes d'affaires. Kessler devient ainsi le meilleur imprésario de l'art français, en contradiction avec la politique officielle de Guillaume II. Lié d'amitié à un grand nombre d'artistes, ses visites lui permettent de suivre la production de ses protégés, parmi eux, en premier lieu, Auguste Rodin et Aristide Maillol. Certains passages de son journal et sa correspondance échangée avec des artistes français, éditée pour la première fois dans le cadre du présent travail, montrent l'importance du rôle d'intermédiaire culturel que joua Kessler entre 1895 et 1914 dans l'histoire de l'art franco-allemand et illustrent un chapitre intime de la complicité entre mécène et artiste.
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Paschou, Io. „Vers une archéologie des images : la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXème siècle“. Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010639.
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Les voyageurs qui se pressent en Grèce dès le XIXème siècle et encore de nos jours recherchent d'abord les traces de la Grèce ancienne. La photographie semble être «l'outil» le plus adapté pour sauvegarder la mémoire des lieux historiques et des monuments. L'analyse de cette recherche, Vers une archéologie des images: la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXeme siècle s'intéresse ici à la fois historique et anthropologique de la photographie. A travers la photographie, l'homme présente la conception qu'il se fait du monde et qu'il en veut donner à ses contemporains. L'idée essentielle de cette recherche est donc d'essayer de s'interroger sur la représentation humaine dans les ruines historiques de Grèce, de mettre en valeur les éléments les plus significatifs, de comprendre les intentions du photographe (et du modèle), de s'interroger sur les conditions de la prise de vue. Mais c'est aussi de chercher les liens entre l'histoire de la photographie et les monuments antiques: la photographie est un instant arrêté dans l'éternité alors que les ruines sont, en quelque sorte, une version de l'éternité fixée à jamais. Ce temps figé de la ruine nous semble justement l'un des principaux paradigmes de la photographie. Une photographie ancienne porte la marque du temps et les ruines, et porte aussi en elle le passé du monument. Avec l'aide des archives des institutions, grecques ou françaises, mais aussi avec l'aide des collections privées et de photographies inédites, l'envie naît de constituer (ou pourquoi pas de re-constituer) un portrait du monde grec, un portrait historique, archéologique en s'interrogeant sur la place de ruines dans la vie des hommes (voyageurs ou habitants)
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Shirota, Sère Yoshino. „Royal Academy of Arts de Londres, sa position, son rôle dans l'histoire de l'art, depuis sa création jusqu'à nos jours“. Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2002PA040263.
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Ce travail décrit le Royal Academy de son régime, à ses locaux divers et variés, son école, ses expositions annuelles, ses problèmes et réussites. Fondée en 1768, la Royal Academy fut créée par la volonté de quelques artistes conscients du manque de patronage et de lieu de formation. Ayant le roi George III comme patron et protecteur, sans toutefois être le propriétaire, l'institution était privée et gérée uniquement par les artistes. Joshua Reynolds fut le premier président. L'exposition annuelle d'œuvres d'artistes vivants, l'équivalent du Salon était un événement important dans le monde artistique du pays représentant pour beaucoup d'artistes la chance de réussite. L'école de la Royale Academy, installée à Burlington House depuis 1868, continue d'être indépendante, prestigieuse, et très activeThe work describes the royal Academy of Arts , its origin, its various homes, the school it founded in 1768, the Annual Exhibitions, its problems and achievements. Founded in 1768, the Royal Academy of Arts in London was created by some artists, determined and conscious of patronage and of the training place within the country. The king George III was patron and protector, though not proprietor, and Sir Joshua Reynolds was the first president. It has been located in Burlington House since 1868. The Annual Exhibition by works of living artists, the equivalent of Paris Salon was an important event for the artistic world of the nation. It meant, for many artists, the hope for the fame. The schools of the Academy trained many leading artists such as Turner, Lawrence, Constable and Wilkie. Today, the Royal Academy remains independent, prestigious, and a popular venue for prominent exhibitions
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Lerichomme, Lise. „Intérieur domestique et mise en scène : la réappropriation du XIXe siècle par la création contemporaine“. Thesis, Rennes 2, 2014. http://www.theses.fr/2014REN20054/document.
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Cette thèse s’attache à mettre à jour les mécanismes de représentation et de réappropriation de l’intérieur domestiqueau sein des installations depuis les années 1950.Il s’agit de s’interroger quant aux raisons et significations de la présence de motifs hérités du XIXe siècle (nivellement social, distinction entre espace domestique et public, mise-en-scène de soi, accumulation de biens, valorisation de l’ornementation... ), au sein de pratiques contemporaines. Plus loin, on cherche à établir une typologie de personae archétypales au sein des oeuvres contemporaines. Témoin de l’émergence de l’intérieur autant que de la normalisation des conventions sociales, le XIXe siècle est également le creuset des avants-gardes artistiques autant que des révolutions – politiques, industrielles, sociales. Pourtant, c’est vers la figure conservatrice du bourgeois et d’un espace très réglementé que se tournent les artistes lorsqu’ils choisissent de se réapproprier l’intérieur domestique. Dès lors, existe-t-il des changements structurels ou des modulations dans la représentation des intérieurs depuis le XIXe siècle ? Le cas échéant, les formes adoptées par ces oeuvres sont elles issues des mêmes sources que lors de la naissance du genre ?À travers un ensemble d’exemples empruntés au champ de la création contemporaine, mais également à ceux des pratiques curatoriales et muséographiques, de la sociologie, de la littérature ou de la micro-histoire, il s’agit de dresser des pistes de réflexion quant aux enjeux soulignés par ces réalisations, afin d’en présenter les variations et ce qu’elles induisent, hors d’un compte rendu exhaustif. La pratique plastique est partie liée du sujet de recherche, l’anecdote y est érigée en guide en ce qu’elle offre une liberté d’accès sans précédent aux faits historiques, transformations sociales, mécanismes de domination ou productions culturelles. C’est à son émergence au sein de l’intérieur par le décoratif que cet objet est afférent au sujet de rechercheThis dissertation intends to unveil the mecanisms of representation and influence on the domestic interior in installations from the 1950s onwards.It is about questioning reasons and meanings of the presence of 19th century patterns ( social levelling, distinction between domestic and public space, hoarding, promotion of the ornementation...) in contemporary practices. Furtheron, the dissertation tries to establish a typology of archetypal personae in contemporary works.19th century is not only the testimony of the rise of the interior and the standardization of social conventions but also aspring of artistic avant-gardes as well as political, industrial and social revolutions. However, when artists deal withdomestic interior they would rather refer to the conservative figure of the bourgeois and a regulated space. Consequently,has there been structural changes or modulations in the representation of interiors since the 19th century ? If so, do the forms used by these works have the same foundation as when the genre was created ?Through examples drawn from contemporary creation but also from curatorial and museographic practices, sociology, litterature or microhistory, we intend to find approaches in link with the issues raised by these works in order to present their variations and what they imply. A complete report is not intended in this dissertation.The visual art practice is directly related to the research topic. Anecdote is used as a lead because it offers an unprecedented access to historical facts, social changes, mechanisms of domination or cultural productions. It is thanks to its appearence in the interior through the decorative that this object is linked to the research topic
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Dupas, Pierrard Solenn. „L'art du déconcertement dans l’œuvre poétique du second Verlaine (1880-1896)“. Rennes 2, 2009. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=sdsMS01.
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Généralement considérée comme le fruit d’un déclin voire d’un renoncement créatif, l’œuvre poétique du second Verlaine tend à être mise entre parenthèses par les éditeurs et les commentateurs. Cet ensemble hétérogène témoigne pourtant d’une réflexion continue sur les enjeux de l’expression et de la réception littéraires. À partir de la publication de Sagesse en 1880, le poète exacerbe la culture du déconcertement qu’il a mise en place dans ses premières compositions. Non content de déployer une écriture du contre-temps à rebours des normes et des conventions de la doxa, il cultive un art de la contradiction qui exploite à la fois les ressorts explicites et implicites des textes. Cette recherche propose de montrer comment Verlaine élabore une parole instable, palinodique et polyphonique, afin de surprendre les lecteurs en quête d’une image unifiée du sujet poétique, tout en les confrontant de façon malicieuse à leur liberté et à leur responsabilité interprétativesGenerally considered to be the result of poetic decline, or even creative renunciation, the later poetry of Verlaine tends to be forgotten by publishers and critics. This corpus, albeit heterogeneous, offers a constant reflection on literary expression and reception. From the publication of Sagesse in 1880, the poet emphasizes the art of disconcerting the reader created in his earlier poems. He writes outside of his time, against the standards and conventions of public opinion, but also uses explicit and implicit self-contradictions. This thesis proposes to show how Verlaine elaborated unstable, contradictory and polyphonic poetry, to surprise readers and confront them with their freedom and their responsibility with regard to the interpretation of texts
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Le, Men Ségolène. „L'Illustration en France au dix-neuvième siècle : la cathédrale illustrée“. Paris 7, 1994. http://www.theses.fr/1994PA070158.
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Ces travaux sur l'illustration (2 livres et 65 articles ou catalogues) considèrent deux ensembles éditoriaux : le livre illustre romantique, restreint à une période et à un style : le livre illustré pour enfants, objet diachronique mais circonscrit à un public spécifique. Les corpus abordés ont été l'abécédaire, la caricature et le livre romantique, puis l'histoire du livre pour enfants, l'histoire de l'affiche et sa reconnaissance comme expression artistique et la critique de la gravure. L'illustration est présentée comme un langage neuf, fondé sur la vignette qui erre de support en support et sur de grandes catégories d'illustrations, le "type", le "site" et la "scène". Ce système romantique de l'image, détermine par la caricature et le dessin de presse autant que par le livre illustré, s'est perpétué dans l'art publicitaire de la fin du siècle, tandis que les formules de l'illustration devenaient celles d'un "art moyen". Pourtant cet art moyen n'est pas sans rapport avec l'invention de la peinture moderne. Lorsque les illustres romantiques commencent à être collectionnés, Manet et Seurat abordent la peinture de la vie moderne par la silhouette de "types" analogues à ceux des français peints par eux-mêmes. L'illustration romantique n'a-t-elle pas été, dans l'histoire de l'art, un lieu d'expérimentation pour les formules nouvelles de l'œuvre d'art qu’accomplissent la peinture impressionniste et néo-impressionniste ? Lui attribuer ce rôle d'avantcourrier revient à s'interroger sur l'alternative entre l'art abstrait et le sujet pictural et à réévaluer la catégorie romantique du pittoresque : tel est le propos de la synthèse inédite, la cathédrale illustrée, qui traite de la symbolique et de la représentation du site de la cathédrale, depuis Hugo jusqu'à Monet. L'ensemble de ma recherche procède de l'histoire de l'art, mais elle se rattache aussi à l'histoire culturelle, et s'intéresse à la sociologie des acteurs du livre, ainsi qu'aux métiers de l'illustrationThis research about nineteenth century French illustration (2 books and 65 articles or catalogues) deals mainly with the synchronical system of French romantic illustration and with the diachronical genre of children's book illustration : the case-studies consider abcs, caricature, romantic books and sets of prints, children's picture books, posters and art criticism about prints. . . The art of illustration is presented as a new visual language, based upon the circulation of vignettes and upon conventional categories of images : types, sites and scenes. This romantic visual imagery, which appeared in book illustrations and journal caricatures or cartoons, survived at the end of the century within the art of the poster and other massmedia pictures, packaged in standardized visual formulas. However this turn of the century evolution of commercial imagery appears similarly within high art and thus is linked to the advent of modern art. At the time when romantic illustrated books started to become a market collected by connoisseurs, Manet and Seurat painted social types, sketched as they had appeared in les français peints par eux-mêmes. Thus romantic illustration played the role of an experimental language for nineteenth century artists. This thesis leads us to reconsider the distinction between high and low art in the advent of modernism : the unpublished essay, la cathedrale illustree, addresses the link between abstraction and picturesque romanticism and studies the symbolic site of the cathedral, from Hugo's Notre-Dame de Paris to Monet's series of Rouen cathedrals. My art historical research runs between the history of art and literature and the history of the book, and thus belongs to cultural studies : focusing over the circulation and transmission of images, it covers also the sociology of artistic professions, and the new business of illustrations and posters
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Deshayes, Olivier. „Destins et dramaturgies du corps déchu dans la peinture au XIXe siècle“. Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030147.
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Non contente de décliner le corps déchu en diverses dramaturgies, l'expérience tragique de l'humain se manifeste, chez des artistes tels que Géricault, par un morcellement systématique des formes. Une telle problématique au XIXe siècle fait advenir la question du fragment dans l'économie d'une remarquable subversion. Le fragment est la manifestation d'un ordre corrompu, la trace d'une distorsion dans la dialectique du tout et de la partie. Les fragments et les têtes de suppliciés revendiquent le désordre de l'image du corps, la dislocation à valoir en soi et pour soi. Faire entrer des fragments dans la cohérence d'un univers imaginaire selon un ordre qui défie celui de la vie elle-même, met clairement en lumière une esthétique novatrice. Avant d'analyser ce drame collectif que fut le Radeau de la Méduse, nous avons mis en parallèle la technique du clair-obscur chez Géricault et celle utilisée par quelques-uns de ses contemporains : Prud'hon, Girodet et Guérin. L'expérience a sans aucun doute donné aux artistes en question l'opportunité de réaliser d'admirables morceaux de peinture. Mais elle fut toujours traitée à travers le prisme déformant d'un idéal du corps qui donne finalement un portrait affadi du statut dramatique du sujet. Le Radeau relève également d'une esthétique du fragment. Dans ce chef-d’œuvre, il nous est apparu qu'à l'origine se trouvent des forces qui agissent très fortement dans le sens d'une faillite. Je veux signifier qu'à l'épreuve du réel, l'artiste est mis en difficulté. Le morcellement semble avoir été la solution à ce problème qui signe son œuvre d'un bout à l'autre. Fragmentation et espace iconique chez Ingres et Delacroix semblent avoir partie liée au même titre que ceux de Géricault et paraissent rencontrer des difficultés identiques. La "fin de siècle" n'a pas éclipsé la violence des propos picturaux mais elle l'a prise en charge par le biais de la représentation d'une forme théâtrale poussée a l'extrême : le mélodrame.It not only explored the fallen body through various dramatic arts but the tragical experience also expressed itself in the works of artists like Géricault with the systematic splitting up - of shapes and figures. Such a problematic rises the problem of the fragment in the general organization of a remarkable subversion. The fragment is the expression of a corrupted order as well as the feature of a distortion in the dialectics of the whole and the bits and pieces. The fragments and the tetes de supplicies claim the disorder of the body image, a dismemberment with its own value. Having fragments being a part of the coherence of an imaginary world according to an order defying the one of life itself reveals an innovative aesthetic. Before analyzing the Radeau de la Méduse, I set a parallel between Géricault's chiaroscuro technique and the one used by some of his contemporaries like Prud'hon, Girodet and Guérin. The experience gave artists the opportunity to create master works but it was always dealt with through the distorting mirror of an ideal body which renders a somewhat dull portrait of the dramatic status of the subject. The vision is like lined up with a veil that hides all its depth and its extent. It's not enough to present characters whose fate is sealed to see the tragic consequences of the human appear. Le Radeau de la Méduse belongs to the aesthetic of the fragment whose amazing modernity i already tried to highlight. It became apparent that there are forces at work tending toward a feeling of failure. The parcelling Géricault uses sems to have been the solution to that problem. Delacroix and Ingres's fragmentation the body and iconic space seem to be related like Géricault's and appears to come across the same difficulties. This leads us now to show that we do not deal with fates but with real dramatic arts of degeneration. The end of the century overshadowed violence with similar destructive forces but acknowledge through theatre - melodrama