Dissertationen zum Thema „Dadaïsme – Art“

« Que nul n’entre ici s’il n’est subversif » ! Cette sentence pourrait orner le frontispice du Cabaret Voltaire, célèbre lieu qui a vu naître le dadaïsme en 1916. Les spectacles Dada subvertissaient les conventions esthétiques, remettant en question le statut de l’oeuvre d’art et mêlaient les médiums et les styles jusqu’à incorporer des objets, photomontages, masques, marionnettes… dans la sphère artistique. Ce caractère interdisciplinaire et transgressif réapparaît chez les surréalistes connus pour leurs scandales, leurs manifestes, leurs inventions littéraires et plastiques mais aussi leur engagement politique. Ces deux avant-gardes marquent une rupture dans l’histoire de l’art. Leur caractère subversif influence encore aujourd’hui de nombreux artistes contemporains occidentaux sur le plan des formes, des sujets abordés ou des processus de création. Néanmoins, le changement de contexte amène à redéfinir la subversion qui se transforme parfois en provocation chez les artistes actuels, encourant le risque de devenir une nouvelle norme et d'être récupérée par le marché de l'art. Ce sont ces différences entre subversion et provocation que cette thèse se propose d’étudier en confrontant deux contextes : celui des avant-gardes historiques et le contexte contemporain avec la fin des « grands récits »
« Do not enter if you are not subversive ». This sentence could decorate the frontispiece of Cabaret Voltaire, the famous place where Dadaism was born in 1916. Dada 's shows subverted aesthetic conventions, questioned the status of the work of art and mixed styles and mediums even integrating objects, photomontages, masks, marionettes in artistic area. This interdisciplinary and transgressive characteristic reappears with Surrealists, well-known for their scandals, manifestoes, literary and artistic inventions but also for their political involvement. These both avant-gardes broke with academic history of art. Their subversive characteristic is still influencing nowadays a lot of occidental contemporary artists on a formal, thematic or creative way. Nevertheless, the change of context leads to redefine the subversion which sometimes turns into provocation in contemporary artists' practices, taking the risk of changing into a new norm and being taken over by the art market. This thesis intends to study these differences between subversion and provocation comparing two contexts : the context of the historical avant-gardes' and the contemporary one with the end of the grand narratives

La répétition d'images et d'objets est un phénomène remarquable qui apparait avec constance dans l'art depuis le début du XXème siècle. Nous pouvons définir trois grandes catégories d'œuvres dans lesquelles la répétition d'images et d'objets prend une fonction bien précise. Il y a en premier lieu la signification iconographique de la répétition due à l'intégration des techniques de reproduction liées à la société industrielle ; en second lieu, l'aspect formel de la répétition d'images ou d'objets figuratifs et concrets dont l'effet va vers l'abstraction ; et enfin l'effet psychologique produit par la répétition : un sentiment d'étrangeté, d'angoisse et d'obsession provoque par les artistes qui simulent volontairement l'état irrationnel. La répétition la plus stéréotypée et dépersonnalisée sert paradoxalement aux artistes modernes a varier les styles et à rechercher leur propre langage artistique; malgré la répétition, tant qu'il y aura l'esprit d'innovation et la volonté de faire des recherches, des expérimentations esthétiques et plastiques, les œuvres d'art auront toujours une valeur originale et unique
The repetition of images and of objects is a remarkable and constant phenomenon in the modern ar. We can define three categories of works of art in which the repeated images and objects appear. First, the iconographical significance of the repetition due to the techniques of reproduction connected with the modern industrial society ; second, the formal abstract effect of the repeated figurative images or objects ; third, psychological effect of the repetition : feelings of strangeness, anguihs and obsession. In modern art, the artists use the monotonous repetition to search for their own artistic language and to prodduce, paradoxically, a variation of style. Even though it is a matter of the stereotyped and depersonalized repetition, as long as there is a will of artists to pursue the aesthetic and plastic investigations and experimentations, the works of art will always have the value of originality and of uniqueness

Par le biais d’une analyse de la philosophie de l’histoire et de la théorie de l’art de Walter Benjamin, l’auteur explore les cadres conceptuels et historiques du mouvement Dada de Berlin en s’attachant plus particulièrement aux collages et photomontages et à leurs relations avec la culture visuelle allemande. Développant son étude à partir de considérations sur la Révolution dans la philosophie allemande, sur le contexte révolutionnaire de l’Allemagne, sur l’essor de la presse illustrée dans ce contexte et sur le rôle de la presse dans la constitution de la république de Weimar, l’auteur relève les principales caractéristiques des collages et photomontages dadaïstes et les sources théoriques et pratiques du mouvement.

L'oeuvre de Hans Arp, entre 1915 et 1920, se caractérise par une variété formelle et matérielle. L'artiste semble hésiter entre plusieurs univers de formes. Arp affirme pourtant que ces années constituent le « fond de son art ». La cohérence de ses travaux semble se situer en amont de l'oeuvre, au moment de l'activité artistique. Arp met en place des processus qui lui permettent de repenser la création. Ils satisfont l'intransigeance éthique du mouvement Dada et engagent l'oeuvre dans un nouveau rapport avec la vie. L'objectif de ce travail est de circonscrire le rôle et les enjeux de ces protocoles et leurs impacts sur l'oeuvre. Trois angles successifs ont été adoptés. D'abord, à travers une biographie nous abordons la façon dont l'artiste se construit dans l'Europe des avant-gardes, les racines de sa pensée esthétique. Ensuite, nous nous attachons a l'activité créatrice. Elle est repensée depuis la composition jusqu'a la production matérielle des oeuvres. Nous mesurons successivement la portée d'anti-art de ces processus et les nouveaux contenus qu'ils amènent dans l'oeuvre. Enfin, nous analysons l'autonomie de la production: du déploiement de la forme à son rapport avec le spectateur. Ces trois angles proposent une nouvelle articulation entre la pensée de la création et l'oeuvre. La structure de notre travail tente de répondre a celle toujours complexe et ambiguë de la plastique de Arp qui se trouve tout entière tendue entre construction et poétique de la forme

Dada naît sur scène, en cet instant où le poème simultané, dans l’entrelacement imprévisible des voix des acteurs et des spectateurs, dissout la mise à distance signifiante de la représentation au profit d’un autre type de rencontre. Par ailleurs, Marcel Duchamp, fidèle sa vie durant à l’esprit dada, propose dans sa dernière œuvre, « Étant donnés : 1° la chute d’eau, 2° le gaz d’éclairage », un dispositif dont la théâtralité énigmatique invite le regardeur à faire l’expérience de cet autre rapport à l’art. La recherche présente consiste en une approche simultanée du théâtre dada et de la dernière œuvre de Duchamp, visant une éthologie de la rencontre dada. Cette approche théorique est elle-même simultanée à une expérimentation théâtrale effectuée avec des étudiants du département théâtre de l’Université Paris 8 et dont témoigne un film ainsi qu’un recueil de manifestes théâtraux inspirés par dada.

L'évolution du sens esthétique est un mouvement généré par une succession constante d'innovations de 1905 à 1935. Du cubisme au surréalisme, les créations et les productions littéraires ou poétiques ont été observées, appréciées, contemplées et soumises à une activité critique, faisant apparaître de nouvelles techniques, de nouveaux moyens ou procédés, une nouvelle sensibilité, qui non seulement s'éloignent de l'esthétique classique, mais encore rompent définitivement avec elle. Des caractères communs, des théories nouvelles, une modernité sans cesse dépassée relient les mouvements d'avant-garde et sont mis en evidence dans un enchaînement ininterrompu de trois décennies. Trois grandes étapes (1905-1914, 1915-1924, 1925-1935) sont définies qui prouvent cette inéluctable évolution dans le cadre des mouvements d'avant-garde, le dernier englobant les avancées de ses prédécesseurs, de telle sorte que les fondements d'une nouvelle esthétique ne peuvent exister que dans un ordre événementiel, dans un véritable développement organique. L'intention esthétique de chaque poète ou écrivain est confirmée par la singularité de son oeuvre qui s'inscrit dans cette évolution continue des mouvements avant-gardistes et devient discernable dans une typologie de l'esthétique du XXeme siècle. La beauté s'y révèle sous des formes surprenantes, puisque le jugement esthétique n'est plus basé sur le goût, mais il investit pleinement le champ de l'appréciation cognitive
The evolution of the aesthetic sense is a movement that has been engendered by a constant succession of innovations from 1905 to 1935. From cubism to surrealism, literary or poetical creations and productions have been observed, appreciated, contemplated and submitted to critical activity, revealing new techniques, news ways or devices, a new sensibility, which not only move away from classical aesthetics but actually break away from it. Common traits, new theories, a modernity which keeps being outdated, connect the avant-garde movements and are outlined in the uninterrupted sequence of three decades. Three main stages (1905-1914,1915-1924, 1925-1935) are defined which testity to this ineluctable evolution within the sphere of the avant-garde movements, the latest taking over the innovations of its predecessors, so that the base of the new aesthetics cannot exist but in a factual order, in an actual organic development. The aesthetic intention of each poet or writer is confirmed by the singularity of the work which fits into the continuous evolution of the avant-garde movements and stands out in a typology of the xxth century's aesthetics. Beauty reveals itself in surprising shapes since the aesthetic jugement is no longer based on taste but fully takes up the field of cognitive appreciation

Cette recherche envisage le renouveau de Dada dans l'art américain, sa genèse et ses manifestations, de l'après-guerre à la fin des années 1950, développement élaboré dans l'ombre de l'expressionnisme abstrait et qui n'apparut au grand jour qu'au cours de la décennie suivante. Dada y est abordé moins comme un mouvement que comme un principe, dont la réactivation au lendemain de la Seconde Guerre mondiale donna lieu à une production singulière. Sur la côte Est, le Black Mountain College semble avoir été le creuset de ce phénomène en accueillant les esprits les plus novateurs de l'époque, notamment John Cage autour duquel se forma très rapidement un petit cercle composé de Merce Cunningham, Robert Rauschenberg et Jasper Johns, d'où émergea une nouvelle sensibilité qualifiée de « néo-Dada» dès 1957. Questionnant les limites entre l'art et la vie, ils opérèrent un décloisonnement des genres artistiques et renouèrent singulièrement avec les pratiques du ready-made, de l'assemblage et de la performance. Parallèlement, de jeunes artistes s'engageaient dans une voie similaire en Californie. À Los Angeles, Wallace Berman et George Herms devenaient les pionniers d'un nouvel art de l'assemblage empreint de spiritualité et marqué par la poésie et le jazz, tandis qu'à San Francisco, Jay DeFeo, Wally Hedrick, Bruce Conner et Jess se révélaient les figures les plus marquantes d'une scène artistique expérimentale largement inspirée de Dada. L'examen des interactions entre ces deux pôles ainsi que la question de l'identité du renouveau de Dada aux États-Unis occupe le dernier temps de ce parcours qui s'achève par une réflexion autour de la notion problématique de « néo-avant-garde ». 1

« Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia ». C'est dans cette tension entre exaltation et rejet du moi que l'artiste a indiqué sa position dans la modernité. Son refus de l'action collective s'est exprimé au cœur de la Grande Guerre dans une œuvre centrée non pas sur l'histoire ni sur des problèmes d'ordre plastique, mais sur le moi. Personnage conceptuel de l'avant-garde, ego est articulé à l'analyse que Sigmund Freud fit en 1915 de la mélancolie, entendue comme imitation pathologique du deuil et comme perte du moi. Ce travail s'efforce de réviser certaines des certitudes les mieux établies sur l'artiste - tels que son refus de la répétition et son goût de la contradiction - pour proposer de voir dans ego un acteur capital de l'histoire des formes modernes, producteur de ses propres ruptures. Couvrant une période qui va de l'orphisme de 1913 jusqu'à la peinture maximaliste des Monstres de 1924-1927, une première partie analyse le portrait, la tache et le nom propre comme trois « objets du moi » chez Picabia, en rupture avec la représentation traditionnelle du sujet et les codes auctoriaux. Une deuxième partie examine trois exemples de procédures du peintre : d'abord, avec l'omniprésence du rond dans son œuvre, ce signe d'un moi incertain s'appareille à une autre circularité, attribué à la mélancolie et à la manie. Puis, le rapport ambivalent de Picabia à la figure de Picasso est envisagé comme alternative à l'idée d'influence. Enfin, c'est à partir du remploi secret que l'artiste fit des images mécaniques que naît la réponse réactionnelle de Picabia face à la menace d'une mécanisation de l'art désavouée dans son discours, mais repérable partout dans l'œuvre
« I am nothing, I am Francis Picabia. » In this tension between exaltation and rejection of the self the artist signalled his position within modernity. His refusal of collective action expressed itself during the First World War in an oeuvre focused neither on history nor on formal problems, but on the self. The present study articulates the ego, a conceptual figure of the avant-garde, along the lines of Sigmund Freud's 1915 analysis of melancholy, understood as a pathological imitation of mourning and as a loss of self. The project, in tracking Picabia's key gestures, seeks to revise some of the best established certitudes about the artist - the refusal of repetition, for example, or the taste for contradiction - in order to reconsider the ego as a crucial actor in the modern history of forms, producing its own ruptures. The first section, extending from the orphic period of 1913 to the maximalist painting of 1924-1927 known as the Monstres, analyzes the portrait, the stain, and the proper name as three « objects of the self» breaking with traditional representation of the subject and authorial codes. A second section examines three examples of the painter's procedure : first, the omnipresence of the round form in his oeuvre as the sign of an uncertain self is paired with another circularity, that attributed to melancholy and mania. Next, the ambivalent relation of Picabia to Picasso is envisaged as an alternative to the idea of influence. Finally, and decisively, the artist's covert re-use of mechanical images led to his reactional response to the threat of a mechanization of art explicitly disavowed by Picabia but present everywhere in the work

À partir de la lecture des textes fondateurs (éditoriaux, manifestes, déclaration de principes) de plus de 70 revues d'art publiées à Paris durant l'entre-deux-guerres (revues dadaïstes et surréalistes ; revues se réclamant d'un "esprit nouveau", vouées à la défense de l'abstraction ou de l'art sacré ; revues ou bulletins appartenant à une galerie d'art ; revues savantes ou consacrées à l'art académique ; magazines d'art. . . ), cette thèse construit un récit historique retraçant les évolutions de cette forme spécifique d'activité éditoriale
By taking into account the leading papers published by more than 70 parisian art magazines between 1919 and 1939 (dadaist, surrealist and "esprit nouveau" magazines ; magazines devoted to abstract or sacral art ; magazines or bulletins published by art galleries ; scholarly magazines ; magazines on conventional art ; popular art magazines. . . ), the thesis relates the history and developments of this kind of publishing

Le théâtre nondramatique désigne une conception et une pratique du théâtre propre aux avant-gardes historiques parisiennes, et plus particulièrement à Gertrude Stein, aux dadaïstes et aux surréalistes. Bien qu'elles soient davantage connues pour leurs autres pratiques comme la littérature, la poésie ou la peinture, voire pour leur refus de la catégorie d'art même, le théâtre semble cependant hanter leurs productions et leurs discours. Par le refus des conventions du théâtre dramatique - de la structure narrative à la présence de personnages et à celle d'acteurs pour les incarner - Gertrude Stein, Dada et le surréalisme développent tous à leur façon une oeuvre théâtrale critique qui forment ensemble un panorama de l'antithéâtralisme propre à la modernité, mais aussi un répertoire des alternatives et variantes pensées par rapport au théâtre. Les théâtres de Gertrude Stein, de Dada et des surréalistes sont analysés au prisme des révolutions scientifiques et philosophiques de leur époque, parmi lesquelles les théories de William James se révèlent fondamentales. Dans ce contexte, les "conversation" et "landscape plays" de Stein, les soirées dadaïstes et les nombreux manifestes, comme leurs pièces de théâtre sont compris comme autant de tentatives de redéfinir le théâtre. Le théâtre nondramatique est ainsi compris comme un ensemble de théâtralités fondées sur la redéfinition de l'acte théâtral, comme la primauté du verbe, celle de l'acte performatif, et de la refonte de la communication théâtrale entre l'oeuvre et le spectateur-lecteur. De nouvelles définitions du sujet et du théâtre se font alors jour au carrefour des trois concepts esthétiques fondamentaux pour les avant-gardes : la métâthéâtralité comprise comme métalepse ontologique, la simultanéité et enfin le primitivisme
Nondramatic theater refers to a theatrical conception and an artistic practice developed by the historical Parisian avant-gardes, and more precisely by Gertrude Stein, Dadaists, and surrealists. Even though they are more commonly acknowledged for their other achievements in literature, poetry or painting, or even for their rejection of art as a category, yet, theater seems to haunt their productions and discourse. By their refusal of dramatic conventions - from the narrative structure, to the characters and the actors to incarnate them - Gertrude Stein, Dada and surrealism all develop their own critical theatrical works which form together a panorama of the antitheatricalism proper to the Modern era, but also some alternatives and variations to it thought in relation to theater. The plays by Gertrude Stein, Dada and Surreaslim are analyzed through the lens of the scientific and philosophical revolutions of their time, among which William James' theories are fundamental. Stein's conversation and landscape plays, but also the Dada evenings and the numerous manifestoes, can be considered as a variety of attempts to redefine what is theater. Nondramatic theater is thus understood as a set of theatricalities based on the redefinition of the theatrical art, like the primacy of speech, of the performative act, and the revision of the theatrical communication between the artwork and the spectator-reader. New definitions of the subject and of the theater reveal themselves at the crossroads of three aesthetical concepts that are fundamental for the avant-garde : metatheatricality understood as an ontological metalepsis, simultaneity, and finally Primitivism

La destruction est un angle de vue capable d'englober un grand nombre d'auteurs et de compositeurs différents. Ce travail recherche les répétitions au cours de l'histoire littéraire, de trouver les moments de continuité ou de rupture. Le dénominateur commun du caractère destructeur sert à détecter une facette du style de l'époque. L'intérêt de contempler plusieurs domaines dans l'art des mouvements d'avant-garde réside dans la pratique artistique qui connaît de plus en plus d'échanges et de synergies entre les différents domaines ; les formes d'expression s'entre-influencent, s'entrechoquent et communiquent. L'ouverture des genres et des frontières linguistiques, pour les études comparatives, rend cette démarche d'autant plus indispensable : cela implique l'étude des grands travaux qui unissent toutes les formes d'expression. Il est donc souhaitable que l'on puisse comprendre et visualiser les réciprocités entre la littérature, la musique et la performance. Le slogan captivant du caractère destructeur synthétise une base créative de l'art d'avant-garde et touche à son paradoxe inévitable : la destruction implique en effet des aspects créatifs ; l'espace libéré sera rempli aussitôt
Destruction is a perspective that encompasses a large number of different authors and composers. This work seeks patterns of repetition throughout literary history, to find moments of continuity or rupture. The common denominator of destructiveness is used to detect a facet of the style of the time. The interest in contemplating several fields in the art of avant-garde movements lies in artistic practice, which is experiencing more and more exchanges and synergies between the different fields of literature, music and performance; forms of expression influence each other, clash and communicate. The opening up of genres and linguistic borders for comparative studies makes this approach all the more essential: this necessitates the study of the major works that unite all forms of expression. It is therefore desirable to be able to understand and visualize the reciprocity between the above fields. The captivating slogan of destructive character synthesises a creative basis of avant-garde art and touches upon its inevitable paradox : destruction actually implies creative aspects; the space freed up is immediately filled again

Que reste-t-il encore à examiner de Dada et du surréalisme, quasiment cent ans après leur naissance ? Malgré les multiples études déjà existantes, certainement beaucoup de choses, à commencer par les réactions de leurs contemporains. Car si la réception de Dada, puis surtout du surréalisme, a suscité des analyses, ce vaste champ de recherche demeure encore en grande partie à explorer. Cent vingt-six titres ont été ici consultés parmi la presse française des années vingt, afin d’observer la réception de Dada et du surréalisme. L’analyse des articles a fait émerger des thématiques, qui ont construit la structure de cette thèse. La première partie montre comment Dada et dans une moindre mesure le surréalisme ont été perçus comme incohérents, absurdes et donc incompréhensibles. En cherchant à expliquer les raisons de l’incohérence dadaïste, cette partie glisse vers la notion d’hermétisme. De là, la seconde partie s’attelle à analyser l’humour Dada à travers les mystifications, puis le rire joyeux qui tourne à l’offensive et au tragique. En faisant dialoguer les avis de critiques les uns avec les autres, ce travail permet de replonger ces avant-gardes dans leur époque. S’y dévoile leur histoire, mais aussi en filigrane les préoccupations des années vingt. En outre, cette étude fait émerger les filiations dans lesquelles la presse a inscrit les deux mouvements : du romantisme au futurisme, en passant par le symbolisme, les Arts Incohérents, l’impressionnisme, le postimpressionnisme, le cubisme ou encore les Humoristes
What is left to examine about Dada and the Surrealism almost a hundred years after the birth of these movements? Numerous studies have dealt with the subject, yet the reactions of their contemporaries have still to be explored. If Dada’s and the Surrealism’s reception among the public has been touched upon by scholars, it remains an unexplored aspect of these movements. This thesis relies upon the analysis of a hundred and twenty-six titles from the 1920’s French press in order to fill this gap by exploring the reception of Dada and Surrealism. The structure of this thesis has been built upon the themes found in the press articles. The first part shows how Dada and to a lesser extent Surrealism have been perceived as incoherent, absurd and thus unintelligible. By trying to explain the reasons of this Dadaist incoherence, this first part touches upon the notion of hermeticism. Then, the second part analyses Dadaist humour through its mystification and laughter which often turns to be offensive and tragic. By cross-reading the various critical assessments of these two movements, this thesis allows us to put back these avant-guardes in their own historical contexts. It unveils their history which is underlined by the concerns of the 1920’s. in addition, the analysis of their reception enables us to insert these two movements in a cartography of references which goes back to the Antiquity, continues in the Middle Ages, expands in the 19th century and comes to an end in the beginning of the 20th century. Therefore, Dada and Surrealism have been read and evaluated in relation to artistic and literary history, from Romanticism to Futurism, right through Symbolism, Incoherent Arts, Impressionism, post-Impressionism, Cubism and the Humorists

Créée en 1959 par William S. Burroughs et Brion Gysin, la technique du cut-up repose sur le découpage et le réagencement de fragments de textes d’origines diverses. Burroughs l’applique notamment dans la « trilogie Nova », composée de The Soft Machine (1961), The Ticket That Exploded (1962) et Nova Express (1964). Ce procédé de collage littéraire, qui donne à lire un texte extrêmement fragmenté, met en jeu des questions d’ordre esthétique, poétique et politique, révélatrices des évolutions socioculturelles occidentales. Ce travail consiste en une lecture historique du cut-up, qui permet d’éclairer les mutations du collage littéraire au XXe siècle. Ainsi, le cut-up trouve ses origines dans les collages de Tristan Tzara, T.S. Eliot et John Dos Passos, mais s’en distingue à bien des titres, soulignant les caractéristiques du collage littéraire moderniste. Par ailleurs, cette technique d’écriture s’apparente, notamment sur le plan de la réflexion politique, aux travaux de ses contemporains lettristes et situationnistes dans les années cinquante et soixante. Enfin, l’émergence de prolongements du cut-up dans les années soixante-dix et quatre-vingt, aussi bien en Europe qu’aux Etats-Unis, s’observe dans des champs allant de la musique populaire à la littérature, en passant par la poésie sonore. Le cut-up s’inscrit donc dans des espaces intermédiaires, entre le pictural et le littéraire, le modernisme et le postmodernisme, l’avant-garde et la contre-culture, l’Europe et les Etats-Unis. Par les questions qu’il pose, le cut-up apparaît également comme une réflexion sur le langage et plus généralement, comme une nouvelle image de la pensée : en ce sens, il révèle ses affinités conceptuelles avec les philosophies de Jacques Derrida et de Gilles Deleuze
Pioneered in 1959 by William S. Burroughs and Brion Gysin, the cut-up technique consists in cutting and rearranging text segments from various sources. Burroughs uses this technique most notably in The Nova Trilogy composed of The Soft Machine (1961), The Ticket That Exploded (1962) and Nova Express (1964). This literary collage process, which results in an extremely fragmented text, challenges issues of an aesthetic, poetic and political nature, and reflects the Western socio-cultural evolutions.This dissertation consists in a historical analysis of the cut-up technique, highlighting how collage methodologies used in literature have evolved during the 20th century. The cut-up method is inspired by the collage techniques used by Tristan Tzara, T.S. Eliot and John Dos Passos, but differs from them in many ways, showcasing the attributes of modernist literary collage methods. At the same time, this writing technique is related to the works by the contemporary Lettrist and Situationist movements from the fifties and the sixties, especially from a political point of view. Finally, the emergence of an extension of cut-up techniques during the seventies and the eighties, both in Europe and in the United States, can be observed in various fields, from popular music to literature, including sound poetry. Therefore, this writing technique takes its place in intermediary areas, between the pictorial and literary worlds, modernism and postmodernism, avant-garde and counterculture, Europe and the United States. Through the questions it raises, the cut-up technique also appears as a reflection on language and, more generally, as a new image of thought, and thus it reveals some of its conceptual affinities with Jacques Derrida’s and Gilles Deleuze’s philosophies

Issu de Dada et du surréalisme, le groupe Panique, constitué de Fernando Arrabal, Roland Topor et Alejandro Jodorowsky, est créé en 1962. L’évolution de la pratique artistique de Jodorowsky de 1962 à 2016 est riche d’enseignements sur la performance théâtrale et l’interaction entre le théâtre et le cinéma. Nous suivons le constat que fait Joseph Danan dans Entre théâtre et performance: la question du texte qu’à un « état d’esprit dramaturgique » évoqué par Bernard Dort a succédé un « état d’esprit performatif » sur la scène contemporaine. L’œuvre de Jodorowsky est traversée par cet « état d’esprit performatif », de ses « éphémères paniques » qu’il réalise entre 1962 et 1967, à son « théâtre panique » puis son « théâtre essentiel », à son cinéma. L’analyse des éphémères, proches temporellement et essentiellement des premières performances historiques, permet de faire ressortir les caractéristiques de la performance qui peuvent passer dans d’autres formes artistiques. Avant la présentation d’une performance se noue implicitement un pacte entre les performeurs et les spectateurs. Ce « pacte performatif », correspondant aux attentes et aux croyances du spectateur de performance, repose sur trois points : l’implication de l’artiste lui-même dans son œuvre, l’unicité de la performance et la réalisation d’actes réels. Notre étude permet de voir comment ces trois points, tout en s’adaptant à l’art dans lequel ils sont apportés, constituent le noyau de l’ « état d’esprit performatif » qui parcourt l’ensemble de l’œuvre de Jodorowsky
Deriving from Dada and surrealism, the Panic group, made up of Fernando Arrabal, Roland Topor and Alejandro Jodorowsky, was created in 1962. The evolution of Jodorowsky's artistic practice from 1962 to 2016 is rich in teachings on theatrical performance and the interaction between theatre and cinema. We agree with the observation made by Joseph Danan in Entre théâtre et performance: la question du texte that from a "dramaturgical state of mind" evoked by Bernard Dort has succeeded a "performative state of mind" on the contemporary scene. Jodorowsky's work is crossed by this "performative state of mind", from his "panic ephemera" that he realised between 1962 and 1967, to his "panic theatre" and his "essential theatre" and his cinema. The analysis of the ephemera, temporally and essentially close of the first historical performances, makes it possible to highlight the characteristics of the performance which can pass in other artistic forms. Before the presentation of a performance is implicitly a pact between the performers and the spectators. This "performance pact", corresponding to the expectations and beliefs of the performance spectator, is based on three points: the involvement of the artist himself in his work, the uniqueness of the performance and the realization of real acts. With our study we are able to see how these three points, while adapting to the art in which they are brought, constitute the core of the "performative state of mind" that runs through the whole of Jodorowsky's work

Pour Jean Arp, Kurt Schwitters ou encore Raoul Hausmann, le propre de Dada serait de se survivre en changeant sans cesse de visage. Cette thèse retrace ce qu'il advient du mouvement dans les années 1930 et 1940. Elle s'attache d'abord à montrer son caractère de transformation permanente en s'appuyant sur les œuvres des dadaïstes se considérant toujours comme tels, ce qui est particulièrement le cas de Raoul Hausmann. Dans un deuxième temps, une étude historiographique, et une analyse des expositions, tant en France qu'aux Etats-Unis, viennent préciser les rapports de Dada avec le champ de l'histoire de l'art. Son rejet (en France) et son intégration progressive (aux Etats-Unis) agissent comme un révélateur des présupposés de la discipline. Par un effet miroir, Dada vient servir un questionnement sur les thèmes constitutifs du discours des historiens de l'art de la période étudiée, qu'il s'agisse du nationalisme, ou du modernisme. Ces deux approches sont imbriquées l'une dans l'autre, les dadaïstes assistant, et participant, à l'historicisation du mouvement.

La thèse porte sur le work in progress de Raoul Hausmann, "Hylé", dont la genèse exceptionnelle s'étend sur plus de 30 ans (1926-58). "Hylé I" (inédit) et "Hylé II" (2006) traitent des années 1926-33 (Allemagne) et 1933-36 (Ibiza) de la vie de Hausmann. Ces ensembles textuels, qui résultent tous deux du montage d'une centaine d'unités textuelles, transcendent les appartenances génériques au profit d'une identité transgénérique, plurielle et mobile. Au regard du rôle majeur de Hausmann dans le mouvement Dada à Berlin, tant sur le plan théorique que par sa production plastique et poétique, le présent travail pose la question de la continuation d'un projet d'avant-garde dans "Hylé". L'exploration des relations intermédiales entre Hylé et le photomontage, la poésie visuelle et la photographie – formes d'expression investies par Hausmann pendant ou après Dada – permet d'éclairer la permanence de son projet utopique d'une augmentation de la perception sensorielle humaine. L'analyse comparée de "Hylé I" et "Hylé II" s'appuie sur la reconstruction de la genèse du texte à partir des deux grands fonds d'archives français et allemand. Elle montre d'abord, au niveau macrostructurel, que le montage crée un mode de cohérence spatial et dynamique qui concurrence celui de la linéarité narrative, soutenu en cela dans "Hylé II" par une véritable poétique de l'espace. Elle fait ensuite ressortir l'ambivalence d'une entreprise autobiographique qui se forme au cours de la genèse et oscille entre la constitution rétrospective du moi et sa dissolution (ou sa fragmentation). Enfin, elle s'attache à l'expérimentation langagière conçue comme le projet utopique de mettre en mouvement les limites rigides imposées à notre connaissance par le langage, projet qui culmine dans l'écriture multilingue de l'exil dans "Hylé II"
This thesis discusses Raoul Hausmann's work in progress, Hyle, whose genesis lasted over 30 years (1926-1958). "Hyle I" (unpublished) and "Hyle II" (2006) both have strong autobiographical character and deal with the years 1926-33 (Germany) and 1933-36 (Ibiza). Each consists of approximately a hundred units combined together into a textual ensemble, which goes beyond traditional genre classifications and produce a transgeneric, plural and mobile textual identity. Taking into account Hausmann's crucial importance in Berlin Dada both on the theoretical field and for his artistic and poetical production, this thesis looks into the question of the continuation of an avant-garde project within "Hyle". In order to understand what remains of Hausmann's utopian project of an enlargement of human perception, it is most helpful to explore the intermedial relations between the work in progress and Hausmann's practice of photomontage, visual poetry and photography. The comparative analysis of "Hyle I" and "Hyle II" is based on an extensive genetic enquiry using the two principal Hausmann archives in Germany and France. It first focusses on the macrostructural level and highlights how the technique of textual montage creates a spatial and dynamic coherence mode, which is conflicting with that of narrative linearity – this being supported in "Hyle II" by a comprehensive poetics of space. The analysis then sheds some light on the ambiguity of an autobiographical project which forms itself in the course of the genesis and oscillates between retrospective subject constitution and subject fragmentation or dissolution. It finally analyses the language experiment in Hyle as a utopian attempt to shift the verbal bondaries which limit our understanding – culminating in "Hyle II" with the multilingual writing influenced by the exile years
Die Dissertation untersucht Raoul Hausmanns Work-in-progress "Hyle" unter Berücksichtigung seiner mehr als 30 Jahre umfassenden Textgenese (1926-1958). "Hyle I" (unveröffentlicht) und "Hyle II" (2006) handeln von Hausmanns Leben in den Jahren 1926-33 (Deutschland) und 1933-36 (Ibiza). Diese jeweils aus ca. 100 zusammenmontierten Einheiten bestehenden Textensembles gehen über traditionelle Gattungszugehörigkeit hinaus zugunsten einer transgenerischen, pluralen und beweglichen Identität. Ausgehend von Hausmanns wesentlicher Rolle in Dada-Berlin – im theoretischen wie im künstlerischen und poetischen Bereich – wird in dieser Arbeit der Frage nach der Fortschreibung eines Avantgarde-Projekts in "Hyle" nachgegangen. Das vielfach intermediale Verhältnis des Schreibprojekts zu den Ausdrucksformen der Fotomontage, der visuellen Poesie und der Fotografie wird herausgearbeitet und in Beziehung zu Hausmanns utopischem Projekt einer Erweiterung der menschlichen Wahrnehmung gesetzt. Die vergleichende Analyse von "Hyle I" und "II" erfolgt anhand einer fundierten, sich auf den beiden Haupt-Nachlässen in Deutschland und Frankreich stützenden Rekonstruktion der Textgenese. Sie zeigt zuerst auf makrostruktureller Ebene, wie die Text-Montage einen räumlich-dynamischen, im Spannungsfeld mit einem linear-narrativen stehenden Kohärenzmodus stiftet, und wie sich dies zudem in "Hyle II" in einer umfassende Raumpoetik artikuliert. Die Analyse hebt dann das Ambivalente eines autobiographischen Unternehmens hervor, das sich erst im Laufe der Genese entwickelt und zwischen retrospektiver Ich-Konstitution und Subjekt-Auflösung bzw. -Fragmentierung oszilliert. Sie befasst sich schließlich mit dem Sprachexperiment als einem utopischen Projekt, das den starren, unsere Erkenntnis beschränkenden Grenzen der Sprache erneut Beweglichkeit zu verleihen sucht – und im mehrsprachigen, durch Exil-Erfahrung geprägten Schreiben in "Hyle II" seinen Höhepunkt erreicht