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Zeitschriftenartikel zum Thema „Escuelas de arte dramático“
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Urraza Intxausti, Jon. „La formación en arte dramático y su adaptación a la interpretación para la pantalla“. AusArt 8, Nr. 1 (30.06.2020): 91–102. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.21536.
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Dantzerti, la escuela Superior de Arte Dramático de Euskadi inició su camino en 2015. En las escuelas de arte dramático, la formación del actor, generalmente, se fundamenta en la interpretación para el teatro y los diferentes sistemas de interpretación se practican en base a una estética de la interpretación para el teatro. El actor o la actriz que desea actuar ante la cámara, necesita adaptar su técnica para adecuarla a la estética de la interpretación para la pantalla, y para hacerlo, es importante que conozca las principales diferencias entre actuar para el teatro y actuar para la pantalla.
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Vieites García, Manuel Francisco. „La investigación teatral en una perspectiva educativa: retos y posibilidades“. Educatio Siglo XXI 33, Nr. 2 (29.07.2015): 11. http://dx.doi.org/10.6018/j/232671.
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La legislación educativa vigente en España establece que las escuelas superiores<br />de arte dramático serán competentes en investigación científica en las áreas de<br />conocimiento que les son propias. La norma traslada a las administraciones educativas,<br />a los centros, y a las comunidades educativas, retos y responsabilidades especialmente relevantes considerando la historia pasada y reciente de estas enseñanzas, pues si bien la investigación teatral cuenta en España con una notable trayectoria, hay ámbitos que, aún resultando transcendentales, carecen de un desarrollo básico. Con este artículo mostramos posibilidades para la puesta en marcha y consolidación de aquellos ámbitos de investigación teatral más relevantes en una perspectiva educativa, en tanto pueden promover el desarrollo de las disciplinas que le son propias al campo, el fomento de una cultura científica en los propios centros o la actualización permanente de los docentes, sin olvidar la trascendencia que la formación en investigación pueda tener en la consolidación de competencias profesionales de los titulados en arte dramático. Finalmente resaltamos que el desarrollo de una cultura investigadora en las ESAD es la mejor garantía para su integración efectiva en el Espacio Europeo de la Educación Superior.
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Cardona Amaya, José Manuel. „El Teatro de la década de 1960 en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: La Asociación Civil de Teatro Universitario (1963-1968) tres grupos de la Sección de Arte Dramático (1968-1970)“. Revista UNAH Sociedad 2, Nr. V (27.12.2020): 70–83. http://dx.doi.org/10.5377/rus.v2iv.10670.
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La década de 1960 es fundamental para comprender el establecimiento de la disciplina teatral en el ámbito universitario de Honduras. A inicios de esta década se experimentaría administrativamente, la independencia institucional al Teatro Universitario fundado en (1959) y, a finales, se emprendería una iniciativa de impulso teatral bajo el amparo de la Sección de Arte Dramático, creada en (1968). Estos proyectos mezclaban el profesionalismo con el amateurismo. Así, actores experimentados con formación académica en teatro, como Francisco Salvador, actuaban junto a estudiantes sin experiencia previa sobre un escenario y, de la misma manera, estos conjuntos asistían tanto a festivales internacionales como escuelas públicas locales. En el presente artículo se analiza descriptivamente la trayectoria de cuatro grupos teatrales de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: la Asociación Civil de Teatro Universitario y tres de los cinco grupos constituyentes de la Sección de Arte Dramático, con el propósito de encontrar características comunes que expliquen su funcionamiento y devenir. Los datos de la investigación se recabaron en el Archivo General de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, utilizándose para su elaboración las memorias institucionales, los programas e invitaciones sobrevivientes de la época y las actas del Consejo Universitario.
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Vieites, Manuel F., María Dapía und Reyes Fernández. „La inserción laboral de los titulados y tituladas de arte dramático de la ESADg“. Revista de Estudios e Investigación en Psicología y Educación, Nr. 07 (14.11.2015): 013. http://dx.doi.org/10.17979/reipe.2015.0.07.191.
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En el curso escolar 2005-2006 iniciaba su andadura la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Galicia, centro público de educación superior dependiente de la Consejería de Cultura, Educación y Ordenación Universitaria, y en el curso escolar 2008-2009 salía la primera promoción de titulados/as superiores en las especialidades de interpretación y dirección escénica, cursando sus estudios al amparo de lo dispuesto en el RD754/1992, que establecía la equivalencia de los estudios superiores de arte dramático a una licenciatura universitaria. Desde entonces, y hasta el curso escolar 2012-2013, terminan sus estudios cinco promociones, lo que implica un total de 110 personas. Actualmente, puesto en marcha el nuevo plan de estudios regulado por el RD 1614/2009, parece oportuno analizar aspectos básicos de la formación y la transición de esas cinco promociones tanto por los datos que puedan aportar en relación a su incorporación a la práctica profesional y a los ámbitos más relevantes, como por la valoración que pueden hacer de su formación y de la utilidad que pueda haber tenido en esa transición a la vida activa. En este contexto nos hemos planteado como objetivos estudiar las características de su proceso de inserción (grado de inserción, condiciones laborales…), y conocer la valoración de la formación recibida en la ESAD así como las necesidades detectadas. Para ello hemos aplicado un cuestionario diseñado ad hoc a los miembros de las promociones de egresados y egresadas, habiendo obtenido un total de 45 respuestas. El perfil de la muestra está definida por ser mayoritariamente mujer (71,4%), con una media de edad de 29,16 (s=6,80) y un rango entre 22 y 59, habiendo realizado las siguientes especialidades: dirección escénica y dramaturgia (21,5%), interpretación (69%), y escenografía (9,5%). De los resultados obtenidos extraemos importantes conclusiones relativas a la formación recibida y al ejercicio profesional. En relación a la formación, se percibe una satisfacción medio-alta, siendo únicamente valorada de forma negativa por un 9,8%; así mismo, sólo un 23,8% considera que la formación recibida en la ESADg atendiendo al desempeño profesional fue insuficiente. No obstante, un 81,1% plantea como mejora en su formación la inclusión de más materias prácticas. En cuanto a la inserción profesional, un 78.57% estaban trabajando, ocupando el 60,6% de las mismas un empleo vinculado con la formación recibida. Las condiciones en las que estaban desarrollando su labor profesional son las siguientes: poseer el Grado en Arte Dramático fue exigido en el 50% de los casos; el 89,5% de los egresados/as encuestados/as afirman que las funciones que desempeñan son acordes a la categoría profesional y la media de ingresos mensuales que declaran es de 1.057,08€; sólo el 10,5% tiene contrato laboral estable y un 37,5% a tiempo completo, y la mayoría tiene un contrato temporal. Los ámbitos profesionales en los que desarrollan su actividad profesional son los de interpretación (54,76%), audiovisual (38,09%), formación (28,57%), o animación (26,19%), mientras que áreas como producción, dirección de escena, gestión, dramaturgia o diseño escénico presentan un porcentaje menor.
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Muñoz Bellerin, Manuel. „El cuerpo en la producción de conocimiento.“ RELIES: Revista del Laboratorio Iberoamericano para el Estudio Sociohistórico de las Sexualidades, Nr. 5 (13.01.2021): 1–18. http://dx.doi.org/10.46661/relies.4877.
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La corporalidad es en un ámbito central de estudio tanto en las Ciencias Sociales como en la Artes Plásticas. Sin embargo, son escasas las perspectivas que de una forma interdisciplinar analizan las potencialidades de la pedagogía del cuerpo. Este artículo se plantea profundizar en las técnicas corporales como herramientas de conocimiento en la educación superior. Para ello se describe una experiencia transversal llevada a cabo con tres grupos de alumnos universitarios de la Universidad de Cuenca (Ecuador), de la Universidad Pontificia Católica del Perú y la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (Perú), en la tentativa de sistematizar procesos de aprendizajes tomando el cuerpo como clave de interpretación de los fenómenos sociales y culturales. Unas dinámicas que parten de representaciones corporales, a partir de las que los estudiantes articulan la experiencia social con sus propias vivencias corporales.
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Fernández Cuyàs, Marc. „Italo Calvino y Aldo Rossi en diálogo. Representaciones del monumento en la ciudad.“ TEMPORÁNEA. Revista de Historia de la Arquitectura, Nr. 2 (2021): 80–103. http://dx.doi.org/10.12795/temporanea.2021.02.04.
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Marc Fernández Cuyàs es doctorando en el curso de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad de Barcelona. Antes cursó el Máster Universitario en Estudios Teatrales en la Universidad Autónoma de Barcelona / Institut del Teatre de Barcelona y el grado en Estudios Literarios de la Universidad de Barcelona. Su tesis versa sobre las relaciones entre arquitectura, ciudad y espacio escénico en la segunda mitad del siglo XX a través de la obra del arquitecto Aldo Rossi. Actualmente es profesor asociado en la Escuela Superior de Arte Dramático de las Islas Baleares, donde imparte asignaturas sobre Teoría Teatral. Ha participado en congresos nacionales e internacionales y forma parte del Theatre and Architecture Working Group de la International Federation for Theatre Research. Además, ha publicado artículos en revistas académicas sobre las relaciones entre la teoría literaria, la teoría de la arquitectura y la teoría del teatro
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Fernández de la Vega González, Susana. „Diálogo entre teatro, psicoterapia y psicodrama“. Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social 16 (25.05.2021): 47–54. http://dx.doi.org/10.5209/arte.72605.
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En los años sesenta, del mismo modo que el cuerpo toma protagonismo en áreas como la danza o el teatro, emergen enfoques terapéuticos que ponen al cuerpo en el centro del trabajo. El surgimiento de numerosas técnicas y escuelas es una respuesta a la necesidad de trabajar con pacientes a los que el solo uso de la palabra y del encuadre convencional no les era suficiente. Se ha hablado de cómo los significados corporales reprimidos pueden ponerse en palabras a través de la interpretación; también de huellas corporales que nunca fueron simbolizadas y que siempre serán inaccesibles a la palabra. El psicodrama siempre tiene el cuerpo presente y ha sostenido la inclusión de técnicas corporales como vía del cambio terapéutico. A través de la imagen de la relación terapia-teatro como vasos comunicantes, exploraremos cómo el papel del cuerpo en los renovadores de la teoría y pedagogía teatral puede enriquecer al psicodrama. Éste surgió en un periodo en el que, si bien ya habían irrumpido las vanguardias en el arte, aún no se había instalado en la escena lo que hoy puede llamarse teatro posdramático. Algunos términos manejados habitualmente en psicodrama (protagonista, escenario, público, catarsis, el propio término psico-drama) están vinculados a una visión dramática del teatro, que aún es la predominante en nuestro tiempo. Sin embargo, se podría hallar inspiración en un teatro posdramático que busca una experiencia pura, liberado de la necesidad de alcanzar un sentido o una elaboración de esa misma experiencia, que permanece mudo a la palabra como conocimiento implícito
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Romero Rey, Sandro. „Notes on the Presence of the Greek Tragedy in Colombia“. Estudios Artísticos 4, Nr. 4 (09.01.2018): 126–31. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.12937.
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El mundo antiguo y, en particular, el de la tragedia griega, se presenta en Colombia bajo diversas máscaras. En el presente texto se hace un recorrido a través de la presencia de los textos de Esquilo, Sófocles y Eurípides en distintas manifestaciones artísticas. Desde la poesía y la narrativa, pasando por el cine y las artes visuales, la tragedia antigua ha servido como metáfora para reflexionar sobre la situación de violencia extrema en el país suramericano y las maneras como se puede construir Electra. Coproducción de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENAD; Bogotá, Colombia) y la Nordisk Teaterskole de Arhus (Dinamarca). Dirección: Sandro Romero Rey. Fotos: Karen Lamassonne. (1993).Al mismo tiempo se concentra en los distintos modelos escénicos, desde su praxis en las tablas, donde se destacan las versiones “ilustrativas”, las transformaciones en las convenciones de la representación o la utilización de las fábulas como detonantes en inmersiones creativas mucho más ambiciosas. El presente texto en inglés fue el punto de partida para los Encounters with Classical Antiquity in Latin America. A Humanities / Humanity Workshop at Yale University en octubre de 2017, presentado por su autor.
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Cristina Flores, Isabel, und Diana Sánchez Alarcón. „Exploración escénica de la obra la tortura de E. Buenaventura“. CALLE14: revista de investigación en el campo del arte 11, Nr. 19 (21.10.2016): 58. http://dx.doi.org/10.14483/udistrital.jour.c14.2016.2.a05.
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Como cada año, comenzamos los preparativos del Encuentro de la Red Latinoamericana de Creación e Investigación Teatral Universitaria (RED CITU), organización académica que reúne a la comunidad estudiantil y docente de once universidades latinoamericanas en una exploración teatral única, realizar un proceso inédito de exploración escénica, sobre temas de interés académico común. En el año 2015 se celebró el Delta 6 a la Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia; el evento estuvo planificado del 19 al 27 de septiembre. Cada equipo de las once universidades participantes tuvo una gran tarea que cumplir, indagar sobre la propuesta académica establecida por la universidad sede, en esta ocasión determinada como, el montaje de la obra La Tortura, de Enrique Buenaventura, observando los principios del Método de creación colectiva, legado del maestro Enrique Buenaventura al teatro universal.Como parte de la planificación del evento en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, cada año iniciamos el proceso con la presentación del proyecto a la Dirección de la Escuela de Artes, para contar con el soporte económico y dar inicio a la recopilación de materiales, requerimientos del encuentro, investigación sobre el tema por tratar e integración del equipo que estará a cargo de la realización del proyecto.El encuentro anual de la Red CITU (en la modalidad Delta) es esperado con mucho interés y entusiasmo por la comunidad estudiantil de la Licenciatura en Arte Dramático, Escuela de Artes de la BUAP. Los estudiantes preguntan, se informan, se preparan, ensayan para ser los elegidos en la audición, a la cual se convoca de manera abierta a toda la comunidad estudiantil de los últimos dos años de la carrera.
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Monteiro Pereira, Wagner. „Traducción de épica burlesca: La Gatomaquia de Lope de Vega“. Belas Infiéis 9, Nr. 2 (30.03.2020): 65–82. http://dx.doi.org/10.26512/belasinfieis.v9.n2.2020.26995.
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Este artículo propone una breve introducción al poema épico-burlesco de Félix Lope de Vega, La Gatomaquia (1634), obra aún secundaria en los estudios lopeanos, cuya extensa bibliografía se detiene antes en la producción dramática del autor. Dos cuestiones centrales se destacarán a lo largo de este trabajo: la primera se refiere a la elección de Lope de Vega por un género burlesco para finalizar su producción épica, tras haber publicado poemas largos que intentaban construir en España un imaginario de una historia victoriosa, como Luis de Camões había hecho en Portugal con Os Lusíadas (1572). Sin embargo, no tenía la intención de proponer un proyecto innovador como había hecho con El arte nuevo de hacer comedias (1609) que intentaba dar cuenta de un nuevo modelo de comedia que se consolidaba en España. Al contrario, Lope explicita su inserción dentro de una tradicción cuyos nombres de Marción de Sinope, Diego Hurtado de Mendoza y, especialmente, Homero, se muestran fundamentales para la composición de este poema de carácter jocoso. Este estudio pretende analizar, por lo tanto, las referencias presentes en el poema y el alcance del género burlesco en la literatura española. La segunda cuestión tiene relación con el alcance aún exiguo de la poesía épica española en Brasil, lo que propicia la propuesta de una tradición comentada del poema del castellano al portugués, con el fin de impulsar la literatura española del XVII en países de habla portuguesa. Dentro de este panorama, será relevante presentar un pequeño esbozo de las vertientes teóricas de traducción en diferentes siglos por España, con especial destaque a las primeras escuelas de traducción, que surgieron en el siglo XVI español en Sevilla y Toledo.
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García García, José Joaquín, Nubia Jeannette Parada Moreno und Arley Fabio Ossa Montoya. „Una revisión de literatura acerca del arte dramático como terapia alternativa para poblaciones vulnerables y excluidas“. UNIPLURIVERSIDAD 20, Nr. 2 (22.12.2020): 1–24. http://dx.doi.org/10.17533/udea.unipluri.20.2.018.
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El artículo analiza el arte dramático: talleres, juego dramático, drama creativo, dramatización, improvisación y el teatro mismo, como terapia alternativa para contrarrestar problemáticas psicosociales en sujetos vulnerables y excluidos. Para llevar a cabo este propósito, se utilizó un diseño cualitativo, a través de una perspectiva de tipo documental, que se centró en las categorías arte dramático, y poblaciones vulnerables y excluidas. Se presentan los hallazgos de las relaciones sobre estos conceptos, luego de revisar y analizar las bases de datos Apa Psyc Net, Cambrige J, DOAJ, JSTOR, SCIELO, Science Direct, EBSCO, Wilson, Web of Science, entre otras fuentes. En esta perspectiva, a partir de un trabajo llevado a cabo en un horizonte crítico-interpretativo, se revisaron las producciones realizadas por investigadores usando los instrumentos de matriz bibliográfica y matriz analítica de contenido. Como resultado, se reconoció el arte dramático como herramienta para ayudar a población vulnerable y se identificaron diferentes metodologías y resultados de las investigaciones en las que se utilizó el arte dramático para disminuir las exclusiones. Se concluye que el arte dramático, a partir de la atención al lenguaje corporal, al pensamiento, a la obra teatral, a los cambios que el sujeto tiene en la representación de personajes, entre otros, acrecienta el ingenio y la comunicación, y posibilita un desarrollo estético y plástico. Este tipo de modificaciones aportan a mejorar el nivel biopsicosocial de la población vulnerable y excluida, a reconfigurar su personalidad e historias personales, desarrollar habilidades sociales, mejorar su comunicación, darles herramientas para resolver problemas, a gestionar sus emociones y a potenciar su autoestima; estas capacidades y desarrollos humanos, son sustanciales para contrarrestar las problemáticas psicosociales que acarrean su situación de fragilidad y marginación.
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Dominique Coulon, Arquitecto. „Centro Nacional de Arte dramático en Montreuil. Francia“. EN BLANCO. Revista de Arquitectura 1, Nr. 3 (09.09.2009): 110. http://dx.doi.org/10.4995/eb.2009.7253.
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<p>En Montreuil, localizado al noroeste de París, ha sido desarrollado en los últimos años un plan urbanístico por Álvaro Siza para la regeneración del centro urbano.</p><p>El proyecto, con el teatro en pleno centro del plan, muestra la idea principal: edifi cios como dedos de una mano marcan las pendientes y refuerzan las perspectivas.</p>
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Marques, Pedro. „Artur Azevedo e a arte do soneto dramático“. Remate de Males 28, Nr. 1 (19.12.2012): 53–63. http://dx.doi.org/10.20396/remate.v28i1.8635935.
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Ramírez Sierra, Hugo Hernán. „Lola Josa, El arte dramático de Juan Ruiz de Alarcón. Reichenberger, Kassel, 2002; 333 pp.“ Nueva Revista de Filología Hispánica (NRFH) 54, Nr. 1 (01.01.2006): 245–48. http://dx.doi.org/10.24201/nrfh.v54i1.2319.
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Pérez Jiménez, Manuel. „Niveles teóricos discernibles en la contribución del Arte nuevo a la conformación de la dramática“. DIGILEC: Revista Internacional de Lenguas y Culturas 1 (17.09.2018): 107. http://dx.doi.org/10.17979/digilec.2014.1.0.3663.
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El presente trabajo analiza la teoría dramática clásica de Lope de Vega, estableciendo una comparación entre su herencia y los conceptosdel Arte Nuevo. De igual modo se explorará la teoría dramática procedentede las fuentes de Lope que culminan en el Arte Nuevo. Este análisis se establecerá en base a tres niveles: un primer nivel puramente dramático-nivel discursivo-, un segundo nivel más centrado en el hecho artístico- el dramático-ficcional- y un tercer nivel- el escénico- más completo porque añade el valor escénico a los otros dos niveles.
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Cabrera, Theda, und Francisco Souza da Silva. „As reverberações de Pega Teatro, de Joana Lopes: Contribuições para uma pesquisa em teatro educação“. Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 2, Nr. 41 (14.08.2021): 1–25. http://dx.doi.org/10.5965/1414573102412021e0210.
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Este artigo trata de parte da trajetória da arte educadora brasileira Joana Lopes, especialmente das proposições práticas voltadas ao jogo dramático. Por meio de comentários a algumas de suas obras cênicas e de reflexões registradas sobre o seu fazer discutem-se alguns aspectos de sua proposta autoral de pesquisa em teatro educação. Mais do que revelar traços que possam ser identificados como datados e superados em um fazer artístico, interessa evidenciar o caráter precursor e investigativo de uma arte educadora que segue produzindo e refletindo sobre múltiplas abordagens ao jogo dramático.
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Fernández Vázquez, María. „La instalación como espacio dramático de tránsito y crueldad“. DEDiCA Revista de Educação e Humanidades (dreh), Nr. 9 (01.03.2016): 75–90. http://dx.doi.org/10.30827/dreh.v0i9.6882.
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Este trabajo nace de la más exigente necesidad de creación, de innovación, de trasgresión del artista-investigador y es, claro está, otro análisis más sobre la experiencia del límite. La investigación se dirige al encuentro entre las artes plásticas y las artes escénicas. Se quiere analizar cómo unas contaminan a las otras y cómo al mismo tiempo se nutren, también mutuamente, hasta su transformación. Se indaga, desde la relación entre el “Arte” y la “Vida”, cómo esos límites se diluyen o desaparecen, con ejemplos del arte y teatro contemporáneos que disuelven las líneas fronterizas. El punto de partida es la obra y el pensamiento de Artaud y su repercusión en el arte y el teatro desde años 60 y 70 hasta hoy. Retomando la búsqueda de la “crueldad”, resaltamos la importancia de Derrida y Sontag sobre su análisis y reflexión para el arte actual, que nos llevan a los tres ejes que configuran nuestra propuesta en torno al hecho teatral en el arte: espacio, tiempo y espectador. Queremos comprender cómo el medio artístico da cabida a lo teatral y planteamos la Instalación como espacio de creación donde el espectador es protagonista y la obra es antagonista.
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André, Carminda Mendes. „Espaço inventado: o teatro pós-dramático na escola“. Educação em Revista, Nr. 48 (Dezember 2008): 125–41. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-46982008000200007.
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Com a publicação da lei n. 9394/96, a arte integra-se ao currículo do ensino básico como área de conhecimento. Neste ensaio, problematiza-se essa nova condição da arte na escola, refletindo a particularidade da experiência artística em relação às outras disciplinas, de modo a não se descaracterizar o que é próprio dela. A partir do entendimento de que a presença da arte é provocadora de mudanças, busca-se observar aquilo que, na escola, é necessário "ser tocado" por ela. Esse olhar investigativo flagra uma cena de destruição, com problemáticas muito próximas daquelas expressas pelo teatro contemporâneo. Com isso, sugere-se aproximar a realidade escolar de formas do teatro pós-dramático, com o intuito de inventar espaços que possam vir a ser coletivos e que acolham o que se chamou de "trocas de intimidades". Dessa aproximação, reitera-se o conceito de conhecimento como invenção, defendido por Michel Foucault, e detecta-se a necessidade de elaborar uma atitude docente que seja provocativa e crie ações educativas de tipo estratégico.
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Vizcaíno Alcantud, Pablo. „Escuelas creadoras: escuelas del cambio. El arte como herramienta de transformación“. Arte, Individuo y Sociedad 33, Nr. 3 (21.06.2021): 1051–52. http://dx.doi.org/10.5209/aris.76213.
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Danan, Joseph, und Trad de Clóvis D. Massa. „A DRAMATURGIA NO TEMPO DO "PÓS-DRAMÁTICO"“. Cena, Nr. 29 (04.12.2019): 14–23. http://dx.doi.org/10.22456/2236-3254.98145.
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Algo está transformando profundamente o teatro. Hans-Thies Lehmann teve o mérito de nomear esse fenômeno, propondo a noção de "teatro pós-dramático" – mesmo que essa expressão seja discutível na medida em que essas novas formas não necessariamente anulam o drama. O teatro do século XX se baseou no paradigma de uma "arte em dois momentos" (Henri Gouhier). O autor escreve uma peça, depois o diretor a pega e a monta. Essa é a utopia de Artaud, a de um "criador único", que parece tomar forma nesse início do século XXI. A dramaturgia se encontra inevitavelmente afetada por essa evolução: obviamente, em seu primeiro sentido, a arte de escrever uma peça, quando a escrita e a encenação ocorrem no mesmo movimento; mas também em seu sentido moderno, quando o termo se aplica à passagem para a cena de uma sala pre-existente. Entre a transformação de uma obra dramática em um material para a cena, sem levar em conta sua estrutura dramática, e a imposição de uma rígida "grade de leitura", ainda deveria haver espaço para uma dramaturgia aberta e sensível, criando as condições de uma experiência para o público. Palavras-chaveDramaturgia. Dramaticidade. Escrita dramática. Teatro “Pós-dramático”. Performance. Experiência.
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Cano, Jefferson. „Notre Dame de Paris, Romance Dramático?“ Remate de Males 35, Nr. 1 (22.04.2015): 199. http://dx.doi.org/10.20396/remate.v35i1.8641513.
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Este artigo analisa Notre Dame de Paris, romance de Victor Hugo publicado em 1831, explorando o significado da obra em relação com os debates que tiveram lugar ao longo da década de 1820. A emergência de uma geração romântica naquele momento e sua necessidade de se opor à arte clássica tornaram possível a formulação de novas categorias e práticas culturais, mas também forneceram os limites (tanto no que se refere aos temas quanto à retórica) do debate literário. Neste artigo procura-se mostrar que a experiência vivida por Victor Hugo na década de 1820 seria a base que lhe permitiria redefinir não apenas o drama, mas o próprio romance.
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Torija Aguilar, Jaime. „Algunas consideraciones contextuales que impulsan la formación de los grupos teatrales en Puebla / Some contextual considerations that impel the formation of the theatrical groups in Puebla“. RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 6, Nr. 12 (25.09.2017): 107–29. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v6i12.127.
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Los grupos teatrales en Puebla han ido proliferando lenta, pero de forma constante, poco tiempo después de la academización del arte dramático en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP). Este trabajo tuvo como propósito señalar algunos entornos adversos que se creen determinantes para contrarrestar la realización de los individuos en el arte dramático. La respuesta, frente a dicho contexto desfavorable, ha sido una reacción defensiva y de sobrevivencia que se manifiesta a través de la formación de grupos, con el fin de recobrar autonomía, sentido e identidad.A través de la deducción, se analiza a especialistas en conductas de la sociedad de masas, surgidas en la posmodernidad, quienes critican las razones de vida centradas en el consumo. Dicha característica general recae en la sociedad poblana en detrimento de los aspirantes y profesionistas de arte dramático de la BUAP, por un claro rechazo a sus expectativas como artistas. Al revisar algunas tendencias de la sociedad de consumo, como la obtención excesiva de bienes materiales, la desvalorización de las artes ante las ciencias y la tecnología o las políticas públicas, todo lo cual constituye un obstáculo para lograr la realización del sujeto, se constata (por la experiencia directa en el trabajo realizado con grupos de teatro) que las iniciativas para el agrupamiento buscan la reivindicación de los estudiantes como individuos. Este resultado, como se podría suponer, no cubre los requerimientos económicos, sino a la necesidad de encontrar ese sentido de existencia y de identidad que se ha perdido por la inercia del consumo. En contracorriente de una sociedad de consumidores que impone percepciones económicas, axiológicas y estéticas, la grupalidad teatral se gesta en torno a los pequeños espacios (formales y alternativos) que permiten reivindicar la profesión, resistiendo las normas y cultura que imperan. De ser actores o directores eventuales dedicados, además, a otras actividades y con múltiples identidades, la academización de las artes, paulatinamente, ha logrado conjuntar la realización personal y la singularidad del sujeto. De esta manera, los egresados de BUAP en arte dramático (1997) se hacen presentes en la sociedad y despiertan el interés del público por el teatro.En gran parte de los ámbitos la sociedad, el arte dramático que realizan los universitarios, se ha considerado como una actividad secundaria e improductiva. En la educación, en el ámbito familiar o en las perspectivas de los científicos, el teatro no forma parte de la cultura de un individuo. Ante dicha realidad, la misión del artista se hace mucho más compleja al sumar, entre sus actividades histriónicas, el restablecimiento de valores estéticos necesarios para sensibilizar a una sociedad.
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SATAKE, Kenichi. „El nuevo arte dramÁtico de Calderón en La dama duende“. HISPANICA / HISPÁNICA 1992, Nr. 36 (1992): 120–38. http://dx.doi.org/10.4994/hispanica1965.1992.120.
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Madureira, José Rafael, und Andreia Ferreira Yonashiro. „JOANA LOPES E A COREODRAMATURGIA: DIÁLOGOS ENTRE O JOGO DRAMÁTICO E A ARTE DO MOVIMENTO DE RUDOLF LABAN“. Cena, Nr. 32 (11.12.2020): 246–58. http://dx.doi.org/10.22456/2236-3254.104330.
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Artigo biográfico introdutório sobre a artista e pesquisadora Joana Lopes e seu procedimento investigativo denominado Coreodramaturgia. Joana Lopes desenhou uma longa trajetória como arte-educadora, jornalista, diretora teatral e dramaturga, tendo produzido obras monumentais que marcaram a cena paulista nos anos de 1980. Durante os mais de 20 anos em que atuou junto ao curso de graduação em Dança da Unicamp, Joana Lopes desenvolveu a Coreodramaturgia, uma escrita dramatúrgica para a dança. A Coreodramaturgia nasce do frutífero diálogo entre a Arte do Movimento de Rudolf Laban e o jogo dramático. Não por acaso, a Coreodramaturgia se tornou verbete atualizador do Dicionário Laban idealizado por Lenira Rengel. A Coreodramaturgia, enquanto metodologia de processo, já estava em gestação no Pega Teatro (1981), um livro que marcou toda uma geração de arte-educadores no Brasil e América Latina. A Coreodramaturgia estabelece uma relação íntima com a reteatralização, conceito-chave das revoluções teatrais do século XX, em especial com o expressionismo alemão na dança (Ausdruckstanz) e o Teatro-Dança (Tanztheater). Palavras-chavesJoana Lopes. Coreodramaturgia. Rudolf Laban. Coreologia. Jogo Dramático.
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Gebauer, Gunter, und Marcus Baccega. „Sobre a beleza do futebol“. Revista USP, Nr. 117 (06.08.2018): 13–24. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-9036.v0i117p13-24.
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Este ensaio tem a intenção de discutir os critérios para compreender a beleza no futebol tendo como referência reversa as categorias de beleza aplicadas às obras de arte. O futebol, ao contrário das artes, tem como característica um equilíbrio dramático que visa a impedir a concretização de um jogo belo pela equipe adversária.
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Mendoza Zazueta, Juan Enrique. „Sobre teatro y lo indefinible: Una perspectiva sobre la des-limitación del teatro. / On theater and the indefinable: A perspective on the de-limitation of the theater.“ RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 6, Nr. 12 (15.12.2017): 289–98. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v6i12.134.
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El texto aborda diversas posturas que se han vertido sobre el arte. Partimos desde una perspectiva del concepto de teatro en la contemporaneidad a partir de autores e investigadores como Dubatti, García Barrientos y Barba, principalmente, enfocándonos posteriormente en el concepto arte dramático, teatral, teatralidad y sus particularidades. Interesa observar como el concepto ha perdido sus fronteras y genera prestamos hacia lo cotidiano. Este debilitamiento de sus fronteras ha generado que busquemos no una nueva forma de nombrar el fenómeno, sino observar cómo interactúan los elementos que lo conforman.
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Magaña, Olga, und Margarita Pino-Juste. „Diseño y evaluación de un programa Mindfulness para estudiantes de Arte Dramático“. Revista de Estudios e Investigación en Psicología y Educación, Nr. 04 (21.10.2015): 049. http://dx.doi.org/10.17979/reipe.2015.0.04.505.
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El trabajo se centra en el diseño y evaluación de un programa basado en mindfulness a través de un estudio de caso realizado con el alumnado de segundo curso de la especialidad de Interpretación en la titulación de Arte Dramático. Se evalúa la efectividad del programa sobre los niveles de autoconciencia, empatía y creatividad. La intervención psicoeducativa tiene una duración de ocho semanas de entrenamiento. Se describen algunas actividades básicas del programa compuesto por técnicas de expresión oral y corporal y prácticas de memoria sensorial, así como los resultados obtenidos. Se utiliza un diseño pre-test, post–test para medir la eficacia del mismo.
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Solano Cárdenas, Fanor Julián, und Sandra Patricia Rodríguez Mosquera. „Significados sobre la masculinidad construidos por hombres adultos de Buenaventura“. La Manzana de la Discordia 13, Nr. 2 (07.11.2018): 73. http://dx.doi.org/10.25100/lamanzanadeladiscordia.v13i2.7161.
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En el presente artículo de investigación se describen y analizan, desde una perspectiva sociológica comparada, los significados sobre masculinidad construidos por los hombres del barrio Seis de Enero del Distrito Especial de Buenaventura y por los estudiantes de Licenciatura en Arte Dramático de la Universidad del Valle, sede Pacífico. En términos metodológicos, se realizó un estudio cualitativo y se obtuvo la información a partir de la aplicación de 14 entrevistas semi-estructuradas, 7 a cada grupo de informantes. Se encontró que los hombres del barrio Seis de Enero reproducen unos significados sobre ser hombre que se corresponden con el modelo de masculinidad hegemónica y los roles tradicionales de género, reafirmando de esa forma la cultura patriarcal dominante de las comunidades afro de la costa pacífica colombiana, región de notoria híper-valoración de la virilidad y la sexualidad como características propias de lo masculino. Se identificó, asimismo, la construcción de una masculinidad emergente por parte de algunos estudiantes de arte dramático de la Universidad del Valle, estudiantes críticos de las etiquetas y representaciones tradicionales de ser hombre y mujer, así como la identidad sexual basada en el modelo hetero-normativo.
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Palacios Garrido, Alfredo. „Artistas en escuelas. ¿Una oportunidad para la mejora educativa?“ Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social 15 (17.07.2020): 97–106. http://dx.doi.org/10.5209/arte.65894.
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Las residencias de artistas en escuelas son un tipo de prácticas en crecimiento en nuestro país. El objetivo de este artículo es analizar el estado de la cuestión de este tipo de proyectos con especial atención a la situación en España. Para ello se contextualizan estas prácticas estableciendo los proyectos de referencia internacionales, así como describiendo los principales beneficios documentados de la inclusión de artistas en contextos educativos formales. Las evidencias muestran que este tipo de colaboración, aunque no exenta de problemáticas y tensiones, proporciona significativos beneficios para la comunidad escolar y puede incluso cambiar las dinámicas educativas de los centros. Para que sean experiencias de éxito es importante promover la colaboración entre distintos agentes y desarrollar sólidos recursos de mediación que serán el factor clave para la integración adecuada del artista en el medio escolar.
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Kon, Artur Sartori. „Crônica de um Fracasso Anunciado: representação, ética e estética na (meta)crítica da razão branca“. Sala Preta 17, Nr. 2 (26.12.2017): 371. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v17i2p371-386.
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Partindo de uma investigação conjunta do espetáculo Branco: o cheiro do lírio e do formol e das diversas críticas escritas sobre ele por ocasião de sua estreia e temporada paulistana, o ensaio busca refletir sobre o possível sentido político de um teatro contemporâneo entendido como pós-dramático, localizando-o num regime estético da arte (em oposição aos regimes representativo e ético, como propõe o filósofo Jacques Rancière).
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Mendoza Zuany, Rosa Guadalupe. „Equidad, pertinencia y relevancia educativa mediante arte, solar y lengua maya“. Sinéctica, Revista Electrónica de Educación, Nr. 55 (01.07.2020): 1–17. http://dx.doi.org/10.31391/s2007-7033(2020)0055-010.
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El artículo analiza cómo la pertinencia, la relevancia y la equidad pueden construirse en un proyecto colaborativo, cuyo centro es el arte, el solar y la lengua maya para transformar la educación primaria desde el ámbito comunitario, implementado en dos comunidades en el estado de Yucatán, en articulación con sus escuelas primarias. Mediante entrevistas con los coordinadores del proyecto, sus talleristas, los docentes de las escuelas y las madres y los padres de familia, así como dibujos-entrevistas con los estudiantes y observación no participante, se obtuvieron los datos cualitativos que son analizados a la luz de las categorías mencionadas. El proyecto ha detonado procesos educativos pertinentes a partir de aprendizajes situados sumados al fortalecimiento de la lengua maya, la reconexión de los niños y las niñas con la tierra, así como mayor vinculación entre las escuelas y las comunidades; también ha propiciado una educación más relevante al contribuir positivamente al logro de los aprendizajes escolares y a una mayor equidad educativa, que ha generado nuevas expectativas sobre la educación de los niños y las niñas, así como aprendizajes in-esperados en el imaginario de las comunidades por asumirse como contextos vulnerados.
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Suppia, Alfredo. „A vulgata da tríade poética (lírico, épico e dramático) no ensino de roteiro para cinema e audiovisual“. Revista Graphos 23, Nr. 1 (03.06.2021): 214–41. http://dx.doi.org/10.22478/ufpb.1516-1536.2021v23n1.57011.
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Lírico. Épico. Dramático. O que são essas categorias? Por que são reiteradamente referidas, com frequência, no ensino de roteiro para cinema e audiovisual (AV)? E por que a autoria dessas mesmas categorias é, não raro, atribuída à obra Arte Poética (ou simplesmente Poética), de Aristóteles? Lírico, épico e dramático compõem a famosa tríade canônica, uma suposta matriz genérica da qual todos os gêneros literários emanam, ou da qual teriam se desenvolvido. Largamente aplicada ao estudo dos gêneros literários, a tríade canônica tem seu devido impacto nos estudos de cinema, notadamente na teoria e prática do roteiro contemporâneo. É sabido que, embora em constante renovação, o campo do cinema e AV conserva modelos e axiomas provenientes de trabalhos pioneiros muito antigos, como a Poética de Aristóteles ou A República de Platão, assim como de propostas e reflexões mais recentes, como as do formalismo russo. Este artigo pretende re-examinar a permanência dos “gêneros” lírico, épico e dramático no ensino do roteiro cinematográfico e AV, levando em conta parte da história dos gêneros literários e esforços predecessores de teorização, tanto no âmbito dos estudos literários, quanto no dos estudos de cinema e AV. Nesse sentido, pretendemos indagar sobre por que as categorias do lírico, do épico e do dramático são reiteradamente referidas no ensino de roteiro para cinema e AV, com sua “paternidade” frequentemente atribuída, por engano, à Poética de Aristóteles. Investigaremos também qual a origem de tais termos, bem como sua aplicabilidade no ensino contemporâneo de roteiro.
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Gómez Cortell, Clara. „Entre la realidad y la ficción, la razón y la locura: el drama coral como terapia individual y social“. Nova Tellus 35, Nr. 2 (10.12.2017): 9–44. http://dx.doi.org/10.19130/iifl.nt.2017.35.2.766.
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Desde la función política de la tragedia griega, las diferentes formas dramáticas occidentales han asumido de manera más o menos explícita unas funciones del espectáculo dramático que integran bajo distintas acepciones la pretendida kátharsis aristotélica, en ocasiones para rechazarla y evitarla, que incluso van más allá del prodesse et delectare horaciano, tendiendo hacia una función terapéutica individual y social en unas formas dramáticas de elevado trasfondo coral en las que los límites entre realidad y ficción, entre cordura y locura se difuminan hasta llegar a confundirse, en las que la llamada “cuarta pared” deja de existir. El objeto de este trabajo es realizar un breve recorrido por esa realidad dramática que conecta con los orígenes mismos del drama occidental a través de formas festivas carnavalescas y se proyecta a las más avanzadas vanguardias artísticas, pues en ellas se combina texto dramático, canto, música y danza en un todo que es la obra de arte.
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García Ruiz, Carlos. „Cuando los hospitales vivían de los teatros“. Hojas de El Bosque 4, Nr. 7 (30.09.2019): 14–21. http://dx.doi.org/10.18270/heb.v4i7.2711.
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La apertura del Centro Médico Los Cobos ha significado un antes y un después para la Universidad El Bosque y su skyline. El hospital se erige como un enorme espacio escenográfico donde plantear espectaculares posibilidades escénicas. Y siendo esta Universidad bien conocida por su historia y su trabajo alrededor de las ciencias de la salud, como director del Programa de Arte Dramático, quiero aprovechar este momento para contar una breve historia sobre la relación entre los hospitales y los teatros. Que la hubo, y muy fructífera.
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SÁNCHEZ JIMÉNEZ, Antonio. „Cardenio “el Rústico”, el licenciado Tomé de Burguillos y el gracioso: un personaje lopesco en la Arcadia (1598) y en las Rimas de Tomé de Burguillos (1634)“. Creneida. Anuario de Literaturas Hispánicas, Nr. 1 (30.12.2013): 238–67. http://dx.doi.org/10.21071/calh.v0i1.3576.
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La labor de reescritura tan habitual en Lope de Vega se extiende desde el comienzo hasta el fin de su carrera, como demuestra la comparación de dos personajes jocosos (Cardenio y Tomé de Burguillos) en el primer y último libro publicado por el Fénix (Arcadia y Rimas de Tomé de Burguillos). El análisis del tipo de humor de estos personajes permite además preguntarse sobre la posible influencia de los mismos en la creación de una de las innovaciones principales del arte nuevo dramático de Lope: el gracioso.
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Gándara, Nicolás. „30 aniversario Bienal 2018 “Identidad en movimiento”“. RFCE, Nr. 20 (24.10.2018): 22. http://dx.doi.org/10.30972/rfce.0203253.
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Concurso Internacional de Escultura “Gran Premio de Honor 30 años”. Participan los ganadores de las 10 Bienales realizadas entre 1998 y 2016. Como experiencia iniciática y de aprendizaje, se realizará el Premio Desafío, concurso escultórico en el que participan más de treinta estudiantes avanzados de las escuelas de Bellas Artes de diferentes provincias, entre quienes seguramente anidan los próximos grandes escultores argentinos. En paralelo a los certámenes de escultura, tendrán lugar otras expresiones del arte contemporáneo, como arte efímero, intervenciones, instalación acuática, obras colectivas con originarios, jornadas de arte lúdico para los niños y el soporte teórico de talleres y conferencias
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Ndri, Amon Paul. „El Prólogo de Cromwell y el juego interlocutivo de la recepción teatral“. La Colmena, Nr. 101 (09.05.2019): 99. http://dx.doi.org/10.36677/lacolmena.v0i101.10198.
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Con base en los postulados de Victor Hugo y Lope de Vega, se analiza el carácter lúdico del teatro, arte espectacular que vincula el texto dramático con el lector/ espectador, lo que da paso a una vivencia colectiva. En el caso del drama moderno, se propone que el escritor se sitúe al margen de posicionamientos doctrinales propios de las normas academicistas. Finalmente, se hace hincapié en la necesidad de ejercer una crítica objetiva alejada de ideologías, a fin de que el público pueda acercarse al teatro del mejor modo posible.
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Gatti, Luciano. „Adorno e Beckett: aporias da autonomia do drama“. Kriterion: Revista de Filosofia 55, Nr. 130 (Dezember 2014): 577–96. http://dx.doi.org/10.1590/s0100-512x2014000200008.
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O artigo procura situar a interpretação proposta por Theodor W. Adorno para a peça "Fim de partida", de Samuel Beckett, no contexto de sua concepção de autonomia da arte. Segundo a hipótese do trabalho, o conceito de autonomia subjaz ao diagnóstico histórico de Adorno a respeito do gênero dramático, o qual justifica sua leitura da peça como uma paródia do drama. O artigo busca mostrar os acertos dessa leitura perante a recepção inicial da peça, e também seus limites, uma vez que resulta em uma abordagem da experiência teatral focada primordialmente na consideração do texto teatral, em detrimento da encenação.
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Fernandes, Fabíola Rahde, und Eduardo Guedes Pacheco. „Educação, Teatro e Invenção: ensaio para uma Pós-Dramaturgia do encontro na aula“. Reflexão e Ação 28, Nr. 2 (02.06.2020): 73–88. http://dx.doi.org/10.17058/rea.v28i2.14230.
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O presente estudo propõe a articulação entre arte, docência e vida e investiga de que formas a criação teatral movimenta processos de invenção e resistência à mecanização das práticas no contexto da educação escolarizada. Para tanto, explora o conceito de pós-dramático de Lehmann, tratando-o como operador dos processos metodológicos da pesquisa. A concepção de plano de composição de Deleuze e Guattari, junto com considerações de outros pensadores contemporâneos, é evocada, com o intuito de discutir a experimentação de modos de ser e estar na escola, ensaiando encontros pedagógicos como movimentos para a instauração de uma pós-dramaturgia do encontro na aula.
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Giménez-Morte, Carmen, und Rafael Ricart García. „Generar espacios de conocimiento a través de una experiencia colectiva de práctica pedagógica y de investigación artística en danza y teatro (2017-2019)“. AusArt 7, Nr. 1 (11.07.2019): 101–14. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.20690.
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Esta experiencia de investigación performativa se fundamenta en la práctica educativa entre profesores y alumnos de danza y de arte dramático de los centros de Enseñanzas Artísticas Superiores (Dantzerti de Bilbao, y CSDV y ESADV de Valencia), que han vivenciado la recreación artística de una obra de repertorio de danza contemporánea, La consagración de la primavera de Pina Bausch, en diversos momentos entre 2017 y 2019. El artículo se centra en el relato del encuentro en Valencia en febrero de 2019, entendido como el cierre de un ejercicio rizomático de investigación compartida generadora de conocimiento a través de la práctica artística.
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Gross, Eduardo. „O tema da finitude em Paul Tillich e o filme The Age of Adaline“. Correlatio 16, Nr. 1 (18.08.2017): 291. http://dx.doi.org/10.15603/1677-2644/correlatio.v16n1p291-316.
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O ser humano precisa reconhecer, racionalmente, a finitude como dimensão inescapável de sua existência. Entretanto, uma gama de símbolos culturais demonstra a dificuldade da aceitação da finitude. Tais símbolos apontam para uma pretensão de transcender esta dimensão. Paul Tillich é apresentado nesta exposição como pensador que lidou com esta dinâmica entre a finitude e o simbolismo de sua transcendência. Sua reflexão é colocada em diálogo com o filme The Age of Adaline, que manifesta, no âmbito da arte, uma proposta em relação ao caráter dramático desta relação conflituosa entre o reconhecimento dos limites humanos e a ânsia por superá-los.
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García Vázquez, Milagros. „Sturm und Drang. El drama del genio y Shakespeare“. Laocoonte. Revista de Estética y Teoría de las Artes, Nr. 4 (21.12.2017): 157. http://dx.doi.org/10.7203/laocoonte.0.4.11164.
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El objetivo de este artículo es exponer los vínculos existentes entre el arte dramático y el origen del movimiento literario alemán Sturm und Drang a partir de la propia denominación inspirada en el título de una obra teatral y de la figura de Shakespeare como prototipo del genio, siendo éste uno de los conceptos capitales en la poética de los componentes de dicho grupo literario. De este modo, las artes escénicas se presentan como marco para una de las corrientes de pensamiento estético que prepararán el terreno al Romanticismo, así como de uno de los grandes impulsos en el desarrollo del sujeto moderno, como es el Sturm und Drang.
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Cuvardic García, Dorde. „El correlato objetivo y el monólogo dramático en la poesía de Antonio Colinas“. Pensamiento Actual 17, Nr. 28 (29.06.2017): 23. http://dx.doi.org/10.15517/pa.v17i28.29514.
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Los integrantes de la generación poética española de los novísimos son conocidos por practicar el culturalismo, es decir, la incorporación de alusiones procedentes de la Alta Cultura y de la Cultura de Masas. Uno de sus más importantes representantes es Antonio Colinas. Sus alusiones culturales están al servicio de la reflexión sobre problemáticas existencialistas, como la pervivencia del ser humano a través del Arte, el paso del tiempo, el vitalismo mediterráneo...En el presente artículo se analizan los más importantes correlatos objetivos y monólogos dramáticos- dos procedimientos típicos del culturalismo- en la producción poética de este escritor. El correlato objetivo (término propuesto por T.S. Eliot) es un mecanismo que permite "exteriorizar" u "objetivar" el pensamiento del poeta a través de los objetos, los personajes o las situaciones reconstruidas en el poema. El monólogo dramático, por su parte, es un tipo particular de correlato objetivo que mediatiza el pensamiento del poeta a través de la voz de un sujeto histórico o ficcional.
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Mesías-Lema, José María. „La investigación educativa basada en las artes ya no necesita mártires“. IJABER. International Journal of Arts-Based Educational Research 1, Nr. 1 (31.03.2021): 1–6. http://dx.doi.org/10.17979/ijaber.2021.1.1.7617.
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Hace diez años, cuando esta escuela comenzó a funcionar, se consideraba que los métodos de arte progresistas eran innovaciones y experimentos poco dignos de fiar. Actualmente, nuestro método ya no necesita mártires. Se ha extendido a varias escuelas públicas que se han distinguido en su aplicación y que están siendo muy solicitadas por este motivo. (Rothko, “Cuaderno de apuntes”, 1934, p. 44)
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Revista, Ge-conservación. „Monográfico: ARTE URBANO Conservación y Restauración de Intervenciones Contemporáneas“. Ge-conservacion 10 (05.02.2020): 77–199. http://dx.doi.org/10.37558/gec.v10i0.731.
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El presente monográfico Arte Urbano. Conservación y Restauración de Intervenciones Contemporáneas es el resultado del trabajo del grupo de Arte Urbano del Grupo Español del International Institute for Conservation que se creó en la convocatoria de la 16ª Jornada de Conservación de Arte Contemporáneo celebrada en febrero de 2015 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Inicialmente, empezó su andadura con más de sesenta voluntarios que desarrollan su trabajo en las universidades de Barcelona, Complutense de Madrid, País Vasco, Politécnica de Valencia, Jaén y Sevilla; Escuelas Superiores de Restauración de Suiza y México D. F. Diputaciones de Barcelona, Castellón, Ciudad Real y el Gobierno de Navarra. Además de un nutridísimo grupo de estudiantes de Grado en Conservación Restauración de diferentes universidades de toda España. Esto indica, no sólo, la expectación que el tema despierta en el ámbito de la conservación de patrimonio, sino también la necesidad de formación que se reclama desde el alumnado universitario para un campo tan desigualmente abordado académicamente.
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Faria, João Roberto. „Machado de Assis, leitor e crítico de teatro“. Estudos Avançados 18, Nr. 51 (August 2004): 299–333. http://dx.doi.org/10.1590/s0103-40142004000200020.
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O PRESENTE estudo tem como objetivo principal traçar o perfil de Machado de Assis enquanto leitor e crítico de teatro. Para tanto, primeiramente situa-o no contexto teatral dos anos de 1850 e 1860 do século XIX, quando entraram em choque, nos palcos do Rio de Janeiro, a estética romântica e a realista. Depois, acompanha sua extensa produção jornalística, na qual se notabilizou como crítico teatral e folhetinista, detendo-se também na atividade de censor do Conservatório Dramático Brasileiro que o escritor exerceu por algum tempo. Ao acompanhar o percurso intelectual de Machado, em sua juventude literária, procuramos analisar, compreender e explicar suas idéias em relação à arte dramática e ao teatro brasileiro.
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Torija Aguilar, Jaime. „Contextos, autonomía y formación de grupos de teatro en Puebla“. Revista de la Educación Superior 47, Nr. 186 (29.06.2018): 75–92. http://dx.doi.org/10.36857/resu.2018.186.349.
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Una de las estrategias que utiliza el individuo para lograr sus propósitos es la conformación de grupos, que tienen como principales características la empatía, el sentido de pertenencia, el respeto y la autorrealización. Lograr la grupalidad requiere enfrentarse a la fuerza del poder que incide en las conductas sociales, y al mismo tiempo, la capacidad de reconocer la autonomía como instrumento para la realización de sus proyectos. En este trabajo se hace referencia a algunos factores adversos, sustentados por el poder, y trata también de la capacidad que muestran los egresados de la carrera de Arte Dramático para recuperar su autonomía y con ello superar tanto la incertidumbre laboral, como la pérdida de identidad y de sentido.
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Vélez Sainz, Julio. „Rubén Darío y la imposibilidad del teatro modernista español“. Anales de Literatura Hispanoamericana 46 (11.12.2017): 91–100. http://dx.doi.org/10.5209/alhi.58269.
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El teatro fue una de las constantes de interés periodístico de Rubén Darío. Desde sus primeras crónicas chilenas hasta sus últimos trabajos por encargo se mantuvo al tanto del mismo. En cuanto a su etapa puramente española, las crónicas de Darío sirven magníficamente como punzantes análisis de la posibilidad, o imposibilidad, del desarrollo del arte dramático modernista en Madrid. Pese a calificar y apoyar algunos esfuerzos individuales, Darío señala que el modernismo, como campo cultural, es un producto comunal de una hermandad (“brotherhood”) dedicada, preparada y cosmopolita; asunto que, pese a los esfuerzos de un Villaespesa, un Dicenta o, sobre todo, un Benavente, no puede cristalizar sin apoyo y esfuerzo del medio.
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Ortega Garzón, Sandra María. „Coragyps sapiens: una propuesta de revitalización y reconstrucción simbólica del cuerpo social desde el teatro“. Ciudad paz-ando 11, Nr. 1 (30.06.2018): 16–24. http://dx.doi.org/10.14483/2422278x.13045.
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Coragyps sapiens es el nombre de la obra dramática de Felipe Vergara escrita en 2013. En ella, el autor no solamente representa la violencia ejercida sobre el cuerpo durante el conflicto armado en Colombia, sino que plantea, a manera de metáfora, una propuesta para la reconstrucción social en el país. El presente artículo discute dicha propuesta mediante el análisis de las imágenes presentes en el texto y desentraña el lenguaje metafórico para entender sus posibles alcances; de esta forma, se pretende destacar el papel del arte dramático como creador de acciones que viabilizan la reconstrucción simbólica del tejido social en un país fracturado por la violencia y, sin embargo, empeñado en el establecimiento de una paz duradera.
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Xouplidis, Panagiotis. „La máscara felina en "La Gatomaquia"“. Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, Nr. 33 (18.01.2020): 99–110. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_tropelias/tropelias.2020333711.
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El artículo ofrece una aproximación comparativa entre el poema épico burlesco La Gatomaquiade Lope de Vega y la adaptación de esta obra maestra al género dramático porPedro Víllora y José Padilla para la homónima representación teatral de la compañía La Ensemble, dirigida por Goyo Pastor,en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2009.La poesía épica burlesca emerge con la Batracomiomaquia, poema griego clásico pseudohomérico quenace a su vez del núcleo de la fábula esópica. El concepto de la zoomaquia, batalla entre animales antropomorfos, introduce una alegoría en verso que imita a la épica en tono burlesco y crítico. El paradigma por excelencia de este género en las letras hispanas es La Gatomaquia de Lope de Vega (1634). En esta obra poética no teatral protagonizan felinos antropomorfos,mientras en la comedia de Víllora y Padilla actúan humanos gatomorfos: los actores detrás de máscaras felinas que se empeñan en una batalla de amor y muerte en el escenario mágico del Siglo de Oro español.La máscara teatral constituye un elemento visual fundamental del teatro griego antiguo por ser la representación de los rasgos característicos del personaje dramático cargada de simbolismos. Además, la máscara zoomorfa es una referencia simbólica a los humanos disfrazados de animales en los rituales dionisíacos. La tradición helena de las letras hispanas a través de un proceso histórico-artístico confirma en La Gatomaquiade Víllora y Padilla la confluencia de dos géneros trascendentesdel mundo heleno antiguo: la poesía épica burlesca y el teatro. El artículo cubre aspectos textuales y escénicos para iluminar la transformación del poema épico burlesco no teatral del máximo representante del teatro del Siglo de Oro a un espectáculo teatral moderno. En las escenas teatrales modernas las máscaras de los gatos marcan una vuelta a los orígenes helenos del arte dramático.