Dissertationen zum Thema „Dansk dramatik“
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Tjerned, Veronica. „Granatäppleblomknopp : rytm som dramatisk båge“. Thesis, Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för skådespeleri, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uniarts:diva-492.
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ABSTRACT How can I as a Swedish dancer devoted to the Indian classical dance form, kathak, re root it into my own cultural sphere? And express topics beyond the Sub Indian continent without diluting the essence of the art form? I don’t want to create a new dance style.I don’t want to add anything. I want to explore and investigate how I within the tradition of kathak dance and Hindustani music can shuffle the classical format in order to create a longer narrative. To create a dramaturgical nerve in the performance and take it further than the traditional short dances and compositions connected by being strung together on a basic rhythm. During this work I have followed different strands of evolution within me as a kathak dancers as well as personal experiences that has led up to this need of making it my kathak dance, rather than my Indian kathak dance. It’s also a close study of the relationship between a student and her master and how the master forces his student to mature to become her own master. I want to use the kathak dance as an artistic expression to create performances based on topics interesting to me. I want to use the rhythmical patterns to enhance, elaborate and ornament the story told. How can I use the bols and sound from the kathak dance and Hindustani music? What happens if I instead of using bols create similar material but based on the Swedish language? The unexpected result of my research, the unexpected finding of what happened with me after I decided to drop India, and to focus my gaze to my own cultural space by being a native Swedish person living in Stockholm was that I lost my dance. I lost my geography.
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West, Sarah. „Say It: The Performative Voice in the Dramatic Works of Samuel Beckett“. Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2008. http://hdl.handle.net/10803/7483.
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La investigación se centra en la 'performative voice' en la obra dramática de Beckett. El término 'performative' es usado para abarcar: (a) la 'intencionalidad' de las voces, la voluntad que las lleva a expresarse, y (b) la 'materialidad' de estas voces, como suenan en realidad. Se incluyen en el análisis tanto el discurso dramático como los aspectos técnicos relativos al sonido.El estudio de la 'performative voice' abarca las siguientes áreas:
·La génesis de la 'performative voice' en las primeras obras de ficción de Beckett.
·La manera en que la voz es tratada en medios distintos como el teatro, la radio y la televisión.
·La personificación de la voz y de que manera la voz como 'personaje' está en relación con otros elementos dramáticos.
·La relación entre voces habladas y escritas y la adaptación de un tipo de prosa específico para el escenario.
The investigation centres on the 'performative voice' in Beckett's dramatic oeuvre. The term 'performative' is used to cover: (a) the 'intentionality' of voices, the will that drives them to speak, and (b) the 'materiality' of these voices, how they actually sound. Both dramatic speech and technical aspects of sound reproduction are included in the analysis.
The study of the performative voice covers the following areas:
·The genesis of the performative voice in Beckett's early fiction.
·The way in which voice is treated in the different performance media of the stage, radio and television.
·The personification of voice and how voice as a 'character' relates to other dramatic elements.
·The relationship between spoken and written voices and the adaptation of a prose work for the stage.
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N'heri, Touhami. „La poétique des éléments dans le théâtre de Jean Racine“. Thesis, Paris Est, 2014. http://www.theses.fr/2014PEST0004.
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Ngo, Bilong Ate Elise. „Etude de l'action dans la dramaturgie de Montherlant“. Thesis, Paris Est, 2010. http://www.theses.fr/2010PEST0019/document.
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Henry de Montherlant a développé tout au long de sa vie une œuvre théâtrale importante et variée. La problématique de l'action fournit une piste pour pénétrer dans son univers dramaturgique. Selon les critiques contemporains, les pièces de Montherlant manquent d'action. Le dramaturge a renoncé aux coups de théâtre et rebondissements extérieurs pour créer une action dont la seule machinerie consiste à décrire les mouvements intérieurs de l'âme humaine. Cet idéal est inspiré d'une conception classique du théâtre où la simplicité de l'action conduit à l'analyse psychologique. Le but de ce travail est d'identifier l'action et d'analyser son fonctionnement. La première partie, s'appuyant sur la théorisation antique de la dramaturgie, aborde l'action comme intrigue. La partie suivante montre comment l'action extérieure, superposée au mouvement, est supplantée par la parole : l'action est alors considérée comme acte. Cette partie complète l'étude de l'action avec trois approches : l'approche pragmatique et l'approche communicationnelle d'une part, qui permettent d'analyser le phénomène de la parole comme acte, et l'analyse actantielle d'autre part qui appréhende la psychologie du personnage que la dramaturgie classique et néo-classique appelle le caractère, et montre comment l'auteur construit l'intrigue. La dernière partie est consacrée au temps et à l 'espace comme éléments constitutifs de l'action dramatiqueAccording to Montherlant, the dramatic turn of events and the external twists are a disturbance to the simplicity of the action which lone guiding force may aim at the exploration of the movements of the human soul. The main critics which are made to these plays are that they lack substance and dramatic intensity. This work which objective is to identify and analyse the action in Montherlant's dramatic art, originates from the antic theory of the dramatic art, in order to tackle the action as the plot. The next part shows how the external action stacked to the movement, is supplanted by the speech. This part completes the study of the action by three approacheas: the pragmatic approach and the communicative approach in the one hand, and the actancial analysis in the other hand. The last part deals with time and space as constituent of the dramatic action
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Auboyneau, Garance. „Mises en scène de la favorite dans la littérature du "Grand Siècle" (1665-1715)“. Thesis, University of Oxford, 2012. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:4269672b-0cfa-42b0-9bd1-628983c7c9d9.
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This study enquires into the construction of a cultural fantasy, the favorite (or royal mistress), in the reign of Louis XIV (1661-1715), and aims to explore the kinds of narrative, the 'scénario pour l’imaginaire', articulated around this figure. A process of crystallization in respect of the favorite, both as word and as literary figure, develops across the late seventeenth century. This process is on the one hand fuelled by the increasing prominence of female favouritism as a political practice during the period, and on the other facilitated by the emergence of new privileged media such as the novel and the 'nouvelle historique'. The favorite, as a new incarnation of the ‘femme forte’, becomes a trope by which anxieties can be expressed: about female power, but also about the monarchy in general. This thesis advances by way of close readings and studies of vast corpora of texts; it alternates – both within and between chapters – between analysis and synthesis. Following the introduction, the first chapter introduces a set of mental landmarks, both semantic and axiological, and explores the dictionaries, treatises and courtly manuals of the time in search of the favorite. The second chapter focuses on the fiction of the 1660s and 1670s, and questions the way in which these texts established elements of definition and recurrent issues related to the staging of the favorite in this period. The third chapter considers the representation of Louis XIV's mistresses, principally through a study of the ballets, poems, letters, memoirs, satires and pamphlets concerned with the Sun King's loves. Its object is to show how the favorite is inserted into the royal mythology. The fourth chapter is dedicated to the first text explicitly and exclusively devoted to the favorite: the Histoire des Favorites (1697) by Anne de La Roche-Guilhen. This chapter attempts to bring to light the tensions underlying the text, while interrogating the determining role of this collection in the process of crystallization explored throughout the thesis. The fifth chapter sketches out the afterlife of the favorite under Louis XV and Louis XVI, and describes the principal evolutions which ensured her survival in the collective imagination.
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Dernis, Beatrice. „La voix des revenants dans l'oeuvre de Patrick Kermann : étude d'une écriture contemporaine dans son rapports à la scène“. Thesis, Grenoble, 2011. http://www.theses.fr/2011GRENL027/document.
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L'étude de l'œuvre de Patrick Kermann permet de dresser les contours d'un théâtre où la parole des morts met en péril la mimésis et devient un véritable pari sur l'absence. Les différentes voix donnent une présence aux disparus, constituant la charpente du drame à travers un matériau sonore très dense, discontinu et hétérogène. La composition rythmique ouvre sur une polyphonie de voix qui génère un appel désespéré des morts n'ayant pas trouvé de place parmi les vivants. Une première partie traite de la dramaturgie de l'après où les disparus reviennent pour dire leur désastre intime et la barbarie du monde. Une deuxième partie déplace l'analyse sous l'angle de la dramaturgie sonore et examine comment la partition textuelle fait résonner la langue privilégiant une réception auditive qui n'est pas sans mettre en question la position du lecteur et, plus encore peut-être, celle du spectateur. Ainsi, ces voix abandonnées rencontrent-elles des metteurs en scène qui les accueillent en leur proposant des espaces singuliers faits pour répondre au trouble que crée l'écoute des corps absentsThe study of Patrick Kermann's work makes it possible to draw up the contours of a drama in which the words of the dead endanger the mimesis and become a real wager on absence. The different voices give presence to the departed, forming the framework of the drama through very condensed, intermittent and heterogeneous sound material. The rhythmic composition opens up on a polyphony of voices which produces a desperate appeal from the dead who have found no place among the living. A first part deals with the dramatic effects of what follows, when those who disappeared come back to relate their intimate disaster and the barbarity of the world. A second part moves the analysis to the angle of sonorous dramatic art and examines the way in which the textual score causes the language to resound, privileging auditory reception, which is not without questioning the reader's position and, perhaps, even more, that of the spectator. Thus it is that these abandoned voices meet producers who greet them with offers of unexpected areas intended to be an answer to the confusion resulting from listening to absent bodies
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Godard, Patricia. „Poétique du temps dans les tragédies de Sophocle : la construction de l'effet tragique“. Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCC027/document.
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Par nature, le théâtre a partie liée avec le temps. Dans les sept pièces conservées de Sophocle, χρόνος est au cœur du discours des personnages, comme sujet de leur réflexion sur l’existence, mais aussi comme agent de la progression du drame. Au premier niveau, son action est destructrice, car l’homme de Sophocle, « homme d’un jour » (Aj.399 et Ant. 790), éprouve durement sa nature brutale, faite de revirements arbitraires, auxquels il résiste autant qu’il peut, à moins qu’il ne s’en joue. Mais au second niveau, celui de la dynamique de l’action, le temps est aussi constructeur de l’effet tragique. En atteste le lexique, important et varié, capable de rendre visible la fatalité en marche au sein de la tragédie. Ainsi, le temps, non représentable puisqu’il échappe à la mimèsis, peut servir de révélateur à la tension latente, qu’on appelle communément le tragique, concept flou et jamais véritablement défini par les textes, et qui va trouver ici une consistance poétique et une définition nouvelle dans l’observation des choix d’écriture du dramaturge. Ce faisant, c’est la démarche créatrice de Sophocle que l’on interroge. L’analyse du vocabulaire dans des passages choisis dément sa réputation d’auteur peu spectaculaire : retard, hâte, revirements, hasard, opportunité…sont mis en valeur au cœur des vers comme des indicateurs majeurs de la marche du drame vers sa fin. Et si l’on croise ensuite les données lexicales avec les marques de l’énonciation et les éléments des rites civiques qui affleurent dans les textes, on distingue alors la concaténation assurant la cohésion des ensembles et forgeant la temporalité propre à chaque pièce. Du rapport contraint entre le temps dramatique et le temps scénique, Sophocle a tiré des effets originaux qui forment sa poétique. Comme l’aède-démiurge d’Homère, le dramaturge construit ses tragédies en charpentier de l’effet tragique. Il fabrique un présent dramatique parsemé de signes indiciels marquant le passage de χρόνος. Ce présent, troublé par le passé qui s’y déploie encore, est celui de l’inadaptation du héros, tout à la fois temps de l’urgence, du retard, de l’immobilité qu’il faut conjurer pour que la perspective d’un futur puisse prendre forme. La tragédie sophocléenne s’avère finalement très consciente d’elle-même, développant un langage performatif qui entraîne à l’action, disant le rapport sensible de l’homme au temps et tout à la fois sa propre relation au temps qui la compose.MOTS-CLÉS : tragédie-effet tragique-deixis-temps-temporalitéBy nature, theatre and time are linked. In Sophocles’ seven remaining tragedies, χρόνος is in the heart of the characters’ speeches, as a subject of their thought about human life, but first of all, as an agent of the progressing plot. On the first level, his action is destructive, because Sophocles’ hero, “a man of one day” (Aj. 399 and Ant.790), is afflicted by the brutal nature of time, made of arbitrary reversals to which he tries to resist to, as much he can, unless he makes light of them. But, on the second level, action in progress, time is also constructive of the tragic effect. This is attested by many and diverse words, showing fate going through the tragedy. So, time, that is impossible to represent on stage, because it is outside of the mimesis, reveals the hidden tension, commonly named the tragic, a woolly concept, never really defined by the texts, which will find here a poetic consistency and a new definition by the observation of the playwright’s choices. Thus, it is Sophocles’ creative reasoning that is analysed. According to the vocabulary in some passages selected, his reputation of not being a very spectacular author is belied: delay, haste, reversals, luck, opportunity… are highlighted in the texts, as major indicators of the action progressing to its end. And then, by crossing the lexical data, the enunciation marks and elements of civic rituals showed on the surface of the texts, we can then clearly distinguish the logical sequences of events making the tragedies’ coherence and the own temporality of each work. Sophocles builds his tragedies like a “carpenter” of the tragic effect. He makes up a dramatic present scattered with a plenty of signs showing χρόνος going through. At the end, Sophoclean tragedies are conscious of their own structure, because they develop a performative language to speak about the sensitive relation between man and time, and also, about their relation with time making of their poetic organization.KEYWORDS: tragedy-tragic effect-deixis-time-temporality
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Bouaka, Charles-Lucien. „Le missionnaire a l'epoque coloniale. Dramatis persona chez mongo beti et rene philombe. Lecture multiple des proses romanesques : le pauvre christ de bomba, le roi miracule et un sorcier blanc a zangali“. Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1991PA030001.
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Le personnage du missionnaire a l'epoque coloniale est depeint de facon negative dans notre corpus. Charge d'aller enseigner le message du fils du fils de dieu aux noirs d'afrique, le personnage pouvait-il trouver les conditions appropriees a une action independante et desinteressee sans se compromettre avec le pouvoir colonial ? notre enquete montre plutot que le personnage oeuvrait tout aussi bien pour l'eglise que pour sa patrie, contrairement a l'esprit de sa mission. Or, le systeme colonial qui s'appuie sur un regime d'exception, organise l'asservissement et l'exploitation du colonise dont il nie le patrimoine culturel et philosophique. Dans ce contexte social et historique ou l'arbitraire est consubstanciel a l'action menee par le colonisateur, l'imbrication du religieux et du politique, ou mieux encore, la collusion de fait entre le clerge missionnaire et l'administration offre a mongo beti et rene philombe des raisons de contester (vivement) le caractere desinteresse de l'apostolat. Dans les trois romans, le personnage du missionnaire est traite de telle maniere qu'il apparait comme un rouage du systeme colonial. Aussi, le corpus se revele un lieu d'affrontements ideologiques intenses ou les deux romanciers s'appliquent a faire piece aux pretentions du dramatis personaThe missionary at the colonial time is depicted negatively in our corpus. The personage, who has the onus of going to teach the message of the begotten of god to the black people of africa, could he find the suitable conditionsnfor conducting an independant and unselfish action without to compromise himself? our research work shows still more that the personage acted not only for the church but also for his country, contrarily to the pontifical directives. Nevertheless, the colonial system which leans on high-handed actions organizes the enslavement and the exploitation of the colonized people. At the same, he denies his cultural and philosphical patrimony. In this social and historical context, the imbrication of the religious and the political matter, or in the better, the collusion between the missionary clergy and the administration offera to mongo beti and rene philombe arguments to (sharphy) denry the unselfish claims of the apostolate
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Ben, Lazreg Feten. „La scène de reconnaissance dans les nouveaux genres dramatiques au XVIIIe siecle, de la comédie au drame“. Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030016/document.
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La reconnaissance est essentiellement théorisée par Aristote à propos de la tragédie. Dans la comédie, la reconnaissance n’assume qu’un rôle accessoire. Dans ces deux genres, elle est essentiellement tributaire du dénouement. Au XVIIIe siècle, les auteurs se sont intéressés de près à ce principe dramatique auquel ils ont eu recours de manière massive dans les nouveaux genres dramatiques que le siècle a vu naître. Marivaux, Destouches, Nivelle de La Chaussée, Diderot, Mercier et Beaumarchais ont tous transposé la notion aristotélicienne de l’anagnorisis dans leurs pièces. Les écarts avec l’assise théorique qu’offre la Poétique et avec la place qu’occupe la reconnaissance dans le théâtre classique se font évidents. N’étant plus nécessairement liée au dénouement, la reconnaissance concerne, dans les comédies nouvelles, toutes les étapes de l’action. Les auteurs revendiquent le recours à ce principe dramatique, en dépit des lourds préjugés qui pèsent sur lui, et revendiquent également le pathétique en tant que nouvelle voie à explorer au théâtre. Les scènes de reconnaissance sont symptomatiques de cette volonté de dépasser la division rigoureuse des genres ; elles traduisent les nouvelles aspirations et les nouvelles voies empruntées par l’art dramatique. Elles renseignent sur le renouvellement des formes et des enjeux des nouveaux genres et incarnent le projet dramatique des Lumières qui consiste, avant tout, à créer un rapport à la fois intime et solide avec le spectateur. Désormais, c’est de l’efficacité de l’effet dramatique que dépendent le succès des nouveaux genres et la transmission efficace du message moral, philosophique et politique que les reconnaissances tentent de véhiculerRecognition is essentially theorized by Aristotle about the tragedy. In comedy, recognition assumes only a secondary role. In both genres, it is essentially dependent on the final dénouement. In the eighteenth century, the authors have been interested in this dramatic principle which they have used massively in the new dramatic genres born in that century. Marivaux, Destouches, Nivelle de La Chaussée, Diderot, Mercier and Beaumarchais have all transposed the Aristotelian notion of anagnorisis in their plays. The differences with the theoretical basis enabled by Poetics and the place of recognition in classical theater are obvious. Being no longer necessarily linked to dénouement, recognition in the new comedies is concerned with all stages of the action. The authors claim the use of this dramatic principle despite the heavy bias against it, as well as they claim the use of the pathetic as a new way to explore drama. Recognition scenes are symptomatic of this desire to go beyond the strict division of gender, as they reflect new aspirations and new pathways for drama to explore. They provide information on the renewal of forms and new kinds of challenges facing the new genres, while embodying the Enlightenment project aiming, above all, to create a relationship that is both intimate and solid with the viewer. Now it is the efficiency of the dramatic effect that conditions the success of new genres and the efficient transmission of the moral, philosophical and political messages which recognition that tries to convey
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Nkonene-Benha, Fortuné. „Dialogue et dialogisme dans les romans de Raymond Queneau“. Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030144.
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Dans les romans de Raymond Queneau, le dialogue est un principe qui tend à se généraliser. A la surface des textes, des personnages volontiers hâbleurs, moins soucieux d’agir que de bavarder, multiplient des échanges. Visant la vraisemblance d’une parole populaire, l’écriture de ces dialogues combine les interventions narratoriales et des moyens linguistiques connotant l’oralité : orthographe phonétique, didascalies, constructions elliptiques, voire argotiques. D’un point de vue interactionnel, les échanges se singularisent par l’incapacité des interlocuteurs à communiquer en raison du déni de l’autre affiché par les personnages. Cette singularité nous amène à mettre en perspective le dialogue romanesque et d’autres aspects des textes queniens, placés sous le signe de l’interaction dialogique et confrontant le roman à l’altérité : conventions bousculées, mélange des genres, théâtralité, intertextualitéIn Raymond Queneau’s novels, dialogue is a principle which is going to be widespread. On the surface of texts, characters gladly boasters, less concerned by acting that to chat, multiply exchanges. Aiming at the credibility of a popular word, the writing of these dialogues organizes the telling interventions and the linguistic means connoting the oralite: phonetic spelling, didascalies, elliptic, even slang constructions. From an interactionnal point of view, the exchanges singularize by the incapacity of the interlocutors to communicate because of the denial of the other one posted by the characters. This particularity brings us to put in perspective the romantic dialogue and the other aspects of the of Queneau’s texts placed under the sign of the dialogical interaction and confronting the novel with the otherness: pushed aside agreements, mix genres, dramatic quality, and intertextuality
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Fougere, Régis. „La représentation de la mort dans les "Cinq Nô modernes" de Yukio Mishima“. Thesis, Besançon, 2015. http://www.theses.fr/2015BESA1003/document.
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Cette étude se propose de montrer comment Yukio Mishima a renouvelé l’art du nô tout en conservant de nombreux concepts dramaturgiques et esthétiques. Créant un genre nouveau, le nô moderne, l’écrivain a revitalisé ce théâtre en privilégiant son obsession du désir de mort. Greffés sur des nôs anciens, les pièces de Mishima revitalisent des figures et des mythes du passé dans un monde moderne dégradé, où la seule voie possible est celle qui mène à la douleur originelle, un retour vers un sacré dans lequel se lisent les obsessions et les rêves de mort du dramaturgeThis study offers to show how Yukio Mishima has renewed the art of nô while maintaining numerous aesthetic and drama concepts. By creating a new genre, the modern nô, the writer has revitalized this type of theatre, focusing on his obsession with death desire. Based on ancient no’s, Mishima's plays revitalize figures and myths of the past, in a deteriorated modern world where the only possible path is the one leading to original pain, going back to the sacred, which reflects the playwright's obsessions and dreams of death
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Astier, Marie. „Présence et représentation du handicap mental sur la scène contemporaine française“. Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20015/document.
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Le handicap est aujourd’hui de plus en plus présent dans le monde de l’art. Ce phénomène est le plus souvent analysé dans la perspective de l’Art thérapie, dans laquelle le théâtre est envisagé comme un outil thérapeutique au service du patient.Cette thèse s’ancre dans une perspective très différente : elle étudie la question de la visibilité du handicap mental via une approche esthétique et politique, inspirée du courant anglo-saxon des disabilty studies, dans lequel le handicap est notamment analysé comme un phénomène social et culturel. La première partie est consacrée à un historique de la mise en visibilité de l’anormalité en général, ˆ travers les phénomènes de foire et les cas pathologiques entre le XVIe et le XXe siècle, en Europe et aux États-Unis. Elle souligne que la visibilité de ce qui est aujourd’hui appelé handicap a toujours joué sur l’ambiguïté entre la présentation et la représentation. La deuxième partie se concentre sur le théâtre contemporain et analyse les conditions de mise en audibilité du handicap mental dans trois spectacles des années 2010 : Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit mis en scène par P. Adrien, L’Empereur c’est moi mis en scène par V. Poirier et Rendez-vous gare de l’Est mis en scène par G. Vincent. Interprétées par des comédien.ne.s considéré.e.s comme valides, ces trois propositions artistiques prennent le handicap pour thème et le présentent sous la forme d’un partage d’expérience. Il y apparaît comme un écart à une norme sociale, qu’il contribue alors à mettre en question. La troisième partie est consacrée à des spectacles exclusivement interprétés par des comédien.ne.s en situation de handicap mental, dans lesquels celui-ci devient une ressource esthétique, tant au niveau de la dramaturgie, que du jeu d’acteur ou de la mise en scène. Des créations de la Compagnie de l’Oiseau-Mouche, de l’Atelier Catalyse et du Theater HORA, ainsi que les discours portés sur elles, sont ainsi analysées et comparéesDisability is nowadays increasingly present in the art world. This phenomenon is usually analyzed in the context of art therapy, in which theater is used as a way to improve the patient’s health. This dissertation adopts a very different perspective: inspired by disability studies, in which disability is considered a social and cultural phenomenon, it focuses on the visibility of mental disability through an aesthetic and political lens. The first part is an historical contextualization of abnormality in general. It studies how the freaks and the pathological cases gained visibility between the 16th and the 20th century, in Europe and in the United States. It stresses that what is nowadays called Ôdisability’ was always represented rather than merely exhibited. The second part focuses on contemporary theater and examines how mental disability can be heard, through the analysis of three performances created in the 2010’s : The Curious Incident of the Dog in the Night-Time directed by par P. Adrien, I am the Emperor directed by V. Poirier et Meet me at East Train Station directed by par G. Vincent. Played by able actors and actresses, these performances take disability as a theme and show it as a sharing of experience. Disability is portrayed as a deviation from social norms, which it enables to question. The third part is devoted to performances entirely played by actors and actresses with mental disabilities, in which disability becomes an aesthetic resource regarding dramaturgy, playing and staging. Creations by La Compagnie de l’Oiseau-Mouche, Atelier Catalyse and the Theater HORA, as well as the discourse about these companies, are analyzed and compared to each other
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GHANDI, KHALID. „La dialectique de l'unite et de la delivrance dans la poesie de yeats : sa rencontre avec la pensee indienne et rabin dramath tagore“. Paris 7, 1996. http://www.theses.fr/1996PA070012.
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L'ile se definit dans la poetique du jeune yeats comme le lieu ou s'opere le renversement de toutes les determinations materielles et temporelles qui nous enchainent encore a la nature. Elle evoque le mystere de la mort qui opere comme un absolu existentiel poetique et theologique. Ceci dit, yeats prefere se placer dans la perspective transcendante ou la nature se revele "infime et sacree". Dans la poesie de la maturite, il evolue vers une nouvelle conception artistique ou le corps devient l'expression parfaite de l'unite de l'etre et de l'unite rythmique de la nature. La deuxieme partie examine les rapports de yeats avec la pensee indienne et contient des developpements touchant a des aspects varies de l'interet de yeats pour l'inde et l'orient : la conception vedantique de la personnalite, telle qu'elle a ete definie dans la bhaghavad gita comme base explicative de the shadow waters, l'amitie du poete avec shri pwohit swami, l'influence du boudhisme zen sur lui, la "symbolique brahmanique dans "a vision" et le rapport entre le systeme dans son ensemble et la mandukya upanishad, l'influence de l'hindouisme tantrique sur ses derniers poemes. La troisieme partie etablit une comparaison systematique entre l'idee de la nature chez yeats et chez tagore, tout en soulignant le sens mystique intraseque qui accompagne cette idee. Nous avons parle aussi des references culturelles de la poesie de tagore et de l'idee de "jivandevata", selon laquelle le sens sacral s'inscrit dans un processus mesique et devient le sujet d'une perception esthetique personnelle les images de la mort et du paradis chez tagore sont souvent l'occasion d'une certaine idealisation romantique tandis que chez yeats elles deviennent une veritable question existentielle.
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Calderone, Amélie. „Entre la scène et le livre : formes dramatiques publiées dans la presse à l'époque romantique (1829-1851)“. Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20101.
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Entre 1829 et 1851 le champ dramatico-médiatique s’est vu reconfiguré : l’apparition de grandes revues littéraires, la naissance de la presse à quarante francs, la multiplication des périodiques et l’augmentation de leurs tirages sont conjoints des bouleversements économiques, politiques et sociaux faisant suite à la période postrévolutionnaire, et de mutations théâtrales majeures sur les scènes parisiennes. En résulte un accroissement de la présence de textes dramatiques diffusés dans la presse, sous de multiples formes : pièces jouées à lire en feuilletons, extraits, fragments, mais aussi ensembles de scènes théâtrales et d’articles théâtralisés ou dialogués à lire le temps de la fréquentation d’une feuille. Il existe ainsi à l’époque un troisième canal d’accès du théâtre vers l’espace public – entre la scène et le livre –, la presse. Parce que le théâtre partage avec le périodique des caractéristiques discursives, stylistiques et formelles, ses limites s’en trouvent diluées sinon abolies. En cet espace spécifique qu’est le journal, il n’est pas de concept de « genre dramatique » qui tienne. Ce que nous avons coutume de nommer « théâtre » n’existe pas, et vient à former une masse textuelle impure, mêlant matières journalistiques et dramatiques. Aussi est-ce au regard de ce contexte éditorial pleinement signifiant qu’il convient d’interpréter les pièces en bonne et due forme alors diffusées, parfois composées à sa destination : un pan entier de l’écriture dramatique romantique a été « médiatique », et doit se comprendre comme tel, recontextualisé et « recotextualisé » dans un cadre éditorial soumis aux modes, à la temporalité collective, à la collaboration et aux effets de lecture redevables à la présence d’autres articles qui lui sont contigus. Étudier le lien intime que les formes dramatiques éditées dans la presse entretiennent avec leur support de diffusion dans le second tiers du XIXe siècle permet de faire émerger une autre histoire du théâtre romantique, médiatique et en grande partie textuelle, en mettant au jour des auteurs, des tentatives dramatiques ou des événements aujourd’hui oubliés, mais aussi en ouvrant à la relecture de textes consacrés, tels ceux de Sand, de Vigny ou encore de MussetDuring the period 1829-1851, numerous factors brought about a reconfiguration of the relationship between print media and dramatic genres: the appearance of major literary journals, the introduction of low-priced printed press, the proliferation of mass periodicals and their increased print runs. These factors echoed not only the economic, social and political upheavals that characterized the first half of the 19th-century in post-revolutionary France but also the sweeping changes that affected the Parisian stage. As a result, one notes an increased presence of dramatic texts in the printed press. They may appear in various forms, as serialized theatrical plays, extracts, fragments but also collections of scenes and dramatized or dialogue-based articles – their length tailored to the newspaper format. Thus, between the stage and the page, dramatic forms could reach the public through a third access channel: print media. Their shared discursive, stylistic and formal features blur and even obliterate the boundaries between dramatic texts and periodical writing. In this particular context, the concept of “dramatic genre” does not apply and what we call “drama” does not exist as such. The result is a mixed mass of text, combining journalistic and dramatic materials. The “proper” plays that were circulated in the press, or even written for it, should be studied against the backdrop of this fully significant editorial context. An entire branch of Romantic playwriting was “media-oriented” and should be understood as such, with a new focus on context and co-text within an editorial framework subject to trends, collective temporality, collaborations and reading effects resulting from the influence of adjacent articles.The study of the close relationship between dramatic forms and their means of dissemination in the second third of the 19th-century gives a new, media-oriented and largely text-centered perspective on the history of the Romantic drama. Besides highlighting long-forgotten authors, events or diverse dramatic forms, it also prompts a new approach to the dramatic writings of well-established authors such as George Sand, Alfred de Vigny or Alfred de Musset
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Al, Iftaihat Mareim. „Le comique problématique dans l'œuvre d'Eugène Ionesco“. Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20058.
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Eugène Ionesco est un «nouveau classique» dont la dramaturgie est à la fois en rupture avec la dramaturgie traditionnelle et en progrès sur elle, la dramaturgie ionescienne est alors labyrinthique. Les composants de cette dramaturgie sont également labyrinthiques : la construction dramatique, les personnages, le langage, le temps et l'espace. Ce labyrinthe total mène à une absurdité totale celle de l'indécision et de déséquilibre. Pour envisager cette absurdité, l'homme ionescien a recours à la révolte, à l'indifférence et au rêve, mais il se heurte toujours à sa condition tragique d'un errant sans racines ni buts. Il ne lui reste alors que le rire, d'où la naissance d'un comique à la recherche de son identité. C'est le comique problématique d'Eugène Ionesco. L'aspect problématique de ce comique est dû aux points suivants : premièrement, sa naissance dans une ambiance labyrinthique crée l'absurde qui rend incertaine même l'humanité de l'homme. Deuxièmement, ce nouveau comique s'inspire du comique classique de Molière, mais son essence n'est plus d'instruire, de corriger ou de plaire mais de réfléchir. Troisièmement, ce comique révèle la condition tragique de l'homme par des scènes qui augmentent l'angoisse au lieu de la dissiper. Par conséquent, c'est un comique problématique soit par rapport au tragique, soit par rapport au rire qui devient, à son tour, un effet du tragique. C'est pour cette raison que ce comique reste ouvert à de multiples hypothèses même celle de son inexistenceEugene Ionesco is a "new classic" which is both dramatic break with the traditional drama and progress on it, the ionesco's dramatic is so labyrinthine. The components of this dramatic are labyrinthine: the dramatic structure, personages, language, time and space. This total maze leads to the utter nonsense of indecision and imbalance. To consider this absurdity, the ionescien man uses the revolt, indifference and dreams, but he still faces his tragic condition of a rootless wanderer or goals. He is left while laughing, hence the birth of a comic in search of his identity. This is the comic problematic of Eugene Ionesco. The problematic of this comic appearance is due to the following points: first, his birth in a labyrinthine environment creates the absurd makes uncertain even the humanity of man. Second, this new comic inspired by the classic Molière comic, but its essence is not to instruct, correct or pleasing but to reflect. Thirdly, the comic reveals the tragic condition of man by scenes that increase anxiety rather than dissipate. Therefore, this problematic is a comic or tragic compared to or relative to laughter becomes, in turn, an effect of tragedy. It is for this reason that this comic remains open to many assumptions even of its nonexistence
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Fréri, Nathalie. „La place et le rôle de l'auteur dans le théâtre d'aujourd'hui : essai d'analyse socio-littéraire“. Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30065.
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Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatiqueIf the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing
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Fathallah, Naoufel. „La Phèdre de Sénèque : approche dramaturgique et philosophique“. Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC031.
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La Phèdre de Sénèque. Approche philosophique et dramaturgique. Le sujet ainsi défini s'articule autour de trois centres d'intérêts majeurs. Il importe d’abord, d’analyser la genèse proche et lointaine du mythe de Phèdre. Il convient ensuite de mettre en évidence l’art dramaturgique de Sénèque ; enfin, c'est à travers la confrontation de deux visions antithétiques du monde (la parole épicurienne telle qu’elle est exprimée par la Nourrice et la vision stoïcienne de l'univers incarné par le personnage d’Hippolyte), ainsi que par l’insistance sur la dialectique des passions qui animent tour à tour chacun des protagonistes, qu’on dégagera les fondements mêmes de la lecture philosophique que propose Sénèque de sa PhaedraPhaedra of Seneca : dramaturgical and philosophical approach. This defined subject is divided into three important parties : First, we will analyze the near and the distant genesis of the myth of Phaedra. Then, it will be suitable to put in light the dramaturgical art of Seneca ; finally, it’s through the confrontation of two antithetical visions of the world (the epicurean speech is expressed by the nurse and the stoic vision of the universe incarnated in the Hippolytus persona) and also by the insistence of the dialectic of passions that animate every one of the protagonists that we can even draw the foundations of the philosophical ideas that has been proposed to us by Seneca in Phaedra
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Maubon, Pascale. „L'identité du Comédien(ne) et le jeu dramatique dans le théâtre du 17ème siècle de 1630 à 1650“. Thesis, Nice, 2015. http://www.theses.fr/2015NICE2031.
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Cette thèse a pour objectif de montrer le lien de cause à effet, entre l’arrivée de la forme du théâtre dans le théâtre des pièces pré-classiques de 1630 à 1650 et la construction de l’identité du comédien à partir des pièces de Rotrou, le Véritable Saint Genest, Desmarets,Les Visionnaires, Gougenot La Comédie des comédiens, Scudéry La comédie des comédiens,et Corneille, l’Illusion Comique, dont certaines empruntent le personnage-comédien ouvertement, ou le sous-entendent. Afin d’expliquer l’arrivée dans l’Histoire du comédien professionnel, l’étude s’organise selon un panorama historique de l’identité du comédien depuis l’Antiquité jusqu’au Moyen-âge, au moment de la disparition du mystère et de la fermeture de la Confrérie de la Passion et de la Résurrection de Notre Seigneur Jésus-Christ,prouvant ainsi l’avancée du comédien. Puis, la redéfinition des genres dans lesquels s’inscrira la forme du théâtre dans le théâtre permettra de constater le passage de l’identité religieuse à l’identité professionnelle du comédien avec la réhabilitation du genre de la comédie longtemps éclipsé dans l’Histoire. Le relevé des figures de comédiens de milieux sociaux différents, artisans, marchands, nobles, comédiens de foire, comédiens italiens, permettra de déterminer le profil du comédien français, son identité professionnelle et sociale. Le jeu dramatique du comédien par la liberté de création et l’imaginaire des auteurs dramatiques connaît une évolution. Se pose alors la question de l’identité psychologique du comédien,dans son rapport à la mimésis, à l’identification ou non de son personnage dans le jeu, en référence à l’éthique qui se redéfinitThis thesis has for objective to show the link of cause with effect, between the arrival of theform the play within the play of the pre-classic period from 1630 till 1650 with theconstruction of the identity of comedian from the piece of Rotrou Le Véritable Saint Genest,Desmarets The Visionaries, Gougenot The comedy of the comedians, Scudéy The comedy ofthe comedians, and Corneille The comic illusion, the character-comedian of which someborrow openly, or imply him. To explain the arrival in the History of the professionalcomedian, the study gets organized according to a historic panorama of the identity of thecomedian since Antiquity to the Middle Ages, at the time of the disappearance of the mysteryand the closure of the Brotherhood of the Passion and the Resurrection of our Lord Jésus-Christ, proving the advance of the comedian. Then, the redefining of the genre in which willjoin the form of the play within the play will allow to notice the passage of the religiousidentity in the professional identity of the comedian with the rehabilitation of the genre of thecomedy for a long time ecclipsé in the History. The statement of comedians’figures ofdifferent social backgrounds, craftsmen, traders, noble persons, comedians of fair, Italiancomedians, will allow to determine the profile of the french comedian, its professional andsocial identity. The dramatic play of the comedian by the freedom of creation and theimagination of the playwrights knows an evolution. The question of the psychological identityof the comedian, its relationship in the mimesis, the identification or not of his character in theplay, in reference to the ethics redefines
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Boneva, Ralitza. „Réel et représentation à l'épreuve de la fiction dans l'oeuvre de Michael Haneke“. Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30072/document.
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Notre étude se propose de montrer qu'au cours des deux dernières décennies, des années 1989-2009, avec les films de Michael Haneke réalisés pour le cinéma, des innovations décisives apparaissent dans la fiction de nos jours. Des formes nouvelles bouleversent le récit, révélant ce qui, dans la fiction conventionnelle, est devenu stéréotype et mettent en cause la représentation. Des nouveaux rapports entre réel et représentation, entre visible, invisible et insupportable à voir, entre instance énonciative et spectateur entrent en jeu. De nouveaux possibles s'ouvrent sur la voie du développement de la fiction cinématographique et élargissent ses possibilités d'investigation du réel sur l'écranOur study suggests that during the last two decades, 1989-2009, with Michael Haneke's movies realized for the cinema, decisive innovations appear in the contemporary fiction. New forms upset the narrative, dispute the representation, and reveal what in the conventional fiction became stereotype. New reports between reality and representation, between visible, invisible and unbearable to see, between the instance of the statement and the spectator come into play. New possibilities open on the way to the development of the film fiction. They widen the possibilities for investigation of the reality on the screen
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Kalangi, Caroline. „Le Kenya National Drama Festival : identité culturelle dans un corpus dramatique anglophone et francophone“. Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20004/document.
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Cette étude vise à analyser la question de l’identité culturelle dans un corpus dramatique de seize textes écrits en français et en anglais par des Kenyans à l’occasion du Kenya National Drama Festival (KNDF). Tenant compte de l’histoire coloniale et du contexte post-colonial du Kenya, il s’est agi de relever dans ce corpus les marqueurs de la post-colonialité, à y identifier les thèmes majeurs et les traits constructifs de l’identité culturelle kenyane et à y déterminer les particularités culturelles. Dans une optique comparatiste, l’étude s’appuie sur les théories aussi bien post-coloniales que du théâtre. Les concepts post-coloniaux touchant la question de l’identité à travers la langue, la culture et la représentation sont identifiés et analysés dans le contexte kenyan. Pour cette raison, l’on s’est appuyé sur les travaux d’Edward Saïd, d’Homi K. Bhabha, de Chinua Achebe et de Ngugi wa Thiong’o. L’étude révèle que la population kenyane se trouve face à une multiplicité de choix culturels résultant de l’expérience coloniale, de nouvelles pratiques liées à la globalisation ainsi que des complexités et des défis de la vie quotidienne du monde moderne. Le KNDF s’avère un dispositif de sensibilisation du public aux nouveautés, de dénonciation des maux sociétaux et de promotion de normes culturelles africaines. Il apparaît ici que le recours aux langues européennes n’empêche pas de représenter des réalités culturelles locales. Le Kenya fait ainsi preuve d’une mobilité culturelle qui se manifeste dans la progression du système traditionnel vers une disposition mondialiséeThis study analyszes the representation of cultural identity in sixteen drama texts written by Kenyans in English and in French for the Kenya National Drama Festival (KNDF). Considering the colonial history and the postcolonial context of Kenya, the task involved identifying the postcolonial markers within the texts, identifying major themes and traits constituting a Kenyan cultural identity and determining specific cultural identity. Using a comparative approach, the study draws from both postcolonial and theatre theories. The postcolonial concepts touching on identity through language, culture and representation are identified and analyzed in respect to the Kenyan context. For this reason, the study narrows down to the theoretical works of Edward Saïd, Homi K. Bhabha, Chinua Achebe and Ngũgĩ wa Thiong’o. The study reveals that the Kenyan population is faced with a multiplicity of cultural choices brought about by the colonization experience, the new practices associated with globalization, as well as the complexities and challenges of daily life. The KNDF proves to be an avenue for sensitizing the public on new phenomena, for denouncing societal ills and for promoting African traditional norms. It is apparent that the use of European languages does not hinder the representation of cultural reality of the local society. Kenya therefore attests to cultural mobility seen in the progression from the traditional system towards a more globalized disposition
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Marchal-Louët, Isabelle. „Le geste dramatique dans le théâtre d'Euripide : étude stylistique et dramaturgique“. Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30045/document.
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L'étude du geste dramatique dans le théâtre d'Euripide s'attache principalement à la dimension verbale du geste théâtral. Elle n'envisage pas seulement les mots qui disent le geste comme un moyen de reconstituer le geste de l'acteur mais cherche à éclairer grâce à eux l'art dramaturgique du poète. Une première partie est consacrée à l'étude stylistique des énoncés regroupés en « motifs gestuels » et montre l'importance des gestes pathétiques de la filiav dans les tragédies d'Euripide. Dans une seconde partie, une analyse comparée de gestes dans des séquences parallèles chez les trois grands Tragiques permet de mesurer les variations du rapport entre parole poétique et spectacle dramatique d'un poète à l'autre, afin de mettre en lumière la spécificité de l'expression euripidéenne du geste et le renouvellement du pathétiquedans son théâtre. Y sont interrogées les conséquences qu'ont pu avoir sur l'écriture du geste les modifications de la pratique théâtrale au cours du ve siècle avant J.-C., l'évolution des tendances artistiques et le poids de la sensibilité personnelle et de la vision tragique de chaque poète. Dans la troisième partie sont examinées les expérimentations théâtrales auxquelles s'est livré Euripide autour de l'expression du geste, notamment dans ses dernières pièces, et quiremettent en question la nature du tragiqueThis study focuses on gestures as indicated by the words in Euripides' tragedies. Words are not only here a means to reconstruct the actor's gesture on stage, but are analysed in order to enlighten the specificity of the poet's dramatic art. The first chapter presents a stylistic study of the gesture formulas, grouped according to « gestural patterns », and reveals theimportance of the pathetic gestures of filiav in Euripides' theatre. In the second chapter, the comparison of gestures in parallel scenes by the three Tragic dramatists sheds light on the differences between them in the relationship between dramatic text and stage action and on the novelty of Euripidean gestural expression and pathos. This comparison is linked to the evolution of tragic performance in the fifth century, to the evolution of artistic tendencies and to the poet's own sensibility. The third chapter is an analysis of Euripides' theatrical experiments involving dramatic gestures, especially in his late plays, and leads to a new definition of the tragic nature of Euripidean theater
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Librizzi-Huret, Laura. „La centralité du public dans la création théâtrale : étude des expérimentations de l'artiste Laura Hurt de 2014 à 2018“. Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019AZUR2010.
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En prenant appui sur quatre années d'expérimentations artistiques et théâtrales (2014-2018) dans la ville de Nice et le département des Alpes-Maritimes, cette thèse tente de rendre compte de la démarche intellectuelle et des processus mis en œuvre dans une création post-contemporaine. Elle donne à voir la particularité des expériences de l’artiste Laura Hurt qui est à la fois auteur, metteur en scène et chercheur-praticien-reflexif dans le cadre de cette thèse de création. Dans un va-et-vient de la théorie à la pratique et inversement, nous avons essayé de mettre en avant comment un parcours personnel chaotique et une solide formation artistique amènent à de nouvelles pistes de travail, en mettant notamment le public au cœur de toutes démarches artistiques, la question de la centralité du public dans une œuvre théâtrale constituant une donnée principale, capitale même, dans l'élaboration d'un spectacle afin d’aller dans la continuité du « théâtre pour tous », du « théâtre pauvre » ou encore du « théâtre élitaire pour tous » afin de découvrir comment aujourd’hui, l'acte de création peut mettre en avant des notions comme la fraternité et la concorde universelle par une attention particulière vis-à-vis du public et notamment celui qui a peu accès à l'art, le public dit « empêché ». Cette thèse analyse par une méthode heuristique l'en-dedans et l'en-dehors de la représentation scénique, et montre que l’interdisciplinaire, le performatif et l'acte poétique permettent une nouvelle liberté pour se rapprocher du public et effacent tout ce qui nous sépare, pour mieux retrouver ce qui nous rassemble. Cette thèse découle d'une volonté de théoriser, d'analyser, de décrypter, d'expliquer, de découvrir a posteriori les actes engagés dans une démarche artistique et de faire émerger le savoir muet, discret, intime, de la genèse épistémologique de l'artiste dans son acte créateurDrawing upon four years of artistic and theatrical experimentation (2014-2018) in the city of Nice and the department of Alpes-Maritimes, this thesis attempts to take account of the intellectual approach and processes involved in a post-contemporary creation. It reveals the particular nature of the experience of the artist Laura Hurt, who is both producer and researcher-practitioner-thinker in the framework of this thesis on creativity. Moving freely between theory and practice, we have tried to put forward how a chaotic personal journey and a solid artistic training lead to new ways of working, notably placing the public at the heart of all artistic approaches and whenever the question of the public’s central role in theatre might be of primary, even essential pertinence in the putting on of a spectacle aiming to continue the art of ‘theatre for all’, ‘poor or minimal theatre’ or even ‘elite theatre for everyone’, thereby discovering how, today, the creative act may promote notions such as fraternity and universal concord by paying special attention to the public and particularly that public having little access to art, the so-called handicapped public. This thesis analyses via its heuristic model the inner world and outer world of stage performance, and reveals how the interdisciplinary, the performative and the poetic act allow for a new freedom to draw closer to the public, erasing all that separates, so as to better reclaim what we share. The thesis derives from a desire to theorise, analyse, decode, explain and discover a posteriori those acts involved in an artistic approach, and to bring to light the intimate, discreet, unsaid knowledge of the artist’s epistemological genesis in her creative gesture
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Bertin, Marjorie. „Le pirandellisme dans le théâtre de Jean Genet. Poétique et esthétique“. Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030156/document.
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Cette thèse a pour objectif de mettre en évidence et d'analyser les thématiques pirandelliennes dans le théâtre de Jean Genet. Á cet effet, elle propose une redéfinition du pirandellisme, qui était sujet à de nombreuses controverses depuis sa première définition d'inspiration philosophique par le critique italien Adriano Tilgher en 1923. La nouvelle définition du pirandellisme proposée ici est construite à partir de cinq caractéristiques principales: le dualisme entre la vie et la forme, l'humorisme pirandellien, la suprématie de l'œuvre d'art sur la vie, l'impossibilité d'être un soi unifié et la métathéâtralité. Cette nouvelle modélisation dramaturgique du pirandellisme sert à analyser les pièces métathéâtrales de Pirandello et l'ensemble du théâtre de Genet dans le but d'appréhender l'historicité des textes, leur ancrage - et parfois absence d'ancrage - par rapport à leurs contextes de production et les liens qu'ils tissent entre eux. L'un des plans théoriques pris pour analyser l'influence de la dramaturgie et de l'esthétique de Pirandello sur le théâtre de Genet est de nature historique, portant précisément sur l'histoire du théâtre et des formes scéniques en Italie et en France au XXe siècle. Ce travail est étroitement lié à la question de l'auteur et à celle de l'influence. Outre le pirandellisme, la déconstruction du réalisme, le renoncement au mimétisme psychologique ou gestuel, aux effets d'illusion, la mise en espace d'un nouvel univers fictionnel et l'abondance des textes divers et didascalies qui dessinent et préconisent la mise en scène avec une précision méticuleuses sont autant de caractéristiques qui réunissent ces deux auteursThis thesis highlights and analyzes the Pirandellian themes in Jean Genet's plays. It proposes a redefinition of Pirandellism, which was the subject of much controversy from the time of its first definition, of philosophical inspiration, by the Italian critic Adriano Tilgher, in 1923. The new definition put forward here is based on five main characteristics: dualism between life and form; Pirandellian humourism; the supremacy of the art work over life; the impossibility of being a unified self; and metatheatricality. This new dramaturgical modelling of Pirandellism serves to analyze Pirandello's metatheatrical plays and all of Genet's theatre, with a view to understanding the historicity of the texts, that is, their anchorage – and sometimes absence thereof – in relation to their contexts of production and the relationships they weave between them. One of the theoretical frames of reference taken to analyze the influence of Pirandello's dramatic art and aesthetics on Genet's theatre is historical and precisely relevant to the history of theatre and scenic forms in 20th century Italy and France. This work is closely linked to the question of the author and of influence. Apart from Pirandellism, the deconstruction of realism, the giving up of psychological or gestural imitation and of the effects of illusion, the spatial framing of a new fictional world, and the abundance of varied texts and forms of stage direction that outline and recommend staging with meticulous precision are all characteristics common to these two authors
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Rendulic, Nina. „Le discours représenté dans les interactions orales. De l'étude des structures en contexte vers la construction de l'image des relations interlocutives“. Thesis, Orléans, 2015. http://www.theses.fr/2015ORLE1144/document.
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A partir des données contextualisées, extraites d’ESLO, un corpus oral du français contemporain, cette thèse étudie la variation dans l’actualisation des discours représentés (rapportés), avec une double finalité : rendre compte, par un modèle théorique, de leur complexité structurale dans le contexte des interactions orales et analyser leur influence sur la construction des liens interlocutifs et des trajectoires thématiques.Après avoir délimité les frontières externes du phénomène et situé le concept de discours représenté par rapport à plusieurs approches linguistiques et extralinguistiques qui reflètent sa complexité épistémologique, cette étude s’engage dans deux directions. La première, formelle, proposera une définition des discours représentés en tant que constructions grammaticales, définies par l’inséparabilité de trois critères : la structure bipartite, le décalage énonciatif et le fonctionnement métadiscursif. L’apport principal d’une telle analyse se précise dans la réinterprétation des liens entre le « discours citant » et le « discours cité », étudiés dans une perspective macrosyntaxique qui s’applique à toute la variation dans l’actualisation des discours représentés en contexte des interactions orales. La seconde direction, qui se rapporte aux liens entre les discours représentés et la construction d’une relation interlocutive, présente l’étude de plusieurs configurations de discours représentés en contexte, avec deux finalités : l’étude du rapport à autrui, l’interlocuteur, moyennant la mise en scène et l’illusion d’authenticité véhiculées par le discours représenté et l’étude du rapport à soi-même, le locuteur, par la construction d’une image de soi à travers les interventions dans la reconstruction des paroles autresBased on a contextualized data extracted from ESLO, an oral corpus of modern French, this PhD thesis examines the variation in the actualization of represented (reported) speech, with a double aim: to account for their structural complexity in oral interaction and to analyze their influence on the construction of the interlocutive relation and thematic paths.After defining the external borders of the phenomenon and placing the concept of represented speech with regard to several linguistic and non-linguistic approaches that reflect its epistemological complexity, this study engages in two directions. The first one, formal, will define represented speech as grammatical constructions, determined by the inseparability of three criteria: the bipartite structure, the enunciation offset and the metadiscursive functioning. The main contribution of this analysis is being illustrated in the reinterpretation of the link between “quoting discourse” and “quoted discourse”, analyzed in the macrosyntactic perspective that applies to all occurrences of represented speech in oral interaction. The second direction, which relates to the links between represented speech and the construction of an interlocutive relation, studies several represented speech configurations in context, with two aims: the study of the relation to the interlocutor, through the staging and the authenticity illusion conveyed by represented speech, and the study of the relation to oneself, the speaker, constructing a self-image through his interventions in the reconstruction of other words
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Livanis, Solange. „Du récit concentrationnaire à la scène chez Iakovos Kambanellis : raconter et représenter Mauthausen“. Thesis, Lille 3, 2018. http://www.theses.fr/2018LIL3H007/document.
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L’auteur dramatique grec Iakovos Kambanellis a connu l’expérience du camp de concentration et en a tiré, vingt ans plus tard, sa seule œuvre narrative, Mauthausen. Prenant ce récit pour pivot, notre recherche interroge les liens qui existent entre une écriture née de l’expérience concentrationnaire et le théâtre chez cet auteur. Pour cela, nous replaçons le texte narratif dans une perspective autobiographique pour la dépasser en rattachant Mauthausen à la littérature concentrationnaire et pour y déceler le dispositif scénique d’un tombeau littéraire. Puis, nous étudions les enjeux thématiques et idéologiques de l’écriture du dramaturge en lien avec son expérience traumatique. Nous nous penchons alors sur des pièces à relier au trauma de l’homme revenu du camp dans un pays livré à la guerre civile. Des motifs et des thèmes de la littérature concentrationnaire sont mis en évidence dans plusieurs pièces. En outre, la figure d’Ulysse, récurrente dans le théâtre de Kambanellis, apparaît comme symbolique de l’identité du rescapé. Enfin, nous observons la façon dont se résolvent les tensions entre diégèse et mimèsis pour se transformer en dynamique littéraire. Ainsi, sont étudiés les statuts du narrateur et du personnage ainsi que l’inscription de ces entités dans un espace fondateur réel/imaginaire où l’emploi du mythe transfigure l’expérience concentrationnaire et lui donne sa dimension politique. Nous revenons aussi sur la notion d’illusion chez Kambanellis qui, finalement, a consacré son talent au jeu et au mystère de l’imaginaire, de l’ὑποτίθεται, dont nous considérons qu’il renvoie en partie à son expérience concentrationnaireA Greek playwright, Iakovos Kambanellis drew on his personal experience of the concentration camp to write, two decades later, his only narrative work, Mauthausen. Taking this work as a central point, our research questions the links existing between a text born of the concentrationary experience and the theatre of this author. Our choice is to frame the narrative in an autobiographical perspective, allowing us to explore and connect Mauthausen to the genre of “littérature concentrationnaire” (concentrationary literature) and reveal the stage setting of a “tombeau littéraire” (literary funeral monument). Next we examine the thematic and ideological challenges of the author’s writing as related to his traumatic experience. We review the plays which can be linked to the trauma of a man returning from the camp to a country in the throes of civil war. Motifs and themes of the “littérature concentrationnaire” are revealed in several plays. Ulysses, a recurrent figure in the theatrical writing of Kambanellis, appears to symbolize the survivor’s identity. Finally, we observe how the tensions between diegesis and mimesis achieve a dynamic resolution. The positions of narrator and character are examined and inscribed in a real/imaginary world in which the use of the myth transfigures the concentrationary experience and invests it with its political dimension. We review also Kambanellis’s notion of illusion, and how he devoted his talent to the interplay and to the mystery of the imaginary, of the ὑποτίθεται, which refers in our opinion in part to his concentrationary experience
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Caron, Elsa. „L'école du spectateur en français langue étrangère. Pratiques créatives du langage dans le rapport à la théâtralité“. Thesis, Lyon, 2020. http://www.theses.fr/2020LYSEN022.
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Démarche d’accompagnement au spectacle vivant, l’école du spectateur incite à appréhender le théâtre comme une pratique artistique vivante à travers la représentation. Le travail proposé dans cette recherche envisage le spectateur dans son rapport à la langue étrangère dans l’expérience de la théâtralité. Il s’agit de comprendre comment la langue des apprenants se construit dans la confrontation avec les langages de la scène. Dans un premier temps, nous situons l’école du spectateur en tant que pratique de la théâtralité envisagée comme ce qui fait la spécificité de l’énonciation théâtrale, nous en définissons les enjeux pour un apprentissage de la langue étrangère. Notre cadre méthodologique confronte perspective interactionniste dans la réception collective des pièces, analyse du discours et de la gestuelle, notamment dans le jeu dramatique. Nos analyses montrent comment les apprenants s’approprient le spectacle en le co-reconstruisant dans les interactions et en s’appuyant sur une forme de mémoire collective. Nous envisageons ensuite le rôle des émotions et des perceptions dans la réception ainsi que dans la construction de langages pluriels, soulignant la relation esthétique qui s’instaure avec les spectacles. Nous analysons dans quelle mesure la subjectivité de l’apprenant se construit, notamment à travers les phénomènes d’identification. L’école du spectateur est enfin envisagée comme lieu d’exploration et d’expérimentation des langages dans le retravail créatif du texte scénique, travail qui fait émerger une troisième voix dans le croisement de différentes formes d’énonciation, créant des procédés d’interdiscursivité produits par la réception toujours active des spectaclesConsidered as a tool to understand living performance, the school of the spectator encourages participants to apprehend drama as a living artistic practice through representation. This work considers the spectator in his or her relation to the foreign language through the experiment of theatricality. The targeted language of learners builds up through the confrontation with the languages of the stage. First, we define the school of the spectator as a practice of theatricality considered as the specificity of theater enunciation, the issues are then considered within the context of French as a foreign language acquisition. Our methodology confronts interactionist perspectives in the collective reception of plays, discourses and gestures analysis, in particular in dramatic play. The study demonstrates how the learners take ownership of the performance by co-rebuilding it through interactions and by leaning on a form of collective memory. We then examine the role of emotions and perceptions in the reception and construction of several languages, underlining the aesthetic relationship built between participants and the performances. We analyze how the subjectivity of learners grows, especially through the identification process. Finally, the school of the spectator is considered as a place for the exploration and experimentation of languages through the creative re-working of the scenic language. This practice allows a third voice to emerge in the crossing of various forms of enunciation, creating interdiscursivity processes produced by the always active reception of performances by spectators
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Baek, Koun. „Oral représenté et pragmaticalisation : étude des marqueurs d’oralité dans les textes dramatiques français (XIIIe-XVIIe siècle)“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA067.
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Cette thèse a pour but d’examiner des marqueurs d’oralité dans les textes dramatiques français entre le XIIIe et le XVIIe siècle et de décrire, du point de vue diachronique, leurs parcours d’évolution en termes de « pragmaticalisation ». Comme objet d’étude, nous avons choisi, d’une part, au niveau lexical les interjections primaires et les marqueurs discursifs étant résultant de la pragmaticalisation, et d’autre part, au niveau syntaxique la répétition et la dislocation qui sont considérées comme des constructions « disfluentes », caractéristiques de l’oral. Quant aux marqueurs discursifs (l’un « par ma foi » formé sur le substantif foi, et l’autre décatégorisé à partir de deux adverbes « sus » et « çà »), nous nous concentrons sur leurs pragmaticalisations par des analyses syntaxiques et sémantiques, et pour ce qui est des interjections primaires, nous essayerons de révéler le mode de formation d’une nouvelle expression interjective que nous appellerons « productivité interjective ». En dernier lieu, les deux structures susdites nous permettront de rendre compte de leurs valeurs pragmatiques. Étant donné que les textes dramatiques font une large place à la représentation de l’oral à l’écrit, ce que nous appellons l’« oral représenté », nous tenterons de montrer comment ces marques de l’oral traduisent, à l’écrit, les émotions, les pensées, les attitudes, etc., du locuteur et comment elles acquièrent de nouvelles valeurs pragmatiques dans l’usage qui imite l’usage réel du moyen françaisThis thesis deals with the different markers of orality in the french dramatic texts and, particulary, with their process of evolution in the aspect of the “pragmaticalizations”. First, we focus on the use of the discourse marker which is derived from the propositional syntagme “par ma foi” but also from two adverbes “sus” and “çà”. It focuses on two main points: the process of the pragmaticalization of theses discourse markers and their relations with the orality through analysis of syntactic and semantic properties. Secondly, we examine also the medieval primary interjections and the production of its new combinations. Lastly, in the case of syntactic analysis, we treat two structures which mark the disfluency of sentences ie. dislocation and repetition. In this Thesis, we will reveal how these lexical units and syntactic constructions are used in the medieval play to transfer the locutor’s emotion and thought and how these oral markers receive new pragmatic values in their usages in Middle French
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Rendulic, Nina. „Le discours représenté dans les interactions orales. De l'étude des structures en contexte vers la construction de l'image des relations interlocutives“. Electronic Thesis or Diss., Orléans, 2015. http://www.theses.fr/2015ORLE1144.
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A partir des données contextualisées, extraites d’ESLO, un corpus oral du français contemporain, cette thèse étudie la variation dans l’actualisation des discours représentés (rapportés), avec une double finalité : rendre compte, par un modèle théorique, de leur complexité structurale dans le contexte des interactions orales et analyser leur influence sur la construction des liens interlocutifs et des trajectoires thématiques.Après avoir délimité les frontières externes du phénomène et situé le concept de discours représenté par rapport à plusieurs approches linguistiques et extralinguistiques qui reflètent sa complexité épistémologique, cette étude s’engage dans deux directions. La première, formelle, proposera une définition des discours représentés en tant que constructions grammaticales, définies par l’inséparabilité de trois critères : la structure bipartite, le décalage énonciatif et le fonctionnement métadiscursif. L’apport principal d’une telle analyse se précise dans la réinterprétation des liens entre le « discours citant » et le « discours cité », étudiés dans une perspective macrosyntaxique qui s’applique à toute la variation dans l’actualisation des discours représentés en contexte des interactions orales. La seconde direction, qui se rapporte aux liens entre les discours représentés et la construction d’une relation interlocutive, présente l’étude de plusieurs configurations de discours représentés en contexte, avec deux finalités : l’étude du rapport à autrui, l’interlocuteur, moyennant la mise en scène et l’illusion d’authenticité véhiculées par le discours représenté et l’étude du rapport à soi-même, le locuteur, par la construction d’une image de soi à travers les interventions dans la reconstruction des paroles autresBased on a contextualized data extracted from ESLO, an oral corpus of modern French, this PhD thesis examines the variation in the actualization of represented (reported) speech, with a double aim: to account for their structural complexity in oral interaction and to analyze their influence on the construction of the interlocutive relation and thematic paths.After defining the external borders of the phenomenon and placing the concept of represented speech with regard to several linguistic and non-linguistic approaches that reflect its epistemological complexity, this study engages in two directions. The first one, formal, will define represented speech as grammatical constructions, determined by the inseparability of three criteria: the bipartite structure, the enunciation offset and the metadiscursive functioning. The main contribution of this analysis is being illustrated in the reinterpretation of the link between “quoting discourse” and “quoted discourse”, analyzed in the macrosyntactic perspective that applies to all occurrences of represented speech in oral interaction. The second direction, which relates to the links between represented speech and the construction of an interlocutive relation, studies several represented speech configurations in context, with two aims: the study of the relation to the interlocutor, through the staging and the authenticity illusion conveyed by represented speech, and the study of the relation to oneself, the speaker, constructing a self-image through his interventions in the reconstruction of other words
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Garnier, Sylvain. „Érato et Melpomène ou les sœurs ennemies : langage poétique et poétique dramatique dans le théâtre français de Jodelle à Scarron (1553-1653)“. Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040148.
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L'expression poétique semble inhérente au théâtre classique. Pourtant, les pièces de la seconde moitié du XVIIe siècle, en particulier les tragédies, sont le fruit de principes « réguliers » qui ont cherché à dépoétiser le théâtre et ont largement réussi dans cette entreprise. Pour rendre compte de ce processus, il est nécessaire de retracer l'histoire de la poésie au théâtre depuis la naissance de la tragédie humaniste, au milieu du XVIe siècle, jusqu'à l'instauration de ce que la postérité appellera le classicisme. Il apparaît ainsi que l'élocution lyrique s'est progressivement déplacée au fil du temps du genre tragique vers le genre comique en suivant l'évolution de la poésie lyrique depuis le style sublime de la Pléiade jusqu'à l'expression burlesque de Scarron en passant par la simplicité malherbienne, l'ingéniosité mariniste ou l'enjouement galant. L'expression lyrique glisse ainsi progressivement des chœurs et des discours pathétiques de la tragédie humaniste vers les soupirs, les chansons et les pointes des amants de la tragi-comédie et de la pastorale avant d'être parodiée dans la parlure ridicule des personnages de la comédie burlesque. Parallèlement à ce mouvement, les penseurs réguliers théorisent l'opposition fondamentale du langage poétique et du langage dramatique, rendant ainsi presque impossible le développement d'une tragédie régulière poétiquePoetical expression seems to be an inherent aspect of classical theatre. However, plays written in the second half of the seventeenth century, particularly the tragedies, were conceived to adhere to regular standards of form which tended towards the removal of poetic expression from theatre and which largely succeeded in doing so. To summarise this process, it is necessary to recount the history of poetic expression in plays from the advent of humanist tragedy in the mid-sixteenth century to the establishment of what would be later called « classicism ». It can then be demonstrated that lyrical elocution shifted over time from tragedy to comedy, following the same evolution as lyrical poetry which evolved from the noble style of the Pleiade all the way to Scarron’s burlesque expression, through the simplicity of Malherbe’s expression, the ingenuity of marinism, or the preciosity of the gallant style. Poetical expression thus progressively shifted from the choirs and pathetic discourses of the humanist tragedy, towards the sighs, songs, and conceits of the lovers of tragi-comedy and pastorales, before being parodied in the ridiculous manner of speech of the characters in burlesque comedy. Simultaneously, theorists of regularity theorised the fundamental opposition between poetic and dramatic language, thus making the development of a regular poetical tragedy nearly impossible
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Saket, Mourad. „Fiction et diction de l'ɶuvre dramatique de Samuel Beckett“. Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016AZUR2021/document.
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Avec le même vocabulaire, Samuel Beckett construit un même univers tant dans ses romans quedans ses pièces de théâtre : Molloy, Murphy, Malone meurt, En attendant Godot, Fin de partie, Oh les beaux jours,La Dernière bande, etc. Pour créer un même monde obscur, il s’appuie sur un langage qui s’anéantit sitôtqu’il s’établit. Si pour Joyce, la création verbale est d’ordre poétique, celle de Beckett est tout autre. Ilopte pour un style abstrait, une phrase grise, sans relief lyrique, dénuée de grâce et de poésie. Une phrasepauvre, à la limite de rien.Ainsi nous allons d’abord révéler quelques techniques littéraires auxquelles Beckett a eu recours :Organisation et structure de l’oeuvre, Procédés narratifs, Constantes dramaturgiques.Après l’étude de la caractéristique formelle des écrits de Beckett, nous tenterons de dévoiler leprocessus de négativité générale qui constitue le sens profond de l’oeuvre de Beckett et qui s’affirme deplus en plus dans l’oeuvre dramatique.Ensuite nous mettrons en relief quelques techniques littéraires utilisées par Beckett dans Fin departie : La diversité d’idées, La participation du lecteur et/ou spectateur, Les procédés narratifs.Enfin, nous analyserons les personnages de cette pièce qui agissent sans buts et motifs précis. Nousessaierons de comprendre ce qu’ils sont (identité) ce qu’ils veulent (désirs) et ce qu’ils font (actions).Ainsi, nous mettrons en exergue leurs caractéristiques, la nature de leurs relations avec eux-mêmes et lesautres. Nous comprendrons alors dans quel monde d’absence ils se trouvent projetés. Pour conclure,nous analyserons la notion de temps et d’espace qui forme un axe fondamental de Fin de partieWith the same vocabulary, Samuel Beckett builds the same universe in its novels or in her plays:Molloy, Murphy, Malone dies, While waiting for Godot at the End of part, Oh the beautiful days, The Last band, etc.He creates the same dark world and he leans on a language which perishes as soon as it becomesestablished. If for Joyce, the verbal creation is essentially of poetic order, that of Beckett is completelyother. He opts for an abstract style, for a grey sentence, without the slightest operatic relief, divested ofany grace as any poetry. A poor sentence.So is we will first reveal some literary techniques important to which Beckett resorted:Organization and structure of the work; The narrative processes; Dramaturgic constants.After the study of the formal characteristic of Beckett, we are going to try to reveal the processof general negativity which establishes, in our opinion, the deep sense of the work of Beckett and whichasserts itself more and more in the dramatic work.Then we accentuate some literary techniques to which Beckett resorted in the End of part: Thediversity of ideas; The participation of the reader and/or the spectator; Them proceed narrative.Finally, we shall analyse the characters of this play who seem to act without purposes and precisemotives. We shall try to understand that they are (identity) that they want (desires) and what they aredoing (actions). So, we shall highlight their characteristics, the nature or their relations with themselvesand the others. We shall understand then in which world of absence they are thrown. To conclude, weshall analyse the notion of time and space which trains a fundamental axis of the End of part
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Hatakeyama, Kana. „La faute dans la tragédie française du XVIIe siècle“. Thesis, Bordeaux 3, 2016. http://www.theses.fr/2016BOR30007.
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Cette thèse a pour objectif d’étudier la tragédie du XVIIe siècle en France avec la notion de faute tragique, hamartia, et de montrer l’originalité et la diversité des tragédies classiques. Commentée dans la Poétique d’Aristote, l’hamartia se définit comme une notion médiane entre un délit volontaire et une malchance. Coupable d’une hamartia, le héros n’en est pas pour autant entièrement responsable malgré sa prise d’initiative, dans la mesure où la faute n’est pas due à l’intention perverse. Parce que le malheur déclenché par une hamartia, apparaît disproportionné à l’intention du coupable, les spectateurs éprouvent de la compassion envers le héros infortuné. Dans la mesure où la compassion est une des émotions essentielles de la tragédie au même titre que la terreur – en effet, la catharsis consiste en l’épuration de ces émotions –, la faute tragique constitue à cet égard un des composants sine qua non de la tragédie. Mais arrivée au XVIIe siècle en France, la faute garde-t-elle le même statut ? Pour répondre à cette question, nous examinons les tragédies de sept dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine et Jean-Galbert de Campistron, ce qui permet d’étudier le XVIIe siècle en entier. Le premier chapitre sera consacré à l’examen de la notion de faute dans les écrits théoriques. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéresserons à la fabrique du héros coupable. Le troisième chapitre portera sur la nature de la faute. Et nous étudierons, dans le quatrième chapitre, le statut de la faute sur le plan dramaturgique, avant d’examiner, dans le dernier chapitre, les problèmes moraux. Ce travail révèlera l’importance de la Poétique d’Aristote dans la tragédie du XVIIe siècle en FranceThe purpose of this doctoral thesis is to study the French tragedy in the seventeenth century researching into the notion of tragic flaw, hamartia, and to show the originality and the diversity of the French classical tragedy. This notion, commented by Aristotle in "Poetics" originally differs from either an intentional crime or an accidental one. The tragic flaw presupposes the participation of an agent without denying the presence of fortuity. Although a tragic hero is responsible for his misfortune, as it proceeded from his fault, the result exceeds his intention. And this disparity between intention and misfortune makes the audience feel compassion for the hero suffering from his misfortune. If this compassion is one of the emotions caused only by tragedies, the tragic flaw constitutes in this respect an essential element of tragedy. But is the concept of fault identical in the Christendom society of the seventeenth century? To answer this question, I deal with the tragedies of seven dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine and Jean-Galbert de Campistron, to cover the seventeenth century. In the first section of this work, I examine the notion of fault in the theoretical texts. The second section consists in studying the tragic figure. The third section is about the nature of the fault, the private fault and the politic fault. The fourth section concerns the status of fault on the dramaturgical level, before examining moral questions in the final section. This work reveals the importance of Aristotle’s Poetics in the French tragedy of the seventeenth century
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Marinakou-Matsa, Evgenia. „L'occupation italo-allemande et le parcours de l'identité féminine dans "Η μητέρα του σκύλου" de Pavlos Matessis“. Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30069/document.
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Cette étude, intitulée « Représentations de l’Occupation et le parcours de l’identité féminine dans Η μητέρα του σκύλου de Pavlos Matessis », examine la collaboration sexuelle de la femme avec l’ennemi au cours de l’Occupation italo-allemande, son châtiment à la Libération et sa protestation envers la punition infligée. L’analyse des techniques narratives combinée à celle du contexte historique permettent d’approfondir les représentations de l’Occupation élaborées par ce roman et cernent la question centrale qui concerne la position tenue par ce dernier face à un événement que l’Histoire officielle a considéré comme secondaire après l’avoir frappé d’une condamnation allant de soi. Il s’ensuit de l’analyse que cette fiction au caractère éminemment dramatique combine de façon unique l’histoire à ses modes d’énonciation narrative. Sa particularité est aussi qu’elle s’éloigne sensiblement de la version officielle des événements et articule un discours différent sur un sujet tabou, celui de la collaboration sexuelle des femmes avec l’ennemi qui a été reliée à la prostitution et à la trahison de la patrie. Il fait de cette collaboration l’occasion de l’éveil de la conscience sociale du sujet et de la composition d’une identité sur la base de la libre disposition de soi et de l’auto-détermination, et considère le châtiment public comme un mécanisme de déstructuration du sujet auquel répond le silence comme forme de protestation. Il s’agit d’une œuvre « à l’écoute » de la révolte contre l’injustice de l’Histoire, qui répond dans le présent à la demande insatisfaite de la réhabilitation du sujet et défend des idéaux humanistes qu’elle place au dessus des idéaux nationauxThe title of the present doctoral research is “Representations of the Occupation and the evolution of female identity in Η μητέρα του σκύλου [The Mother of the dog] by Pavlos Matesis”. This novel revolves around the “erotic” collaboration of a woman with the enemy during the years of the Italian-German Occupation, the public disgrace that she suffered at the wake of Liberation and her protest for the punishment that was inflicted on her. Through a methodology consisting of a narrative analysis in combination with the historical context, I examine the representations of the Occupation that the novel offers in a period that was crucial for Greek history and society, and also the historical fact of the sexual collaboration, which was judged to be of “secondary” significance by official History which filed it as self-evidently condemnable. The conclusion stemming from this research is that the novel, through a fictional narrative with strong dramatic characteristics, combines the story with its narrative ways of expression in a unique way. Its peculiarity, however, lies in its distinctive differentiation from the given facts of the dominant version and in its articulation of a discourse on a taboo subject, for literature as for Historiography, this of the erotic collaboration of women with the enemy, the official evaluation of which connects them with prostitution and national treason. Through this collaboration, which stands as a pretext for the awakening of the subject’s social conscience and the constitution of an identity on the basis of self-determination and self-designation, it sees punishment as a deconstruction mechanism of the subject but also silence as a reaction to the former. Η Μητέρα του σκύλου is a book that “listens” to the protest for the historical injustice, brings forward to the present the unfulfilled request for the subject’s moral restoration and supports the humanistic ideals, putting them above the national ones
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Hatakeyama, Kana. „La faute dans la tragédie française du XVIIe siècle“. Electronic Thesis or Diss., Bordeaux 3, 2016. http://www.theses.fr/2016BOR30007.
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Cette thèse a pour objectif d’étudier la tragédie du XVIIe siècle en France avec la notion de faute tragique, hamartia, et de montrer l’originalité et la diversité des tragédies classiques. Commentée dans la Poétique d’Aristote, l’hamartia se définit comme une notion médiane entre un délit volontaire et une malchance. Coupable d’une hamartia, le héros n’en est pas pour autant entièrement responsable malgré sa prise d’initiative, dans la mesure où la faute n’est pas due à l’intention perverse. Parce que le malheur déclenché par une hamartia, apparaît disproportionné à l’intention du coupable, les spectateurs éprouvent de la compassion envers le héros infortuné. Dans la mesure où la compassion est une des émotions essentielles de la tragédie au même titre que la terreur – en effet, la catharsis consiste en l’épuration de ces émotions –, la faute tragique constitue à cet égard un des composants sine qua non de la tragédie. Mais arrivée au XVIIe siècle en France, la faute garde-t-elle le même statut ? Pour répondre à cette question, nous examinons les tragédies de sept dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine et Jean-Galbert de Campistron, ce qui permet d’étudier le XVIIe siècle en entier. Le premier chapitre sera consacré à l’examen de la notion de faute dans les écrits théoriques. Dans le deuxième chapitre, nous nous intéresserons à la fabrique du héros coupable. Le troisième chapitre portera sur la nature de la faute. Et nous étudierons, dans le quatrième chapitre, le statut de la faute sur le plan dramaturgique, avant d’examiner, dans le dernier chapitre, les problèmes moraux. Ce travail révèlera l’importance de la Poétique d’Aristote dans la tragédie du XVIIe siècle en FranceThe purpose of this doctoral thesis is to study the French tragedy in the seventeenth century researching into the notion of tragic flaw, hamartia, and to show the originality and the diversity of the French classical tragedy. This notion, commented by Aristotle in "Poetics" originally differs from either an intentional crime or an accidental one. The tragic flaw presupposes the participation of an agent without denying the presence of fortuity. Although a tragic hero is responsible for his misfortune, as it proceeded from his fault, the result exceeds his intention. And this disparity between intention and misfortune makes the audience feel compassion for the hero suffering from his misfortune. If this compassion is one of the emotions caused only by tragedies, the tragic flaw constitutes in this respect an essential element of tragedy. But is the concept of fault identical in the Christendom society of the seventeenth century? To answer this question, I deal with the tragedies of seven dramaturges, Alexandre Hardy, Pierre Du Ryer, Jean Rotrou, Tristan L’Hermite, Pierre Corneille, Jean Racine and Jean-Galbert de Campistron, to cover the seventeenth century. In the first section of this work, I examine the notion of fault in the theoretical texts. The second section consists in studying the tragic figure. The third section is about the nature of the fault, the private fault and the politic fault. The fourth section concerns the status of fault on the dramaturgical level, before examining moral questions in the final section. This work reveals the importance of Aristotle’s Poetics in the French tragedy of the seventeenth century
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กนกวรรณ, ฤทธิไพโรจน์ Kanokwan. „A Genetic Study of G.E. Gerini's Multilingual Writings about Siām and the Orient“. Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2020. http://www.theses.fr/2020CLFAL017.
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Le but de cette recherche est une reconstruction et une étude de la genèse du processus créatif complexe des écrits multilingues littéraires et académiques de G.E. Gerini sur le Siām et l'Orient (1881-1913). Le processus d'écriture de sa prose et de sa poésie multilingues en anglais, italien, français, siamois et autres langues orientales est préservé dans divers types d'archives, qui comprennent son glossaire multilingue personnel à des fins spécifiques et son dictionnaire multilingue de dialectes, des cahiers multilingues contenant des documents qu'il a incorporé dans les textes de ses écrits ainsi que ses brouillons manuscrits originaux, ses études préliminaires et ses manuscrits révisés. Cette évidence génétique est un agent actif de la formation d'œuvres multilingues et donc de la genèse du multilinguisme littéraire. Traçant tous les éléments utilisés dans le texte final et dans les brouillons pertinents et localisant les sources auprès desquelles l'auteur obtenait des informations, la recherche vise également à montrer comment l'approche génétique peut contribuer à l'interprétation de ses travaux de prose et de poésie multilingues et expliquer la genèse ainsi que le développement du multilinguisme littéraire dans ses œuvres. L’étude génétique des œuvres de Gerini comprend également l’étude critique de l’influence et de la pertinence de la mémoire religieuse, sociale et politique du Siām et de l’Orient dans ses œuvresThe aim of this research is a reconstruction and study of the genesis of the complex creative process of G.E. Gerini’s literary and academic multilingual writings about Siām and the Orient (1881-1913). The writing process of his multilingual prose and poetry in English, Italian, French, Siāmese and other Oriental languages is preserved in various kinds of archives which include his personal multilingual glossary for specific purposes and multilingual dictionary of dialects, multilingual notebooks that contain material he incorporated into the texts of his writings as well as his original handwritten draft, preliminary studies and revised manuscripts. This genetic evidence is an active agent of the formation of multilingual works and thus the genesis of the literary multilingualism. To trace all the used items in the final text and in the relevant draft and locate the sources the author was obtaining information from, the research aims also to show how genetic approach can contribute to the interpretation of his multilingual prose and poetic works and explain the genesis as well as the development of the literary multilingualism in his works. The genetic study of Gerini’s works also includes the critical study of the influence and relevance of religious, social and political memory in Siām and the Orient in his works
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Touat, Mahdi. „Mécanismes et implications thérapeutiques de l'hypermutation dans les gliomes Mechanisms and Therapeutic Implications of Hypermutation in Gliomas Mismatch Repair Deficiency in High-Grade Meningioma: A Rare but Recurrent Event Associated With Dramatic Immune Activation and Clinical Response to PD-1 Blockade Buparlisib in Patients With Recurrent Glioblastoma Harboring Phosphatidylinositol 3-Kinase Pathway Activation: An Open-Label, Multicenter, Multi-Arm, Phase II Trial Hyman DM. BRAF Inhibition in BRAFV600-Mutant Gliomas: Results From the VE-BASKET Study Glioblastoma Targeted Therapy: Updated Approaches From Recent Biology Successful Targeting of an ATG7-RAF1 Gene Fusion in Anaplastic Pleomorphic Xanthoastrocytoma With Leptomeningeal Dissemination Ivosidenib in IDH1-Mutated Advanced Glioma“. Thesis, université Paris-Saclay, 2020. http://www.theses.fr/2020UPASL071.
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Une élévation majeure de la charge mutationnelle (hypermutation) est observée dans certains gliomes. Néanmoins, les mécanismes de ce phénomène et ses implications thérapeutiques notamment concernant la réponse à la chimiothérapie ou à l'immunothérapie sont encore mal connus. Sur le plan du mécanisme, une association entre hypermutation et mutations des gènes de la voie de réparation des mésappariements de l'ADN (MMR) a été rapportée dans les gliomes, cependant la plupart des mutations MMR observées dans ce contexte n'étaient pas fonctionnellement caractérisées, et leur rôle dans le développement d’hypermutation restait de ce fait incertain. De plus, l'impact de l'hypermutation sur l'immunogénicité des cellules gliales et sur leur sensibilité au blocage des points de contrôles immunitaires (par exemple par traitement anti-PD-1) n’est pas connu. Dans cette étude, nous analysons de manière exhaustive les déterminants cliniques et moléculaires de la charge et des signatures mutationnelle dans 10 294 gliomes, dont 558 (5,4%) tumeurs hypermutées. Nous identifions deux principales voies responsables d'hypermutation dans les gliomes : une voie "de novo" associée à des déficits constitutionnels du système MMR et de la polymérase epsilon (POLE), ainsi qu'une voie "post-traitement", plus fréquente, associée à l'acquisition de déficits MMR et de résistance secondaire dans les gliomes récidivant après chimiothérapie par temozolomide. Expérimentalement, la signature mutationnelle des gliomes hypermutés post-traitement (signature COSMIC 11) était reproduite par les dommages induits par le témozolomide dans les cellules MMR déficientes. Alors que le déficit MMR s'associe à l'acquisition de résistance au témozolomide, des données cliniques et expérimentales suggèrent que les cellules MMR déficientes conservent une sensibilité à la nitrosourée lomustine. De façon inattendue, les gliomes MMR déficients présentaient des caractéristiques uniques, notamment l'absence d'infiltrats lymphocytaires T marqués, une hétérogénéité intratumorale importante, une survie diminuée ainsi qu’un faible taux de réponse aux traitements anti-PD-1. De plus, alors que l'instabilité des microsatellites n'etait pas détectée par des analyses en bulk dans les gliomes MMR déficients, le séquençage du génome entier à l'échelle de la cellule unique de gliome hypermuté post-traitement permettait de démontrer la presence de mutations des microsatellites. Collectivement, ces résultats supportent un modèle dans lequel des spécificités dans le profil mutationnel des gliomes hypermutés pourraient expliquer l’absence de reconnaissance par le système immunitaire ainsi que l’absence de réponse aux traitements par anti-PD-1 dans les gliomes MMR déficients. Nos données suggèrent un changement de pratique selon lequel la recherche d’hypermutation par séquençage tumoral lors de la récidive après traitement pourrait informer le pronostic et guider la prise en charge thérapeutique des patientsHigh tumor mutational burden (hypermutation) is observed in some gliomas; however, the mechanisms by which hypermutation develops and whether it predicts chemotherapy or immunotherapy response are poorly understood. Mechanistically, an association between hypermutation and mutations in the DNA mismatch-repair (MMR) genes has been reported in gliomas, but most MMR mutations observed in this context were not functionally characterized, and their role in causing hypermutation remains unclear. Furthermore, whether hypermutation enhances tumor immunogenicity and renders gliomas responsive to immune checkpoint blockade (e.g. PD-1 blockade) is not known. Here, we comprehensively analyze the clinical and molecular determinants of mutational burden and signatures in 10,294 gliomas, including 558 (5.4%) hypermutated tumors. We delineate two main pathways to hypermutation: a de novo pathway associated with constitutional defects in DNA polymerase and MMR genes, and a more common, post-treatment pathway, associated with acquired resistance driven by MMR defects in chemotherapy-sensitive gliomas recurring after temozolomide. Experimentally, the mutational signature of post-treatment hypermutated gliomas (COSMIC signature 11) was recapitulated by temozolomide-induced damage in MMR-deficient cells. While MMR deficiency was associated with acquired temozolomide resistance in glioma models, clinical and experimental evidence suggest that MMR-deficient cells retain sensitivity to the chloroethylating nitrosourea lomustine. MMR-deficient gliomas exhibited unique features including the lack of prominent T-cell infiltrates, extensive intratumoral heterogeneity, poor survival and low response rate to PD-1 blockade. Moreover, while microsatellite instability in MMR-deficient gliomas was not detected by bulk analyses, single-cell whole-genome sequencing of post-treatment hypermutated glioma cells demonstrated microsatellite mutations. Collectively, these results support a model where differences in the mutation landscape and antigen clonality of MMR-deficient gliomas relative to other MMR-deficient cancers may explain the lack of both immune recognition and response to PD-1 blockade in gliomas. Our data suggest a change in practice whereby tumor re-sequencing at relapse to identify progression and hypermutation could inform prognosis and guide therapeutic management
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Imlaufová, Markéta. „Člověk proti pokušení: Mefistofelské svádění v českém dramatu 70. a 80. let 20.století“. Master's thesis, 2019. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-405292.
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This master thesis deals with the topic of temptation in three Czech Theatrical Dramas of the 1970's and 1980's, inspired by the legend of Faust. These dramatic works represent different model approaches of dealing with such a topic. Thesis focuses on the principle of evil and its functioning. The temptation by Devil is therefore defined as Mephistophelian seduction, which occurs in drama plays selected as a subject of this thesis. The thesis analyzes and describes Mephistophelian seduction and its realization in theatrical dramas. Thesis elaborates the mechanism of evil principle and examines how the main protagonists are influenced in their acting and behaviour by this power. This thesis brings the power of evil into the wider context of "higher power" and describes relations between the power of evil and totalitarian power. On this base the historical and political context of the lives of the authors is considered as an important element. Based on comparison of all these aspects the principle of Mephistophelian seduction is reflected within its existential dimension. KEYWORDS Temptation, Devil, Mephistophelian seduction, protagonist, evil principle, drama, Faust, Mephistopheles, Václav Havel, Oldřich Daněk, Jiří Suchý
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Morin, Cabana Tessa. „Les robots, suivi de Construire et briser l’illusion dramatique dans Rwanda 94 et Moi, dans les ruines rouges du siècle“. Thèse, 2017. http://hdl.handle.net/1866/20677.
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Bleau, Melynda. „Vénus et Neptune en Crète : la fonction dramatique des divinités dans Idoménée de Danchet et Campra“. Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/9987.
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Ce mémoire porte sur le rôle des divinités dans la structure dramatique de la tragédie en musique Idoménée d’Antoine Danchet et d’André Campra, originalement créée en 1712 et remaniée en 1731. L’étude répond à des questions d’ordre structurel quant à l’évolution du genre et montre de quelle façon la représentation des dieux dans Idoménée est liée à une ouverture formelle qui annonce la disparition du prologue, puisque les divinités n’y sont plus confinées à une fonction de louange du roi, mais contribuent activement à lancer l’action dramatique dès cette partie liminaire de l’opéra.
Par un bref aperçu historique de la tragédie lyrique et des traditions mythologiques se rapportant à Vénus et à Neptune, ce mémoire questionne la place de ces dieux dans l’univers des hommes, tel que l’envisage la tragédie lyrique, qui démontre, comme on le sait, une propension à unifier les mondes surnaturel et humain. Dans Idoménée, cette unification passe en grande partie par l’usage d’un prologue qui fait office de premier acte, en assurant aux divinités en question une fonction essentielle à la structure dramatique.This essay focuses on the deities’ role in the dramatic structure of Antoine Danchet and André Campra’s Idoménée, a tragédie en musique originally written in 1712 and rearranged in 1731. This research raises questions about the evolution of this particular genre while aiming to show how the representation of the Gods in Idoménée is linked to a formal opening which announces the disappearance of the prologue during the 1740s, as the deities are no longer used to solely praise the king but actively contribute to start off the dramatic effect as early as this opening part of the opera, thus giving a new function to the prologue. Through a brief historical overview of the French opera genre known as tragédie lyrique and of the mythological traditions linked to Venus and Neptune, this essay questions the place of these two deities in the human universe as envisioned by the tragédie lyrique which, as it is well known, tends to unify the supernatural and human worlds. In Idoménée, this unification mostly occurs through the use of a prologue, which also forms the first act of this drama, giving the deities in question an essential role in the dramatic structure of the opera.
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Monastesse, Vincent. „La prosodie : un support à la création musicale dans l'œuvre In the Key of K“. Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/21403.
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Chevigny, Pier-Philippe. „Furie, curiosité, solidarité : mise en scène de la tension dans le cinéma des frères Dardenne“. Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/16140.
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Ce mémoire de recherche-création est accompagné du court métrage «Tala». Pour visionner en ligne : vimeo.com/ondemand/talapierphilippechevignyCe mémoire de recherche-création cherche à repérer trois figures de mise en scène dans le cinéma des frères Dardenne (la caméra portée à l'épaule, le cadrage restreint, le plan- séquence) et d’identifier en quoi celles-ci sont génératrices d’une tension transnarrative qui garde le spectateur en haleine, lui procure des affects, l'engage dans la narration, le choque ou le bouleverse : bref, lui fait vivre une expérience intense. Par une analyse de la scène d’ouverture de «Rosetta», nous décrirons comment la caméra mobile portée à l’épaule exprime l’affolement du personnage éponyme tout en proposant un pôle d’identification spectatoriel inédit. «Le Fils» sera ensuite étudié afin de cerner comment les frères Dardenne emploient le cadre comme un cache afin de générer une tension narrative dans une logique de réticence informationnelle. L’usage du plan-séquence, que nous suggérons d’interpréter comme une sorte de réalité virtuelle permettant de faire l’expérience de la solidarité sociale, fera également l’objet d’une analyse à partir de son usage dans «Deux jours une nuit». En guise de conclusion, nous verrons comment nous nous sommes inspirés de ces trois figures de mise en scène dans Tala, le court-métrage de fiction qui accompagne ce mémoire.
This research & creation thesis aims to identify three components of the Dardenne brothers' directing style (over-the-shoulder camera, tight framing and long take) and try to describe how they generate a transnarrative tension that captivates the audience, immerses it in the story, shock it or move it : in other words, these components make the viewer go through an intense experience. We will analyze the opening scene of "Rosetta" to describe how the over- the-shoulder camera visually translates the character's emotions whilst suggesting a new type of spectatorial identification. "Le Fils" will then be analyzed, hoping to demonstrate how the Dardennes' use of tight framing creates mystery and suspense by discarding narrative information. Finally, "Deux jours une nuit" will allow us to examine the brothers' use of the long take, which we choose to read as a type of virtual reality that allows the viewer to experience social solidarity. As a conclusion, we will explain how these three directing components have been recuperated in "Tala", the short fiction film that makes up the creation part of this thesis.