Dissertationen zum Thema „Couturière“

Cette thèse articule les cadres d’analyse des sociologies du travail et de l’éducation pour étudier l’émergence et les évolutions, voire les disparitions, des métiers de la mode et de ses instances de formation. Elle repose sur une enquête réalisée dans trois institutions de formation appartenant à trois niveaux différents de la hiérarchie scolaire : une école de stylisme privée, un lycée technique et un lycée professionnel. La méthodologie employée associe des observations de longue durée, 104 entretiens réalisés auprès d’étudiants, de personnels enseignants et d’acteurs du monde de la mode et une analyse documentaire. La perspective sociohistorique adoptée permet d’observer la structuration d’un monde social ainsi que l’offre de formation. Celle-ci s’organise au cours du XXe siècle, permettant aux femmes d’accéder à l’éducation technique, suit les évolutions de l’activité et passe progressivement d’une formation ouvrière à une formation supérieure orientée vers la création (partie I). Les analyses de la sociologie du curriculum permettent de montrer la diversité de ces institutions et de poser la question de l’existence d’une filière de formation aux métiers de la mode (partie II). Les écoles privées, les plus nombreuses dans le stylisme, illustrent la marchandisation de la certification. L’insertion professionnelle consécutive à ces cursus met à l’épreuve les relations entre la sphère de l’école et celle du travail et montre la place privilégiée accordée aux garçons dans le monde de la création (partie III)
This dissertation is based on the analytical patterns developed in sociology on labor and in sociology on education, in order to study the rise and evolution, and eventually the loss, of the fashion industry professions and its vocational schools. It is supported by a survey pursued through three educational institutions representing three different levels of education in the hierarchy of the school system : a private fashion designer school, a technical High school and a secondary school for vocational training. The methodology used associates long-term observations – 104 interviews with students, teachers and actors of the fashion world – as well as a commentary based on documents. The sociohistorical perspective adopted here allows us to observe the structure of a social world as well as the panel of professional trainings it offers. It rises through the 20th century allowing women to get access to a technical education ; it follows the evolutions of the activity that grows progressively from a blue-collar schooling to a higher level of education with an orientation towards creativity (Part 1). The analysis of the sociological structure of curriculum allows us to show the diversity of these institutions and to ask the question of the existence of a career path towards the fashion industry professions (Part 2). The Private schools, the most numerous in the field of fashion design, emphasize the trade to obtain these diplomas. The Professional insertion following these trainings challenges the relations between the school and the work spheres and shows the privileged place granted to young men in the world of fashion design and creation (Part 3)

À travers une étude générale de l’organisation et de l’évolution des costumes au cinéma en France, du début du cinématographe jusqu’à la fin du muet, l’ambition de cette thèse est d’étudier les liens qui se sont créés entre la mode et le cinéma par le biais des maisons de couture participant à la confection des costumes de la vedette principalement. Il s’agit également de montrer quel a été l’impact de l’arrivée d’un professionnel de l’écran : le créateur de costume dans la conception des costumes d’un personnage. Cette thèse analyse à travers les dimensions historiques, humaines, économiques, esthétiques, la création et l’évolution du costume au cinéma. La première partie aborde les débuts du cinématographe, le rôle des opérateurs Lumière tournant leurs premières vues « mises en scène » avec des méthodes héritées du théâtre. Puis la thèse met en valeur les différentes pratiques mises en place par Georges Méliès pour habiller ses artistes et figurants à la Star Film. Elle s’attache ensuite aux premiers acteurs célèbres confrontés à l’utilisation d’un costume particulier pour créer leur personnage : Max Linder, Charles Chaplin et Pearl White. La deuxième partie s’intéresse à la manière dont le cinéma français s’est servi de la mode dans les films pour tenter de rivaliser avec le cinéma américain. Puis, dans une troisième et quatrième partie, l’analyse s’attache au travail de la maison de couture lorsque celle-ci est appelée à créer et prêter des vêtements sous l’impulsion du réalisateur ou à exécuter sous l’autorité du créateur de costumes, les vêtements de la vedette pour des fictions à costumes ou à sujet contemporain. Enfin la cinquième partie relève les points de convergence entre ces deux arts : la mode et le cinéma lorsqu’à la fin de la Première Guerre mondiale, les arts se stimulent mutuellement donnant naissance au nouveau style de cette époque. Le projet de Louis Delluc, qui s’inspire d’une revue de mode pour réaliser une revue de cinéma, mais également l’introduction au Salon d’Automne de la mode et du cinéma, puis la réalisation de L’Inhumaine comme point de bascule vers cette synthèse des arts, et enfin l’Exposition des Arts décoratifs qui contribuent à faire de la mode et du cinéma des arts complémentaires, modernes et emblématiques de la période dite des Années Folles
Through a general study of organisation and evolution of costumes in cinema in France, from the birth of the cinematograph to the end of the silent film era, the ambition of this thesis is to study the created links between fashion and cinema, looking at fashion houses participating in creating the costumes of the main movie star. It is also about highlighting what the impact of the costume designer in the costume conception of a character is. This thesis analyses the creation and the evolution of the costume in cinema, through the historical, human, economical and aesthetical perspectives.The first part tackles the birth of the cinematograph and the Lumiere’s operators capturing their first shots, created with the methods inherited from the theatre. Then, this thesis highlights how Georges Méliès styled his stars and extras at the Star Film. Moreover, it points out to the first movie stars realizing that their costumes begin to create their characters for Max Linder, Charles Chaplin and Pearl White. The second part addresses the way French cinema used fashion to try and compete with the American cinema. Then, in a third and fourth part, the analysis focuses on the work of the fashion house when it is called to create and lend (in response to the director) or to only execute (in response to the costume designer) the clothes of the lead actress, for costume movies or with a contemporary subject.Finally, the fifth part points out the convergence points between these two arts: fashion and cinema at a specific time, the end of WW1 where arts stimulate each other and create together the new style of this era. It’s also Louis Delluc’s project, inspired by a fashion review to create a cinema magazine, it’s the introduction of the Fashion Autumn Salon followed by the cinema one, it’s the realization that L’Inhumaine is the tilted point towards this new style and it’s the Art Deco Exhibition confirming fashion and cinema as arts, in this era called the Années folles

Le present travail a pour objet les enjeux du recit de vie en confrontant les pratiques auxquelles il donne lieu comme genre sociologique et l'experience singuliere qu'il recouvre. La premiere partie recense les outils d'analyse et problematise l'approche du recit de vie en le reconnaissant dans sa dimension discursive et fictionnelle. La seconde partie vise a fonder la fonction identitaire du recit de vie dans ses modes de reconstruction du vecu et ses strategies de negociation du reel. Elle inscrit le recit de vie dans un projet de transmission lie a l'existence d'une enigme genealogique et elle installe la pratique du recit de vie dans le moment de l'etre. La conclusion de ce travail conduit a deplacer le recit de vie du champ de la sociologie a celui des sciences de l7education et des pratiques de formation
The present work is about the stakes of the life story by. . Confronting the methods issued from it as sociological work and the peculiar experience englobing it. The first part records the analytical tools and enhances the difficulties for approaching the life story by acknowledging it in a discursive and fictional scope. The second part intends to state the identity function of the life story as to how the experience of life is being reconstructed and the strategies for transforming the reality. In this part, the life story belongs to a transmission project related to the existence of a genealogical enigma and it integrates the practive of the life story within the human being's moment. In the conclusion of this work, the life story is being moved from a sociological point of view to that of the educational sciences and of the training methods

Cette thèse est le catalogue raisonné de l'œuvre sculptée de Robert Couturier qui comporte 450 numéros qui correspondent aux sculptures recensées sur une période débutant en 1923 et s'achevant en 1997. Le catalogue raisonné constitue l'essentiel de ce travail et est complété d'un texte critique qui propose une étude analytique de l'œuvre de Couturier. Ce texte est accompagné d'annexes (écrits de l'artiste, entretiens, correspondance, fortune critique) ainsi que d'une bibliographie, de la liste des expositions et d'un dossier iconographique qui permet principalement de mettre en parallèle le travail de Couturier avec celui d'autres artistes. Robert Couturier a tenu une place importante dans la sculpture française de l'après Seconde Guerre mondiale en offrant une nouvelle interprétation de la figure humaine. Si le motif est reste traditionnel, le renouveau est apparu principalement dans l'expression de la forme et dans le choix d'une matière étirée, déchiquetée et exacerbée. Dans ses investigations, Couturier est indissociable de Germaine Richier et d'Alberto Giacometti qui ont contribué, à la même époque, à renouveler eux aussi la sculpture figurative
Robert Couturier is a French sculptor. He began to work at the beginning of the twenties, in Paris, and was Maillol's student. Soon, he became very famous receiving many commissioned works. After the Second World War, he became one of the artists of the movement called “miserabilism”. Interested in figurative subject, he contributed with Germaine Richier and Alberto Giacometti to give a new interpretation of the human figure. Forms became more interpretative than representative and material reduced, aggressive and exacerbated. Robert couturier's sculptures catalogue includes 450 numbers showing the important production of the artist between 1923 and 1997. An analytic and critic text goes with the catalogue proposing a chronological and thematic approach. It's the first time that an university research has been made on couturier's work showing the influence he had on post second world war figurative sculpture

Ce travail de recherche porte sur les liens qu'entretiennent l'animal et la mode, au prisme d'une étude iconographique orientée par une approche pluridisciplinaire. Entre fascination et paradoxes, la mise à contribution de l'animal et de ses attributs – physiques, graphiques, symboliques – sert d'abord les productions matérielles et immatérielles de la mode : les bêtes participent aux stratégies de transfiguration du réel propres à ce secteur économique singulier. Dans le même mouvement, le recours à l'animal apparaît aussi comme le relais esthétisé de représentations normées ; il devient un prétexte pour penser le monde, la nature humaine et ses rapports sociaux. Ainsi, tout en suivant la dynamique contemporaine d'engouement pour une Wilderness fantasmée, l'iconographie de la mode participe aux réécritures actuelles de ce qui fait l'humain. Néanmoins, les images de mode jouent un rôle dans les réévaluations et les négociations croissantes des frontières qui séparent les membres du vivant. En développant un travail spécifique autour du corps et de ses parures, elles proposent une voie alternative pour reconsidérer une altérité animale aux contours de plus en plus poreux. Il s'agit donc d'observer comment les formes visuelles de la mode et de son imaginaire traduisent la complexité de relations anthropozoologiques contemporaines en pleine mutation
This research explores the connections between fashion and the animal, by means of an iconographic study guided by a multidisciplinary approach. Raising fascination and paradoxes, the use of the animal and its attributes – physical, graphical, symbolic – benefits, in the first place, material and symbolic fashion’s productions : animals are involved in the transfiguration-of-reality strategies peculiar to the unique economic sector that is fashion industry. At the same time, animals appear to be an efficient and aesthetic way of representing human activity : they are a tool to rethink the world, human nature and social relationships. Thus, involved in the general contemporary dynamics of keen interest for a fantasized Wilderness, the fashion iconography contributes to the current rewriting of human definition. Nevertheless, fashion pictures play a part in the growing negotiation of boundaries between members of the biological field. By developing a specific work on the human body an its fineries, they offer an alternative path to the reconsideration of an animal otherness whose borders seem more permeable everyday. This work is an attempt to examine how fashion's visual forms and imaginary express the contemporary complexity of far-changing anthropozoologic interactions

The London couturier, Sir Norman Bishop Hartnell (1901-1979) is famous today for dressing Their Majesties Queen Elizabeth, the Queen Mother (1900-2002) and the current British Monarch, Elizabeth II (1926) from 1937 until his death in 1979. His legacy is understood to lie in the establishment of the fixed British royal style devised for Queen Elizabeth in 1937, still worn by Her Majesty the Queen today. Hartnell was, however, far more than a provider of dress to British royalty. Evidence in the form of bound volumes of international press cuttings extant in a private archive indicates that he commanded great respect as a couture fashion designer between 1923-1953. He was also the first British fashion designer to attempt to develop as an international fashion brand in the immediate post war period. Neither Hartnell' s production of two couture collections per year between 1923- 1979 and ready-to-wear from 1963 nor his signature looks or house style, have been examined in-depth to date in terms of his legacy. This thesis unpicks Hartnell's work, closely analysing his sketched designs, fabric swatches, embroideries, couture and ready-to-wear garments extant in a vast, privately owned and relatively unknown archive. I suggest that the roots of this signature house style lies in the identity of the man, which is also scrutinised here, in particular, his sexuality and life-long cross-dressing. Hartnell's taste in overtly feminine styles is evident in his use of colour, fabric and embellishment and is present in his all his fashion work. This is rooted in his personal taste and the use of these signature elements in garments designed and made at his couture house for his own personal use. The major business decisions taken at his couture house between 1946-1979 will also be discussed in the context of his complex gendered identity and reputation as the royal couturier. The research on the life and work of the London couturier Norman Hartnell undertaken for this PhD, probes through his vast, privately owned archive and collection of possessions, hidden from public view since 1985. This interdisciplinary investigation will track the relationship between Hartnell' s identity, both the public professional 'face' of Hartnell and the impact of his private life, in the design work of Britain's most prominent couturier. Theoretical 10 approaches to Hartnell' s life and work include material culture approaches to analysing these specific objects of couture and decorative art objects collected by him. Issues of self-presentation, performance and memory are addressed in order to unpick his personal choice in interior design as well as his wardrobe of normative masculine styles and his coded style of dressing, and his queer identity, using studio photographic portraits taken between 1928 and 1970. Oral histories recorded between 2006-2011 with those that worked with him and were close to him in life, offer unique insight into the working regime at the House of Hartnell and a further understanding of Hartnell's personality and character. This research re-evaluates Hartnell' s contribution to British couture in order to position him, and the design and production of couture at the House of Hartnell, at the centre ofthe finally emerging, growing body of research on London couture recently established by Breward, de la Haye and Erhman. This thesis addressed how the identity of a person can be read through what they leave behind and, in particular, what can be read of the celebrity couturier Norman Hartnell's identity through the residue of his life and work.

La croissance économique du Vietnam depuis la politique de Doimoi (Renouveau) en 1986a créé un contexte favorable à l’extension du phénomène des migrations de travail. Les enfants migrants économiques sont de plus en plus visibles dans les ateliers privés de production industrielle, surtout dans les ateliers de couture à Ho Chi Minh ville. En essayant de répondre aux questions pourquoi les enfants migrent et acceptent de vivre et de travailler dans un environnement défavorable, cette thèse analyse la migration des enfants, comme acteurs dans la mise en œuvre de stratégie pour le travail ; elle analyse aussi les stratégies des différents acteurs impliqués dans la migration des enfants pour le travail. Elle part de deux interrogations : d’une part, la stratégie de subsistance et de développement des foyers villageois, surtout des foyers pauvres dans le contexte de changements socio-économiques au Vietnam et, d’autre part, la diversité des logiques migratoires des enfants, intéressés non seulement par les revenus de la migration mais aussi par la recherche de leur autonomie. La thèse cherche surtout à rester centrée sur les propres attentes des enfants en dévoilant la façon dont ils s’engagent dans des relations de dette vis-à-vis de leurs parents et de leurs employeurs. Bien que les enfants migrants soient considérés comme acteurs stratégiques de leur migration de travail, ils sont toujours victimes des exploitations. Cette réalité nous conduit à une réflexion sur leur futur incertain. La relation entre le développement économique et le développement social et humain est, dans ce cas, la grande question posée à des pays en développement
In the context of expedited labor migration since the Doimoi (Renovation) policies in 1986, economic child migrants are becoming more visible in the private industrial production workshops, especially in the garment sector in Ho Chi Minh City. Aiming to answer the question: why children migrate and agree to live and work in an unfavorable environment, the thesis analyzes the child labor migration by considering children as actors implementing the strategies. In addition to that, it scrutinizes the other actors involved in migrant working children. Therefore, the thesis focuses on two issues: on the one hand, the strategies for subsistence and development of rural households, particularly the poor households in the context of socio-economic changes in Vietnam. On the other hand, the study examines the diversity of the rationales and logic behind children migration: not solely their interests in income generation but also their search for autonomy. Their personal expectations from labor migration are also investigated. Moreover, the findings on how they are engaged to the debt - related issues with their parents and employers are revealed. Although economic child migrants are considered as strategic actors responsible for their migration, children are always the victims of exploitation. This reality makes us think about the sources of social supports regarding to the supports from government and government organizations. Additionally, the unguaranteed future of these children needs more concerns

L'enjeu de cette thèse de doctorat d'histoire contemporaine est de saisir les différentes étapes du processus qui ont mené à une reconnaissance patrimoniale du vêtement de couturier-créateur en France. Tandis que Paris est unanimement reconnue comme capitale de la mode, la patrimonialisation du vêtement de couturier-créateur est difficile à impulser et relativement lente. Si en 1907, la Société de l'Histoire du Costume est créée et milite activement pour la naissance d'un musée de mode à Paris, ce n'est qu'en 1956 que ce dernier voit le jour avec le musée du Costume de la ville de Paris. Pour autant, il ne bénéficie d'un espace propre qu'en 1977 avec son installation au sein du palais Galliera. Il faut attendre 1986 pour assister à une reconnaissance patrimoniale à l'échelle nationale avec la création du musée des Arts de la Mode. Fait intéressant : ce musée apparaît, dans la presse et pour bon nombre de spécialistes, comme le premier musée de mode à Paris. Ce travail serait incomplet sans l'étude de la politique patrimoniale menée du côté des couturiers et créateurs à travers leurs maisons. Si quelques-uns font figure de précurseurs en conservant bon nombre de leurs créations, la prise de conscience du côté des couturiers-créateurs de l'intérêt artistique mais aussi historique de leurs archives est tardive et prend acte à partir des années quatre-vingt. Depuis, les services du patrimoine, fondations et mêmes musées n'ont cessés de se multiplier.

Le mythe et le théâtre entretiennent une relation qui demeure problématique. Si pour certains historiens le théâtre, dès ses origines, s’est inspiré des mythes en y puisant ses arguments, pour d’autres, c’est à la tragédie que les mythes doivent leur inscription dans l’Histoire. À notre époque, les héros mythiques sont toujours des références théâtrales obligées dont le traitement est très révélateur des intentions d’un auteur. C’est dans cette perspective et à la lumière de la mythocritique qu’est analysé l’hypotexte mythologique de plusieurs pièces de Michel Marc Bouchard et Michel Ouellette pour l’envisager ensuite comme un procédé de génétique textuelle. Cette approche a permis de mettre au jour les rapports qui lient les topoï de prédilection des deux dramaturges aux mythes de référence et de dégager l’évolution de leurs « mythes personnels » au travers de leur production.

The natural and nuclear disaster of the Fukushima Daiichi Nuclear Power Plants of TEPCO and its continuing aftermath reflected the emotions and frustrations of Chernobyl. The incident reignited the debate on nuclear power and critical engagement with modern society. More than ever, critical discussions and seeking alternative solutions is as important. The thesis explores one such alternative to modernity called transmodernism, a theoretical concept that was formulated by Enrique Dussel and expanded in various directions from contemporary writers. Dussel's concept is the defining idea of his engagement with modernity and its relationship to the Other. The thesis will focus on one such contemporary interpretation of transmodernism. Paul H Ray and Sherry Ruth Anderson conceptualised transmodernism to describe the emergence of a new social group called the Cultural Creatives in the United States and Europe. The Cultural Creative's value system fuses modern values with traditional and indigenous values from across the globe. Their core values revolve around the sacredness of the environment, self-actualisation through spiritual growth, importance of family and friends, green economics, activism and altruism. They are a generation of people that evolved from new social movements and consciousness movement of the 1960s and have pushed these ideas further than before. The Cultural Creatives are a new wave coming from advanced industrialised nations in the West. Can this concept of transmodernism be applied outside Western advanced industrialised nations to other advanced industrialised nations? Through a literature study, the thesis will examine 11 Japanese people from Andy Couturier's A Different Kind of Luxury, a group named in the thesis as the Slow Culture Artists. The Slow Culture Artists live by principles of slow, self-sufficient living and incorporate traditional arts and practices. Their values are a fusion of modern values and traditional or alternative values from traditional Japan and countries abroad. The way they approach their lives can be reflected in the core values of the Cultural Creatives. The thesis will show how Ray's transmodernism can also be used to describe them and will discuss the importance of transmodernism in relations to critically engaging modernity. It will involve a theoretical background of transmodernism, a discussion of the Cultural Creatives and Slow Culture Artists and a comparison. From this comparison, the thesis will point to: 1) the significance of Asia in the concept of transmodernism, as the foundations of transcendentalism that constitutes the philosophical foundation of Cultural Creatives; 2) the problems of linearity in the discourse of modernity; 3) and the importance of dialogue in transmodernism, both as an 'internal dialogue' in their formation of their values and 'external dialogue' to discuss their relationship with modernity and the Other.
Thesis (M.Phil.) -- University of Adelaide, School of Social Sciences, 2015

Attendue du public et recherchée par les comédiens, la présence de l'acteur sur scène demeure difficile à cerner. L'étude abondante d'Eugenio Barba sur l'énergie de l'acteur a permis d'identifier plusieurs de ses composantes. Ses six principes contribuent à structurer le travail de l'acteur dans sa construction de personnage et participent du même coup à rendre l'acteur plus présent sur scène. Toutefois, ils n'isolent que les résultats de cette énergie sans en préciser l'origine. Expliqués à l'aide des cinq phases de la théorie du processus créateur de Didier Anzieu, les principes d'Eugenio Barba montrent que l'énergie de l'acteur correspond en fait à la pulsion libidinale contenue dans les représentants psychiques transférés de l'inconscient au préconscient. Ces représentants psychiques servent à élaborer un code unificateur que traduisent les choix multiples et complexes d'interprétation de l'acteur à l'aide des six principes en respectant une logique délicate jusqu'à réintégrer le processus. Cette pulsion libidinale, que Barba nomme énergie, alimente à la fois le processus de création tout en dynamisant la présence de l'acteur dans ses représentations publiques, et lui permet souvent de réintégrer le processus créateur dans l'oeuvre. En ce sens, l'énergie de l'acteur et par extension, les principes qui l'expriment, ne s'appliqueraient pas uniquement à l'artiste de scène. Comprise en termes de pulsion libidinale, cette énergie soutient le dramaturge, le metteur en scène et les concepteurs d'un spectacle théâtral au cours de leur processus créateur. Ainsi, les six principes de Barba trouveraient donc une forme d'expression dans l'oeuvre respective de ces artistes du théâtre. Pour faire suite à l'exposé théorique des six principes, la présente recherche propose une analyse pratique des composantes d'un même spectacle (texte, mise en scène, conceptions scénographiques et interprétation du Testament du couturier, production du Théâtre la Catapulte de 2003), afin de repérer l'équivalence de ces principes et d'en définir leurs dynamiques d'expression et d'en vérifier leur concordance aux cinq phases d'Anzieu. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Énergie, Processus créateur, Inspiration, Présence, Talent, Acteur, Auteur dramatique, Metteur en scène, Concepteurs théâtraux.