Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Femmes artistes de guerre“
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Zeitschriftenartikel zum Thema "Femmes artistes de guerre"
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Bobrowska, Ewa. „L’indépendance politique et créatrice les artistes Polonaises à Paris s’affirment“. Acta Universitatis Lodziensis. Folia Sociologica, Nr. 80 (30.03.2022): 95–104. http://dx.doi.org/10.18778/0208-600x.80.07.
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Le recouvrement de l’indépendance de la Pologne en 1918 a fondamentalement changé la situation de la colonie artistique polonaise à Paris, y compris celle des femmes artistes. Un certain nombre de motifs d’émigration artistique ont perdu leur raison d’être, comme l’affirmation de l’identité nationale polonaise, la nécessité d’une libre expression des sentiments patriotiques ou la propagande pour la restauration d’un État indépendant. Le problème de l’enseignement artistique supérieur pour les femmes, qui était pressant pendant la période des Partitions, a également trouvé progressivement une solution dans l’État renaissant. Le nombre de femmes artistes polonaises à Paris a visiblement diminué dans l’immédiat après-guerre. Celles qui y sont restées, comme Olga Boznańska, Mela Muter, Alicja Halicka ou Stefania Łazarska, se sont concentrées sur le développement de leur carrière d’artistes professionnelles. Notre article propose une analyse de la professionnalisation des femmes artistes polonaises, soit dans le domaine de la peinture de portraits traditionnellement reconnue comme spécialité féminine, soit dans les arts décoratifs. La situation dramatique des artistes pendant la guerre, causée, entre autres, par l’effondrement du marché de l’art, a entraîné un développement rapide de ce domaine, dans lequel les femmes ont atteint la maîtrise, comme en témoigne l’Exposition des arts décoratifs de Paris de 1925.
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Hayashi-Hibino, Yôko. „Ces femmes que rien n'arrête - Femmes-artistes japonaises avant et après la deuxième guerre mondiale : des années 1930 aux années 1950“. Ebisu 27, Nr. 1 (2001): 171–76. http://dx.doi.org/10.3406/ebisu.2001.1137.
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Reyns-Chikuma, C(h)ris, und Catel Muller. „Entretien avec Catel Muller“. ALTERNATIVE FRANCOPHONE 1, Nr. 7 (13.09.2014): 71–85. http://dx.doi.org/10.29173/af23057.
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Catel Muller est l’auteure d’une quinzaine de bandes dessinées. La majorité d’entre elles traite de femmes extraordinaires. Ces bandes dessinées sont faites soit en collaboration avec José-Louis Bocquet, son compagnon, pour des best-sellers comme : Olympes de Gouges [Casterman, 2012], « héroïne » de la Révolution française, femme de théâtre et auteure des « droits de la femme » ; Kiki de Montparnasse [Casterman, 2007], modèle des grands artistes du début du siècle comme Man Ray, Modigliani, Foujita, … ; soit seule comme Ainsi soit Benoite Groult qui met en scène l’une des féministes les plus importantes du XXe siècle [Grasset, 2014]. Elle est aussi la coauteure avec Véronique Grisseaux de Lucie s’en soucie [1999], équivalent féminin de Monsieur Jean, c’est-à-dire de « monsieur tout le monde », de Dupuy et Berberian. Elle a aussi collaboré sur des projets de fiction avec des artistes de BD comme Christian De Metter pour Le Sang des Valentines [2014] qui raconte la guerre de 1914-1918 à travers une histoire d’amour à rebondissements qui passe par les « Valentines », ces lettres envoyées aux soldats dans les tranchées. Avec Philippe Paringaux, elle a signé Dolor en 2010, sorte de roman noir entre réalité et fiction sur la vie de Mireille Balin (actrice et femme fatale célèbre des années 40) L’entretien a été conduit le mardi 15 juillet 2014 à 10h du matin au domicile de l’auteure dans le 19e arrondissement à Paris.
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Mayr, Brigitte, und Michael Omasta. „En transit — passage par l’exil cinématographique à Paris“. Austriaca 64, Nr. 1 (2007): 39–51. http://dx.doi.org/10.3406/austr.2007.4530.
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En raison des dramatiques évolutions historiques de 1933, ce sont près de deux mille artistes, hommes et femmes, (Juifs, pour la plupart) à qui il fut interdit de continuer à tourner des films en Allemagne. Ces mesures méprisantes liées à la nécessité de fournir une preuve de son «statut d’aryen» obligèrent à émigrer les personnes subitement mises à l’index qui, peu de temps après la prise du pouvoir par Hitler choisirent pour refuge les pays avoisinants qui passaient encore pour sûrs, avant de devoir quitter définitivement l’Europe, dans un deuxième temps au début de la guerre, et de prendre le chemin de l’exil outre-Atlantique. C’est ainsi que pour une courte période Vienne, Prague, Budapest, Paris, Londres et Amsterdam devinrent des lieux de production du cinéma de l’exil et qu’elles permirent une continuation de la vie culturelle qui s’était développée dans l’Allemagne pré-hitlérienne, au tournant de siècle, pendant l’expressionnisme et la république de Weimar. Cette contribution veut proposer une vue en coupe du cinéma de l’exil à Paris, qui n’a été jusqu’à présent qu’assez peu mis en lumière et peut donc être lue comme une modeste contribution à l’analyse d’une portion de la culture non fasciste de 1’«autre» Europe.
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Tsagkari, Nikoleta. „Isabelle Waldberg, sculpteur (1911-1990) : une trajectoire émancipée“. Source(s) – Arts, Civilisation et Histoire de l’Europe, Nr. 8-9 (19.10.2022): 119–40. http://dx.doi.org/10.57086/sources.304.
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Isabelle Waldberg, sculpteur : une trajectoire émancipée – Isabelle Waldberg (1911-1990), sculpteur franco-suisse inscrite dans le courant de l’abstraction, appartient à une lignée d’artistes femmes dont le travail est encore peu étudié et reconnu par les historiens de l’art du XXe siècle. Sa production sculpturale présente un large éventail de thèmes traités, de techniques appliquées et de matières employées. Aussi bien artiste qu’intellectuelle, Isabelle Waldberg a réalisé des recherches approfondies en sciences humaines, qui ont alimenté systématiquement son travail plastique et lui ont réservé une place importante dans le paysage artistique et intellectuel de son époque : du Collège de Sociologie de Georges Bataille au cercle des surréalistes exilés à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a côtoyé des grandes personnalités de son temps et a développé dans sa sculpture, un univers esthétique singulier, jonglant entre figuration et abstraction. L’objectif de cet article est de démontrer, à travers des moments marquants de son parcours et des principes fondamentaux de son travail, comment une artiste femme de cette génération qui resta souvent à l’ombre de ses collègues masculins, a su s’émanciper sur un plan créatif mais aussi intellectuel et s’est forgé une identité artistique et une vision de la sculpture qui lui sont propres.
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Dufief, Pierre. „Femmes artistes, femmes d’artistes“. Le Petit Chose. Bulletin de l'association des Amis d'Alphonse Daudet 101, Nr. 1 (2012): 89–102. http://dx.doi.org/10.3406/lepec.2012.1258.
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Spettel, Elisabeth. „Les artistes femmes“. Articles 27, Nr. 1 (04.06.2014): 161–81. http://dx.doi.org/10.7202/1025463ar.
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Le xxe siècle, qualifié par Felix Hobsbawm d’« âge des extrêmes », a été particulièrement marqué par le désir de repousser les limites, qu’elles soient politiques, morales ou esthétiques. Ces dernières sont transgressées par les avant-gardes artistiques qui cherchent à subvertir les codes classiques. Parmi elles, les artistes femmes remettent en question plus particulièrement le genre avec une certaine radicalité grâce à l’invention de procédés spécifiques. Cet article porte sur la pratique du photomontage par Hannah Höch (artiste dadaïste berlinoise) et Wangechi Mutu (artiste contemporaine kenyane) dans des contextes différents. Les deux créatrices font du collage une véritable technique féministe ayant pour objet de déconstruire les catégories et tendant à une forme d’universalité. Dans leur production, l’extrême qualifie la relation entre l’artiste, l’oeuvre et le spectateur ou la spectatrice et il inclut paradoxalement une limite, celle du regard.
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Pena López, Claudia. „Introduction : Femmes artistes“. HYBRIDA, Nr. 8 (26.06.2024): 11. http://dx.doi.org/10.7203/hybrida.8.29062.
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La place des femmes dans l’Histoire ayant traditionnellement été reléguée à l’oubli, nous souhaitons que ce projet puisse mener à la visibilisation des voix féminines dans l’art francophone, afin de faire connaître le remarquable travail de nos artistes femmes, longtemps réduites à un rôle d’objets contre lequel elles se sont toujours battues pour occuper leur rôle de sujets.
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Vermeersch, Laure. „artistes en guerre ?“ Vacarme 37, Nr. 4 (2006): 14. http://dx.doi.org/10.3917/vaca.037.0014.
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Laggoune-Aklouche, Nadira. „Femmes, artistes, en Algérie“. Africultures 85, Nr. 3 (2011): 20. http://dx.doi.org/10.3917/afcul.085.0020.
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Toro, cardona Angelica. „Femmes de guerre et guerre de femmes“. Thesis, Rennes 2, 2020. http://www.theses.fr/2020REN20026.
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Entre psychanalyse et féminité il existe depuis toujours une relation tourmentée : souvent blâmée par son phallocentrisme ; la psychanalyse de son côté, reprocherait aux femmes de ne pas dévoiler leur mystère. Cette thèse interroge la relation entre le dispositif freudien et la féminité, et ceci avec un but précis : mettre en avant le caractère actif, voire combatif de la femme dans la pensée freudienne ; mais aussi le fait que la psychanalyse ne s’est jamais montrée démissionnaire face au défi inouï que représente la rencontre avec l’âme féminine. L’agressivité étant au centre de son devenir en tant qu’être sexué, la femme freudienne entretien une relation étroite d’avec la pulsion de mort ainsi qu’avec le passage à l’acte. Cette proximité ainsi que l’étude de la question féminine chez Lacan, nous permettent d’asseoir notre hypothèse, selon laquelle le passage à l’acte peut constituer une expression de l’être de la femme. Il en découle une clinique du passage à l’acte au féminin, impliquant deux enjeux majeurs pour la psychanalyse : premièrement la féminité pensée comme un style qui vient s’inscrire au sein de la structure psychique, par des passages à l’acte plus au moins particuliers ; deuxièmement une étude de la logique interne de l’acte, impliquant une distinction entre la structure foncière de l’acte et la structure clinique du sujet. Ceci nous permet de concilier la question de la position psychosexuelle du sujet et celle de la structure psychique. Dans la troisième partie de notre thèse, nous illustrons ceci à travers des vignettes des femmes dans le cadre du conflit armé colombien. La figure de la femme guerrière se trouve ainsi élargie à la clinique féminine comme telleThe relationship between psychoanalysis and femininity has always been tormented : often blamed for its phallocentrism ; psychoanalysis, on the other hand, would blame women for not revealing their mystery. This thesis examines the relationship between the Freudian apparatus and femininity, and this with a specific goal, to highlight the active and even combative nature of women in Freudian thought ; but also the fact that psychoanalysis has never resigned from facing the incredible challenge represented by the meeting with the feminine soul. Aggressiveness being in the center of his becoming as a gendered being, the Freudian woman maintains a close relationship between death drive and acting out. This proximity as well as the women’s question in Lancanian theory helps us to establish our hypothesis in which acting out may constitute an expression of the woman’s being. What comes out of it is a clinical approach of the acting out in the feminine, involving two major issues for psychoanalysis : First femininity conceived as a style which is inscribed in the heart of the psychic structure, through more or less particular acting out ; secondly a study of the inner logic of the act, involving a distinction between the basic structure of the act and the clinical structure of the subject. That allows us to combine the question of the psychosexual position of the subject and the one of the psychic structures. In the third part of our thesis, we illustrate that point by clinical vignettes about women in the setting of Colombian armed conflict. The figure of warrior woman is thus expanded to feminine clinic as such
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Winell-Garvén, Iréne. „Vägen till parnassen : en sociologisk studie av kvinnligt konstnärskap i Sverige 1864-1939 /“. Göteborg : Göteborg university, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39983315d.
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Creusen, Alexia. „Femmes artistes en Belgique : XIXe et début XXe siècle /“. Paris : l'Harmattan, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41118507q.
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Maingon, Claire. „Les Salons du rappel à l'ordre, Paris 1914-1925 : des artistes français aux artistes indépendants“. Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100135.
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Cette étude porte sur les Salons des Beaux-Arts entre 1914 et 1925 et regroupe un corpus d’œuvres de plusieurs centaines d’artistes peintres et sculpteurs. Elle a pour ambition de démontrer la permanence de la culture de guerre et l’importance de la tradition nationale dans les arts. Elle s’appuie sur les archives inédites des Sociétés organisatrices, les livrets des Salons et documents retrouvés dans les familles d’artistes. La recherche révèle les carences de l’Etat et la prise d’influence des marchands et industriels dans le commerce de l’art. Son bilan iconographique montre que la démobilisation culturelle fut lente et héritée de l’idéologie combattante de 1870. Enfin, cette étude prouve l’éclosion d’une tradition indépendante, troisième voie de l’Ecole Française, qui élargit le prisme du rappel à l’ordre et annonce les Temps menaçantsThis study of Art history focuses on the “Salons des Beaux-Arts” from 1914 to 1925. It gathers a corpus of several hundred works by painters and sculptors. The purpose is to demonstrate the resilience of the Culture of Great World War and the importance of the artistic national tradition. It uses unreleased archives, exhibitions books and documents found by the inheritors of the artists. The study shows the State deficiencies and the influence of art dealers and industry people in the art market. The iconographic work shows that the cultural demobilisation was a slow and painful process coming from the 1870’s warrior ideology. It points out the birth of a tradition of independent art, what we call the Third way, which opens the prism of the call to order and announces the menacing times of the 1930’s
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Nahum-Adamsbaum, Edith. „L'art brut et les femmes“. Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010624.
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Le propos de cette thèse est d'examiner si, et dans quelle mesure, les oeuvres d'art brut realisées par des femmes se différencient de leurs homologues réalisées par des hommes. Auparavant, nous précisons la notion d'art brut, notamment en l'opposant à des formes d'art voisines avec lesquelles on a pu ici et là le confondre (art primitif, art naif, art enfantin, art populaire). Nous portons ensuite notre attention sur les formes d'expression qui font ou ne font pas apparaitre une différence de traitement des mêmes sujets par les femmes d'une part, les hommes d'autre part. L'art brut ne se prête guère aux approches classiques en matière d'histoire de l'art. C'est pourquoi nous avons privilégié pour la plupart des artistes l'approche iconographique par rapport à une approche formelle ou toute autre qui aurait pu être envisagée. Nous avons rassemblé dans une base de données les éléments essentiels concernant les artistes d'art brut. Cette base de données contient différentes natures de renseignements : artistes, sources d'information, thèmes et techniques traités dans les oeuvres. Sur 246 artistes d'art brut, hommes et femmes, nous comptons 87 femmes et 159 hommes soit environ 35% de femmes. Nous avons ainsi esquissé une sorte de statistique, de profil collectif des oeuvres féminines comparées aux oeuvres masculines. Le but recherche était de recenser les oeuvres d'artistes masculins dont les thèmes ou les techniques se rapprochent des thèmes et techniques des oeuvres feminines ou, au contraire, s'en distinguent nettement. Notre analyse comporte douze thèmes et techniques. Nous avons ainsi tenté de dégager des caractéristiques qui seraient propres à l'art brut féminin et de répondre à la question : hommes et femmes se comportent-ils pareillement devant le concept d'art brut et, si leurs approches sont différentes, comment ces différences se manifestent-elles ?
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Chevillot, Anaïs. „Genre et création : construction d'identités genrées chez les femmes artistes“. Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAH001/document.
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Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelleThis work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined
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Provansal, Mathilde. „Artistes mais femmes : formation, carrière et réputation dans l'art contemporain“. Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01E051.
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Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputationWomen artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation
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Gossmann, Marlène. „Artistes femmes à Paris dans les années vingt et trente du XXe siècle“. Dijon, 2006. http://www.theses.fr/2006DIJOL012.
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Lafforgue, Laetitia. „La condition des artistes féminines contemporaines autochtones au sein du paysage culturel québécois“. Mémoire, Université de Sherbrooke, 2018. http://hdl.handle.net/11143/11913.
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Ce mémoire s’articule principalement autour des sujets suivants : colonisation, décolonisation des savoirs et des pratiques, méthodologie autochtone, réappropriation culturelle, culture autochtone, art autochtone contemporain et pratique artistique, féminisme. Plus spécifiquement, la recherche porte sur la condition des artistes féminines autochtones contemporaines (AFAC) au sein du paysage culturel québécois. Étudier ce phénomène au Québec semble très intéressant car, a priori, les artistes autochtones y seraient marginalisés de plusieurs façons. En ce sens, la question suivante se pose : qu’en est-il de la condition des artistes féminines autochtones ?
À cet effet, les témoignages et expériences de dix artistes féminines autochtones ont été recueillis. Les entretiens étaient individuels et compréhensifs et d’une durée approximative d’une heure et demie, deux heures. De plus, quelques observations directes au sein des lieux de créations de ces artistes (ateliers, centres d’amitiés etc.) ont été effectuées. Les données ont été analysées selon une méthode qualitative. Les notions de décolonisation du savoir, de réappropriation culturelle et de méthodologie autochtone ont servi de base épistémologique, méthodologique mais aussi théorique pour cette étude. Cette analyse a mis en lumière le dilemme radical qui caractérise les AFAC dans leur statut et leur rôle, en tant que femme et artiste, à travers leurs trajectoires artistiques et leurs parcours de vie.
Les AFAC interrogées considèrent leurs œuvres comme un moyen permettant de faciliter la transmission de savoirs autochtones au sein du contexte intergénérationnel et familial, mais aussi avec la parenté, les enfants, les jeunes, de leurs communautés et des autres communautés. Elles ont indiqué que les arts sont essentiels quant à la réappropriation et la survie de la culture autochtone : ils permettent la « guérison », la reconstruction et la transmission d’une fierté et d’une dignité identitaire. Pour créer, les AFAC ont besoin d’un lieu de création « culturellement sécurisant » qui est également un espace d’échanges où des liens peuvent se créer entre artistes autochtones ou non. Ainsi, les AFAC interrogées ont levé le voile sur les enjeux de la production culturelle autochtone.
En somme, cette analyse dispose d’une meilleure compréhension du rôle et de la place qu’occupe cette dernière dans la période de reconstruction culturelle actuelle. Or, il a été impossible de dresser un portrait unique de la condition des AFAC au sein du paysage culturel québécois car il y a autant de conditions possibles qu’il existe de domaines artistiques ou encore de trajectoires et de parcours de vies.
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Marquié, Hélène. „Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson“. Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.
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Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.
Bücher zum Thema "Femmes artistes de guerre"
1
1920-2014, Bobak Molly Lamb, und Art Canada Institute, Hrsg. Molly Lamb Bobak: Life & work. Toronto, ON: Art Canada Institute, 2019.
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2
E, Lebovici, Hrsg. Femmes artistes/artistes femmes: Paris, de 1880 à nos jours. Paris: Hazan, 2007.
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3
author, Viéville Camille, Hrsg. Les femmes artistes sont dangereuses. Paris: Flammarion, 2018.
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4
Alkema, Hanna, und Mathilde de Croix. L'autre continent: Artistes, femmes, africaines. Paris]: MkF éditions, 2016.
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5
Godard, Jocelyne. Guerre et femmes. Paris: Sémaphore, 2011.
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6
Historial de la Vendée (Museum), Hrsg. 1914-1918, 1939-1945: Artistes en guerre. Gent: Snoeck Ducaju & Zoon, 2015.
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7
Bougdal, Lahsen. Femmes artistes marocaines contemporaines: Nouveaux entretiens. Paris: L'Harmattan, 2018.
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8
Jean-Marc, Michaud, Delouche Denise und Musée du Faouët, Hrsg. Femmes artistes en Bretagne: 1850-1950. Le Faouët: Liv'éditions, 2013.
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9
Alexandre, Dumas. La guerre des femmes. Paris: Phébus, 2007.
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10
Zaidman, Sylvie. Femmes photographes de guerre. Paris]: Musée de la Libération de Paris-Musée du général Leclerc-Musée Jean Moulin, 2022.
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Baloup, Daniel. „Femmes en guerre“. In L'homme armé, 93–122. Casa de Velázquez, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.cvz.32661.
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2
Garrigues, Véronique. „Les « femmes viriles »“. In Guerre et transgressions, 51–68. Presses universitaires de Grenoble, 2018. http://dx.doi.org/10.3917/pug.douzo.2018.01.0051.
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3
Handfield, Nicolas, Julie Le Gac und Chloé Poitras-Raymond. „Femmes en guerre de l’époque médiévale à nos jours. Introduction“. In Femmes en guerre, 9–18. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.134896.
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4
Pinet, Guillaume. „Où sont les femmes dans les mémoires militaires français du xvie siècle ?“ In Femmes en guerre, 41–70. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.134931.
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5
Goupil-Travert, Maria. „« Héroïne », « braves », « misérables » : 1790-1890 : un siècle de reconnaissance et de représentation des anciennes combattantes de la Révolution et de l’Empire“. In Femmes en guerre, 201–20. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.135011.
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6
Tsrimova, Lina. „Les chants des femmes chahidates : des récits alternatifs des guerres caucasiennes du xixe siècle“. In Femmes en guerre, 221–42. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.135021.
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7
„Bibliographie“. In Femmes en guerre, 247–50. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.135036.
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8
Handfield, Nicolas, Julie Le Gac und Chloé Poitras-Raymond. „Conclusion“. In Femmes en guerre, 243–46. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.135031.
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9
Lostec, Fabien. „S’engager radicalement dans la collaboration : des femmes en guerre en France sous l’Occupation (1940-1944)“. In Femmes en guerre, 139–60. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.134976.
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10
„Remerciements“. In Femmes en guerre, 257–58. Presses universitaires du Septentrion, 2022. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.135041.
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Cottegnies, Line. „« Importunate and Rapacious Vultures ». Harcèlement et guerre des sexes dans la pensée de Mary Astell“. In Webinaire AVISA (Historiciser le harcèlement sexuel). MSH Paris-Saclay Éditions, Université Paris-Saclay, 2023. http://dx.doi.org/10.52983/qfsr3144.
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En 1694, la philosophe anglaise Mary Astell (1666 – 1731), publie A Serious Proposal to the Ladies, un texte de combat sur l’éducation et la nécessaire émancipation des femmes, suivi, quelques années plus tard, d’un brûlot, Some Reflections Upon Marriage (1700). Ces textes dessinent une anatomie critique des relations entre les sexes dans la société. Astell consacre des pages éloquentes au harcèlement sexuel et psychologique dont sont victimes les filles, surtout celles issues de familles fortunées. Si toutes les femmes sont par nature vulnérables, les jeunes filles bien nées sont particulièrement exposées, selon elle, car elles sont les proies de coureurs de dots et de chasseurs d’héritages. La question du harcèlement des jeunes filles est centrale dans sa philosophie de l’émancipation féminine : il faut armer les femmes contre ceux qui veulent les exploiter et les dominer. Pourtant, Astell n’encourage pas les femmes à la rébellion : en tant que penseuse Tory, elle voit dans l’obéissance un fondement de l’ordre social. C’est par l’éveil à leur condition et par l’éducation qu’elle veut libérer les filles en leur permettant de décrypter les ressorts de l’aliénation pour les combattre de l’intérieur. C’est ainsi que dans Some Reflections elle décrit par le menu les diverses stratégies de harcèlement qui ont cours dans le monde. Une fois dessillées, elles sont alors en mesure de comprendre ce qu’est le mariage : ni plus ni moins que la soumission absolue à un maître, qu’elles ont le droit de ne pas trouver souhaitable.
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Siqueira, Marina. „O Femmes Artistes Modernes, o rappel à l’ordre e a obra de Suzanne Valadon“. In Encontro da História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2018. http://dx.doi.org/10.20396/eha.13.2018.4585.
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As décadas de 1920 e 1930 foram importantes na história de Suzanne Valadon. Os anos ’20 são o período de maior sucesso econômico em sua carreira, e na década de ’30 ela têm diversas exposições retrospectivas. É também nessa década que Suzanne Valadon é convidada a fazer parte do F.A.M., grupo de mulheres artistas modernas que será o tema deste artigo. Outro fenômeno que coincide com esse período é o retorno à ordem, expressão criada para denominar um momento artístico em que um determinado tipo de arte moderna, distante do academicismo, mas figurativa e mimética, passa a receber expressivo apoio da crítica de arte e aceitação do público. Esse contexto artístico está intimamente ligado à criação do grupo de mulheres artistas modernas aqui citado, pois, como veremos a seguir, o caráter moderno de tal grupo é muito próximo daquele compreendido pelo retorno à ordem. Além disso, as escolhas formais de Suzanne Valadon e o reconhecimento que ela conquista no meio artístico nas últimas décadas de sua vida também guardam alguma relação com o retorno à ordem. Queremos, portanto, analisar nessas próximas páginas qual a natureza da relação entre esse momento histórico, a produção de Suzanne Valadon e o F.A.M.