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Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Escuelas de arte dramático“
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Zeitschriftenartikel zum Thema "Escuelas de arte dramático"
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Urraza Intxausti, Jon. „La formación en arte dramático y su adaptación a la interpretación para la pantalla“. AusArt 8, Nr. 1 (30.06.2020): 91–102. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.21536.
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Dantzerti, la escuela Superior de Arte Dramático de Euskadi inició su camino en 2015. En las escuelas de arte dramático, la formación del actor, generalmente, se fundamenta en la interpretación para el teatro y los diferentes sistemas de interpretación se practican en base a una estética de la interpretación para el teatro. El actor o la actriz que desea actuar ante la cámara, necesita adaptar su técnica para adecuarla a la estética de la interpretación para la pantalla, y para hacerlo, es importante que conozca las principales diferencias entre actuar para el teatro y actuar para la pantalla.
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Vieites García, Manuel Francisco. „La investigación teatral en una perspectiva educativa: retos y posibilidades“. Educatio Siglo XXI 33, Nr. 2 (29.07.2015): 11. http://dx.doi.org/10.6018/j/232671.
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La legislación educativa vigente en España establece que las escuelas superiores<br />de arte dramático serán competentes en investigación científica en las áreas de<br />conocimiento que les son propias. La norma traslada a las administraciones educativas,<br />a los centros, y a las comunidades educativas, retos y responsabilidades especialmente relevantes considerando la historia pasada y reciente de estas enseñanzas, pues si bien la investigación teatral cuenta en España con una notable trayectoria, hay ámbitos que, aún resultando transcendentales, carecen de un desarrollo básico. Con este artículo mostramos posibilidades para la puesta en marcha y consolidación de aquellos ámbitos de investigación teatral más relevantes en una perspectiva educativa, en tanto pueden promover el desarrollo de las disciplinas que le son propias al campo, el fomento de una cultura científica en los propios centros o la actualización permanente de los docentes, sin olvidar la trascendencia que la formación en investigación pueda tener en la consolidación de competencias profesionales de los titulados en arte dramático. Finalmente resaltamos que el desarrollo de una cultura investigadora en las ESAD es la mejor garantía para su integración efectiva en el Espacio Europeo de la Educación Superior.
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Cardona Amaya, José Manuel. „El Teatro de la década de 1960 en la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: La Asociación Civil de Teatro Universitario (1963-1968) tres grupos de la Sección de Arte Dramático (1968-1970)“. Revista UNAH Sociedad 2, Nr. V (27.12.2020): 70–83. http://dx.doi.org/10.5377/rus.v2iv.10670.
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La década de 1960 es fundamental para comprender el establecimiento de la disciplina teatral en el ámbito universitario de Honduras. A inicios de esta década se experimentaría administrativamente, la independencia institucional al Teatro Universitario fundado en (1959) y, a finales, se emprendería una iniciativa de impulso teatral bajo el amparo de la Sección de Arte Dramático, creada en (1968). Estos proyectos mezclaban el profesionalismo con el amateurismo. Así, actores experimentados con formación académica en teatro, como Francisco Salvador, actuaban junto a estudiantes sin experiencia previa sobre un escenario y, de la misma manera, estos conjuntos asistían tanto a festivales internacionales como escuelas públicas locales. En el presente artículo se analiza descriptivamente la trayectoria de cuatro grupos teatrales de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras: la Asociación Civil de Teatro Universitario y tres de los cinco grupos constituyentes de la Sección de Arte Dramático, con el propósito de encontrar características comunes que expliquen su funcionamiento y devenir. Los datos de la investigación se recabaron en el Archivo General de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, utilizándose para su elaboración las memorias institucionales, los programas e invitaciones sobrevivientes de la época y las actas del Consejo Universitario.
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Vieites, Manuel F., María Dapía und Reyes Fernández. „La inserción laboral de los titulados y tituladas de arte dramático de la ESADg“. Revista de Estudios e Investigación en Psicología y Educación, Nr. 07 (14.11.2015): 013. http://dx.doi.org/10.17979/reipe.2015.0.07.191.
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En el curso escolar 2005-2006 iniciaba su andadura la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Galicia, centro público de educación superior dependiente de la Consejería de Cultura, Educación y Ordenación Universitaria, y en el curso escolar 2008-2009 salía la primera promoción de titulados/as superiores en las especialidades de interpretación y dirección escénica, cursando sus estudios al amparo de lo dispuesto en el RD754/1992, que establecía la equivalencia de los estudios superiores de arte dramático a una licenciatura universitaria. Desde entonces, y hasta el curso escolar 2012-2013, terminan sus estudios cinco promociones, lo que implica un total de 110 personas. Actualmente, puesto en marcha el nuevo plan de estudios regulado por el RD 1614/2009, parece oportuno analizar aspectos básicos de la formación y la transición de esas cinco promociones tanto por los datos que puedan aportar en relación a su incorporación a la práctica profesional y a los ámbitos más relevantes, como por la valoración que pueden hacer de su formación y de la utilidad que pueda haber tenido en esa transición a la vida activa. En este contexto nos hemos planteado como objetivos estudiar las características de su proceso de inserción (grado de inserción, condiciones laborales…), y conocer la valoración de la formación recibida en la ESAD así como las necesidades detectadas. Para ello hemos aplicado un cuestionario diseñado ad hoc a los miembros de las promociones de egresados y egresadas, habiendo obtenido un total de 45 respuestas. El perfil de la muestra está definida por ser mayoritariamente mujer (71,4%), con una media de edad de 29,16 (s=6,80) y un rango entre 22 y 59, habiendo realizado las siguientes especialidades: dirección escénica y dramaturgia (21,5%), interpretación (69%), y escenografía (9,5%). De los resultados obtenidos extraemos importantes conclusiones relativas a la formación recibida y al ejercicio profesional. En relación a la formación, se percibe una satisfacción medio-alta, siendo únicamente valorada de forma negativa por un 9,8%; así mismo, sólo un 23,8% considera que la formación recibida en la ESADg atendiendo al desempeño profesional fue insuficiente. No obstante, un 81,1% plantea como mejora en su formación la inclusión de más materias prácticas. En cuanto a la inserción profesional, un 78.57% estaban trabajando, ocupando el 60,6% de las mismas un empleo vinculado con la formación recibida. Las condiciones en las que estaban desarrollando su labor profesional son las siguientes: poseer el Grado en Arte Dramático fue exigido en el 50% de los casos; el 89,5% de los egresados/as encuestados/as afirman que las funciones que desempeñan son acordes a la categoría profesional y la media de ingresos mensuales que declaran es de 1.057,08€; sólo el 10,5% tiene contrato laboral estable y un 37,5% a tiempo completo, y la mayoría tiene un contrato temporal. Los ámbitos profesionales en los que desarrollan su actividad profesional son los de interpretación (54,76%), audiovisual (38,09%), formación (28,57%), o animación (26,19%), mientras que áreas como producción, dirección de escena, gestión, dramaturgia o diseño escénico presentan un porcentaje menor.
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Muñoz Bellerin, Manuel. „El cuerpo en la producción de conocimiento.“ RELIES: Revista del Laboratorio Iberoamericano para el Estudio Sociohistórico de las Sexualidades, Nr. 5 (13.01.2021): 1–18. http://dx.doi.org/10.46661/relies.4877.
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La corporalidad es en un ámbito central de estudio tanto en las Ciencias Sociales como en la Artes Plásticas. Sin embargo, son escasas las perspectivas que de una forma interdisciplinar analizan las potencialidades de la pedagogía del cuerpo. Este artículo se plantea profundizar en las técnicas corporales como herramientas de conocimiento en la educación superior. Para ello se describe una experiencia transversal llevada a cabo con tres grupos de alumnos universitarios de la Universidad de Cuenca (Ecuador), de la Universidad Pontificia Católica del Perú y la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (Perú), en la tentativa de sistematizar procesos de aprendizajes tomando el cuerpo como clave de interpretación de los fenómenos sociales y culturales. Unas dinámicas que parten de representaciones corporales, a partir de las que los estudiantes articulan la experiencia social con sus propias vivencias corporales.
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Fernández Cuyàs, Marc. „Italo Calvino y Aldo Rossi en diálogo. Representaciones del monumento en la ciudad.“ TEMPORÁNEA. Revista de Historia de la Arquitectura, Nr. 2 (2021): 80–103. http://dx.doi.org/10.12795/temporanea.2021.02.04.
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Marc Fernández Cuyàs es doctorando en el curso de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada de la Universidad de Barcelona. Antes cursó el Máster Universitario en Estudios Teatrales en la Universidad Autónoma de Barcelona / Institut del Teatre de Barcelona y el grado en Estudios Literarios de la Universidad de Barcelona. Su tesis versa sobre las relaciones entre arquitectura, ciudad y espacio escénico en la segunda mitad del siglo XX a través de la obra del arquitecto Aldo Rossi. Actualmente es profesor asociado en la Escuela Superior de Arte Dramático de las Islas Baleares, donde imparte asignaturas sobre Teoría Teatral. Ha participado en congresos nacionales e internacionales y forma parte del Theatre and Architecture Working Group de la International Federation for Theatre Research. Además, ha publicado artículos en revistas académicas sobre las relaciones entre la teoría literaria, la teoría de la arquitectura y la teoría del teatro
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Fernández de la Vega González, Susana. „Diálogo entre teatro, psicoterapia y psicodrama“. Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social 16 (25.05.2021): 47–54. http://dx.doi.org/10.5209/arte.72605.
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En los años sesenta, del mismo modo que el cuerpo toma protagonismo en áreas como la danza o el teatro, emergen enfoques terapéuticos que ponen al cuerpo en el centro del trabajo. El surgimiento de numerosas técnicas y escuelas es una respuesta a la necesidad de trabajar con pacientes a los que el solo uso de la palabra y del encuadre convencional no les era suficiente. Se ha hablado de cómo los significados corporales reprimidos pueden ponerse en palabras a través de la interpretación; también de huellas corporales que nunca fueron simbolizadas y que siempre serán inaccesibles a la palabra. El psicodrama siempre tiene el cuerpo presente y ha sostenido la inclusión de técnicas corporales como vía del cambio terapéutico. A través de la imagen de la relación terapia-teatro como vasos comunicantes, exploraremos cómo el papel del cuerpo en los renovadores de la teoría y pedagogía teatral puede enriquecer al psicodrama. Éste surgió en un periodo en el que, si bien ya habían irrumpido las vanguardias en el arte, aún no se había instalado en la escena lo que hoy puede llamarse teatro posdramático. Algunos términos manejados habitualmente en psicodrama (protagonista, escenario, público, catarsis, el propio término psico-drama) están vinculados a una visión dramática del teatro, que aún es la predominante en nuestro tiempo. Sin embargo, se podría hallar inspiración en un teatro posdramático que busca una experiencia pura, liberado de la necesidad de alcanzar un sentido o una elaboración de esa misma experiencia, que permanece mudo a la palabra como conocimiento implícito
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Romero Rey, Sandro. „Notes on the Presence of the Greek Tragedy in Colombia“. Estudios Artísticos 4, Nr. 4 (09.01.2018): 126–31. http://dx.doi.org/10.14483/25009311.12937.
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El mundo antiguo y, en particular, el de la tragedia griega, se presenta en Colombia bajo diversas máscaras. En el presente texto se hace un recorrido a través de la presencia de los textos de Esquilo, Sófocles y Eurípides en distintas manifestaciones artísticas. Desde la poesía y la narrativa, pasando por el cine y las artes visuales, la tragedia antigua ha servido como metáfora para reflexionar sobre la situación de violencia extrema en el país suramericano y las maneras como se puede construir Electra. Coproducción de la Escuela Nacional de Arte Dramático (ENAD; Bogotá, Colombia) y la Nordisk Teaterskole de Arhus (Dinamarca). Dirección: Sandro Romero Rey. Fotos: Karen Lamassonne. (1993).Al mismo tiempo se concentra en los distintos modelos escénicos, desde su praxis en las tablas, donde se destacan las versiones “ilustrativas”, las transformaciones en las convenciones de la representación o la utilización de las fábulas como detonantes en inmersiones creativas mucho más ambiciosas. El presente texto en inglés fue el punto de partida para los Encounters with Classical Antiquity in Latin America. A Humanities / Humanity Workshop at Yale University en octubre de 2017, presentado por su autor.
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Cristina Flores, Isabel, und Diana Sánchez Alarcón. „Exploración escénica de la obra la tortura de E. Buenaventura“. CALLE14: revista de investigación en el campo del arte 11, Nr. 19 (21.10.2016): 58. http://dx.doi.org/10.14483/udistrital.jour.c14.2016.2.a05.
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Como cada año, comenzamos los preparativos del Encuentro de la Red Latinoamericana de Creación e Investigación Teatral Universitaria (RED CITU), organización académica que reúne a la comunidad estudiantil y docente de once universidades latinoamericanas en una exploración teatral única, realizar un proceso inédito de exploración escénica, sobre temas de interés académico común. En el año 2015 se celebró el Delta 6 a la Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia; el evento estuvo planificado del 19 al 27 de septiembre. Cada equipo de las once universidades participantes tuvo una gran tarea que cumplir, indagar sobre la propuesta académica establecida por la universidad sede, en esta ocasión determinada como, el montaje de la obra La Tortura, de Enrique Buenaventura, observando los principios del Método de creación colectiva, legado del maestro Enrique Buenaventura al teatro universal.Como parte de la planificación del evento en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, cada año iniciamos el proceso con la presentación del proyecto a la Dirección de la Escuela de Artes, para contar con el soporte económico y dar inicio a la recopilación de materiales, requerimientos del encuentro, investigación sobre el tema por tratar e integración del equipo que estará a cargo de la realización del proyecto.El encuentro anual de la Red CITU (en la modalidad Delta) es esperado con mucho interés y entusiasmo por la comunidad estudiantil de la Licenciatura en Arte Dramático, Escuela de Artes de la BUAP. Los estudiantes preguntan, se informan, se preparan, ensayan para ser los elegidos en la audición, a la cual se convoca de manera abierta a toda la comunidad estudiantil de los últimos dos años de la carrera.
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Monteiro Pereira, Wagner. „Traducción de épica burlesca: La Gatomaquia de Lope de Vega“. Belas Infiéis 9, Nr. 2 (30.03.2020): 65–82. http://dx.doi.org/10.26512/belasinfieis.v9.n2.2020.26995.
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Este artículo propone una breve introducción al poema épico-burlesco de Félix Lope de Vega, La Gatomaquia (1634), obra aún secundaria en los estudios lopeanos, cuya extensa bibliografía se detiene antes en la producción dramática del autor. Dos cuestiones centrales se destacarán a lo largo de este trabajo: la primera se refiere a la elección de Lope de Vega por un género burlesco para finalizar su producción épica, tras haber publicado poemas largos que intentaban construir en España un imaginario de una historia victoriosa, como Luis de Camões había hecho en Portugal con Os Lusíadas (1572). Sin embargo, no tenía la intención de proponer un proyecto innovador como había hecho con El arte nuevo de hacer comedias (1609) que intentaba dar cuenta de un nuevo modelo de comedia que se consolidaba en España. Al contrario, Lope explicita su inserción dentro de una tradicción cuyos nombres de Marción de Sinope, Diego Hurtado de Mendoza y, especialmente, Homero, se muestran fundamentales para la composición de este poema de carácter jocoso. Este estudio pretende analizar, por lo tanto, las referencias presentes en el poema y el alcance del género burlesco en la literatura española. La segunda cuestión tiene relación con el alcance aún exiguo de la poesía épica española en Brasil, lo que propicia la propuesta de una tradición comentada del poema del castellano al portugués, con el fin de impulsar la literatura española del XVII en países de habla portuguesa. Dentro de este panorama, será relevante presentar un pequeño esbozo de las vertientes teóricas de traducción en diferentes siglos por España, con especial destaque a las primeras escuelas de traducción, que surgieron en el siglo XVI español en Sevilla y Toledo.
Dissertationen zum Thema "Escuelas de arte dramático"
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Llatas, García Enrique Eduardo. „Escuela Nacional Superior de Arte Dramático“. Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2013. http://hdl.handle.net/10757/302522.
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El presente trabajo busca mostrar las carencias actuales de la Escuela Nacional de Arte Dramático respecto a la infraestructura en donde está ubicada y a la vez la relación de la escuela directamente con el parque de la exposición, y los parques y espacios públicos con la ciudad. El documento contiene 12 capítulos: Introducción, las artes Interpretativas, marco histórico, Hipótesis, la enseñanza de las Artes dramáticas, el espacio público como escenario, marco referencial, el programa arquitectónico, el terreno, Criterios de diseño, el proyecto arquitectónico, bibliografías y anexos.Tesis
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(UPC), Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas, und Suárez de Freitas Luis Miguel Berríos. „Escuela Nacional Superior de Arte Dramático“. Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2015. http://hdl.handle.net/10757/582754.
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Sicha, Ñahuis Cindy Jhoanna. „Escuela de Arte Dramático“. Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2021. http://hdl.handle.net/10757/656637.
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Proyecto de tesis que desarrolla en un solo conjunto volumétrico dos tipologías arquitectónicas las cuales se complementan significativamente. La parte cultural a través del Teatro dado para la ciudad y la otra que corresponde a la escuela como fuente de enseñanza y formación.
La Escuela brindará a la comunidad un nuevo hito cultural, además le otorgará un carácter integrador por medio de la plaza de ingreso como escenario libre para las manifestaciones de interacción y como punto de encuentro, permitiendo de esta manera reforzar el concepto de edificio de cara a la ciudad; además, una apropiación y/o identificación con el espacio.Thesis project that develops a single volumetric set two architectural typologies which are complemented significantly. The cultural part through the Theater given to the city and the other that corresponds to the school as a teaching source.
Tesis
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Puyen, Guevara Alberto Junior. „Equipamiento cultural para la formación artística en el sector 10 del distrito de Chiclayo“. Bachelor's thesis, Universidad Católica Santo Toribio de Mogrovejo, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.12423/3224.
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La presente investigación se enfoca en el estudio de los espacios públicos y equipamientos ubicados en el sector 10 del distrito de Chiclayo en donde se práctica el arte, estos se encuentran actualmente deteriorados, al no presentar las características adecuadas para su correcta formación. En este contexto, se busca reconocer los espacios públicos y equipamientos culturales como también identificar usuarios, y las actividades artísticas que realizan, y por último desarrollar una propuesta arquitectónica de una escuela de artes escénicas en el distrito 10 de Chiclayo, provincia de Lambayeque. Por lo que se realizó una investigación descriptiva a través de un análisis cuantitativo con diseño no experimental, donde se trabajó con una muestra de los espacios públicos y equipamientos del sector de estudio. Para esto se aplicó como instrumentos: fichas de observación, cartografías, registro fotográfico, encuestas y planimetría. Entre los resultados más importantes se evidencia que el equipamiento cultural (EC6) y el espacio público (EP8) son áreas degradadas e inactivas, además existe un déficit de lugares de integración cultural y escuelas en donde se desarrollen actividades artísticas, así como: galerías de arte, teatro, anfiteatro, escuela de música, escuela de danza, escuela de pintura. También, se observa que estos espacios presentan problemas como: mal estado del área libre, problemas de iluminación, espacios reducidos, problemas de ruido; asimismo, se determinó características espaciales y formales para la propuesta arquitectónica. En conclusión, esta investigación confirmó el vínculo existente entre el edificio y el espacio público, qué, se manifiesta a través de una propuesta arquitectónica, de la misma manera gracias a su diversidad de espacios da lugar a aquellas sensaciones que logren transmitir en el usuario un mayor interés hacia la cultura artística y se logre difundir su correcta enseñanza.
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Salvatierra, Capdevila Carmina. „La Escuela Jacques Lecoq: una pedagogía para la creación dramática“. Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2007. http://hdl.handle.net/10803/400762.
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Jacques Lecoq (1921-1999), ha sido uno de los pedagogos cuya enseñanza ha tenido una gran influencia en las artes escénicas de la segunda mitad del siglo XX. Se le identifica con la corriente teatral del llamado «teatro físico», aunque su aportación ha sido poco estudiada. Más conocida a través de sus antiguos alumnos, por su escuela internacional fundada en 1956, en París, han pasado creadores tan diferentes, entre otros, como Ariane Mnouchkine (Théâtre du Soleil), el grupo Mummenschanz, Bread & Puppet, Jorge Lavelli, Albert Vidal, Luc Bondy, Joan Font (Comediants), Anna Lizarán, William Kentridge, Steven Berkoff, Simon McBurney (Théâtre de la Complicité), Geoffrey Rush, Christoph Marthaler, Julie Taymor, Yasmina Reza.
Guiado por su interés en el Movimiento, a partir de la relación del cuerpo humano y el espacio, Lecoq construyó una pedagogía común para la actuación, la puesta en escena y la escritura dramática. Esta búsqueda la seguía también, aplicada al estudio de la arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde enseñó desde 1969. La tesis investiga en los fundamentos de esta enseñanza: el Movimiento, el Mimo y el Cuerpo humano; el método de la mimo-dinámica; la Máscara Neutra, la improvisación, la preparación corporal y el análisis del movimiento.
Está dividida en tres partes. Se inicia con la figura de Lecoq recogida en los diferentes diccionarios de teatro, para estudiar la tradición teatral a la que pertenece y la trayectoria vital que realizó hasta la formulación de la enseñanza, la creación de su escuela y su evolución hasta 1999. La parte central trata íntegramente de la práctica real, la aplicación de su método pedagógico, la preparación corporal y un acercamiento a su concepción del Movimiento. «Juego» e «Imaginario» son las dos nociones con las que esta investigación quiere acercarse a la comprensión en su valor fenoménico del juego dramático, y aportar una hermenéutica sobre el conocimiento de la propia naturaleza de la creación del lenguaje de la escena. La última parte estudia la concepción del mimo de Lecoq y Étienne Decroux, sus acuerdos y diferencias, por ser los dos pedagogos que más han reflexionado sobre el papel del mimo en el teatro.
El anexo contiene una cronología biográfica de Lecoq; programas informativos de la Escuela Jacques Lecoq de diferentes periodos entre1982 y 2000, incluido el Laboratorio de Estudio del Movimiento (LEM); algunos textos, escritos y fotos internos de la escuela sobre diferentes temas. Se incluyen entrevistas (3), artículos de prensa (11) y testimonios de antiguos alumnos (5), como la pedagoga Monika Pagneux. El material se completa con una selección de ejercicios y temas de improvisación tomados del diario «Carnets de bord d’un voyage au Central», un texto inédito del profesor de filosofía Christophe Merlant.Jacques Lecoq (1921-1999) has been one of the pedagogues whose teaching has had a great influence on the performing arts of the second half of the twentieth century. He is identified with the theatrical current of the so-called «physical theatre», although his contribution has not been throughly studied. His contribution is better known through his former students, those who attended his international school, founded in Paris in 1956. Guided by his interest in the Movement which is based on the relationship between the human body and the space, Lecoq built a common pedagogy for acting, directing, and playwriting. The present dissertation researches the foundations of this pedagogy: Movement, Mime and the Human Body; the method of mime-dynamics; the Neutral Mask, improvisation, body training and movement analysis. It’s divided into three parts. First, the theatrical tradition to which Lecoq belongs and his own vital trajectory until the opening of his school and its evolution until 1999. Then, his actual practice with specific exercises and his pedagogical method. Two notions guide this research: «Play» and «Imaginary». They are key concepts to his approach to the understanding of the dramatic play in its phenomenal value. The research addresses the need for a hermeneutic on the nature of language within the performing arts. The last part deals with the theoretical underpinnings of Lecoq and Étienne Decroux's mime, since they are the two pedagogues who have most reflected on the role of mime in the theatre. The annex contains information programmes of Jacques Lecoq School at different periods, including the Laboratory of Movement Study (LEM); texts and school photos on different aspects of the training. It includes interviews, press articles and accounts of the lessons by former students, such as the pedagogue Monika Pagneux, and a selection of exercises and improvisation themes taken from the daily “Carnets de bord d'un voyage au Central”, an unpublished text by Christophe Merlant.
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Ponce, Peña Jennifer Paola. „Centro metropolitano de arte dramático“. Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2016. http://hdl.handle.net/10757/593034.
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El presente proyecto responde a la problemática actual del teatro en Lima y propone la intervención de una manzana en el Centro de Lima, generando nuevos espacios que contribuyan a interrelacionar los diferentes tipos de interpretación que actualmente se expresan de manera polarizada en la capital. Por otro lado el proyecto hace énfasis a dos variables la primera social/comunitaria busca la integración del espacio público/colectivo con la comunidad a través del arte dramático, mediante el planteamiento de diferentes escalas de espacio de difusión vinculando equipamiento cultural con amplitud programática enseñanza, comercio y arte. El segundo énfasis es la regeneración de una zona monumental como lo es Paseo de los Héroes.Tesis
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Toruño, Sequeira Maritza. „Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica como Formadora de Identidad Teatral en Costa Rica“. Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2011. http://hdl.handle.net/10803/51486.
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El presente trabajo de investigación plantea la recuperación de documentos históricos que sobre el teatro costarricense han quedado diseminados en los distintas entidades académicas de la Universidad de Costa Rica. Tiene como objetivo plantear un proceso histórico-analítico que permita descubrir cuáles son las bases del teatro profesional costarricense a través de las dos instituciones teatrales más antiguas del país: el Teatro Universitario y la Escuela de Artes Dramáticas de la Universidad de Costa Rica. Siendo ambas instituciones parte de las políticas culturales de la más antigua universidad costarricense influyen directamente en la apertura del espacio cultural costarricense a través de los estudios superiores en la carrera de Artes Dramáticas. Es por ello que se ha generado en el espacio cultural de nuestro país una identidad teatral fundamentalmente profesional en los últimos 40 años de existencia, siendo esto evidente en los procesos de construcción de la enseñanza del teatro a través de diversos planes de estudio que establecen un marco metodológico concreto por el que muchas generaciones estudiantiles han sido formadas y marcando la primera característica del teatro profesional en Costa Rica, definiéndose como un teatro eminentemente universitario.
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Puchau, de Lecea María del Mar. „El arte dramático de Antonio de Solís y sus relaciones con la música: sus comedias mitológicas“. Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2017. http://hdl.handle.net/10803/458876.
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El propósito principal de esta tesis es desarrollar en profundidad el estudio del tema mitológico como recurso para la reflexión filosófica y espiritual en las obras escritas por Solís durante sus años al servicio del rey. Para ello abordamos la lectura y relectura atenta de las obras arriba mencionadas y acudimos a las diversas genealogías renacentistas y barrocas (Boccaccio, Pérez de Moya y Fray Baltasar de Vitoria) y a estudios más recientes sobre filosofía perenne y espiritualidad (Eliade, Andrés, Szenec, Arola, entre otros).
A su vez, teniendo en cuenta el contexto artístico interdisciplinar de la corte de Felipe IV en el que Solís escribe estas obras, prestamos especial atención a la música que aparece en ellas y a la función que desempeña, así como a las escenografías y representaciones pictóricas que, regidas por estrictos códigos y preceptivas, recurren también al tema mitológico como fuente de inspiración prácticamente inagotable.
Este trabajo surge, pues, de la necesidad de una aproximación profunda a la dramaturgia de Antonio de Solís. Concretamente se detiene en las constantes que pueden rastrearse en sus obras mitológicas y que ponen de manifiesto la riqueza de su obra literaria, revelando infinidad de fuentes literarias clásicas y renacentistas.Triunfos de Amor y Fortuna, Eurídice y Orfeo, El alcázar del secreto and Las amazonas were conceived to be performed in Philip IV of Spain's court in Madrid. However, their main plots are based on mythological episodes, dating back to Ancient Greece. Thus, my objective is to track which elements from the Greek myths are brought back to Golden Age theatre. Plots, characters, scenic spaces and music work together to create a symbolic meaning and their usage can be seen on multiple levels. The aim of this study is to examine the traces of Greek mythology and other previous literary works –such as Ariosto's Orlando furioso and Calderon’s La vida es sueño– in the plays written by Antonio de Solís to be performed in the court. We will observe the ways in which myths are used so as that the audience can embrace them despite belonging to such a different chronotope than the one they were created for. Characters, spaces and themes from myths and poems, crop up as mythical material in these plays by this baroque author with very specific intentions. The function of these resources create a personal poetic art and a strong relation between the works with Greek and Latin mythological plots written by Solís in his years working in Philip IV of Spain's court.
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Fernandes, Matheus Vinicius de Sousa. „Rupturas : reflexões, desafios estéticos e pedagógicos de um processo pós-dramático em contexto do ensino médio (técnico)“. Universidade do Estado de Santa Catarina, 2016. http://tede.udesc.br/handle/handle/2525.
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Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-09T18:43:54Z
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MATHEUS VINICIUS DE SOUSA FERNANDES.pdf: 1694077 bytes, checksum: b5a826046da383701b109d1fb63eb8b0 (MD5)Made available in DSpace on 2018-03-09T18:43:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MATHEUS VINICIUS DE SOUSA FERNANDES.pdf: 1694077 bytes, checksum: b5a826046da383701b109d1fb63eb8b0 (MD5) Previous issue date: 2016-03-21
The work here reflects discoursed about a Postdramatic theater experiment conducted in high school context (Technical). Qualitative research, practical-theoretical nature, aims to realize and pursue aesthetic, educational, philosophical principles that offer potential for theatrical creation at school, focusing on the meanings of freedom in the area of education, student role and relevance of teacher's role as a mediator in the theatrical creation. Therefore, I turn to the writings of theorists who made me redraft written in the abovementioned practice: HansThies Lehmann, Richard Schechner, Marcos Bulhões Martins, Hannah Arendt, Paulo Freire, Lev Vygotsky, Silvio Gallo, among others.
O trabalho aqui discorrido reflexiona acerca de um experimento teatral pós-dramático realizado em contexto de Ensino Médio (Técnico). A pesquisa qualitativa, de cunho prático-teórico, tem por objetivo perceber e buscar princípios estéticos, pedagógicos e filosóficos, que oferecem potencial para a criação teatral no espaço escolar, com foco nos sentidos de liberdade no espaço da educação, bem como, o protagonismo dos alunos e relevância do papel do professor como mediador na criação teatral. Para tanto, recorro aos escritos de teóricos que me fizeram reelaborar em escrita, a prática supracitada: Hans-Thies Lehmann (2007, 2009), Richard Schechner (1985, 2002), Marcos Bulhões Martins (2008), Hannah Arendt (1988, 2006), Paulo Freire (1980), Lev Vigotski (2001), Silvio Gallo (2002), dentre outros.
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Galindo, Marín Dolores. „Inteligencia emocional y personalidad de los alumnos de arte dramático: ¿qué los define como actores y directores?“ Doctoral thesis, Universidad de Murcia, 2015. http://hdl.handle.net/10803/336667.
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¿Qué personalidad tiene un actor? ¿Qué le lleva a transformarse cada noche sobre un escenario? ¿Es muy diferente de un director de escena? Los dos se ponen al servicio de la ficción diegética. Ambos necesitan tener empatía, inteligencia emocional, pensamiento creativo y equilibrio psicológico. La psicología ha prestado escaso interés a los actores (Goldstein, 2009). Investigaciones previas han determinado que la personalidad de estos tiende al neuroticismo (Goldstein & Winner, 2009), siendo proclives al sentimiento de culpa (Marchant-Haycox &Wilson, 1992), son más abiertos de mente y a la experiencia, son imaginativos y con sentido estético (Nettle, 2006), son creativos (Kogan, 2002; Nemiro, 1997), arriesgados y aventureros (Marchant-Haycox &Wilson, 1992). Otros estudios han investigado la empatía y la regulación emocional (Goldestein & Winner, 2008, 2012; Goldestein, Wu & Winner, 2009, 2010; Ligthelm, 2010) e Inteligencia Emocional (Corwin, 2014) en este grupo de población. El objetivo de nuestro trabajo fue estudiar el perfil psicocognitivo-emocional en una muestra de estudiantes de la Escuela Superior de Arte Dramático (Murcia) comparándolos con población normativa y comparándolos entre sí por especialidad de estudios (Interpretación y Dirección), género y curso. Los objetivos fueron: 1) realizar un perfil psicocognitivo de estos alumnos estudiando la personalidad, inteligencia general e inteligencia emocional; 2) estudiar las diferencias en función de la especialidad de estudios (Dirección vs. Interpretación), del género y del curso académico (para estudiar la influencia de la formación en Arte Dramático en las diferencias de los perfiles psicocognitvos); y 3) establecer la influencia de las variables estudiadas en la calidad artística (actor-director) de los alumnos, tomando como referencia de calidad las calificaciones académicas obtenidas. Un total de 221 alumnos: 84 chicos y 137 chicas, con edades comprendidas entre los 18 y 55 años participaron en el estudio. Se utilizaron pruebas estandarizadas: (MSCEIT v.2.0 Mayer, Salovey & Caruso, 2002/2009), (EQ-i, Bar-On, 2000), factor "g" de Catell (Cattell & Cattell, 1973/1999) y el Inventario de Personalidad Revisado (NEO-PI-R) (Costa & McCrae, 1978/2002). Los resultados mostraron, mediante análisis de comparación de medias (t de Student), que los futuros actores y directores son más inteligentes, más neuróticos, más abiertos, menos amables y menos responsables que la población normativa. En IE habilidad, mostraron una ligera superioridad en el área estratégica; destacando en la rama de comprensión emocional y manejo emocional y cierta inferioridad en facilitación emocional. No se encontraron diferencias atendiendo a la especialidad de estudios de los participantes. Dependiendo del género se encontraron algunas diferencias significativas que apuntan a un perfil de alumnos de A.D más inteligentes, y menos amables que las alumnas de A.D. Las diferencias entre cursos académicos muestran: una población homogénea en inteligencia, mientras que en personalidad destaca el elevado neuroticismo de 2º curso. Para descubrir la influencia de las variables estudiadas en la calidad artística, se realizó un análisis de regresión lineal por pasos sucesivos para cada especialidad, utilizando como variable dependiente la calificación académica (Interpretación o Dirección), y como variables predictoras: edad, género, nivel de inteligencia general y las variables de personalidad, IE habilidad e IE rasgo. En el caso de la predicción de la calidad como director, se obtuvo un modelo significativo. En dicho modelo solo quedó introducida como variable predictora la dimensión conciencia-responsabilidad, la cual explicaba un 21% de la calidad como director. Se discuten los resultados en el contexto de la investigación sobre personalidad, inteligencia emocional, empatía y regulación emocional en población similar (actores). Se ha cumplido el objetivo planteado y se destaca la importancia de los constructos estudiados en el ámbito de la pedagogía artística y la novedad de su planteamiento en una muestra de estudiantes de teatro en nuestro país.What personality does an actor have? What leads to transform him each night on stage? Is it much more different than a stage director? Both are at disposal of diegetic fiction. Both need to have empathy, emotional intelligence, creative thinking and psychological balance. Psychology has paid little attention to actors (Goldstein, 2009). Previous research has determined that actors’ personality tends to neuroticism (Goldstein & Winner, 2009), being inclined to the blame feeling (Marchant-Haycox & Wilson, 1992), they are more open-minded and open to experience, they are imaginative and have a aesthetic sense (Nettle, 2006), they are creative (Kogan, 2002; Nemiro, 1997), they are risky and adventurous (Marchant-Haycox &Wilson, 1992). Other studies have researched empathy and emotional regulation (Goldstein & Winner, 2008, 2012; Goldstein, Wu & Winner, 2009, 2010; Ligthelm, 2010) and Emotional Intelligence (Corwin, 2014) of this group of population. The objective of our project was to study the psycho cognitive-emotional profile of a sample of students of the Superior School of Dramatic Art (Murcia), comparing them with normative population and with themselves according to studies speciality (Acting and Directing), gender and school year. The objectives were: 1) to make a psycho cognitive profile of these students analysing personality, general intelligence and emotional intelligence; 2) to study the differences according to studies speciality (Directing vs. Acting), gender and school year (in order to study the influence of training in Dramatic Art on the differences of psycho cognitive profiles); and 3) to establish the influence of variables studied in students’ artistic quality (actor-director), taking as quality reference the obtained academic marks. A total of 221 students: 84 boys and 137 girls, 18-55 years old, took part in the research. Standardized tests were used: (MSCEIT v.2.0 Mayer, Salovey & Caruso, 2002/2009), (EQ-i, Bar-On, 2000), Catell’s “g” factor (Cattell & Cattell, 1973/1999) and Revised Personality Inventory (NEO-PI-R) (Costa & McCrae, 1978/2002). Results showed, through average comparison analysis (t for Student), that future actors and directors are more intelligent, more neurotic, more open, less kind and less responsible than normative population. Regarding EI skill, they showed a slight superiority in strategic area, standing out in emotional comprehension branch and emotional managing and certain inferiority of emotional facilitation. Differences attending the speciality of studies were not found. Depending on gender, some meaningful differences were found, which point to D. A. male students more intelligent and less kind than D. A. actresses. Differences on school years show: a homogeneous population on intelligence, while on personality high neuroticism is outlined in second year. In order to discover the influence of studied variables in artistic quality, a lineal regression analysis was made in successive steps, using as dependant variable the academic marks (Acting or Directing), and as predictive variables: age, gender, level of general intelligence and personality variables, EI skill and EI feature. Regarding prediction of quality as director, a meaningful model was obtained. In such model, the only predictive variable presented was the conscience-responsibility dimension, which explained a 21% of the quality as director. Results were discussed in the context of research on personality, emotional intelligence, empathy and emotional regulation in similar population (actors). The objective considered is accomplished and it is outlined the importance of studied constructs in the field of artistic pedagogy and novelty of its approach in a sample of theatre students in our country.
Bücher zum Thema "Escuelas de arte dramático"
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Museo Nacional de Arte (Mexico), Hrsg. Escuelas de pintura al aire libre: Episodios dramáticos del arte en México. México, D.F: Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, 2014.
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La formación actoral en España: La Real Escuela Superior de Arte Dramático (1831-1857). Madrid: Editorial Fundamentos, 2010.
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Todo lo hermoso es posible: Centro de Estudios de Arte Dramático Teatro Escuela Fray Mocho : una historia : 1948-1962. La Plata [Argentina]: Consejo Provincial de Teatro Independiente, 2013.
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Piles, Ana Fontestad. El conservatorio de música de Valencia: Precedentes e historia temprana (1850-1910). Valencia: Generalitat Valenciana, Institut Valencià de la Música, 2011.
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Guadalupe, Soria Tomás, und Pérez-Rasilla Bayo E. (Eduardo), Hrsg. Tratado de declamación o arte dramático. Madrid: Editorial Fundamentos, 2008.
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Lomas, Francisco Morales. Caníbal teatro: Un arte dramático para el XXI. Madrid: Editorial Fundamentos, 2009.
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Lavalle, Alicia María Uzcanga. Taller de teatro: Curso de arte dramático para alumnos de primaria, secundaria y preparatoria. México: EDAMEX, 2001.
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Lisé, Gloria. Con los pies en el escenario: Trayectoria del Grupo Arte Dramático y su director Salo Lisé. Salta, Argentina: [s.n., 2003.
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Vasques, Eugénia. A Escola de Teatro do Conservatório (1839-1901): Contributo para uma história do Conservatório de Lisboa. Lisboa: Gradiva, 2012.
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Carmen, Minguella, und Grau Florència, Hrsg. La espada del Rey Arturo. Barcelona: La Galera, 1991.
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Ruiz-Melero, María José, Mercedes Ferrando, Marta Sainz und María Dolores Prieto. „LA INTELIGENCIA EMOCIONAL EN ALUMNOS DE ARTE DRAMÁTICO“. In Salud y ciclo vital, 67–70. Dykinson, 2019. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctvfb6z2h.9.
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„FORMAS DE EXPRESIÓN DEL ARTE DRAMÁTICO PARA EDUCAR“. In Teatro para aprender, enseñar y curar, 23–32. Siglo del Hombre Editores, 2019. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctvpwhcq8.5.
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„EL ARTE DRAMÁTICO Y LA FORMACIÓN DE DOCENTES“. In Teatro para aprender, enseñar y curar, 47–56. Siglo del Hombre Editores, 2019. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctvpwhcq8.7.
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Michilot Yalán, Marisol. „Heteropías panópticas. Análisis tipológico de tres instituciones de encierro de la ciudad de Lima (Siglos XIX y XX)“. In Arquitectura & investigación. Arte, tipología, política, 159–78. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://dx.doi.org/10.18800/978-612-47555-5-2.008.
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«¿Puede extrañar que la prisión se asemeje a las fábricas, las escuelas, los cuarteles y los hospitales, todos los cuales, a su vez, se asemejan a las prisiones? » (Foucault 2009 [1976]: 261). El poder, el control y la gestión son elementos inducidos a través de las instituciones para generar disciplina y orden en la sociedad. Y es el edificio el que se transforma en un instrumento de confinamiento como garantía del cumplimiento del orden. Las heterotopías panópticas reflejan un sistema de retención y aislamiento; generan inclusión y exclusión por la manera en que se insertan en el espacio urbano. Los presos, por ley; los enfermos, por salvaguardar la salud pública; y los ancianos, por ser considerados personas en retiro, comparten un mundo interno administrado en una rutina diaria que nos permite comprender los mecanismos de la ciudad. A partir de tres casos de estudio se realiza un análisis tipológico partiendo por la perspectiva urbana, funcional y social, para entender la importancia del rol de esta tipología arquitectónica en la ciudad.
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Güntert, Georges. „El arte dramático de Lope de Vega: división de la fábula y estructura del discurso“. In El siglo de Oro en escena, 449–65. Presses universitaires du Midi, 2006. http://dx.doi.org/10.4000/books.pumi.2186.
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Ripoll Lluquet, María del Rocio. „INNOVACIÓN A TRAVÉS DEL ARTE EN LA ESCUELA“. In INNODOCT 2019. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/inn2019.2019.10143.
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El arte en la educación es muy importante. Muchas veces, y a pesar de estar siempre presente en las aulas, pasa a formar parte de alguna asignatura secundaria, en ocasiones, pasando desapercibido, y solo se recurre a él cuando se le necesita; ya sea para un proyecto, un regalo… Nosotros, como docentes, rara vez nos damos cuenta de lo esencial que puede llegar a ser, pues permite a su vez adquirir competencias que son imprescindibles para el desarrollo de los alumnos.Las escuelas de hoy en día se esfuerzan por llevar un aprendizaje basado en proyectos, en la que se les pide a los alumnos la capacidad de trasladar sus conocimientos al mundo real; y este aprendizaje basado en proyectos, lleva implícito el arte, la necesidad de crear. Y hablando de proyectos y de la importancia de dar rienda suelta a la imaginación, ¿Es posible recurrir al arte como elemento esencial para trabajar este tipo de educación? ¿Podría la animación ser capaz de transmitir los conocimientos adquiridos y trabajar de la mano de la creatividad?Pues bien, en este proyecto, se hace uso de la animación, en concreto, de la técnica del Stop motion, para que los alumnos puedan traspasar sus conocimientos adquiridos en las distintas materias, sin dejar de lado su creatividad. Pues con ella, se puede llevar a cabo este tipo de proyectos que relacionan las distintas áreas y de los que tan centrados están las escuelas de hoy en día. Por su atractivo y fácil uso en el aula, se convierte en una herramienta idónea para trabajarla en clase. Dando lugar a proyectos más cercanos y creativos capaces de plasmar el aprendizaje adquirido y sin dejar de lado a la creatividad, que tan importante es.Como educadores, es nuestro deber tener siempre presente el arte en nuestras clases, pues es tan importante saber desarrollar los conocimientos adquiridos y plasmarlos en el mundo real, como desarrollarlos a través de proyectos que den rienda suelta a esa creatividad.
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Ripoll Lluquet, María del Rocío. „Adolescencia y las emociones representadas a través del arte“. In INNODOCT 2018. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2018. http://dx.doi.org/10.4995/inn2018.2018.8862.
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Ser adolescente no es fácil. Necesitan ser aceptados por la sociedad, sentirse útiles. En cambio, la sociedad se empeña en rechazarlos. Sus palabras rara vez cuentan, y sus conocimientos no están lo suficientemente arraigados para aportar algo a la sociedad. Por ello, sufren, ven cercana la soledad, y rara vez expresan sus miedos, sus dudas. Es muy importante para el adolescente sentirse seguro y apoyado por los demás. Por ello, la escuela, por su parte, ha de enseñarles a saberse expresar y a saber escuchar. Psicólogos como René Diekstra y Howard Gardner, comparten la idea de un cambio en la manera de educar. En las escuelas, se les suele privar de una educación social, artística y emocional. El aprendizaje artístico debe girar en torno a proyectos; y éstos, dar lugar a esa reflexión, motivación, creatividad. Nos encontramos con un proyecto de innovación que incorpora una propuesta didáctica en el contexto académico donde se lleva a cabo. En este proyecto, al adolescente se le anima a profundizar en la búsqueda de sus sentimientos y a saber expresarlos a través del arte. Se hace hincapié en el lenguaje audiovisual como medio de expresión, en la que los adolescentes puedan expresar sus sentimientos y emociones a través de la técnica de Stop motion. Al no tener que expresarlos con palabras, se pierde el miedo al rechazo y el proyecto se convierte, inconscientemente, en el alma del adolescente. Con sus obras se vuelven más transparentes. Este proyecto se llevó a cabo en el colegio Chamberí maristas con adolescentes, que pudieron exteriorizar sus problemas a través del lenguaje audiovisual. En las escuelas, debe primar el esfuerzo por una educación creativa. Porque la clave del futuro es motivar al adolescente. Así, el educador Ken Robinson, hace referencia a la animación como una herramienta excelente para ayudar al desarrollo de la creatividad de los adolescentes.
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González Navarro, Rocío. „Sin teoría no hay práctica: la enseñanza de la teoría fotográfica en las Escuelas de Arte españolas. Una visión personal.“ In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.6761.
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En este comunicado trato de plantear mi visión personal, como docente, sobre la situación de la enseñanza de la Teoría de la fotografía en las escuelas de arte españolas. Oficialmente, se basan en unos contenidos mínimos que son publicados por la administración competente. Estos carecen, en mi opinión, de cierta información relevante, haciendo que la formación del alumnado sea incompleta, ya que les priva de las fuentes principales a partir de las cuales se desarrolla la Teoría de la fotografía.
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Monleón Oliva, Vicente. „ARTE Y EDUCACIÓN EN DIVERSIDAD SEXUAL. LA PERCEPCIÓN DE LA HOMOSEXUALIDAD EN UNA CLASE DE 6º CURSO A TRAVÉS DE LA TÉCNICA DEL DIBUJO“. In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9100.
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La sexualidad es uno de los temas tabú de los que adolece la educación en el territorio occidental. Se manifiesta una latente reticencia hacia su tratamiento en las aulas, más aún cuando se apuesta por abordarla desde la diversidad. Pero precisamente para avanzar es necesario apostar por esta pluralidad, romper con la norma establecida y desmontar el patriarcado que construye una única identidad entre el colectivo infantil que aparece diferenciado según su sexo. Apostando por superar los convencionalismos de la temática cuando esta se relaciona con el uso del preservativo o la menstruación. No obstante, con la iniciativa propuesta “Arte y educación en diversidad sexual” se pretende posicionar al grupo de estudiantes de sexto curso de una escuela pública de inclusión de Valencia desde un posicionamiento que permita entender la diversidad y respetarla, incluso normativizarla. Este conjunto tiene que contestar a una cuestión a través de la expresión plástica: “Dibuja a dos personas del mismo sexo mostrando su amor en público, ¿cómo te las imaginas?”. El ejercicio permite conocer cuáles son los conocimientos de un grupo mixto formado por 18 estudiantes. Averiguando como es la percepción de la clase hacia quienes forman parte del colectivo LGBT. Iniciativas como la presentada son necesarias para que el conjunto de discentes de las escuelas sea educado de una manera global, integral y conducido hacia valores de tolerancia y respeto. La educación debe de apostar por una diversidad sexual que prevenga los comportamientos homofóbicos que se desarrollan a medida que quien estudia crece, como consecuencia de no haber recibido una educación que contemple posibilidades más allá de la heteronormatividad.
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Cuéllar Torres, Tatiana. „El espacio material en dispositivos escénicos contemporáneos. Análisis comparativo de dos casos de estudio: Kingdom de la compañía Señor Serrano (2018) y La Despedida del laboratorio Mapa Teatro (2017).“ In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9549.
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Partimos de la pregunta “¿es la imagen o la dimensión estética de una obra, indisociable del discurso que sustenta?”, hecha por José A. Sánchez en la conferencia La imagen elocuente[1] (2014). Basándonos en esta cuestión, nos interesa analizar cómo la escenografía es capaz de asumir un papel protagonista en la dramaturgia de dos dispositivos escénicos del contexto contemporáneo. En este recorrido, la escenografía es entendida desde el concepto de narratividad, “que es el conjunto organizador de todo discurso” (Greimas y Courtés, 1990) y no una transcripción literal de la escena. En esta dirección, este estudio lo hacemos creando categorías “provisionales” que nos sitúen en la revisión de conceptos como: la palabra, el cuerpo, el espacio material y el discurso. Para ello, examinaremos la narratividad de la escenografía, comprobando si la visualidad de una obra invisibiliza la dramaturgia literaria de ésta o si el discurso narrativo transforma la dramaturgia visual. Para analizar estas nociones, tomamos como referentes las siguientes obras, porque transgreden el espacio material: Kingdom (2018) de la compañía Señor Serrano de Barcelona (España) y La Despedida (2017) del laboratorio Mapa Teatro de Bogotá (Colombia). Estos dispositivos escénicos, tienen formas concretas de producción y transforman el espacio material para que se vuelva protagonista de la puesta en escena, principalmente a través del lenguaje poético del live arts[2]. Esta transgresión de la dramaturgia visual y los discursos que sustentan, tienen un perfil político, porque sus creadores se comprometen con la actualidad social, transitando entre cambios conceptuales y formales para hablar de nuevas realidades. [1] Presentada en las Jornadas de Escenografía y plástica teatral en el Centro Dramático Nacional de Madrid. [2] El live arts es arte en vivo. Se refiere en este caso, al video en directo y en tiempo real.
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Lasaosa, Virginia Espa, María José Gutiérrez Lera, María Cañas Aparicio und María Adelaida Gutiérrez Martín. „Veinte años de docencia de la fotografía. Estudio de caso: Escuela de Arte de Huesca (España), Twenty years teaching photography. Case study: The Art School of Huesca (Spain)“. In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.6741.
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ResumenEl Ciclo Formativo de Grado Superior en Fotografía pertenece a la familia profesional artística de Comunicación Gráfica y Audiovisual y forma parte del sistema educativo español público.Esta comunicación presenta un panorama de la evolución de los estudios sobre fotografía en las Escuelas de Artes Plásticas y Diseño, exponiendo, a través del ejemplo de la Escuela de Arte de Huesca, el caso de la Comunidad Autónoma de Aragón.La implantación del grado superior de fotografía en Huesca se incardinó en la estructura propicia que aportaba una ciudad acostumbrada a valorar este modo de expresión icónica: el Festival Huesca Imagen en su día, una Fototeca pionera en medios y procedimientos, o actualmente el programa Visiona demuestran un interés particular por la imagen fotográfica.Nuestra sólida trayectoria ha pasado necesariamente por cambios tecnológicos y legislativos que han marcado la adaptación de la docencia a continuos retos. Aspectos como la aplicación de metodologías activas; el aprendizaje basado en proyectos; las constantes referencias a cuestiones teóricas e históricas, así como a los debates contemporáneos en torno a la fotografía; la innovación en los procesos de evaluación y el seguimiento individualizado basado en tutorías se incorporan a nuestra didáctica cotidiana y facilitan la adquisición de competencias de acuerdo a las nuevas exigencias curriculares, profesionales y artísticas.La formación que impartimos insiste en la reflexión sobre el proceso fotográfico como un hecho consustancial a la sociedad actual. A través de la acreditación en el Programa Erasmus+, nuestros estudiantes tienen además la posibilidad de relacionarse con el espacio formativo europeo y ven favorecida su futura inserción en el mercado laboral.A lo largo de estos años hemos logrado contar con la presencia de figuras de reconocido prestigio en diversos campos de la fotografía, personalidades que han aportado su visión y su saber a la Escuela. Desde nuestra perspectiva, la fotografía no sólo es una disciplina artística o una ocupación profesional, sino que constituye globalmente un modo de vida. Eso es lo que intentamos transmitir año tras año en nuestras aulas.AbstractThe Professional studies of Higher Degree in Photography belongs to the artistic professional family of Graphic and Audiovisual Communication and it is part of the Spanish state educational system. This paper presents an overview of the evolution of these studies on photography in the Arts and Design Schools and explains the example of Aragón, through the case of the School of Art of Huesca.The implementation of the higher degree in Photography in Huesca took place in a suitable background provided by a city used to value this iconic mode of expression: The former Festival “Huesca Imagen”, an innovative Fototeca in procedures and resources; or nowadays, the program “Visiona”, all of them show a particular interest on the photographic image.Our well stablished professional career has necessarily come across technological and legislative changes that have marked the adaptation of teaching to continuous challenges. Aspects such as the application of active methodologies; Project-based learning; Constant references to theoretical and historical issues as well as to contemporary debates on photography; Innovation in evaluation processes and individualized monitoring based on personal tutoring are incorporated into our everyday teaching and facilitate the acquisition of competences according to upcoming curricular, professional and artistic requirements.The training we provide stresses thinking about photography as a process consubstantial to our current society. Through the accreditation in the Erasmus + Program, our students have also the possibility to take part of the European training space and facilitate their future insertion in the labor market.Throughout these years we have had the opportunity to count on the presence of personalities of recognized prestige in various fields of photography, who have cast their vision and their knowledge to the School. From our own perspective, photography is not only an artistic discipline or a professional occupation, but conforms a whole way of life. That is what we try pass on in our classrooms year after year. Palabras clave: metodologías, evaluación, evolución, proyectos, experiencia docente, competencias, pública, Erasmus+, arte, tecnología.Keywords: methodology, assessment, progress, projects, teaching experience, skills, state school, Erasmus+, arts, technology.