Dissertationen zum Thema „Création chorégraphique“

Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.
Le présent mémoire de maîtrise présente une recherche-création réalisée dans le cadre du programme Littérature et arts de la scène et de l’écran de l’Université Laval et qui s’intéresse à la problématique du potentiel théâtral et dramaturgique de la musique prise comme « texte » en vue de la création de séquences de danse théâtralisée. L’auteur y présente d’abord le cadre théorique et conceptuel lié aux trois relations interartistiques impliquées dans son sujet : musique et théâtre, théâtre et danse et danse et musique. Elle prend alors appui notamment sur les écrits d’Adolphe Appia, Michèle Febvre et Jean-Jacques Nattiez et sur l’expérience de praticiens tels qu’Anne Teresa de Keersmaeker et Pina Bausch. De cette base réflexive, elle tire des outils permettant de dégager le potentiel recherché et de l’appliquer à la mise en mouvement de la musique. Elle expérimente également avec ces outils dans la mise en marche d’un processus de création dont les différentes étapes, qui s’étendent de la recherche de musique à la présentation publique des séquences réalisées, sont exposées dans ce mémoire. Les deux séquences de danse théâtralisée De fil en fils et Fuis-moi je te suis…, dont la captation vidéo se trouve en annexe, font l’objet d’une analyse visant à découvrir les divers éléments musicaux ayant participé à induire une forme de théâtralité.
This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.
This master’s thesis presents a research-creation completed in Laval University’s Littérature et arts de la scène program and focuses on the question of music’s theatrical and dramaturgical potential when used as « text » in the creation of theatrical dance sequences. The author first presents a theoretical and conceptual framework linked to the three inter-artistic relationships implied in her subject: music and theater, theater and dance and dance and music. She supports her ideas with the works of Adolphe Appia, Michèle Febvre and Jean-Jacques Nattiez as well as with the practical experience of Anne Teresa de Keersmaeker and Pina Bausch choreographies. From this reflexive framework she finds the tools needed to release the music’s potential and to set it in motion. She also experiments with these tools to implement a creative process from the search for music to the public presentation of the constructed sequences, which are exposed in this thesis. Both theatrical dance sequences De fil en fils and Fuis-moi je te suis…, the video recording of which can be found in the annex, are analyzed in order to discover the different musical elements that encouraged their theatrical form.

Notre thèse porte sur la relation entre la musique et la danse dans la création chorégraphique de Maurice Béjart (1927-2007). Nous nous intéressons en particulier aux spectacles pour lesquels le chorégraphe a travaillé avec ses contemporains. Le rapport que Béjart a proposé entre chorégraphie et œuvres musicales semble avoir fortement marqué le monde de la musique. Afin d’éclaircir le rôle de Béjart dans l’histoire de la création musicale contemporaine, cette recherche tente d’évaluer dans quelle mesure Béjart a influencé les créations de sept compositeurs avec qui il a collaboré : Pierre Henry (1927-2007), Iannis Xenakis (1922-2001), Karlheinz Stockhausen (1928-2007), Pierre Boulez (1925-2016), Luciano Berio (1925-2003), Toshirô Mayuzumi (1929-1997) et Alain Louvier (1945- ). La thèse s’articule en deux parties. La première est une présentation générale du travail de Béjart, précédée d’une mise en perspective de son rapport avec la musique. Nous avons également tenté de dégager un principe esthétique qui sous-tendrait chez Béjart son utilisation de la musique contemporaine dans le cadre de ses créations chorégraphiques. La seconde est en une analyse détaillée des œuvres précises. En nous concentrant sur les sept compositeurs sélectionnés, nous avons effectué une analyse de seize collaborations, de la Symphonie pour un homme seul en 1955 avec Henry jusqu’à Casta Diva en 1980 avec Louvier. Élaborée à partir de nombreux documents consultés dans différents lieux, et en particulier, dans différents départements de la BnF et aux Archives de l’Ina, notre recherche interroge les réflexions de Béjart sur les rapports entre danse et musique
Our thesis focuses on the relationship between music and dance in the choreographic creations of Maurice Béjart (1927-2007). We are particularly interested in the pieces for which the choreographer has worked with his contemporaries. The relationship that Béjart proposed between choreography and musical works seems to have strongly affected the world of music. In order to shed light on Béjart's role in the history of contemporary musical creation, this research attempts to assess to what extent Béjart has influenced the creations of seven composers with whom he worked: Pierre Henry (1927-2007), Iannis Xenakis (1922-2001), Karlheinz Stockhausen (1928-2007), Pierre Boulez (1925-2016), Luciano Berio (1925-2003), Toshirô Mayuzumi (1929-1997) and Alain Louvier (1945-). The thesis is divided into two parts. The first is a general presentation of Béjart's work, preceded by a perspective of his relationship with music. We also tried to find a principle that would unify Béjart's use of the contemporary music in his choreographic creations. The second part is a detailed analysis of specific works. Focusing on the seven selected composers, we analysed in detail several collaborations, from the Symphonie pour un homme seul in 1955 with Henry to Casta Diva in 1980 with Louvier. Elaborated from numerous documents consulted in many places, and in particular, in the various departments of the BnF and in the Archives of Ina, our research questions Béjart's reflections on the relationship between dance and music

Cette thèse s'intéresse au processus de création chorégraphique d'un spectacle de danses traditionnelles en Bretagne. Elle a été menée à partir d’un terrain effectué au sein de la Kevrenn Alré, ensemble de musique et danse bretonnes basé à Auray dans le Morbihan, de novembre 2010 à novembre 2012. Comme la majorité des groupes bretons, cet ensemble crée son spectacle annuel pour le besoin d'un concours organisé par sa confédération. La recherche analyse les activités et les modes collectifs de production mis en œuvre lors de la fabrication du spectacle Abenn dimeurh sur le thème des préparatifs d'une noce en pays d'Auray vers 1900. La description ethnographique d'un moment de concours et l'analyse des dynamiques internes de la Kevrenn Alré permettent d'abord d'appréhender la relation du groupe à son environnement socio-culturel et d'interroger la façon dont le cadre compétitif façonne le processus de création d'un spectacle. La fabrication d'Abenn Dimeurh est ensuite observée en détaillant les différentes étapes organisées par les chorégraphes : émergence du thème, collectage, présentation du projet aux danseurs, écriture chorégraphique. Cette observation met en lumière la façon dont les responsables de la Kevrenn Alré, pour faire aboutir leur projet artistique, doivent articuler un processus de création nettement ordonnancé et une organisation collective des activités. Au fil du processus sont engagées différentes formes de coopération qui montrent que les acteurs envisagent la notion du collectif et le travail en groupe autour d'une vision commune du sens de l'effort et de la responsabilité partagée. Il se dégage de l’analyse que la définition du travail artistique comme une activité collective est opératoire dans le contexte de la danse bretonne de spectacle en tenant compte des spécificités de l'univers associatif. Dans cet univers, les membres de la Kevrenn Alré s'efforcent de concilier le plaisir du partage et la réussite au concours. De ce constat émerge que le processus de création marque la production de son empreinte en engendrant un spectacle qui exprime leur vision de la culture bretonne
This thesis focuses on the process of choreographic creation of a folk dance performance in Brittany. It is based on fieldwork conducted in Kevrenn Alré, a Breton music and dance ensemble based in Auray in Morbihan, from November 2010 to November 2012. Like most Breton groups, Kevrenn Alré create their show to compete in the annual contest organized by the folk dance organization to which they belong. The research analyses the collective activities and modes of production implemented during the creation of the performance Abenn dimeurh on the theme of the preparations for a wedding in the Auray region around 1900.The ethnographic description of a dance contest and the analysis of Kevrenn Alré's internal dynamics first allow us to understand the group's relationship to its socio-cultural environment and to examine how the competitive framework shapes the creative process of a show. The making of Abenn Dimeurh is then observed by investigating the various steps organized by the choreographers: finding the theme, collecting data, presenting the project to the dancers, making and staging the choreographic score. This observation highlights the way Kevrenn Alré's leaders, in order to carry out their artistic project, must articulate a clearly organized creative process and a collective organization of activities. Throughout the process, various forms of cooperation are initiated, showing that the actors consider the notion of being and working together around a common vision of joint endeavour and shared responsibilities. The analysis shows that the definition of artistic work as a collective activity is operative in the context of Breton folk dance performance, taking into account the specificities of voluntary associations. In this environment, the members of Kevrenn Alré struggle to bring together the pleasure of shared activities and success in the contest. From all this, it emerges that the creative process leaves its imprint on the production by generating a performance that expresses their vision of Breton culture

En intitulant cette recherche, « Le processus de création du mouvement chorégraphique au Brésil dans le contexte historique de l’élaboration identitaire : le cas de l’Etat de Santa Catarina », notre but est de comprendre la dynamique du contexte artistique de l’Etat de Santa Catarina, situé au sud du Brésil, région qui a connu une forte influence européenne dans son histoire et sa culture. Cette présence s’observe à travers des activités liées à la création et à la production chorégraphique. Nous cherchons à faire ressortir cet aspect notamment à partir de l'examen de deux villes de l’Etat, identifiées par nous, comme des pionnières dans le développement de ce type d’activité : Blumenau et Florianópolis. La recherche diachronique sur la situation de la danse, et son évolution, dans une région moins médiatisée que les régions phares du pays permet de mettre en valeur ce contexte artistique spécifique, tout en apportant une contribution à la compréhension du processus plus large de la création chorégraphique brésilienne. Cette étude aborde le processus historique de formation des activités liées à la danse au Brésil au XXe siècle, spécialement, dans la première moitié de cette période. Néanmoins, nous avons ajouté des informations relatives aux périodes antérieures et postérieures à celle-là afin de donner une vision plus exhaustive de la continuité des activités chorégraphiques
The purpose of the research titled: “Interactions between the movement of formation in the artistic field of dance in Brazil and the historic process of the development of the Brazilian people: the case of the state of Santa Catarina” is to understand the dynamics of the Brazilian artistic environment specifically in the state of Santa Catarina, located in the South of the country, by studying the activities related to choreographic creations and productions. This artistic environment will be analyzed in two cities which are considered as pioneers in the development of dance in this state: Blumenau and Florianopolis. The field of choreography will not only be analyzed through specific art, but within the landscape of influences that have historically formed the Brazilian environment, including: the cultural characteristics resulting from the formation of Brazilian society; information about the development of the cities studied and the implications of these processes on the artistic field of choreography. This study highlights the events of the first half of the 20th century; however, information from before and after this period was added to allow for a wider perspective on the development and continuity of choreographic activities

La recherche se centre sur trois études de cas pour caractériser la manière dont les savoirs de la danse et de la création chorégraphique sont mobilisés dans différentes institutions : séances de travail entre un chorégraphe et des danseurs en contexte de création, interventions d’un artiste chorégraphique en milieu scolaire, pratique scolaire de la danse menée par une enseignante à l’école élémentaire. Notre approche relève d’une anthropologie didactique, en s’appuyant sur la théorie de l’action conjointe en didactique (TACD), qui amène à analyser les transactions des différents acteurs observés (chorégraphe, danseurs, enseignantes, élèves), pour saisir à travers la construction des oeuvres chorégraphiques, la vie des savoirs qui leurs donnent forme. Elle conduit à caractériser la création comme un processsus d’enquête, à partir duquel chorégraphes et danseurs s’engagent dans un milieu d’invention. La mise en perspective des différentes études de cas permet de reconsidérer les conditions et les enjeux d’un enseignement-apprentissage de la danse à l’école, par un rapprochement entre pratiques chorégraphiques professionnelles et pratiques scolaires. En particulier, la question de l’expérience des élèves dans les processus de création en contexte scolaire est ici interrogée à l’aune d’une analyse de l’activité effective des artistes en situation de création. La recherche amène à questionner la manière dont les pratiques artistiques peuvent être pratiquées au sein de l’institution scolaire. L’approche didactique retenue permet de reconsidérer la relation professeur/élèves, à la lumière des spécificités inhérentes à ces pratiques
The research focuses on three case studies to characterize how knowledge of dance and choreographic creation is mobilized in different institutions: work sessions between a choreographer and dancers in a context of creation, interventions by a choreographic artist in schools, and school dance practice conducted by an elementary schoolteacher. Our approach is based on a didactic anthropology, based on the Joint Action Theory in Didactics (JATD), which leads us to analyse the transactions of the different actors we observe (choreographers, dancers, teachers, students) in order to understand through the construction of choreographic works, the life of the knowledge that shapes them. It results in characterizing creation as a process of inquiry, from which implies that choreographers and dancers get involved into an inventive milieu. The different case studies we put into perspective lead us to reconsider the conditions and issues of dance teaching and learning in schools, and to argue for a closer relatioship between professional choreographic practices and school practices. In particular, the question of students' experience in creative processes in the school context is questioned here on the basis of an analysis of the actual activity of artists in creative situations. The research raises questions about how artistic practices can be practiced within the school institution. The didactic approach chosen allows us to reconsider the teacher-student relationship in the light of the specificities inherent in these practices

Cette recherche s’élabore depuis un travail de terrain mené avec les artistes du spectacle Fractus V (Cie Eastman / choré. Sidi Larbi Cherkaoui) entre juin 2015 et mai 2018. Au fil du récit de cette traversée, de Barcelone à Anvers puis sur les routes d’Europe, une réflexion s’articule progressivement autour de l’interrogation suivante : dans quelle mesure le processus de création et la tournée du spectacle constituent-ils des expériences régénératrices pour les interprètes qui s’y engagent ? Rite de passage à bien des titres, Fractus V repose sur un désir de renouvellement et d’entre’fertilisation (« cross-fertilization ») partagé par neuf interprètes de cultures chorégraphiques et musicales différentes : les danseurs Sidi Larbi Cherkaoui, Dimitri Jourde, Johnny Lloyd, Fabian Thomé Duten et Patrick ‘Twoface’ Williams Seebacher ; les musiciens Soumik Datta, Kaspy N’Dia, Woojae Park et Shogo Yoshii. Leur modus operandi consiste d’abord en deux gestes : les interprètes s’apprennent les uns les autres des danses et s’essaient ensemble à des écritures collectives. Non sans difficultés, la compagnie naissante esquisse peu à peu les contours d’une micropolitique de création embrassant la nécessité de la fabrique d’un commun tout autant que l’inévitable processus de différenciation des interprètes entre eux. Comment les corps parviennent-ils à diffracter les apprentissages ? À faire « à leur manière » sans faire séparément ? À former une compagnie, voire un chœur polyphonique, plutôt qu’un assemblage d’altérités ? C’est à l’étude des pistes de réponse travaillées par les artistes, ainsi qu’à leurs évolutions dans le temps, que se dédie cette thèse. À cette fin, elle élabore une approche ethnographique, écologique et micropolitique des trajectoires et transformations des interprètes en mobilisant les anthropologies des lignes et des modes de Tim Ingold et de François Laplantine, les micropolitiques affectives de Brian Massumi et de Frédéric Lordon, la philosophie ontogénétique de Gilbert Simondon, ainsi que les études poïétiques en danse contemporaine. C’est aux côtés de cette assemblée d’artistes et de penseurs que se formule, au gré de récits et de réflexions théoriques, une pensée de la régénération comme principe d’une micropolitique écologique de l’être en devenir à l’œuvre au sein d’un processus de création chorégraphique collaboratif
This research developed from fieldwork conducted with the performers of the choreographic worked entitled “Fractus V” by the Eastman/Sidi Larbi company between June 2015 and May 2018. The narrative that unfolds from this fieldwork between Barcelona and Antwerp and thereafter along many roads of Europe revolves around the following questions: To what extent does the choreographic process and the tour of the performance constitute regenerative experiences for the performers involved? How are rites of passage understood? “Fractus V” is motivated by a choreographer’s desire for a renewal and cross-fertilizations shared by nine performers of different choreographic and musical cultures. The dancers include Sidi Larbi, Dimitri Jourde, Johnny Lloyd, Fabian Thomé Duten and Patrick ' Twoface ' Williams Seebacher; and musicians Soumik Datta, Kaspy N’Dia, Woojae Park and Shogo Yoshii. Their modus operandi is twofold: the performers learn each others’ dances and then try together to devise collectively. Not without difficulties, the nascent company gradually sketches out the contours of a creative policy embracing the necessity of “commoning” and differentiation. The thesis asks how do you create a polyphonic company respecting one’s idiosyncratic way of moving while not merely creating an assemblage of difference amongst each other? This thesis includes interviews conducted with the performers, as they evolve over the duration of rehearsals and touring. To this end, it develops an ethnographic, ecological and micropolitical approach analyzing the trajectories and transformations of the performers with Tim Ingold’s and François Laplantine’s anthropological approaches, the philosophy of affect of Brian Massumi and Frédéric Lordon, the ontogenetic philosophy of Gilbert Simondon, as well as the poetic studies in contemporary dance. The combination of the “Fractus V” fieldwork and the theoretical discourse mentioned above both contribute to the notion that the regenerative underpins the performer’s ecological approach of becoming through and with collaborative choreographic devising

Les avancées technologiques, principalement au niveau des télécommunications, interrogent les formes de relation et les transferts d’informations dans le monde actuel. La danse contemporaine, affectée par l’usage des technologies sur la scène (image vidéo, internet, logiciel), voit se modifier les manières de chorégraphier. Si les éléments de base de la création chorégraphique, à savoir le corps dansant, l’espace scénique et le temps de la danse, sont transgressés par l’usage des technologies de la télécommunication (téléprésence), comment les chorégraphes pensent-ils et écrivent-ils la danse en incluant ces nouveaux paramètres ? Que peut perdre ou gagner la danse ? Assistons-nous à l’éveil d’une nouvelle danse, ou à l’émergence d’un autre art ? La redéfinition du corps dansant, en interaction avec son espace et son temps, se trouve au centre de cette recherche. Un projet pratique sous forme d’un laboratoire de création chorégraphique multidisciplinaire, Seuil-Lab, est proposé comme méthodologie de travail pour l’analyse théorique de cette recherche
Technological advances, especially in telecommunications, call into question relationship modes and information transfers in today’s world. Contemporary dance has been affected by the use of technologies on stage (image, video, internet, software), which has modified choreographic practices. If the basic elements of choreographic creation - namely the dancing body, scenic space and dance time – are infringed upon by the use of technology and telecommunication (telepresence), how can choreographers think and write including these new parameters ? What can dance gain or lose ? Are we witnessing the dawn of a new dance, or the surfacing of a new art ? The redefinition of the dancing body, which interacts with its space and time, is at the core of this research. As a working methodology for the theoretical analysis of this research, we propose Seuil-Lab, a hands-on project in the form of a multidisciplinary choreographic creation lab

Les créations chorégraphiques contemporaines d’Afrique, sont non seulement traversées par des représentations sur la danse, le corps et les arts, mais également alimentées par toute une histoire des regards portés au cours des siècles par l’Occident sur l’Afrique le “Noir“, et “sa“ danse. Par ailleurs la France et l’Afrique ont entretenu historiquement des relations ambivalentes dont la teneur a pu avoir un impact sur les représentations, y compris dans le domaine de la danse scénique professionnelle. Dans les années soixante-dix, Léopold Sedar Senghor, mû par l’ambition de valoriser tous les Arts d’Afrique à travers le concept de Négritude, a tenté, à Dakar, en collaboration avec Maurice Béjart,une expérience inédite intitulée Mudra Afrique. Ce projet de formation aux arts de la scène, destiné essentiellement aux danseurs du continent, nourri par les représentations de ses concepteurs, visait à“moderniser“ les arts chorégraphiques en Afrique. Il n’a pourtant pas eu l’impact attendu, même si Germaine Acogny, qui en fut la directrice artistique, est devenue aujourd’hui l’une des figures les plus influentes de la danse en Afrique, au-delà même de sa partie francophone.Au cours des années quatre-vingt dix, on a pourtant assisté à un essor fulgurant de la création chorégraphique contemporaine du continent. Mais celui-ci est essentiellement dû à la mise en placepar le Ministère français des Affaires Etrangères d’une politique de coopération culturelle vis-à-vis despays africains. Le programme Afrique en Créations chargé de développer l’ensemble des expressionsartistiques contemporaines d’Afrique, a joué un rôle particulièrement déterminant dans la promotion etle développement d’une “danse africaine contemporaine“ notamment par la mise en place de rencontres chorégraphiques biennales.Par le biais des arts et de la culture, la France a ainsi réaffirmé ses liens spécifiques avec l’Afrique.Cependant, dans un tel contexte, où le politique et l’artistique se sont trouvés inextricablement liés,comment les artistes ont-ils composé avec les modèles dominants ? Sont-ils parvenus à se mettre à distance des ces cadres préétablis ? Quelles stratégies ont-ils été amenés à adopter ? Qu’en est-il plus spécifiquement pour les chorégraphes francophones ?
Contemporary choreographies from Africa have been crossed by social representations of dance, bodyand arts but they are also nurtured by the historical western gaze on Africa, on the “Black“, and on“his“ dance. Furthermore, the ambivalent relationships built for generations between France andAfrica have impacted these representations, including professional scenic dance.During the seventies, Léopold Sedar Senghar, driven by the ambition to promote arts in Africa throughthe concept of Negritude, proposed, with the french choreographer Maurice Béjart, a new artisticexperience called Mudra Afrique. This school was a training project about performing arts for Africandancers, nurtured by Senghor’s and Bejart’s representations, with the aim of “modernizing“ dance inAfrica. This project did not have the expected impact, even though the director of Mudra, GermaineAcogny, thanks to this school, has become one of the most influencial figure in the African dance, infrench-speaking area and beyond.Nevertheless, the explosive development of contemporary choreographies from Africa, since the1990s, is mainly due to the France’s foreign policy by redefining cultural cooperation with the Africancontinent. Its specific program called Afrique en Creations aimed to enable African artists to developtheir own contemporary expression. It contributed more specifically to the promotion of“contemporary African dance“ through the launch of biennial choreographic encounters in Africa. Bythis way, France reaffirmed the specific nature of its ties with Africa through arts and culture. Againstsuch a backdrop, when political and artistic expressions are closely related, how the artists dealt withthe dominant models? Could they move away from this established framework? Which strategies didthey adopt? And more specifically, what about the French-speaking choreographers?

Cette thèse procède d’un travail réflexif en lien constant avec une création chorégraphique. Elle est la parole d’un artiste-chercheur qui ne pense pas sans œuvre ni sans les œuvres d’autres artistes. Toutes explorent la thématique des figures marginales dans le champ chorégraphique, et permettent de construire une poétique singulière adossée sur les esthétiques esquissées par certaines des œuvres des chorégraphes brésiliens Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Núcleo do Dirceu et Micheline Torres. En partant de Ciel, premier solo que je signe en tant que chorégraphe en 2012, et en m’orientant vers un réseau poétique des œuvres avec lesquelles une certaine proximité thématique me semble féconde, j’enquête sur ce qui fabrique la sensation de reconnaître un marginal qui danse. Les récits que j’en fais sont construits à partir de mes propres expériences de spectateur et consolidés par mon parcours d’artiste chorégraphique. La traversée critique, analytique, fictionnelle des œuvres constitue des trajectoires sensibles dont l’objectif est de faire la connaissance des modes d’être chorégraphiques des figures marginales. Cette étude analyse comment, au sein même de chaque œuvre, se construisent les regards et les récits participant à l’émergence des affects précaires mis en mouvement par des propos chorégraphiques. Elle examine ces propos à partir des rapports imaginés avec des altérités, et véhiculés par des éléments artistiques tels que le visage, l’adresse, la place accordée au spectateur, la construction du regard et ses modes de partage. Où le marginal danse est une tentative de réflexion pour envisager quand danser le marginal devient une manière de faire danser l’invisibilité du pouvoir en même temps que de rendre visible la puissance d’un décalage
This dissertation proceeds from a reflexive work in constant connection with a choreographic creation. It’s the speech of an artist-researcher who does not think without his own work or without the works of other artists. All of them explore the theme of marginal figures in the choreographic field, and allow to build a singular poetic based on the aesthetics sketched by some of the works of Brazilian choreographers Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Dirceu Nucleo and Micheline Torres. Starting from Ciel, the first solo choreographed under my signature in 2012, and moving towards a poetic network of pieces with which I feel there is a certain thematic proximity, I investigate what constitutes the sensation of recognizing a marginal who dances. The stories I create are based on my own experiences as a spectator and are consolidated by my career as a choreographic artist. The critical, analytical and fictional crossover of the works constitutes sensitive trajectories that help to comprehend the choreographic modes of being of the marginal figures. The works in question here draw innovative policies in the landscapes of the visible. This study analyzes how, within each work, the gazes and narratives are constructed, contributing to the emergence of precarious affections set in motion by choreographic remarks. These remarks are examined from reports imagined with otherness, and conveyed by artistic elements such as the face, the addressing, the place given to the spectator, the construction of the gaze and its modes of sharing. Where the marginal dances is a reflection that considers the fact that dancing the marginal implies in dancing the invisibility of a power and the strength of a change

Cette thèse a pour objet d’étude les processus d’élaboration de nouveaux ballets dans les compagnies de répertoire. À travers une enquête internationale, elle se propose d’interroger dans une perspective sociologique la situation de création spécifique qui est celle des chorégraphes de formation classique, insérés dans des institutions vouées principalement à l’entretien d’un répertoire d’œuvres existantes. Leurs trajectoires professionnelles et les différences genrées qu’elles mettent en évidence y sont élucidées, ainsi que la dimension fondamentalement collective d’un travail artistique qui implique la coopération d’autres acteurs, notamment les interprètes et les répétiteurs. À partir des formes d’incorporation et de circulation du mouvement, des logiques de création se dégagent, qui permettent d’interroger la nature de l’autorité créative du chorégraphe.Appuyé sur l’observation des répétitions de cinq créations au Ballet du Bolchoï, au Ballet de l’Opéra de Paris, à l’English National Ballet et au New York City Ballet, ce travail est complété par 29 entretiens et une base de données recensant toutes les créations des compagnies étudiées entre 2000 et 2016. Ces données croisées permettent de faire ressortir l’imaginaire commun qui sous-tend le travail des chorégraphes au XXIe siècle, les différences entre les quatre pays ainsi que les tensions propres à une forme de création identifiée comme classique
Creativity within classical art forms is often underrated, and little is known about what it takes to craft a new ballet. This thesis explores the process of making new works in ballet companies today from a sociological perspective. Drawing on original field work in four countries, it looks at the specificity of the creative endeavours of ballet-trained choreographers, who work in institutional contexts where creation is allowed only limited space in comparison to the existing repertoire. The career trajectories of classical choreographers are addressed along with gender biases in the field. An in-depth look at the ways in which movement is shared, shaped and incorporated in the studio reveals the collective nature of creative processes which closely involve dancers and ballet masters.In addition to sustained periods of observation related to five creations at the Bolshoi Ballet, English National Ballet, New York City Ballet and the Paris Opera Ballet, the data gathered includes 29 interviews and a database listing every ballet created by the four companies above between 2000 and 2016. These findings shed light on the classical imaginary – a network of images and models, I argue, underpinning the work of 21st-century ballet choreographers – and highlight the complexity of classical artistic identities today

Notre recherche s’intéresse à la scolarisation en danse de quatre élèves en situation de handicap, soutenu·e·s par un dispositif Ulis, en classe ordinaire. Le postulat de cette thèse est de rompre avec la vision déficitaire des élèves. Notre approche est didactique, fondée sur une ingénierie coopérative entre professeur·e·s, ordinaires-spécialisée, et chercheure. Nous cherchons à comprendre en quoi le travail d’ingénierie coopérative permet de construire un dispositif dans lequel tous les élèves sont amenés à entrer dans un processus de création et d’interprétation en danse. Ce dispositif, reposant sur un coenseignement en classe, vise à permettre aux élèves de composer des mouvements dansés ensemble. Dans un principe d’itération, ce dispositif est mis en œuvre sur les trois années de recherche. Pour étudier l’articulation entre l’activité ingénierique et l’activité didactique, le cadre théorique de l’action conjointe en didactique nous donne à voir et à comprendre ce qui se passe. Les concepts descripteurs pour l’activité ingénierique sont la notion d’enquête et la relation épistémique coopérative. L’activité didactique est décrite avec la dialectique contrat/milieu et réticence/expression. Notre méthodologie est qualitative, ascendante et clinique. Nos analyses tendent à montrer que les allers-retours entre le travail collectif en réunion et l’action conjointe en classe s’articulent autour des savoirs danser. Le dispositif didactique devient suffisamment efficient en classe ordinaire pour permettre aux quatre élèves en situation de handicap d'effectuer leur puissance d’agir dans le processus de création et d’interprétation des mouvements dansés
Our research focuses on the dance schooling of four disabled pupils, supported by an Ulis system, in ordinary classes. The postulate of this thesis is to break with the deficit vision of the students. Our approach is didactic, based on cooperative engineering between ordinary-specialized teachers and the researcher. Our aim is to understand how cooperative engineering can be used to build a system in which all students are brought into a process of dance creation and interpretation. This system, based on co-teaching in the classroom, aims to enable students to compose danced movements together. In keeping with the principle of iteration, this system is being implemented over the three years of the research. To study the relationship between engineering activity and didactic activity, the theoretical framework of joint action in didactics helps us to see and understand what's going on. The descriptive concepts for engineering activity are the notion of inquiry and the cooperative epistemic relationship. Didactic activity is described in terms of the dialectic of contract/milieu and reticence/expression. Our methodology is qualitative, bottom-up and clinical. Our analyses tend to show that the back-and-forth between collective work in the meeting and joint action in the classroom is articulated around the knowledge of dancing. The didactic device becomes sufficiently efficient in the ordinary classroom to enable the four disabled students to exercise their power to act in the process of creating and interpreting danced movements

Cette recherche-création en danse se fonde sur un travail de transmission : celle qui, à partir de l'expérience d'un solo, procède à la création d'un trio. Il s'agit d'analyser la capacité d'un tel geste à expliciter des sensations intérieures, et de définir les moyens d'approfondir cette connaissance sensible en faisant l'économie d'une transmission de mouvements de corps à corps. La recherche est donc guidée par une pratique chorégraphique qui en constitue le champ épistémique. En suivant une approche pragmatique, l'attention se porte sur l'expérience de la pratique de création et sur la réflexivité de cette expérience : connaître renvoie ici à une activité située et incarnée. Dans la même perspective, la dimension esthétique de la recherche doit être appréciée selon sa capacité à rendre compte d'une expérience sur et avec l'art : le trio Dans le creux de l'absence est à la fois une production artistique et le moyen de mieux connaître les conditions de cette production. Initiée par l'hypothèse d'un « lieu intérieur » nécessaire à l'expansion du geste dansé, cette recherche déplie l'acte de création pour mettre au jour le trajet allant de l'expressivité à la nécessité du geste. En articulant les approches poïétique et esthétique et en entrecroisant les espaces sensibles et réflexifs, ce cheminement a permis de cerner l'état de danse du solo Le Vrai lieu et de le dissocier de son corps d'origine. Définir l'écriture et la sensation d'espace caractéristiques de cet état de corps a ainsi contribué à forger des outils chorégraphiques pour le créer et le transmettre. En retour, ces outils ont découvert le fil d'une esthétique et révélé le rôle joué par l'espace dans la création d'une gestuelle commune. La sensation d'un « lieu intérieur » s'est ainsi clarifiée par sa transformation en un espace interstitiel, produit et façonné par une chorégraphie d'émulations. La « partition corps-espace » exposée dans cette thèse reflète l'élaboration progressive de ce savoir-chercher/transmettre/créer. Sans prétendre rationnaliser la création artistique, ni éclairer les zones d'incertitude qui contribuent à sa réalisation, cette recherche-création propose un chemin pour dépasser l'idiosyncrasie de l'œuvre-corps : frayant à travers les multiples voies d'une pratique heuristique, elle travaille à désopacifier, à questionner et à transformer, dans l'entrecroisement des corps, les éléments caractérisant l'identité d'une œuvre chorégraphique
This practice-led dance research is based on a transmission work: the passing on of a solo experience leading to the creation of a trio. The aim is to analyse the ability of such a gesture to make explicit inner sensations, and to identify how this sensitive knowledge can be deepened while avoiding passing on choreographic movements from body to body. The research is thus led by a choreographic practice which defines its epistemic field. Following a pragmatic approach, attention is given to the experience of choreographic work and to the reflexivity of this experience: in this context, knowledge is to be understood as the result of a situated and embodied practice. Similarly, the research's aesthetic dimension is assessed through its ability to share an experience with and upon art: Dans le creux de l'absence trio is both an artistic creation and a way to explore the conditions of the creation process. Based on the hypothesis that a gesture can only burgeon from an “inner territory”, this research breaks down the act of choreographic creation in order to reveal the path from expressive motion to inner necessity. Following both poietic and aesthetic approaches as well as sensitive and reflexive paths, the research led to identify a certain state of dance in Le Vrai lieu solo's and to separate it from its body of origin. Defining the writing and sense of space underlying this state of body then helped build the necessary choreographic tools to its creation and transmission. These tools, in return, unveiled a certain aesthetic form and underlined the importance of space in creating this common gesture: they helped turn the inscrutable sensation of an “inner territory” into that of an “interstitial space”, created and shaped by a choreography of emulations. The “body-space score” laid out in this thesis reflects the development of this “search/transmit/create know-how”. This practice-led research doesn't claim to rationalise artistic creation nor to pinpoint the places of uncertainty that contribute to its development. It suggests a path to overcome the idiosyncrasy of the body as a work of art: navigating through the multiple ways of heuristic practice and the intertwining bodies of three dancers, it aims to clarify, question and transform the characteristic elements of a choreographic work

Huit paires de jambes jaillissant de l’eau simultanément et scandant des mouvements identiques au rythme fulgurant d’une musique entraînante. Voilà ce que l’on retient généralement des ballets de natation synchronisée que proposent les retransmissions télévisées d’épreuves sportives internationales. Alors que les journalistes et les spectateurs témoignent de leur émerveillement face à ces réalisations, on pourrait légitimement s’interroger sur la teneur musicale, entre collages, arrangements et compositions inédites, de ces manifestations sportives. En s’intéressant d’un peu plus près à ce monde sportif on découvrirait qu’un compositeur, Jean-Michel Collet, collabore depuis 1996, avec l’équipe de France de natation synchronisée. Une série de questions se poserait alors : pourquoi un musicien collabore-t-il avec cette équipe ? Comment des entraîneures et un musicien arrivent-ils à travailler ensemble ? Sur la base de quels critères (musicaux et/ou sportifs) ces acteurs parviennent-ils à coordonner leurs actions pour créer une musique de ballet ? En somme, comment analyser les processus de création musicale en natation synchronisée ? Dans son enquête, l’auteure mobilise les outils de la musicologie et de la sociologie pour faire saillir les caractéristiques stylistiques de ces musiques de ballet. L’analyse des documents formant le corpus de cette thèse (transcriptions musi-chorégraphiques, entretiens, compte rendus d’observation, corpus journalistique, etc.) montre notamment que « faire la musique » en natation synchronisée relève de savoirs et de savoir-faire inscrits dans une tradition sportive, de l’utilisation et de l’appropriation de conventions, de négociations et autres compromis qui témoignent de la dimension éminemment collective des processus de création artistique
Eight pairs of legs simultaneously arising from the water, and with identical movements marking the lightning rhythm of a lively music. This is the vision one usually holds from a broadcasted synchronized swimming international competition. Sportscasters and viewers giving rave reviews on skills and figures, it seems rightful to question the value of the music heard with these routines, be it a mix, an arrangement, or an original composition.Investigations conducted within the synchronized swimming world reveal that a composer, Jean-Michel Collet, is a long-time associate to the French national team. Questions arise: why does a musician commit to working in such an environment? How do different partners, i.e. coaches, one musician, manage to work hand-in-hand? What are the criteria, musical and/or athletic, that both parties need to meet, in order to make water ballet music happen? In short, how can the creative processes in music, concerning synchronized swimming, be addressed and analyzed?Analytical methods used in musicology and sociology are called upon by the inquiring author, in order to point out the stylistic characteristics of water ballet music. At the core of this research work, analysis of multiple documents, e.g. transcribed sheet music using ballet marks, records of interviews, on-site personal collections of data, news articles, shows that “music making” in synchronized swimming falls under the law of a tradition in sports, with its own rules and know-how. Actors in both fields need to grasp and take advantage of conventions. Negotiations and other kinds of settlements establish the fact that interaction and teamwork are major components found in the creative processes

L'atelier du choregraphe produit des exigences de travail inherentes a son existence. C'est l'outil fondamental de la creation choregraphique. Il est vivant dans l'acte de "regarder" du choregraphe. Il s'agit d'interroger sa constitution et son evolution a partir de la pratique de l'ecriture choregraphique. Dans la premiere partie, une etude des choregraphies creees depuis dix ans avec une compagnie professionnelle est menee : cela met en evidence l'evolution constante du regard du choregraphe, confronte aux choix a operer lors des improvisations des danseurs, en meme temps qu'a la necessite de maintenir vivant l'espace de l'apparition d'une matiere choregraphique qui "appelle" l'oeil. Ce cheminement permet de decouvrir les dynamismes operants des paradoxes qui traversent l'atelier. Ils sont approches dans la deuxieme partie au travers des relations complexes que le regard instaure avec le temps, avec la memoire et l'oubli, avec les qualites haptiques des interpretes dans l'espace. L'existence d'un espace ou "tout n'est pas joue d'avance" est vitale pour la creation. Cela exige des interpretes une demarche particuliere qui est observee dans la troisieme partie. Comment la corporeite dansante tisse t-elle l'espace de creation necessaire a son emergence?
The choreographer's workshop is the result of the various demands that go to make up her existence. It is the fundamental technique in the creation of a choreography. It is present in the choregrapher's way of "looking". It is a question of asking what has gone into making her, and how she has involved in the way in which she writes choregraphy. In the first part she carries out an anlysis of those choreographies she has created with her professional troupe over the last ten years : this point up the constant evolution in the way she "sees", being perpetually obliged to choose between the dancer's improvisations, and at the same time keeping the area which attracts the eye, in which the choreography is actually realized, alive. This approach encourages the development of the various tensions arising from the paradoxes that are integral part of the workshop. In the second part we approach the paradoxes through the complex relationships which "seeing" has with "time", "memory" and "forgetting" and with the haptic qualities of the artists in space. The existence of a space in which the die is not yet cast is vital to creation. It needs a particular approach on the part of the dancers which is best seen in the third part. How does the physical nature of the dancing body weave a space essential to creation ?

“21” est la chorégraphie de Grupo Corpo (Minas Gerais – Brésil), qui annonce une nouvelle étape dans la réalisation chorégraphique de Rodrigo Pederneiras. La pièce a débuté en 1992, avec une bande-son spécialement composée par Marco Antonio Guimarães, exécuté par le groupe UAKTI. L’objectif est, autant que possible, de comprendre le chemin qui mène à la réalisation du processus chorégraphique de “21”. Diverses sources d’information (vidéos, photos, interviews, documents scientifiques, matériel multimédia) ont été analysés, pour finalement proposer un dévoilement. Avec la méthodologie ici utilisée – grounded theory – l’absence d’une proposition théorique précédante soulève sa construction à mesure qu’ils surviennent les découvertes. L’immersion dans l’analyse du vidéo original de “21” a occasionné 21 perceptions: la musique comme motivation fondamentale pour le chorégraphe, l’ingérence des danseurs et de sa longévité artistique sur le processus chorégraphique; éléments-clés de la chorégraphie; influences sur Rodrigo Pederneiras; l’analyse des 14 scènes, avec tous ses doutes, ses tempos et métriques surprennants; les costumes, l’éclairage et le scénario et, enfin le modus operandi de Rodrigo Pederneiras et les traces du travail dans d’autres travaux du groupe. Un ensemble de compétences et de procédures semble composer une théorie finale: la créativité, l’abstraction, essais et erreurs, travail en équipe, multiplications et dérivations . Après tout, “21” est presque élucidé.
“21” é a coreografia da companhia mineira de dança Grupo Corpo, que inaugura uma nova etapa no fazer coreográfico de Rodrigo Pederneiras. Estreou em 1992, com trilha sonora especialmente composta por Marco Antônio Guimarães e interpretada pelo grupo mineiro UAKTI. O objetivo aqui é, tanto quanto possível, entender o percurso que leva à efetivação do processo coreográfico de “21”. Variadas fontes de informação (vídeos, fotografias, entrevistas, documentos acadêmicos e material de mídia) foram analisadas para, enfim, propor-se um desvendamento. Assim o é na grounded theory, metodologia aqui utilizada que parte da ausência de uma proposta teórica prévia para construí-la à medida que surgem as descobertas. A imersão na análise da gravação original de “21” trouxe à sensibilidade 21 percepções: a música como motivação fundamental do coreógrafo; as interferências do elenco, sua longevidade artística e as rasuras do processo coreográfico; os elementos norteadores da coreografia; as influências sobre Rodrigo Pederneiras; a análise das 14 cenas, com todas as suas dúvidas, andamentos e contagens que surpreendem; figurinos, iluminação e cenário; e, por fim, as ponderações sobre o modus operandi do coreógrafo e os rastros da obra em outros trabalhos do grupo. Um conjunto de valências e procedimentos parece compor a teoria final: criatividade, abstração, tentativa e erro, detalhamento, equipe, multiplicações e derivações. Afinal, quase desvendamos “21”.
“21” is the one choreography of Grupo Corpo (Minas Gerais – Brasil), which heralds a new stage in the choreographing process of Rodrigo Pederneiras. This piece debuted in 1992, with a specially composed soundtrack by Marco Antônio Guimarães executed by group UAKTI. The goal is, as far as possible, to understand the path that leads to the full realization of “21.” Various sources of information (videos, photographs, interviews, academic documents, media materials) were analyzed to finally propose an unveiling form. This is the principle of the grounded theory, methodology used in this research, where there’s an absence of a previous theoretical proposal, as it arises with the discoveries. Immersion in the analysis of the original video of “21” vented 21 perceptions: the choreographer’s fundamental motivation by music; cast interferences and its artistic longevity; the guiding elements of choreography; influences on Rodrigo Pederneiras; the analysis of 14 scenes, with all its doubts, surprising tempos and counts; costumes, lighting and scenery, and finally bethinks about the modus operandi of the choreographer and the traces of this work in other pieces of the group. A set of skills and procedures seems to compose a final theory: creativity, abstraction, trial and error, detailing, team work, multiplications and derivations. After all, we almost got the key to “21”.

Ma recherche tend à répondre à des questionnements ayant émergé durant ma pratique de la danse flamenco, depuis ma posture d’étudiante, d’interprète, de chorégraphe, puis de pédagogue. À travers la restitution d’une itinérance sensible entre Lyon, Séville, Madrid et la Chine, j’interroge dans cette thèse ce qui fait flamenco, réévaluant par une méthode déconstructiviste certains discours et gestes qui tendraient à définir ce qui fait centre (poncifs/vérités établies/stéréotypes) dans le flamenco, tout en créant une dialectique avec d’autres figures faisant, elles, d’apparents écarts. Sur ce second point, j’approfondis dans ma recherche plus spécifiquement l’approche flamenco empirique, qu’a élaborée Juan Carlos Lérida au cours de sa trajectoire artistique, afin de rendre compte de la façon dont certaines figures, à la marge du discours dominant dans le flamenco, interrogent l’élasticité des pourtours définitionnels de cette expression artistique. Mon cheminement pratique et théorique avec Juan Carlos Lérida m’a conduit à expérimenter une approche archéologique du geste flamenco en recherche-création, visant à interroger la dynamique de construction de la forme flamenco (identification de survivances formelles, pathos de la fête, poétique de la spirale) sur le plan diachronique et synchronique, mais aussi à m’ouvrir au « palimpseste » comme outil épistémologique. La démarche méthodologique investie pour mener la poétique exploratoire, dont cette thèse rend compte, en plus de l’exercice analytique, critique, s’est également employée à élaborer des objets-créations (performances, vidéos documentaire, vidéodanses, photographies) émanant de champs de compétences croisées afin de défendre une constitution heuristique des savoirs, grâce aux études des processus de création et la mise en réflexivité de l’expérience
My research aims to answer questions that arose from practicing flamenco, initially as a student, then as an interpreter and choreographer and eventually as a teacher. After gathering insightful experiences from Seville, Madrid and China, my thesis addresses the question “what is flamenco?”. Via a deconstructionist method, this study re-evaluates some of the conceptions and body language that tend to define what is central to flamenco (clichés / established truths / stereotypes), while analysing the dialectics of figures who clearly deviate from these central ideas. Thus, my research explores in greater depth and more specifically the empirical approach developed by Juan Carlos Lérida during his artistic career, for a better understanding of how figures straying from the dominant conception of flamenco, test the elasticity of the outer limits of this artistic expression. My practical and theory-based exploration with Juan Carlos Lérida led me to experiment with an archaeological approach to research-creation in flamenco dance, that aimed to analyse the way flamenco expression has developed (identification of the survival of forms, the festive pathos, the poetics of the spiral movement) from both a diachronic and synchronic perspective, but also to embrace the “palimpsest” as an epistemological tool. The methodological approach that led to the exploration of poetics described in this work, along with the analytical and critical exercises, also incited a range of multi-disciplinary creative projects (performances, video documentaries, dance videos, photographs) that defend the heuristic method of gathering knowledge via studying creation processes and reflecting on experiences
Este trabajo pretende responder a ciertas cuestiones que me surgieron en la práctica del baile flamenco siendo estudiante, intérprete, coreógrafa y pedagoga. A través de una restitución de un itinerario sensitivo entre Lyon, Sevilla, Madrid y China, analizo en esta tesis lo que hace que algo sea flamenco reevaluando, mediante un método deconstructivista, ciertos discursos y gestos que buscan definir lo central (tópicos, verdades establecidas, estereotipos) en el flamenco, creando una dialéctica con otras figuras que aparentemente discrepan. En este segundo punto, profundizo en mi investigación más concretamente en la aproximación flamenco-empírica elaborada por Juan Carlos Lérida a lo largo de su trayectoria artística, con el fin de demostrar en que manera ciertas formas al margen del discurso flamenco dominante cuestionan la ductilidad de la definición de esta forma artística. Mi andadura práctico-teórica con Juan Carlos Lérida me ha permitido experimentar una aproximación arqueológica respecto al gesto flamenco en un proceso de investigación-creación con vistas a analizar la dinámica de la forma flamenca (identificación de vestigios formales, pathos de la fiesta, poética de la espiral) desde un punto de vista diacrónico y sincrónico, posibilitando al mismo tiempo a abrirme al “palimpsesto” como herramienta epistemológica. La metodología usada para llevar la poética exploradora expuesta en esta tesis también se ha empleado, además del ejercicio analítico, crítico, para elaborar objetos-creaciones (performances, documentales, video-danza, fotografía) resultantes de campos de competencia cruzados con el fin de defender una constitución heurística de los conocimientos gracias al estudio de los procesos de creación y la reflexión acerca de la experiencia

Ce projet de recherche en danse est né du désir et du besoin de questionner ma propre pratique artistique en danse contemporaine, en la mettant en perspective et en conversation avec celle de deux autres artistes chorégraphes, Monica Klingler et Barbara Manzetti. L'étude de ces (nos) pratiques, que j'ai qualifiées de "mineures" (au sens deleuzien) a été réalisée en les approchant par le "milieu", dans leur devenir, en les "accompagnant" pendant une période délimitée, celle de la durée de la thèse. Les questions qui dynamisent la recherche concernent les notions de présent et de vivant, contenues dans le terme "processus" : comment rendre compte de processus créatifs au moment même de leur surgissement? Comment se positionner pour pouvoir les décrire, les analyser? Une autre question explorée à travers différentes pratiques d'écriture, dont la thèse, est celle du rôle de l'écriture dans un projet de danse. Quelles pratiques d'écriture mettre en place pour accompagner la danse, pour la penser et pour la partager à travers le langage? L'analyse des démarches artistiques des trois artistes étudiées a été réalisée à l'aide de concepts issus de théories féministes. Elle s'appuie sur la notion de "hors de soi", du choix d'exacerber la vulnérabilité (Judith Butler) ; sur le positionnement des artistes comme des sujets non unitaires, des "sujets nomades" et en devenir (Rosi Braidotti) ; sur la mise en mouvement de formes fluides, changeantes et non réductibles à une œuvre, à l'"un" (Luce Irigaray).La recherche, considérée comme un "processus de danse", a donné forme à différents projets artistiques, Materia Viva, Figuras, Avec le masque, ainsi qu'à l'écriture de la thèse.

Selon l'acception générale, le danseur est un artiste mais en réalité, son œuvre est le plus souvent assimilée à celle du chorégraphe et son corps, généralement réduit au statut d'instrument. Le danseur a lui-même de la difficulté à parler de ses interprétations et se considère souvent comme un outil. La présente étude s'est donc attachée à mieux saisir ce que le danseur, à la fois outil du chorégraphe mais d'abord artiste à part entière, crée, quelle œuvre résulte de son travail créatif. Ainsi, l'interprétation a été abordée dès le départ comme une œuvre à construire. Cette recherche qualitative se veut d'inspiration constructiviste et phénoménologique. Elle s'appuie sur mon expérience personnelle de la reprise de Soft Wear, une chorégraphie solo de Meg Stuart. Cette étude est une conduite autopoïétique dans la mesure où elle s'articule à ma propre pratique artistique. Le cadre théorique circonscrit les concepts de partageabilité à travers l'intercorporalité (Deschamps, 1995) et l'effet de transport (Godard, 2008), d'œuvre d'art, d'œuvre d'interprétation, de création en tant que type de rapport et de présence au monde (Deschamps, 2002), d'états de corps (Stuart, 2010a; Guisgand, 2004) et enfin, de pluralité opérale de l'œuvre chorégraphique (Pouillaude, 2009). L'analyse des données a été réalisée suivant la méthode par théorisation ancrée telle que définie par Paillé (1994). Les résultats de l'étude ont permis de mettre en lumière la consubstantialité immanente des œuvres chorégraphiques. Aussi, il est apparu que le danseur crée effectivement dans l'espace de l'œuvre chorégraphique et que son œuvre est multiple. Au moment de la recherche chorégraphique se trouve l'œuvre échappée, au moment de l'écriture chorégraphique l'œuvre du danseur devient substance et au moment de la reprise, apparaît l'œuvre de sensation. Enfin, cette étude a permis de réaffirmer la possibilité pour le danseur de prendre position au sein des œuvres, lui-même portant la responsabilité de sa création dans l'espace consubstantiel du chorégraphique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse contemporaine, interprétation, création, danseur, œuvre, état de corps, consubstantialité.

Ce mémoire présente une recherche exploratoire du processus créatif en pratique artistique multidisciplinaire. Il s'appuie principalement sur l'expérience personnelle de l'artiste chercheur engagé dans le processus créatif d'une oeuvre intitulée Poesia y Flamenco. Toutefois, la recherche s'insère dans un a priori théorique relié à l'interrogation d'un lien existant entre le geste créateur et les fonctions psychologiques de l'être humain. Ainsi les chemins de la création s'inscrivent dans ce cadre précis. A l'origine des motivations de cette recherche se trouve le sentiment qu'il existe des outils privilégiés à développer permettant une certaine poïétique appliquée et comme l'être humain a la capacité de créer des oeuvres artistiques, il semble opportun d'observer les composantes psychiques de l'être humain afin de comprendre le processus créatif. La typologie développée par Carl Gustav Jung en 1920 éclaire d'une certaine manière mon questionnement. Par sa description des types psychologiques, il a mis en exergue quatre dimensions: la pensée, le sentiment, la sensation et l'intuition. En effet, l'être humain est le seul capable à la fois de raisonner, de ressentir, de sentir et d'être doué d'intuition. L'objet de la création s'est construit avec cette notion en arrière-plan. L'artiste chercheur reconnaît dans cette typologie, un moyen d'aborder la création en l'optimisant par cette structure précise, mais ouverte. L'architectonique de Poesia y Flamenco s'est construite avec les matériaux métissés du flamenco, de la poésie et de la musique; principalement la guitare et les palmas. Ces choix ont été faits en fonction de mes motivations profondes de créer dont, entre autres, celui de communiquer et de toucher. Ce projet de recherche m'a permis d'observer attentivement et en profondeur la relation existante entre le créateur et le processus dans une situation réelle, celle de créer une oeuvre artistique multidisciplinaire. De ce rapport étroit, il en ressort manifestement une facilité à créer. En dépit des noeuds, des périodes de chaos toujours angoissantes pour le créateur, le travail est demeuré stimulant et inspirant. La prise de notes systématiques de la situation observée a été la principale forme de cueillette de données. Les résultats ouvrent la voie à des pistes vérificatives qui, par exemple, pourraient prendre la forme d'ateliers interactifs en création chorégraphique dans le cadre d'études universitaires. Les résultats de la recherche pourraient servir de cadre de référence pour les jeunes créateurs qui témoigneraient s'il y a lieu de l'apport constructif d'une connaissance des fonctions psychologiques. Cette source spécifique sur laquelle s'appuient mes réflexions peut possiblement conduire à un modèle personnel pragmatique de compréhension du processus créatif. Sans prétendre par cet éclairage nouveau, à la naissance d'une théorie générale explicative du processus créatif, cette recherche nous convie surtout à une compréhension approfondie du vécu d'un créateur chercheur explorant les éléments signifiants de la création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poésie, Flamenco, Processus créatif, Sensation, Sentiment, Pensée, Intuition.

Le but de ce mémoire-création est d'explorer la possibilité que certains éléments et concepts puissent susciter l'émergence d'une expérience du sacré à l'intérieur d'un travail chorégraphique. Cela amène à s'interroger sur la subsistance du sacré en Occident en ce début de 21 e siècle; d'autre part, il faut voir si la danse possède un potentiel pour l'expérimentation de ce dit sacré. Dans un premier temps, cette recherche-création présente les définitions du sacré occidental contemporain de différents auteurs québécois et européens. Ensuite, elle se penche sur différents types de danse se reliant à une certaine expérience du sacré: Bharatanatyam, danse des Derviches, danses bouddhistes tibétaines, certains styles occidentaux. Finalement, cette recherche-création raconte le processus de création et de présentation d'une oeuvre chorégraphique en lien avec la réflexion théorique avancée. Ce mémoire-création tente donc d'apporter des pistes de réponses aux interrogations suivantes: le sacré existe-t-il toujours aujourd' hui? Sous quelles formes se manifeste-t-il? Peut-il se vivre par le biais de la danse? Cette réflexion emprunte une approche heuristique à caractère ethnographique et autoethnographique : analyse et mise en lien de différents auteurs, observations participantes et non participantes, processus de création et présentation chorégraphique. Il sera possible ici de constater que l'expérience du sacré aujourd'hui en Occident se manifeste de différentes façons, sans aucune forme unanime et que la danse peut comporter quelques éléments favorisant l'émergence d'une expérience du sacré, sans qu'il y ait une formule unique. L'expérience du sacré dans le mondé occidental est un phénomène plutôt individuel et demande, pour être vécue, une présence totale de la part de la personne. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse, Expérience du sacré, Occident, Sacré, 21e siècle.

Ce mémoire-création questionne le concept d'émergence en création. Il s'agit d'une recherche qualitative qui s'appuie sur le processus d'une pièce chorégraphique : CHAIR. Construit sur le principe du circuit-fermé (une caméra est intégrée à une poupée dont les images sont transmises en direct), ce solo s'est élaboré grâce à la perméabilité des pratiques et des matériaux. M'appuyant sur des concepts deleuziens (l'actuel et le virtuel, les zones d'indéterminations et le devenir notamment) et sur la philosophie chinoise (telle qu'étudiée par François Jullien) je mets en perspective la notion de décentralisation du créateur. Approfondissant les matériaux qui ont permis de construire CHAIR, je mets en perspective le fait que chaque matière contient ses propres singularités et que chacune de ses singularités fait émerger l'œuvre. Construit en deux volets, ce présent mémoire décrit tout d'abord le processus de création de manière chronologique. Et questionne ensuite, par l'entrecroisement des concepts, la notion d'émergence, qui va de pair avec la notion d'entre-deux. Cet entrecroisement de concept se fera sous la forme d'un dialogue entre les principaux théoriciens et moi-même. Sans apporter aucune réponse, j'entre dans une fente, je m'aventure dans l'inconnu afin de pousser une réflexion conceptuelle. Le lecteur sera invité à se perdre dans des méandres réflexifs qui finalement m'amènent, comme chercheuse, à considérer le dédoublement du même comme une faille permettant l'émergence « d'entre-images » : des images non visible, ou pas encore visible, des images de l'inconscient, reconstruites par le spectateur. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : création, processus, émergence danse contemporaine, vidéo, circuit fermé, Gilles Deleuze, François Jullien, philosophie orientale

Ce document est basé sur un processus de création en danse intégrée élaboré in situ dans les locaux du Département de danse de l'UQAM. Deux problématiques sont à l'origine de ce travail universitaire : l'une correspond à ma recherche pratique faite dans une visée de création, tandis que l'autre est à l'origine de mon analyse réflexive menée sur la singularité de ce processus de création. Tout au long de cet écrit, je mettrai en évidence l'origine de ces deux problématiques et leur évolution. Afin d'introduire cette recherche, je présenterai les éléments m'ayant amenée à m'intéresser à la notion d'inquiétante étrangeté de Freud ainsi que la problématique de recherche qui en a découlé sous la forme de la question suivante : comment s'incarne le sentiment d'inquiétante étrangeté dans des corporéités différentes (interprètes avec et sans handicap) situées dans des lieux communs et ordinaires? Après cela, j'exposerai brièvement le cheminement qui m'a conduite à la problématique d'analyse suivante : comment se nouent et se défont les liens entre théorie et pratique dans mon travail de mémoire-création? Puis, je partagerai quelques faits personnels pouvant expliquer mon intérêt pour la danse intégrée avant de définir les termes de mon mémoire et de proposer un résumé par chapitre de ce dernier. Le second chapitre exposera les éléments des textes de Sigmund Freud, Edward T. Hall et Pascale Weber qui ont nourri le processus de création de « Par 4 chemins », puis, l'orientation ethnographique de ma recherche en s'appuyant sur son caractère qualitatif et l'importance du travail de terrain qui la caractérise. Il sera ensuite question d'ouvrages de référence connexes et de mes influences artistiques. Le chapitre trois sera consacré à la présentation de ma méthodologie de recherche que je définis comme une monographie heuristique s'appuyant sur des méthodes ethnographiques de cueillettes de données qualitatives et leur analyse par triangulation. Le chapitre quatre présentera le cœur de ma recherche: la chronologie de mon processus de création en trois phases avec leurs ruptures et ajustements. Tout au long de ce chapitre, je tenterai de mettre en évidence les interrelations entre théories et pratique qui les jalonnent. Le dernier chapitre commencera par présenter les deux représentations publiques de « Par 4 chemins » puis l'impact des discussions menées avec le public sur la compréhension de mon travail. Pour finir, je ferai part de mon analyse a posteriori des interrelations entre théories et pratiques dans mon processus de création à partir des différentes données recueillies tout au long de ma recherche. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse intégrée, Interrelations théorie-pratique, In situ, Inquiétante étrangeté.

Malgré les progrès que la pensée féministe a apportés au statut des femmes, la violence posée envers elles, violence physique et psychologique, reste un problème présent à travers le monde. Même si plusieurs femmes vivent leurs souffrances en silence, elles communiquent, bien souvent malgré elles, les conséquences de leurs douloureuses expériences à travers un langage non verbal. Je suis intéressée par cet aspect non-verbal de la communication. Mon projet de mémoire de création, en deux étapes, consiste premièrement en l'analyse des mouvements des femmes d'Asie du Sud victimes de violence, puis en la création d'un essai chorégraphique basé sur cette même analyse. Pour faire l'étude du mouvement, j'ai dirigé, à New York, des sessions d'exploration des émotions par le mouvement dans un centre d'hébergement de femmes violentées d'Asie du Sud. Trois femmes ont participé à ces ateliers. Ces ateliers d'expression par le mouvement ont permis à ces dernières de se remettre en contact avec leur identité physique, en explorant le mouvement et l'espace. Pour permettre également de sensibiliser la population à la problématique de la violence faite aux femmes, je conclus mon mémoire par cette présentation de REturn, chorégraphie inspirée de l'expérience de vie de ces femmes en hébergement. Le vocabulaire chorégraphique, chargé de signification, est basé sur la gestuelle de celles-ci. De plus, l'usage de la vidéo amplifie le côté humain et touchant de la création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse création, Femmes violentées, Femmes de l'Asie du Sud.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).
Le programme de composition de musiques de film et multimédia de la Faculté de musique à l'Université de Montréal encourage la création de trois musiques de nature différente: acoustique, électroacoustique et mixte. Ces dernières supportent chacune une oeuvre visuelle. Pour mieux explorer les possibilités, trois projets de nature visuelle différents, soit une chorégraphie, deux court-métrages cinématographiques et une oeuvre dramatique, ont été créées en collaboration avec d'autres artistes. Pour la chorégraphie, X/Y, une trame sonore a été créée pour être jouée sur place par un petit ensemble acoustique. La musique des films, Mi Feng et Motel Pluton, est un mélange d'échantillonneurs et d'instruments acoustiques et a été enregistrée en studio. Quand à l'oeuvre dramatique, L'Araignée, la trame sonore est de nature entièrement électronique, avec des échantillonneurs et de la manipulation électroacoustique.
Université de Montréal's Film and Multimedia Music Composition program encourages the creation of three compositions in differing styles: acoustic, electro-acoustic, and mixed. These compositions each support a visual project. A choreography, two short films and a theatrical piece were created in a collaborative effort to explore the range and diversity of visual media. An acoustic score played by a small ensemble was used for the choreography X/Y. Both acoustic and digital instruments were used in recording sessions for the score of the two short films Mi Feng and Motel Pluton. The score for L'Araignée, the theatrical piece, is electro-acoustic, using samples, audio files, and digital signal processing (DSP).