Dissertationen zum Thema „Debussy, Claude (1862-1918) – Appréciation“
Um die anderen Arten von Veröffentlichungen zu diesem Thema anzuzeigen, folgen Sie diesem Link: Debussy, Claude (1862-1918) – Appréciation.
Geben Sie eine Quelle nach APA, MLA, Chicago, Harvard und anderen Zitierweisen an
Machen Sie sich mit Top-34 Dissertationen für die Forschung zum Thema "Debussy, Claude (1862-1918) – Appréciation" bekannt.
Neben jedem Werk im Literaturverzeichnis ist die Option "Zur Bibliographie hinzufügen" verfügbar. Nutzen Sie sie, wird Ihre bibliographische Angabe des gewählten Werkes nach der nötigen Zitierweise (APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver usw.) automatisch gestaltet.
Sie können auch den vollen Text der wissenschaftlichen Publikation im PDF-Format herunterladen und eine Online-Annotation der Arbeit lesen, wenn die relevanten Parameter in den Metadaten verfügbar sind.
Sehen Sie die Dissertationen für verschiedene Spezialgebieten durch und erstellen Sie Ihre Bibliographie auf korrekte Weise.
1
Veber, Zdenka. „La réception de la musique de Claude Debussy en Croatie“. Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040008.
Der volle Inhalt der Quelle
2
Fautereau, Vassel Émilie de. „Émergence de la figure historique de Claude Debussy dans la presse et la littérature de son temps“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2024SORUL005.pdf.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Pour mettre en évidence l'importance du rôle de la critique dans la constitution de la figure historique de Debussy, il pourrait suffire de remarquer que sa carrière, qui commence vers 1884 et s'achève à sa mort en 1918, se superpose précisément à la période durant laquelle la presse française connaît son âge d'or. Mais ses conceptions musicales révolutionnaires ont en outre provoqué analyses et débats en nombre, dans un contexte parfois polémique. Et la création de Pelléas et Mélisande entraîna, en 1902, ce que l'on peut appeler la controverse critique du siècle. Notre projet de recherche a consisté à réunir des articles critiques assez nombreux pour que, de la confrontation des textes, puisse émerger la représentation la plus fidèle possible de Debussy tel que son époque le percevait. Nos annexes présentent ainsi quelque 800 extraits transcrits et classés. Le discours sur Debussy évolue, mais présente des constantes ; par exemple, les critiques en appellent souvent à des catégories issues de la peinture (impressionnisme) ou de la littérature (symbolisme) pour tenter — sans réel succès — d'agréger à des mouvements connus les œuvres d'un compositeur féru d'arts picturaux et de poésie. Un autre aspect se dégage du corpus : sa remarquable richesse formelle. Invention lexicale et rhétorique, pastiche, caricature, apologues, portraits… Si le littéraire envahit le champ critique, la critique, l'œuvre et le compositeur sont intégrés dans le champ littéraire, devenant objets de fiction. Des portraits et extraits fictionnels sont venus compléter le corpus, éclairant la façon dont la littérature a pu influer sur l'inscription de la figure du compositeur dans notre mémoire collectiveTo highlight the role of critics in the constitution of the historical figure of Claude Debussy, it could suffice to note that his career, which starts around 1884 and ends at his death in 1918, precisely overlaps the golden age of the French press. Though, his revolutionary musical conceptions also generated numerous analysis and debates, in a sometimes controversial context. And the première of Pelléas et Mélisande spurred, in 1902, what we may call the critical controversy of the century. Our research project aimed to gather critical articles in sufficient numbers so that, through the confrontation of the texts, could emerge the most faithful representation of Debussy, such as his time perceived him. Our appendixes present near 800 excerpts, transcribed and sorted. The discourse on Debussy evolves, but does present some constants; for example, critics often call upon categories coming from painting (impressionism) or literature (symbolism) in order to attempt — with little actual success — to categorize among familiar movements the works of a composer, keen on pictorial arts and poetry. Another dimension emerges from the corpus: its remarkable formal richness. Lexical and rhetorical invention, pastiche, caricature, apologues, portraits… As the literary spills into the field of the critic, the works and the composer are conversely integrated in the literary field, and become fictional matter. Portraits and novel extracts have completed the corpus, shedding light on the way literature has contributed to the imprint of the figure of the composer in our collective memory
3
Pascoal, Maria Lucia Senna Machado 1937. „Preludios de Debussy : reflexo e projeção“. [s.n.], 1989. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284333.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Orientadores : Jose Antonio de Almeida Prado , Helena JankTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-13T22:14:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pascoal_MariaLuciaSennaMachado_D.pdf: 7534551 bytes, checksum: b7212ad76f9190cc72764d409cad2c9b (MD5) Previous issue date: 1989
Resumo: Existem peças musicais que se constituem em conjutos homogeneos e seu estudo pormenorizado nos leva a compreender o pensamento musical de um compositor. Um desses conjuntos de peças são os 24 Prelúdios de Claude Debussy, escritos entre 1909/1912, representativos de sua plena maturidade. Obra das mais importantes na literatura pianistica pelo maneira nova de tratar o instrumento, é também pela própria composição que nos revela como Debussy, utilizando-se de ténicas antigas, outras estranhas ao repertório europeu, cria sua linquagem original: amplia os códigos de sua epoca, inventa novos que se projetam e abrem caminhos para a música do século xx. O que este trabalho demonstra: através da análise e levantamento das técnica, faz ligações e comparações dos Prelúdios de Debussy com músicas de diversas épocas, sistemas e estilos musicais/pianisticos, considerando-os portanto, como reflexo e projeção
Abstract: Some musical works may be considered as an homogeneous whole and by studying them in detail, the composer's musical thought will be revealed. One of these pieces are DEBUSSY'S 24 PRELUDES, written between 1909- 12. Representing the culmination of his artistic maturity, they are an important work in the pianistic literature because of the new treatment that is given to the instrumento Also regarding the composition itself, Debussy makes use of ancient as well as foreign techniques, that until then did not belong to the European repertoire. In these PRELUDES the composer shows how he creates his original language, by increasing the codes of his time and inventing new ones, which outstood and have opened the way for the outcome of the twentieth century's music. That's what is demonstrated here, comparing DEBUSSY'S PRELUDES to music of different times as well as musical/pianistic systems and styles, considering them in view of alI that as REFLECTION and PROJECTION
Doutorado
Doutor em Artes
4
Blount, Jodi Lambert. „Claude Debussy's Images, series two, and the influences on Debussy's compositional style“. Thesis, Full text (PDF) from UMI/Dissertation Abstracts International, 2001. http://wwwlib.umi.com/cr/utexas/fullcit?p3008243.
Der volle Inhalt der Quelle
5
Lassauzet, Benjamin. „Claude Debussy et l'humour“. Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC034.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Claude Debussy n’est pas habituellement un compositeur dont on associe la production musicale à l’humour. Il existe pourtant un Debussy humoriste, trop souvent oublié, qu’il est nécessaire de réhabiliter afin d’obtenir une image plus fidèle de son œuvre. Pour comprendre les raisons pour lesquelles on n’a pas, à ce jour, accordé à l’humour de Debussy la place qu’il mérite dans son style et sa production, nous dirigeons nos investigations vers les différents maillons de la relation esthétique à son œuvre, tels que les décrit Jean-Jacques Nattiez : le poïétique et l’esthésique. Il s’agit alors d’observer les facteurs risquant d’amener les différents rouages à se gripper dans la perception et la compréhension du comique musicalClaude Debussy isn’t a composer whose musical production tends to be associated to humour. However, one must consider and rehabilitate a humorist Debussy, too often forgotten, if one wants to obtain a more faithfull idea of his work. In order to understand the reasons why one has not, until this day, accorded to Debussy’s humour the role it deserved in his style and production, we will investigate the different steps of the aesthetical relation with his work, as described by Jean-Jacques Nattiez: the poïetic and the aesthesic. We shall observe the downside risk that may seize up the mechanism of comic perception and understanding in music
6
Etheridge, Kay 1954 Apr 18. „Stylistic and Technical Considerations for Pedaling the Debussy Preludes, Together with Three Recitals of Selected Works of L. van Beethoven, A. Berg, J. Brahms, F. Chopin, C. Debussy, W.A. Mozart, S. Prokofieff, A. Schoenberg, F. Schubert, and R. Schumann“. Thesis, University of North Texas, 1990. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc330821/.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
The lecture recital was given November 6, 1989. Five Preludes by Claude Debussy were preformed following a lecture on some important considerations of approaching the pedaling complexities in his solo piano works. In addition to the lecture recital, three other solo piano recitals were performed. The first solo recital consisted of works by Franz Schubert and Robert Schumann, and was performed on November 17, 1980. On March 1, 1982, the second solo recital was presented. This performance consisted of works by J. Brahms, W.A. Mozart, S. Prokofieff, and A. Schoenberg. The third solo recital was performed on November 21, 1988 and included the works of L. van Beethoven. A. Berg, F. Chopin, and C. Debussy. The four programs were recorded on tape and filed with the written version of the lecture as part of the dissertation.
7
Rode, James A. „Sensory understanding if the piano preludes of Claude Debussy“. Honors in the Major Thesis, University of Central Florida, 2004. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETH/id/341.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
This item is only available in print in the UCF Libraries. If this is your Honors Thesis, you can help us make it available online for use by researchers around the world by following the instructions on the distribution consent form at http://library.ucf.edu/Systems/DigitalInitiatives/DigitalCollections/InternetDistributionConsentAgreementForm.pdf You may also contact the project coordinator, Kerri Bottorff, at kerri.bottorff@ucf.edu for more information.Bachelors
Arts and Sciences
Music
8
Pieva, Mirka Campello da. „O estudo pour les octaves de Claude Debussy : um relato sobre a organização do processo de aprendizagem motora“. reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2005. http://hdl.handle.net/10183/6489.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Este trabalho relata a organização do meu processo de aprendizagem motora do Estudo Pour les Octaves de Claude Debussy. Nele, são descritos o planejamento, a implementação e a avaliação da prática através do modelo tripartido de Fitts e Posner (1979). A prática foi organizada da seguinte forma: a peça foi segmentada e foram definidos os movimentos necessários à sua execução através dos ciclos de movimento (PÓVOAS, 1999). O estudo da peça iniciou-se pelos segmentos, os quais foram gradativamente integrados. As sessões de prática foram documentadas através de relatos escritos e gravações em vídeo e algumas foram supervisionadas pela orientadora. Os dados coletados foram avaliados tanto ao longo da implementação da prática, quanto a posteriori, através de uma reflexão retrospectiva do processo.
9
Astilla, Christopher. „"Between the Staves" - Adaptations of Debussy's Six épigraphes antiques and Creative Tasks of the Performer“. Thesis, University of North Texas, 2007. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc5205/.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
The Six épigraphes antiques represent a cross-section of Debussy's creative output that traces the composer's germ-seed from his original setting of the work in 1901 as incidental music to accompany the recitation of several poems, to the four-hand piano version of 1914, and its consequent reduction for solo piano. What can be gleaned by the methods of derivation from his original sketches to the final, mature works is an understanding of Debussy's use of musical metaphor and his connection to the poetry - the Chansons de Bilitis of Pierre Louÿs. Embedded literary procedures create a new musical expression of the work whereby text and music become integrated. Rather than serving as accompaniment to the poems, the Épigraphes function as the primary vessel for the conveyance of these ancient scenes. Several of Debussy's hallmark symmetrical and structural moulds, such as the whole-tone, chromatic, octatonic, and mirroring techniques reflect the omnipresent symmetry of Classical Greece. Various other artistic creations emanated from the Épigraphes, most significantly the orchestration of Ernest Ansermet in 1939. A look at the techniques used by Ansermet for the augmentation of the piano work serves to extrapolate the multifarious layers relevant in performance. In order to facilitate the four-hand version for solo piano, Debussy used a variety of reductive methods. There are, however, means by which some of the extracted material might be restored to the solo version. Like the late work of many great masters, the Épigraphes are redolent of the tendency so many artists have near the end of their days - to revert back to the purest techniques of their language. The scoring of Debussy's Épigraphes is scaled back, compared to his Préludes (often consisting of three staves of notation), and incorporates leaner textures generated from lapidary motifs which transmit the antique realms evoked by the poetry of Louÿs.
10
Revol, Patrick. „Influences de la musique indonésienne sur des musiciens français de 1889 à nos jours“. Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081487.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Selon une opinion communement admise, l'oeuvre de debussy a ete profondement marquee par la musique javanaise a l'exposition universelle de 1889. Si l'on regarde de plus pres, aucun ouvrage ne prend la peine d'analyser avec serieux cette supposee evidence. Ce travail a pour ambition, dans une premiere partie, d'apporter la preuve de cette influence. Dans une seconde partie nous quittons debussy afin de montrer qu'a sa suite bon nombre de compositeurs francais vont porter une attention toute particuhene a la musique de gamelan. Bien que jamais demontree, l'admiration de debussy pour java est reconnue depuis fort longtemps. En revanche, elle est rarement evoquee a propos de ravel. S'il est vrai qu'elle ne bouleverse pas de facon aussi radicale sa musique, le souffle du gamelan est cependantomnipresent dans laideronnette imperatrice des pagodes. Nous avons consacre quelques pages a l'etude de cette oeuvre et tente de montrer que de nombreux parametres musicaux relevent de techniques extra-europeennes. Si java marque les esprits de debussy et ravel, les artistes francais, a partir des annees 30, vont plutot tourner leurs regards vers bali. Cette nouvelle orientation s'explique par uncertain nombre de raisons a la fois politiques et esthetiques sur lesquelles nous avons apporte quelques eclairages. Nous abordons des oeuvres de messiaen, jolivet, varese, boulez, dutilleux, mache, eloy, aperghis. Nous n'avons nullement cherche a etablir un catalogue complet de compositeurs francais ayant de pres ou de loin un rapport avec la musique balinaise. Notre choix s'est plutot dirige vers un questionnement des materiaux employes par chacun d'eux afin de degager les elements qui relevent de techniques indonesiennes. Bien que notre approche ne soit pas de nature ethnomusicologique, nous avons juge opportun de placer en annexe certains complements d'informations notamment un chapitre sur les instruments, illustre par des photographies que nous avons realisees a java ou baliAccording to a widely-accepted idea, debussy's work was deeply influenced by javanese music at the universal exhibition of 1889. After closer study, it can be noted that no thorough analysis of that supposedly obvious statement has ever been done. In a first part this work aims at bringing the evidence of that influence. In a second part we leave debussy in order to show that, in his wake, a fair number of french composers paid a particular attention to gamelan music. Although it has never been. Demonstrated, debussy's admiration for java has been acknowledged for a long time. However this is rarely mentioned as far as ravel is concerned. Though it does not affect his music in such a drastic way, yet the gamelan influence is omnipresent in laideronnette imperatrice des pagodes. We have devoted a few pages to the study of this work and attempted to demonstrate that a lot of musical parameters pertain to extra-european techniques. If java left a mark on the minds of debussy and ravel, from the 1930's trench artists rather started looking toward bali. This new trend can be explained because of certain number of reasons - both political and esthetic - into which we have given some insight. We deal with works of messiaen, jolivet, varese, boulez, dutilleux, mache, eloy, aperghis. We have not in the least attempted to set up a complete catalogue of trench composers connected with balinese music. We have chosen to study the materials used by each of them in order to single out the elements pertaining to indonesian techniques. Althought our approach is not of an ethnomusicological nature, we have thought appropriate to include further information particularly a chapter on the instruments, illustrated by photographs that we have taken in java and bali
11
Leydon, Rebecca Victoria. „Narrative strategies and Debussy's late style“. Thesis, McGill University, 1996. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=42076.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Many music scholars share a belief in a deep-seated connection between music and language. This belief underlies the exploration of homologies between musical and linguistic structures that have been an important area of study within our field. In recent years, however, a number of scholars have been considering larger units of musical structure, taking as their model not the syntactic structure of the sentence, but rather the organizational structure of whole narrative texts. One goal of narratology is to investigate the ways that events experienced separately are comprehended as a unified whole. Because of its attention to the interplay of schema-driven and data-driven perception, narrative theory is suggestive of an approach to the study of the early post-tonal repertoire, music that involves both tonal configurations and atonal, "intra-opus" processes.Debussy's late works, which include the Etudes and the three Sonatas, exhibit a distinct style which combines elements of late nineteenth-century chromaticism with atonal features, innovative formal structures and new pitch resources. This study begins with the assumption that the large-scale tonal structure of most nineteenth-century instrumental music is analogous to the "plot" of a classical narrative text; in contrast, Debussy's quasi-tonal structures represent alternatives to that classical narrative syntax. I view Debussy's innovative musical language as a departure from a prevailing "narrative code," which is embodied in the works of composers like Wagner, and dominated by notions of tension and resolution, tonal departure and return, and monumental formal structures. In contrast to this tonal idiom, Debussy's late works exhibit other modes of organization which can be more accurately modeled using alternative story-types. The alternative narrative models I invoke come out of two main research areas: studies on the development of story-telling ability in children, and studies of the spatial and temporal relationships exhibited in the early silent cinema. Throughout this study I attempt to contextualize the array of narrative strategies manifested in Debussy's music within the general cultural reorientations of the early twentieth century that we identify as Modernism.
12
Marchetto, Luiz Fernando Lemos [UNESP]. „Chanson polifônica francesa: um estudo nas obras corais a capella de Claude Debussy e Maurice Ravel“. Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2004. http://hdl.handle.net/11449/95111.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0
Previous issue date: 2004-08-30Bitstream added on 2014-06-13T18:56:14Z : No. of bitstreams: 1
marchetto_lfl_me_ia.pdf: 7290807 bytes, checksum: 97c4d4043c341670b195f82b68942e36 (MD5)Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Este trabalho tem por objetivo estudar a chanson polifônica francesa, em particular as chansons para coral a cappella, escritas por Claude Debussy e Maurice Ravel, esperando que sirva de subsidio aos regentes corais, ajudando-os a compreender os elementos musicais e literários presentes nestas obras. Através de pesquisa na bibliografia, aborda-se a transformação da chanson ao longo do tempo para, em seguida, contextualiza-la dento da produção musical de C. Debussy e M. Ravel, apontando as principais características de suas linguagens musicais e as influências literárias que as inspiraram. Os dois conjuntos de chansons foram analisados, considerando seus elementos musicais e poéticos. Apesar das diferanças existentes no emprego da textura, da harmonia e da linguagem poética entre as chansons aqui analisadas, conclui-se que o fator comum que permeia estas obras é o uso da sonoridade natual das palavras, às quais se agrega de forma harmoniosa, funcionando como reforço expressivo das idéias e imagens sugeridas nos textos.
The dissertation presents the study of the French poliphonic chanson, particularly those composed by Claude Debussy and Maurice Ravel. with the purpose of helping choir conductor to better undestand musical and literay elements present in these songs. The evolution of the chanson throught time is approached based on resarch of bibliography. The two sets of poliphonic chansons by Debussy and Ravel have been analyzed, calling attention to their poetical and musical elements. Besides the differencs in the texture, harmony and poetic language between the chansons here studied, it is possible to conclude that what they have in common is the natural sonority of their lyrics, to which music is added harmoniously, as an expressive reinforcemente to idas and images present in the poetic text.
13
Dubiau-Feuillerac, Mylène. „Paul Verlaine dit par Claude Debussy (1882-1904) : rythme, poétique et diction poetico-musicale“. Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20032.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Loin d’une recherche du seul sens des mots, purement sémantique, la poésie de Paul Verlaine travaille sur les autres paramètres signifiants de la langue : sonorités, durées, rythme. Ces marques de l'inscription du sujet dans le discours, oralité latente dans les poèmes de Paul Verlaine, trouvent une réalité sonore dans les mises en musique de Claude Debussy. Le rythme, paramètre essentiel de la musique, mais aussi de la versification poétique, est le point central de notre travail qui porte sur la relation entre la mise en rythme littéraire des poèmes de Paul Verlaine (1844-1896) et leur mise en mélodie par le compositeur Claude Debussy (1862-1918). La tradition de la diction de l'époque semble indissociable de l'élaboration de ces dix-sept mélodies de Claude Debussy sur des poèmes de Paul Verlaine, composées de 1882 à 1904, au cœur de la tradition des lectures publiques de poèmes dans les salons parisiens. L'oralité propre aux textes de Paul Verlaine, rythmicien du vers, induit une interprétation jouant avec les conventions du langage poétique. La recherche au plus près du travail d'écriture de Paul Verlaine conduit le compositeur à renouveler l'approche de la mise en musique de textes versifiés « réguliers ». Ces recherches rythmiques portent le musicien à une nouvelle conception de la structuration du discours musical et de la temporalité. L'étude des différents paramètres musicaux, en relation avec les caractéristiques littéraires des poèmes, est un enjeu important pour le travail d'interprétation des mélodies. La double diction pianistique et vocale du format de la mélodie française propose une approche sensible de la poétique du poème, qui recrée l'organisation du discours musical. En passant par un travail analytique des partitions et des poèmes, notre thèse recherche, dans les partitions de mélodie française et dans les témoignages de performances, des traces mémorielles de la diction des poèmes à la fin du 19ème siècle – qui en révèlent la poétiqueFar from of a research of the only meaning of words, in a semantic perception, Paul Verlaine's poetry is working with others significant parameters of the langage : sonorities, length, rythm. This marks of subject's inscription in the discurse, which reveals the orality of Paul Verlaine's poems, reach a sonorous reality with the compositions of Claude Debussy. Rythm, which is an essential parameter of music, but also of poetry, is the focal point of our work on the interactions between rythm in poetry of Paul Verlaine (1844-1896) and rythm in the mélodies of Claude Debussy(1862-1918). The tradition of diction in this time seems to be indissociable with the elaboration of the seventeen mélodies of Claude Debussy on Paul Verlaine's poems. There are in the heart of the tradition of reading poetry in public in the parisian salons. The orality of the poems, as specificity of Paul Verlaine who works with rythm in poetry, gives an interpretation which is a play with conventional poetry. Claude Debussy try to write in music as Paul Verlaine does in his writings that are all regular verses in poetry. These propositions of rythm in this regular context lead the musician to recreate the structuration of the musical discurse. The study of diferent musical parameters in the mélodie, in interaction with the literary marks, reinvent an interpretation of the genre of mélodie française. The double diction (voice and piano) gives a sensible approach to the poetics of the poem, that recreate musical discurse
14
Spampinato, Francesco. „Debussy et l'imaginaire de la matière : métaphorisation et corporéité dans l'expérience musicale“. Aix-Marseille 1, 2006. http://www.theses.fr/2006AIX10063.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
La première partie de cette étude gravite autour de trois concepts-clé : le discours métaphorique, la corporéité et l'imaginaire. L'analyse des aspects principaux du "discours métaphorique" sur la musique montre la légitimité de son emploi dans le cadre de la recherche sur la signification musicale. L'expérience corporelle (corporéité) est une source privilégiée de production de métaphores. En particulier, le réseau d'images métaphoriques (imaginaire) qui voit la musique dans les termes d'une matière physique se rattache à l'expérience corporelle de matières manipulables. Une application de ces théories à l'oeuvre de Claude Debussy est proposée à partir de la deuxième partie. La critique musicale et la musicologie nous ont livré une image de ce compositeur où surabondent les métaphorse matérielles. Dans l'histoire de la réception de la musique debussyste, la présence de l'élément liquide a été examinée sous des points de vue différents et à l'intérieur de domaines disciplinaires distincts. Dans la troisième partie de cette thèse, on passe des métaphores produites sur la musique aux métaphores produites par la musique. Certaines compositions de Debussy sont d'utiles exemples du traitement "matériel" de la substance sonore. Une nouvelle approche de l'écoute et de l'étude de "Jeux de vagues" sera proposée : les constantes repérables au sein de l'imaginaire matériel évoqué par cette pièce chez les auditeurs peuvent fournir des points de référence pour un nouveau type d'analyse. Trois "gestes musicaux" conduisent, enfin, à une exploration interartistique : le parcours descendant (dont on analyse les conjonctions avec la peinture préraphaélite et nabi), le balancement (mis en relation avec une phase de la production de Claude Monet) et la vibration suspendue (rapprochée de la dernière période de Monet).
15
Bruschini, Adrien. „Tonalités, motifs et structures d'intervalles dans les mélodies de Claude Debussy (1887-1893)“. Thesis, Nice, 2014. http://www.theses.fr/2014NICE2049/document.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
A la fin des années 1880, le langage musical de Claude Debussy, influencé à la fois par Wagner, le symbolisme, et la poétique de Baudelaire, se transforme en profondeur.Le système tonal, alors unique horizon d'attente (Jauss) des institutions musicales européennes, est repoussé à l'arrière plan des mélodies du compositeur, par des associations avec des thèmes poétiques comme les souvenirs, l'humour, et l'enfermement.Cette thèse se concentre sur une analyse de ces transformations, et sur une comparaison de ce langage musical neuf avec celui des Serres chaudes d'Ernest Chausson, cycle de mélodies qui partage pourtant les mêmes influences poétiques et musicalesIn the late 1880's, Claude Debussy's musical language, influenced by Wagner, symbolism and Baudelaire's poetry, deeply transforms itself.The tonal system, still regarded as the unique horizon of expectations (Jauss) of European musical institutions, is pushed to the background in the composer's melodies by his characteristic associations with poetical themes like memories, humor, and reclusion.This thesis focuses on an analysis of these transformations and on a comparison of this new musical language with Ernest Chausson's Serres chaudes, which still shares the same poetic and musical influences
16
Seligson, Robert Jan. „The Rapsodie for Orchestra and Saxophone by Claude Debussy: a Comparison of Two Performance Editions“. Thesis, University of North Texas, 1988. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc330587/.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
This paper discusses the historical background of the Rapsodie for Orchestra and Saxophone by Claude Debussy and includes a comparison of two piano performance editions. Chapter I includes information on Elise Hall, her work with the Boston Orchestra Club and the circumstances of her commission of Claude Debussy which yielded the Rapsodie. Chapter II discusses the Editions Durand piano reduction and the reasons for its neglect by saxophone performers. This chapter includes a study of the techniques used by Eugene Rousseau to create his arrangement of the Rapsodie for saxophone and piano. The study concludes that the arrangement by Rousseau is more attractive to saxophonists and will be performed more frequently than the Durand reduction.
17
Guigue, Didier. „Une étude "pour les sonorités opposées" : pour une analyse orientée objets de l'oeuvre pour piano de Debussy et de la musique du XXe siècle“. Paris, EHESS, 1996. http://www.theses.fr/1996EHES0309.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Les outils d'investigation analytique developpes au cours de ce siecle sont presque exclusivement dedies a l'etude des systemes organisant le niveau le plus elementaire de la composition : les classes de hauteurs. Or la configuration et l'articulation d'objets conceptuels complexes constituent a l'evidence, depuis debussy, des vecteurs au moins autant importants de la structuration de la forme. Le present travail expose les bases d'une methode de saisie et d'evaluation des composants de l'ecriture susceptible d'apporter des informations pertinentes pour une analyse du role fonctionnel de ces objets. Circonscrites ici a un choix d'oeuvres paradigmatiques pour piano de debussy, les analyses experimentales montrent de quelle maniere une telle approche orientee objets peut s'inserer dans une strategie analytique globaleMost of analytic tools developed during this century are exclusively devoted to the basic low-level components of music writing : pitch classes. It is however an evidence that, at least since debussy, forming and linking complex abstract sound-objects are, too, decisive composing features. This work exposes the basis of a computer-aided method of information and evaluation of the components of the musical score which may bring out all the necessary data for a neutral-level analysis of the formal functions of these objects. Our experimental analyses of some piano works of debussy, show how such an object-oriented approach could be included in a more general analytic method
18
Michel, Fabien. „La querelle des d'Indystes et des Debussystes“. Dijon, 2000. http://www.theses.fr/2000DIJOL034.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Le succès de Pelléas et Mélissande fut à partir de 1902 le prétexte d’une Querelle entre musiciens français : d’un côté les debussystes, conquis par la nouveauté du langage musical de Claude Debussy (1862-1918), d’un autre les d’indystes, lesquels groupés autour de Vincent d’Indy (1851-1931), ont été les artisans et les continuateurs du renouveau franckiste. Mais les causes du conflit sont ailleurs : la Querelle des d’Indystes et des Debussystes intéresse tout autant l’histoire de la musique que l’histoire des idées. Ce conflit musical est aussi d’ordre idéologique. Les textes de la Querelle, présentés ici dans leurs intégralité et rassemblés pour la première fois suffisent à s’en convaincre. La première partie de l’ouvrage donne des clés pour comprendre la Querelle : rôle des critiques musicaux dans le conflit, définition du d’indysme et du debussysme, analyse des relations d’Indy-Debussy et portraits politiques des deux musiciens. Le récit de la Querelle (deuxième partie) étayé de documents inédits, va au-delà de la simple chronique des évènements marquants de la période 1902-1918 ; il les replace dans le contexte politique et culturel de la IIIème République. Mêlant philosophie, analyse musicale et esthétique, histoire musicale et histoire politique, l’auteur aborde le sujet dans sa globalité avec un souci constant d’objectivitéPelleas ans Melisande’s success was from 1902 the pretext to a quarrel between french musicians : on one side the Debussysts won by the novelty of Claude Debussy’s musical language (1862-1918), on the other side the d’Indysts gathered around Vincent d’Indy (1851-1931)
19
Hozman, Denny. „Preludia F. Chopina, A. N. Skrjabina a C . Debussyho - srovnání“. Master's thesis, Akademie múzických umění v Praze.Hudební a taneční fakulta. Knihovna, 2015. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-202920.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
The subject of this thesis is to present the cycles of the preludes composed by F. Chopin, A. N. Scriabin and C. Debussy and to compare them with each other. 3 sorts of criteria will be chosen for that: 1) non-musical criteria, 2) music theory criteria and 3) will be researched through the analysis of chosen music pieces from the cycles. Their common features and differences will be summarized at the end of the each chapter.
20
Nguyen, Hoang hau. „L'influence de la musique asiatique sur la composition chez Claude Debussy“. Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040160.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
L’interférence et interaction Europe-Asie sur le plan culturel et artistique qui s’est épanouie durant le XIXe siècle a ouvert une nouvelle réserve de nouveaux matériaux pour la création littéraire et artistique. De cet échange chacun des deux continents a retiré pour lui-même des éléments qui lui étaient bénéfiques aux points de vue littérature, peinture, musique, architecture, et même religion... La thèse intitulée “Influence de la musique asiatique sur la composition chez Claude Debussy” est entreprise dans le but de rechercher les ingrédients exotiques exploités avec grande délicatesse et sensibilité par Debussy – homme progressiste ouvert aux courants nouveaux, symbole de l’Impressionnisme en musique et surtout grande célébrité pour ses nouvelles limites en timbres. L’analyse d’environ 140 œuvres officiellement publiées de Debussy confirme sa grande réussite dans la mise en œuvre des matériaux musicaux Asiatiques. D’autre part, la thèse se propose aussi de montrer cet autre aspect de Debussy, à savoir qu’il était la somme harmonieuse de l’esthéticisme dans l’art Japonais, de la pureté des échelles traditionnelles, et de la témérité dans l’emploi de timbres nouveaux provenant des instruments AsiatiquesThe cultural and artistic interference and interaction that flowered during the 19th century between Europe and Asia brought a new enormous storage of artistic material at the disposal of European artists. Both continents derived from it materials useful to them in terms of literature, paintings, music, architecture and even religion... The present thesis, “Influence of Asian music on Claude Debussy’s composing”, aims at spotting out exotic materials subtly and sensitively brought into play by Debussy – a progressist spirit open to new trends, symbol of Impressionism in music and, above all, top celebrity for his setting of the new limits for timbres. Analysis of 140 Debussy’s officially published works confirms his success in using Asian materials for his music. Moreover, the thesis also manage to bring into light this other aspect of Debussy, as the final and successful product from the blend between Japanese estheticism, purity of the traditional scales and boldness in the use of new timbres from Asian instruments
21
Choi-Diel, In-Ryeong. „Evocation et cognition : le reflet dans l'eau en poésie et en musique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle“. Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081499.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Le but de cette these est de proposer un modele de l'evocation applicable en poesie et en musique. Pour ce faire, nous sommes partis d'un double principe formel et cognitif, inspire de la theorie poetique dite de l' + evocation ;, elaboree par marc dominicy. Nous considerons que l'evocation est un processus cognitif present en poesie et en musique et qu'il fait appel a la memoire encyclopedique. Dans ce processus d'evocation, le parallelisme superficiel au sens de nicolas ruwet constitue le principe formel caracteristique de la poesie et de la musique, et la semantique du prototype sous-tend le contenu de l'evocation dans sa forme globale. En degageant ainsi les principes constitutifs d'une poesie (ou d'une piece musicale), nous soutenons qu'elle met en oeuvre une relation evocatrice entre sa forme globale et le ou les prototypes qu'elle represente. Nous proposons ensuite une procedure qui permet de reconstituer le contenu mis en oeuvre par le createur, en tenant compte de la specificite de chacun de ces arts. Au travers de l'analyse d'oeuvres traitant du theme du reflet dans l'eau, nos recherches montrent comment le poete et le musicien manipulent le materiau artistique qui leur est propre pour construire l'evocation. Ils explorent les proprietes typiques formelles et semantico-cognitives de cette image - effet de miroir, liquidite, fluidite, mouvement ondoyant, miroitement lumineux. Reverie mysterieuse, image renversee. Ce sont ces elements qui permettent au recepteur de retrouver la representation mentale qui lui est propre et qu'il aura conservee dans sa memoire a long terme. Nous concluons enfin, en avancant l'idee d'une application possible de ce modele dans l'etude d'autres arts comme par exemple le cinema ou l'operaThe aim of this thesis was to work out a model accounting for the process of evocation which could apply to both poetic and musical analysis, based on a double formal and cognitive principle inspired by marc dominicy's "evocation theory". We do consider evocation to be a cognitive process common to poetry and music and relying on encyclopedic memory. The formal principle peculiar to both means of artistic expression is that which is defined by nicolas ruwet as superficial parallelism. The semantics of the prototype underlies the content of evocation in its global form. By pointing out the main principles of poetical and musical works; we argue that there is a relation of evocation between their global form and the prototypes they represent. We then suggest a procedure that enables us to find back the content put in hy the author while taking into account the specificity of each of those arts. Through the analysis of poetry and music dealing with the theme of water reflection, our research shows how poets and musicians manipulate their own artistic material in order to build evocation. They explore the formal and semantic-cognitive prototypical properties of this image: mirror effect, liquidity, fluidity, wave motion, light mirroring, mysterious reverie, and downward image. All these elements that help the reader or the listener recovering his own mental representation, held back in his long-term memory. We finally conclude on the idea that tilts model could also apply to other sorts of arts. As movies or opera for instance
22
Delecluse, Francois. „Dans l'atelier de Claude Debussy. Processus créateur et méthodes de composition dans les esquisses des dernières oeuvres,1915-1917“. Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSES039.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
L’objet de cette thèse consiste à décrire le processus et les techniques de composition utilisées par Claude Debussy à la fin de sa vie. À partir d’une réflexion préliminaire sur la situation et les conditions des pratiques compositionnelles de Debussy, plusieurs éléments du processus créateur et un certain nombre de techniques de composition peuvent être illustrés, en se fondant sur une analyse des esquisses qui conservent la trace du travail créateur. Ces dernières prennent la forme de ratures, interprétables grâce aux outils que fournit la critique génétique. Le corpus considéré embrasse plusieurs avant-textes d’œuvres composées durant l’été 1915, En blanc et noir pour deux pianos, les Douze études pour piano et la Sonate pour violoncelle piano, auxquelles s’ajoute la Sonate pour violon et piano, composée entre 1916 et 1917. Les documents les plus intéressants des dossiers génétiques, porteurs de traces abondantes du processus créateur, ont fait l’objet de transcriptions diplomatiques. Ces dernières ne constituent pas des facsimilés normalisés, mais offrent une représentation du manuscrit dans sa dimension à la fois spatiale et temporelle, tout en le reliant au devenir de l’œuvre. Ces transcriptions sont au fondement des analyses par lesquelles sont envisagés trois grands angles d’approche que la lecture des esquisses a fait émerger : la genèse des idées, les techniques de composition appliquées au matériau et la gestation de la forme musicale. La notion d’idée musicale permet d’explorer d’abord la constitution du projet musical, souvent cristallisé autour d’un élément extra-musical, puis le rapport entre l’invention mélodique et le processus de composition et, enfin, la construction des phrases musicales. Les techniques de composition mises en lumière se structurent par couples complémentaires : l’ellipse et l’interpolation, l’harmonie et le rythme, la duplication et la variation. La forme musicale est abordée selon deux problèmes apparents dans les esquisses : premièrement, la relation entre les fonctions formelles et leur mobilité, propre à l’œuvre in statu nascendi ; deuxièmement, la difficulté spécifique des zones conclusives. Cette « visite » de l’atelier de Debussy permet de faire l’hypothèse d’une méthode de composition reposant sur les catégories dégagées par l’analyse que d’autres travaux pourront étayer, nuancer ou préciserThis dissertation describes the compositional process and the techniques used by Claude Debussy at the end of his life. Starting from a preliminary thought on the status of Debussy’s compositional practices, several features of the creative process and some compositional techniques may be highlighted, by analysing the sketches which record the traces of the creative work. These traces appear as crossings-out, which can be interpreted with the tools given by the genetic criticism. The corpus includes several avant-textes from works composed during the summer 1915, En blanc et noir for two pianos, the etudes for the piano, and the cello sonata plus the violin sonata, composed between 1916 and 1917. From the most pertinent documents, that are part of the genetic files and carry many traces of the creative process, diplomatic transcriptions have been realised. They do not constitute facsimile, nor normalised transcriptions; they rather represent the manuscript in terms of time and space, linking it also to the achieved work. These transcriptions form the basis of the analysis through which three perspectives are considered: the genesis of the ideas, the compositional techniques applied to the material, and the gestation of the musical shape. The notion of musical idea allows exploring first the constitution of a musical project, often focused on an extra-musical element, then the relationship between the melodic invention and the compositional process, and, lastly, the building of musical phrases. The compositional techniques go in complementary pairs: the ellipse and the interpolation, the harmony and the rhythm, the duplication and the variation. The musical shape is approached from two points of view: first, the relationship between the formal functions and their mobility, peculiar to the work in progress; second, the specific difficulty located in the conclusion areas. This ‘guide tour’ from Debussy’s studio leads up to hypothesise that there is a compositional method, relying on the categories identified by the analysis, and that further studies can support, moderate and precise
23
Cunha, Taíssa Poliakova Pacheco. „A influência dos sinos em obras para piano de Messiaen, Debussy e Rachmaninov e as respectivas consequências na sua performance“. Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2017. http://hdl.handle.net/10773/21824.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Mestrado em MúsicaEste trabalho procura confrontar as características específicas das diferentes tradições sineiras, quer da Europa, quer da Rússia, com as obras Noël de Olivier Messiaen, Cloches à travers les feuilles de Claude Debussy e Sonata op. 36 nº 2 de Sergei Rachmaninov. Para isso, são apresentadas e estudadas as escolas sineiras, analisados os trechos musicais com inspiração sineira das obras seleccionadas e enquadrados biograficamente os três autores em causa. Através desta confrontação encontrei soluções técnicas e interpretativas para os referidos trechos musicais que respeitam as diferentes especificidades das tradições sineiras inspiradoras. Pretendo, também, demonstrar que este conhecimento pode sustentar uma performance fiel aos mundos musical, cultural e social destes compositores.
This work seeks to confront the specific characteristics of the different bellringing traditions, both European and Russian, with the pieces Noël by Olivier Messiaen, Cloches à travers les feuilles by Claude Debussy and Sonata op. 36 no. 2 by Sergei Rachmaninov. For this purpose, I present and study these bellringing schools, analyze the musical excerpts with bellringing inspiration of the selected pieces and contextualize the three above-mentioned authors biographically. Following of this confrontation I propone technical and interpretative solutions for the afore-mentioned musical excerpts which respect the different specificities of the bellringing traditions that inspired them. It is also my intention to demonstrate that this knowledge can support a performance that is faithful to the musical, cultural and social worlds of these composers.
24
Kreidy, Ziad. „La relation Orient-Occident dans l'esthétique et l'œuvre de Tōru Takemisu“. Paris 8, 2008. http://www.theses.fr/2008PA083046.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
La présente thèse est centrée sur une approche critique de l'identité esthétique du compositeur japonais Tōru Takemitsu (1930-1996). Dans ce sens, l'analyse de la relation Orient-Occident dans sa musique consiste principalement à déterminer la place de son œuvre dans la tradition occidentale de la musique savante. Après un premier chapitre consacré aux écrits sur Takemitsu, les deuxième et troisième chapitres de la thèse sont consacrés à la découverte de l'art japonais traditionnel par Takemitsu. Le quatrième chapitre – Principes et Tendances esthétiques – essaye de déterminer les fondements esthétiques de la musique de Takemitsu en la considérant dans un idéal cosmique. L'approche analytique aborde principalement les caractéristiques suivantes : la lenteur et le statisme, la positivité du vide, le concept spatio-temporel du ma, la fluidité silence/son, la circularité du temps mythique, le jardin japonais et la spatialité du son. Le cinquième chapitre – Refus de la caractérisation formelle – analyse la pensée formelle de Takemitsu qui s'appuie sur la tradition extrême-orientale par la recherche d'absolu en art. La musique de Takemitsu se caractérise par l'absence de lois strictes qui régissent le langage musical, par l'inspiration de la nature ainsi que par l'influence de la pensée philosophique de Gaston Bachelard. Finalement, le dernier chapitre met en évidence l'influence de Debussy que Takemitsu considérait comme son mentor – avec Messiaen. L'analyse de "How slow the wind" pour orchestre de Takemitsu établit un rapprochement avec "Prélude" à l'après-midi d'un faune" de DebussyThis manuscript is based on a critical approach of the aesthetical identity of the Japanese composer Tōru Takemitsu (1930-1996). In this sense, the analysis of the East-West relationship in the music of Takemitsu mainly consists of situating his work in the occidental written music tradition. Following a brief first chapter describing the writings on Takemitsu, the second and third chapters of this manuscript describe Takemitsu's discovery of traditional Japanese art. The fourth chapter – Aesthetical principles and tendencies – tries to determine the aesthetical foundations of the music of Takemitsu by considering it in a cosmic ideal. The analytical approach principally considers the following characteristics: the slowness and the statism, the positivism of emptiness, the spatio-temporal concept of ma, the fluidity sound/silence, the circularity of mythical time, the Japanese garden and the spatialness of sound. The fifth chapter – The refusal of formal characterization – analyses the formal thought of Takemitsu that is based on the eastern tradition on the search of absolute in art. The music of Takemitsu is characterized by the absence of strict laws that rule the musical language, by the inspiration of nature as well as by the influence of the philosophical thought of Gaston Bachelard. Finally, the last chapter shows the clear influence of Debussy that Takemitsu considered to be his mentor – as well as Messiaen. The analysis of "How slow the wind" for orchestra of Takemitsu establishes a point of similarity with "Prélude à l'après-midi d'un faune" by Debussy
25
Elgarrista, Gabriela. „André Schaeffner : un portrait intellectuel à travers ses écrits sur Debussy et Stravinsky“. Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016AZUR2034.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Plus connu comme ethnologue que comme musicologue, André Schaeffner (1895-1980) a adopté, dans ses travaux sur la musique savante, une position contraire à un type de critique prétendument « objective », qui se voudrait neutre face à l’œuvre d’art. Il y revendique le droit à une « critique d’admiration », ne cachant pas ses préférences personnelles. La démarche de Schaeffner se caractérise par l’absence d’une « vision téléologique de l’histoire de la musique » ou de tout esprit de système, et par l’importance accordée à la mise en perspective historique et esthétique, à la contextualisation de l’œuvre du compositeur. Cette vision de la critique a été fréquemment dénoncée comme péchant par l’absence de tout jugement. En reconstruisant l’ensemble des circonstances qui entourent les événements auxquels il s’intéresse, en collectant et en soumettant à un examen attentif les documents qui y ont trait, Schaeffner remet en question des idées reçues, des clichés autour desquels flotte une trompeuse aura de légitimité. Cette thèse montre, en s’appuyant sur de nombreux documents – textes publiés ou restés inédits, notes de travail, riche correspondance –, comment Schaeffner a mené ce type d’étude critique à propos de l’œuvre de deux musiciens auxquels il a voué un intérêt passionné, l’un disparu : Claude Debussy, l’autre vivant et qu’il a pu côtoyer : Igor Stravinsky, ainsi que la manière dont on a accueilli ses travaux de son vivant, et leur validité aujourd’huiAndré Schaeffner (1895-1980), better known as ethnologist than for his musicological activity, in his works concerning classical music embraces a position against the kind of critique that claims to be “objective” or neutral towards the artwork. He makes a plea for a “critique of admiration” that takes sides and displays one’s preferences. His writings pay no heed to a teleological or systematic approach of the history of music. Instead, he puts the composer’s work in perspective, reconstructing its historical and aesthetic background. Many condemned this kind of approach as lacking any judgement criterion. Nevertheless, thanks to his study of the circumstances in which a composer’s works were created, Schaeffner was able to call into question common and supposedly true preconceptions and stereotypes. Based on a study of several documents – both published and unpublished texts, drafts, rich correspondence – this thesis shows how Schaeffner carried out this kind of critique, especially in his writings concerning two composers that he fervently admired: the deceased Claude Debussy and Igor Stravinsky, still alive at that time and with whom Schaeffner was acquainted; as well as how Schaeffner’s theories were received upon publication and what their validity is nowadays
26
Lahodná, Jana. „Hudební soutěže jako inspirační a rozvojový prvek interpretace 20. století“. Doctoral thesis, Akademie múzických umění v Praze.Hudební a taneční fakulta. Knihovna, 2014. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-178059.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
In this dissertation thesis I focus on the overview of some outstanding international clarinet competitions, their repertory, and compositions written to order for the given competition. The itemization of compositions I enriched by the characteristics and analysis of some compositions focused on the difficulty and appearance of contemporary clarinet techniques. Last but not last, I write about the establishment, history, and point of each competition and their contribution to young talented musicians.
27
Okamoto, Naoko. „La critique musicale par trois écrivains - Romain Rolland, André Suarès, Jacques Rivière“. Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2010.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
La musique nous livre une impression que nous pouvons décrire. Les hommes ont, depuis toujours, essayé de parler de la musique. Mais, "parler de la musique" n'est pas facile ; c'est un art difficile à exprimer et à retranscrire par des mots, de manière objective, puisque la musique travaille avant tout sur le sentiment. Alors comment parler de la musique ? Pour répondre à cette question, nous avons choisi trois écrivains -Romain Rolland, André Suarès et Jacques Rivière, pour qui la critique est une entreprise d'explication. La situation de la critique musicale est surtout délicate dès lors qu'on essaie d'expliquer tout par le biais de la science. Il existe des avis négatifset des avis positifs sur la critique musicale. Ce que les trois écrivains visent par la critique musicale, c'est la "vérité humaine" puisque la musique représente l'humanité. La critique cherche à expliquer la vérité - une vérité qui émane de la musique elle-même, mais qui également la transcendeThe music delivers an impression to us which we can describe. The men, since always, tried to talk about the music. But, "talk about the music" is not easy ; it is an art difficult to express and retranscribe by words, in an objective way, since the music works above all on the feeling. Then how to talk about the music ? To answer this question, we chose three writers- Romain Rolland, André Suarès and Jacques Rivière, for which criticism is a purpose of explanation. The situation of musical criticism is especially delicate since we try to explain all the science. There is the negative opinions and the positive opinions on musical criticism. What the three writers aim by musical criticism, it is the "human truth" because the music represents humanity. Criticism seeks to explain the truth - a truth which emanates from the music itself, but which also transcends it
28
Goulon-Fontaliran, Emmanuèle. „La poétique des images de l'eau dans la mélodie française à la charnière des XIXe et XXe siècles : pour comprendre l'interférence des arts à la croisée des disciplines : essai d'interprétation d'"Ut pictura poesis"“. Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040184.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Interprétation possible de l'Ut pictura poesis d'Horace pour comprendre le phénomène de l'interférence des arts autour de la figuration aquatique, cet essai a été enrichi des apports de différentes disciplines comme la littérature, l'esthétique, la linguistique. Il vise à construire une esthétique cohérente, apte à expliquer la puissance d'incitation artistique des images aquatiques et de l'eau elle-même en tant qu'élément naturel. Au sein du genre mélodique, la création des compositeurs français converge dans la recherche d'une poétique musicale tendant vers une fusion artistique du texte, de la musique et de l'image évoquée. Les préoccupations de durée et de fuite du temps qui sont au coeur de l'époque charnière des XIXe et XXe siècles sont greffées sur les images de l'eau. Le poème s'impose comme expérience de pensée et de perception et, loin de mettre seulement la musique au service du texte, la mélodie, entre métaphore et figuralisme, révèle le poème comme musique. Trois poèmes et leurs mises en musique sont objets d'étude et de comparaison : Le Jet d'eau de Baudelaire, Soupir de Mallarmé et Il pleure dans mon coeur de Verlaine. L'ouverture des artistes à la nature de l’élément aquatique éveille en eux ce que Bachelard appelle "l'imagination de la matière". Ainsi, le personnage d'Ophélie, entre créations originales et universaux dont Shakespeare l'avait doté, devient porteur de symboles. La figure d'Ophélie imprègne des vertus de l'eau "mélancolisante" les Poèmes d'automne de Dupont. Peut-on aller jusqu'à décrire une esthétique de la fluidité ? C'est à cette question que cet essai risque une réponseThis study, a possible way of interpreting Horace's Ut picture poesis, is an attempt to understand the mutual interplay of the arts around water-related representations. It draws from the various disciplines such as literature, aesthetics, and linguistics and aims at constructing a coherent aesthetics that will highlight the power of water and aquatic imagery as artistic stimulants. Within melody as a genre, the creations of French composers converged in the quest for a musical poetics tending towards an artistic fusion of text, music and metaphors. The concern for the ephemeral and for time as duration which was at the heart of the transition period at the turn of the 20th century finds its expression through water images. The poem imposes itself as an experience of thought and perception. Melody, far from merely placing music at the service of text, reveals – beyond metaphors and figuration -- the poem itself as music. Three poems and their musical adaptations are analysed and compared in this study : Baudelaire's Le Jet d’eau, Mallarmé's Soupir and Verlaine's Il pleure dans mon coeur. The willingness of artists to embrace the aquatic element awakens in them what Bachelard called, "the imagination of matter". In that sense, the character of Ophelia, whether through original creations or through the universal features Shakespeare endowed her with, becomes centrally symbolic. The figure of Ophelia suffuses Dupont's Poèmes d'automne, with the melancholy-inducing virtues/qualities of water. Could one go as far as to talk of an aesthetics of fluidity ? This study attempts to provide an answer to this question
29
Gribenski, Michel. „Le chant de la prose dans l'opéra (France, Italie, Allemagne), 1659-1902 : élements de poétique, d'esthétique et d'histoire du goût“. Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040197.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Si l’opéra sur un livret en prose ne se manifeste publiquement en Europe qu’au tournant des XIXe et XXe siècles, dans les domaines russe, puis français, enfin allemand et tchèque, des essais de chant de prose et des réflexions sur ses conditions de possibilités sont cependant intervenus, en France, dès le XVIIIe siècle. Envisagée comme forme verbale apériodique, la prose peut ainsi être considérée comme étant au fondement du genre de l’opéra. D’une part, en effet, dans la tragédie lyrique et auparavant dans l’opéra italien, des vers mêlés apériodiques sont d’emblée associés à un chant lui aussi largement apériodique, notamment dans le récitatif. Cette caractéristique formelle du récitatif est soulignée par la notion analogique péjorative de « prose musicale », élaborée dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, en France et en Allemagne, par les partisans de la mélodie périodique italienne. D’autre part, l’ opposition entre le régime du récitatif et le régime de l’air peut être interprétée comme un conflit entre un principe dramatique linéaire de prosa oratio et un principe lyrique circulaire de versus. Sur un plan stylistique, la notion formelle de prose s’articule en outre à celle de prosaïsme, non seulement dans le drame lyrique naturaliste en prose, mais plus généralement dans le chant de type récitatif, considéré par certains théoriciens comme la prose du chant, parce qu’il est apériodique et dévolu aux matières de moindre valeur lyrique. Cette articulation entre les plans formel et stylistique s’opère notamment dans la prosodie musicale, et plus spécifiquement à travers le traitement de l’e caduc, qui fait l’objet de débats idéologiques touchant aux limites entre le naturel et le prosaïsme. Les tentatives de divers compositeurs, poètes et théoriciens pour dépasser l’antagonisme entre le vers et la prose conduisent dès lors à repenser le genre, non en termes de dichotomie formelle et stylistique, mais comme une unité organique. Celle-ci prend ainsi la forme d’un poème lyrico-dramatique, qui s’incarne dans un discours poético-musical associant chant, orchestre, et silence. Le problème du chant de la prose dans l’opéra apparaît donc comme un révélateur des enjeux génériques, esthétiques, voire idéologiques du théâtre lyriqueAlthough prose opera only appeared in Europe at the turn of the nineteenth and twentieth centuries, in Russian, French, German and Czech opera, some ventures into prose singing and reflections about it did occur in France as early as the eighteenth century. Seen as an aperiodic verbal form, prose can be considered to have been an essential part of the operatic genre from the beginning. Indeed, aperiodic free mixed verse is used in French tragédie en musique, and before that in Italian opera, in association with largely non-periodic singing, especially in recitative. This formal characteristic of recitative is summed up in the metaphoric and pejorative phrase of “musical prose”, which was created in France and Germany in the second half of the eighteenth century by admirers of the Italian periodic melody. This opposition between two modes of singing, recitative-like and aria-like singing, can be seen as a conflict between two contradictory principles in opera: on the one hand, a prosa oratio principle, whose linearity represents the dramatic progressive succession ; on the other hand, a versus principle, whose periodic circle constitutes the traditional form of lyrics. On a stylistic level, prose also has to do with prosaic matters and language, not only in the naturalistic drame lyrique, but more generally in recitative singing. The latter is sometimes considered the prose of music, not only because of its form, but also because it deals with less lyrical matters than aria. This relationship between formal and stylistic levels is particularly tight in prosodic matters, especially in the treatment of the famous mute e, which provokes multiple ideological debates concerning natural, realistic, or prosaic styles of diction. Attempts to solve this problematic opposition between verse and prose logics led various musicians, librettists and theorists to go beyond formal and stylistic dichotomy and to rethink opera as an organic whole: in the form of a lyric-dramatic poem and a poetic-musical speech, where singing, orchestra, and silence are combined. The problem of prose singing in opera thus clearly reveals the generic, aesthetic, and ideological issues concerning lyric theatre
30
„Rethinking form through transformation: analytical studies of Debussy's "Prélude à l'après-midi d'un faune" and "Jeux"“. 2014. http://library.cuhk.edu.hk/record=b6115490.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
應用於音樂的轉換理論，自大衛·盧因於1987年首先提出，至今已逾四分之一個世紀。在轉換理論中，盧因極具創見地將音樂的動態以數學中的群論及函數的概念表達，冀望以此改變過往音樂分析中過於注重對音樂素材及其特性的靜態研究，而忽視素材之間轉換過程的問題。盧因的研究對於西方理論學界產生了極大的影響。有關理論的深層探討，特別是在音樂與數學結合的方向顯示了驚人的成果。然而，就如何將轉換理論系統地應用於音樂分析，迄今最為成功的嘗試仍僅為盧因1993年成書的四首作品分析。對於轉換理論如何體現某個作曲家個人風格及其發展的研究，更是絶無僅見。本文將轉換理論應用於分析德彪西的兩首管弦樂傑作《牧神午後前奏曲》及芭蕾舞劇《遊戲》。雖然有關德彪西作品的分析者眾，但囿於理論途徑的限制，能充分展現在新舊風格轉換的歷史語境下，德彪西音樂獨特之處的研究仍極為有限。在本文中，轉換理論因其彈性的適用性，為兩首作品中的音高組合與曲式的關係，以及由此體現的風格衍變與美學思想，提供了獨特而極具說服力的分析視角。Theoretical development that stems from David Lewin’s transformational theory has flourished since its inception in 1987. However, the analytical application of Lewin’s theory remains scant, with Musical Form and Transformation: Four Analytical Essays (1993) standing out as one major achievement. Transformational theory is more often used to address specific theoretical issues, rather than to enhance our understanding of musical works or stylistic traits of individual composers. This study explores the applicability of Lewin’s transformation theory to two of Debussy’s orchestral masterworks, Prélude à l’après-midi d’un faune and Jeux, and contributes to Debussy scholarship by offering readings that cast new light on the interrelationship between pitch organization and form in them.
Detailed summary in vernacular field only.
Hong, Ding.
Thesis (Ph.D.) Chinese University of Hong Kong, 2014.
Includes bibliographical references (leaves 181-191).
Abstracts also in Chinese.
31
Tobin, Anthony Aubrey. „Octatonic, chromatic, modal, and symmetrical forms that supplant tonality in five piano preludes by Claude Debussy“. 2002. http://wwwlib.umi.com/cr/utexas/fullcit?p3077401.
Der volle Inhalt der Quelle
32
Tomas, Oriol. „Variations sur Pelléas : l'apport d'une partition gestuelle à la direction d'un chanteur lyrique“. Mémoire, 2010. http://www.archipel.uqam.ca/3577/1/M11617.pdf.
Der volle Inhalt der QuelleAnnotation:
Ce mémoire de maîtrise porte sur une méthode spécifique de direction créée et mise à l'épreuve auprès de chanteurs lyriques. Elle consiste en la création d'une «partition gestuelle» qui vise à nettoyer, styliser le geste de l'interprète ainsi qu'à évacuer tout mouvement superflu ou indésirable qui n'a pas été prévu, au préalable, par la mise en scène. Afin de vérifier la pertinence de cet outil, nous avons choisi quatre extraits de l'opéra de Debussy, Pelléas et Mélisande, pour lesquels nous avons élaboré quatre partitions gestuelles, selon quatre esthétiques théâtrales différentes, soit le « néo-réalisme », le « constructivisme des émotions », le « formalisme » et le « néo-expressionnisme ». En plus de faire un retour sur cette expérience, en revenant sur nos aspirations et nos réalisations, mais sans taire les obstacles auxquels nous avons été confrontés et les solutions que nous avons dû imaginer pour les surmonter, nous axons la réflexion sur la mise en scène lyrique en nous basant, entre autres, sur quelques-unes des mises en scène de Pelléas et Mélisande, dont celles de Peter Stein, Graham Vick et Robert Wilson. Suite à l'expérience, il nous semble que l'utilisation d'une partition gestuelle, comme méthode de direction d'un chanteur lyrique, mène effectivement l'interprète à avoir une meilleure compréhension de son personnage et une plus grande maîtrise de ses gestes. Ces extraits ont été présentés devant public les 26 et 27 mai 2008 au Studio d'Essai Claude-Gauvreau à l'Université du Québec à Montréal en collaboration avec l'Atelier lyrique de l'Opéra de Montréal.
______________________________________________________________________________
MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : mise en scène, opéra, théâtre, chanteur lyrique, gestuelle, musique, Pelléas et Mélisande, Peter Stein, Graham Vick, Robert Wilson.
33
Ragno, Janelle Suzanne. „The Lutheran hymn "Ein' Feste Burg" in Claude Debussy's Cello Sonata (1915): motivic variation and structure“. Thesis, 2005. http://hdl.handle.net/2152/2058.
Der volle Inhalt der Quelle
34
Lee, Kyung-Ae. „A comparative study of Claude Debussy's piano music scores and his own piano playing of selections from his Welte-Mignon piano roll recordings of 1912“. 2001. http://hdl.handle.net/2152/10669.
Der volle Inhalt der Quelle