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Dissertationen zum Thema „Communication artistique“
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Picard, France. „La communication artistique et l'écriture graffitique“. Aix-Marseille 1, 1992. http://www.theses.fr/1992AIX10059.
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The three kinds of contemporary graffitis (urban wall writing, stencil poetry, and picturo graffitis) represent a strategy of communication different from others. The relationships between graffiti writers and both art and the very suuport of their writings (the wall), show how an original (and illegal) phenomenon can became a form of urban expressionLes trois types de graffitis contemporains (ecrit urbain, litterature pochee, et picturo graffitis) representent une strategie de communication differente des autres. Les rapports des graffiteurs avec l'art et a avec le support meme de leurs ecrits (le mur), montrent comment un phenomene orinal (et illegal) peut devenir une forme d'expression urbaine
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Caune, Jean. „L'Action culturelle : communication sociale et phénomène artistique“. Grenoble 3, 1989. http://www.theses.fr/1989GRE39026.
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L'action culturelle, definie, dans une premiere approche, comme un ensemble d'institutions et de pratiques, chargees de diffuser le patrimoine artistique et de contribuer a la production d'une culture contemporaine, destinee au plus grand nombre, a parcouru les differentes etapes qui rendent possible la saisie de ses determinations et de ses effets. L'archeologie, et la genese de l'action culturelle, conduisent a accorder une place fondamentale a l'ideologie complexe du theatre populaire. La rencontre avec l'oeuvre d'art, la circulation des produits artistiques, la constitution et l'elargissement du public, la transmission du repertoire et des valeurs culturelles qui y sont rattachees. . . , tous ces points ont trouve des reponses nouvelles dans une societe en pleine mutation et confrontee a des exigences de democratisation. Il n'est pas etonnant que l'action culturelle, qui se voulait a la fois mediation entre des phenomenes artistiques et des populations et projet de transformation du rapport de l'individu au monde, ait subi directement les conflits qui ont traverse la societe francaise. Sa fonction de communication ne pouvait que focaliser ou amplifier les contradictions sociales qui s'exprimaient dans la sphere des representationsCultural action could be defined as a hole of institutions and experiences supposed to broadcast the artistic patrimony and to contribute to a contemporary cultural production for a grater number of people. Cultural action has gone through the different stages that make its analysis possible. The archeology and the genesis of cultural action lead to give a most important place to the idea of popular theater. The meeting with art, the broadewing of audiences, the transmission of the inheritance and the values. . . All this points have found new ansewers in a changing society. The goal was, at the same time, to mediate beetween artistic phenomenae and populations, and also to change the relation ship beetween the individual and the society. In this way, cultural action suffered the conflicts of french society. Its communication function could only increase the social contradictions expressed through the world of ideas
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Bottaro, Francisco. „Musique populaire et moyens de communication dans le Venezuela des années 40“. Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20067.
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Cette recherche traite le phenomene de la musique populaire et les moyens de communication dans le venezuela des annees 1940. Le sujet est presente, tout d'abord, dans le contexte socio-economique du pays. Ensuite, apres avoir expose les bases historiques et sociales du venezuela contemporain, nous reflechissons au concept de musique populaire. La musique populaire en tant qu'expression urbaine representative de certaines classes sociales (les classes moyennes) s'est repandue dans tout les milieux sociaux du venezuela de l'epoque grace a la radiodiffusion et a l'industrie phonographique, sans oublier le cinema. Le venezuela se presente comme un pays recepteur des genres musicaux populaires venus de cuba, du mexique, de la republique dominicaine, de colombie et d'argentine. Ce sont donc les danses et la musique de tous ces pays qui forment l'identite musicale des venezueliens. Le marche lie a cette activite a aussi contribue au developpement de la radio et de l'industrie phonographique. Nous avons ete amenes a traiter le probleme du metissage qui a donne naissance aux differents genres musicaux representatifs de chacun des pays qui apportent leurs musiques au venezuela. En meme temps, nous expliquons les genres musicaux latino-americains les plus importants qui ont ete adoptes par le public venezuelien. Finalement, apres avoir aborde le theme de la radio et de sa programmation, nous pensons avoir contribue a la mise en place d'une methode d'etude sur la musique populaire en generalThis research project deals with the phenomena of popular music and the means of communication during the 1940's. First of all, the subject is presented in the socio-economic context of the country. Secondly, after having exposed the historical and social basis of contemporary venezuela, we will be looking at the concept of popular music. Popular music, as an expression of urban live represended a certain social strata (the middle classes) but soon became widespread throughout all social classes in venezuela itself as a second home for the many different styles of popular music coming from cuba, mexico, the domminican republic, columbia an argentina. It is the music and dances from all of these countries that has produced the musical identity of the the venezuelan people. The market related to these activities also contributed to the development of the radio and record industry it also brought about the problem of a "melting pot" of musical styles which generated new and different types of music, all of which represented the countries from where they came. At the same time we explain the most important latin-american music styles that have been adopted by the venezuelan public. Finally, after having dealt with the theme of radio and its programming, we hope to have contributed, to the creation of a study method for popular music in general
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Le, Falher Olivier. „Mettre en forme le travail artistique : les ressources de l’incertitude dans l’accueil en résidence d’artistes plasticiens“. Thesis, Avignon, 2010. http://www.theses.fr/2010AVIG1096/document.
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Depuis une trentaine d’années, les artistes plasticiens ont eu à se familiariser avec une panoplie de dispositifs de soutien public qui s’inscrivent en amont des œuvres, dans le processus même de création. Or ces formes d’intervention supposent une planification des ressources, des délais et des résultats à atteindre qui entre en contradiction avec la spécificité du travail artistique, faiblement prévisible dans son cours et son issue. Le soutien public du travail artistique peut-il se concilier avec une telle incertitude ? La thèse donne une réponse positive à cette question, en s’appuyant sur l’accueil en résidence d’artistes plasticiens en France, forme emblématique de socialisation du temps et de l’espace de travail des artistes. Ce terrain permet d’étudier le travail artistique à partir des ensembles de documents qui le mettent en forme et l’instituent. En mobilisant les sciences de l’information et de la communication, l’analyse compare ainsi, en première partie, deux discours sur les résidences énoncés par l’Etat, puis en deuxième partie, les textes d’un échantillon d’appels à candidature destinés aux artistes. Dans les deux cas, la recherche fait apparaître une tension entre des conceptions divergentes du travail artistique, selon que l’artiste est consacré dans une pure posture d’expérimentation et de recherche, ou qu’il s’inscrit dans une relation d’échange finalisée, plus proche de la commande ou de l’animation. L’analyse se prolonge en troisième partie en se focalisant sur les résidences d’artistes plasticiens à Marseille. A travers l’étude des chaînes de « médiations de production », depuis la sélection des artistes jusqu’à l’exposition de leurs œuvres en passant par les commentaires sur leurs projets, l’indétermination du travail artistique apparaît comme une ressource pour les responsables des structures, qui peuvent ainsi faire valoir leur expertise dans l’intervalle qui sépare les prémisses d’une oeuvre de sa version définitive. Croisant l’analyse de discours, l’observation participante et les entretiens, la recherche propose finalement d’envisager l’incertitude comme une composante conventionnelle, à la fois routinière et prévisible, du soutien public du travail artistiqueDuring the last thirty years, visual artists have had to familiarize themselves with a wide range of public support devices that operate long before the art works are completed and that are part of the creation process itself. This kind of partnership requires advance planning of the resources, the duration and the goals to be achieved, all of which seem in contradiction with the specificity of an artist’s work, where both the process and the final result are never entirely predictable. Can public support policies for artistic creation fit into this kind of uncertainty ? I answer this question positively, basing myself on a study of Artist in Residence programs for visual artists in France. Such programs are a typical means of socializing both the time and the space of an artist’s work. Thus I examine the artistic work by studying the documents which both shape and institutionalize it. Through the Communication Sciences, I first compare two official texts on Artist in Residence programs, and secondly I examine a corpus of calls for applications sent out to visual artists. In both cases I highlight the tension between two contrasting visions of artistic work. Either the artist is recognized for his experimentation and his research alone, or he is engaged for a commissioned work within a well-defined cultural program. In the third part of this study, I look at the Artist in Residence programs for visual artists in the city of Marseille. I examine the different mediations along the chain of artistic production, from the selection of the artist through to the exhibiting of the finished work(s), and including the commentaries around the project. We see that the uncertainty surrounding the artistic creation appears, in fact, to be a means for those in charge of these programs to share their expertise (and actively participate) within the period of time that separates the beginning of an art work from its finished version. This thesis, by associating the discourse analysis and the qualitative methods (observations and interviews), posits that the uncertainty discussed above is, in fact, a conventional, predictable and routine dimension of public support for artistic creation
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Emmanuel, Mahé. „Pour une esthétique in-formationnelle. La création artistique comme anticipation des usages sociaux des TIC“. Phd thesis, Université Rennes 2, 2004. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00442345.
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Si, dans notre tentative pour penser les usages futurs des technologies de l'information et de la communication, nous sommes sans doute inévitablement enfermés dans les limites des usages actuels, peut-être les artistes qui mobilisent ces technologies peuvent-ils, qu'ils en aient ou non conscience, nous donner à voir des logiques et des pratiques qui permettent d'imaginer quelques éléments de ce futur. Ceci, bien entendu suppose que les artistes soient capables d'anticipations dans le domaine de l'innovation technologique. Pour explorer cette hypothèse, nous avons volontairement décidé d'analyser des productions artistiques pour tenter de comprendre comment les « usages artistiques » se forment dans le cours de l'élaboration et de la réalisation d'un projet, mais également la façon dont ces oeuvres, qualifiées de « tekhnê-logiques », inventent ou mettent en scène de nouveaux usages (imaginés ou réels) liées à la communication contemporaine. Les Technologies de l'Information et de la communication, dans ce contexte, apparaissent comme des outils de production et non pas seulement des outils de diffusion ou de transmission. Les artistes ne se limitent par à travailler avec les TIC mais aussi à travailler sur elles, en leur attribuant de nouvelles formes esthétiques, organisationnelles, symboliques, en créant de nouveaux dispositifs communicationnels. En parallèle à ces analyses de pratiques artistiques multimedia, une analyse approfondie des collaborations entre un centre de R-D (France Télécom R&D) et des artistes a été menée pendant trois années (de 2001 à 2004) pour comprendre comment les coopérations s'établissent, aboutissant à des innovations dans le domaine des télécommunications. Ces analyses ne valent pas tant par les objets qu'elles traitent et les résultats auxquelles elles aboutissent que par la façon dont elles ont été traitées, c'est-à-dire par l'élaboration progressive d'une approche fondée sur l'hypothèse d'une analyse en termes d'esthétique « in-formationnelle ». Cette approche permet de questionner les notions d'usages, d'anticipation et d'innovation à travers les notions de forme et d'in-formation, c'est-à-dire en questionnant leurs différentes régimes de visibilité, et en élaborant l'hypothèse que les TIC se présentent aujourd'hui sous la forme de « Gaz media » (ou « Khaos media »). Le projet de cette recherche est de considérer que l'Esthétique doit être ré-investie, davantage qu'elle ne l'est encore, par les Sciences de l'Information et de la Communication, non seulement comme objet, mais surtout comme théorie des formes et des processus.
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Turki, Ramzi. „La mise en réseau sur internet : possibilité de la création d'un nouveau courant artistique“. Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30064.
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À partir des années soixante, les nouvelles technologies ont colonisé les champs culturels. Prenant acte de cette puissance technologique, les artistes se sont mis à transformer ces dispositifs en outils de recherche esthétique. C'est ainsi que le Web est devenu un support à la fois pour les oeuvres d'art numérique et la réalisation de net oeuvres, et pour une mise en réseau universelle. Dans le même contexte, des critiques, des théoriciens et des philosophes ont annoncé un état de crise (comme l'avaient mentionné Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Véronique Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). Selon eux, cet état est dû à un manque de communication et à une dissolution des courants artistiques, voire à une perte progressive de la communication entre les artistes. Comme le Web, l'e-mailing a généré plusieurs fantasmes de communication, il a institué également la réactivité et l'interactivité entre des individus. Pour cela, j'ai choisi d'approfondir mes recherches en thèse sur des pratiques artistiques qui peuvent toucher la crise de la communication et qui sollicitent une mise en réseau des artistes. Progrès pratique : En 2006, j'ai reçu un e-mail contenant une oeuvre scannée de l'artiste belge Luc Fierens. J'ai transmis cette image à environ 7000 adresses e-mails d'artistes en sollicitant leurs interactions, afin d'acquérir presque 200 contributions et réponses dont quelques-unes sont exposées sur le blog suivant : http://ramziturki.artblog.fr/11/. Mon acte consiste à analyser et à mettre en valeur la communication entre les artistes à travers un outil télé-communicationnel contemporainSince the sixties, new technologies have conquered cultural areas. Thanks to technological power, artists have transformed these technologies into tools of aesthetic research. Thus, the web has become a medium for digital art as well as network design in addition to establishing universal networking. In the same context, criticizers, thinkers and philosophers have announced a state of crisis (As announced by Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Veronica Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). According to them, this crisis is due to lack of communication and dissolution of artistic movements, surely progressive loss of communication between artists. In the Web world, email has emerged several communication fantasies. It has also established the reactivity and the interactivity between people. For this, my research Thesis focuses on artistic practices that impact positively on communication between artists. This research also proposes an artist networking. Practical progress:In 2006, I received an email containing a scanned work of Luc Fierens, a Belgian artist. I emailed this work to nearly 7000 addresses of artists to solicit their interactions. This is to acquire about 200 contributions and answers, some of which are described on the blog: http://ramziturki.artblog.fr/11/. My Thesis aims to analyze and enhance the communication between artists via tools of modern communication
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Mahé, Emmanuel. „Pour une esthétique in-formationnelle : la création artistique comme anticipation des usages sociaux des technologies de l'information et de la communication ?“ Rennes 2, 2004. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00442345.
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Si, dans notre tentative pour penser les usages futurs des technologies de l'information et de la communication, nous sommes sans doute inévitablement enfermés dans les limites des usages actuels, peut-être les artistes qui mobilisent ces technologies peuvent-ils, qu'ils en aient ou non conscience, nous donner à voir des logiques et des pratiques qui permettent d'imaginer quelques éléments de ce futur. Ceci, bien entendu suppose que les artistes soient capables d'anticipations dans le domaine de l'innovation technologique. Pour explorer cette hypothèse, nous avons volontairement décidé d'analyser des productions artistiques pour tenter de comprendre comment les " usages artistiques " se forment dans le cours de l'élaboration et de la réalisation d'un projet, mais également la façon dont ces oeuvres, qualifiées de " tekhnê-logiques ", inventent ou mettent en scène de nouveaux usages (imaginés ou réels) liées à la communication contemporaine. En parallèle à ces analyses de pratiques artistiques multimedia, une analyse approfondie des collaborations entre un centre de R-D (France Télécom R&D) et des artistes a été menée pendant trois années (de 2001 à 2004)In our search for future uses of information and communication technology, we are inevitably restrained by the limitations of current usage. Artists however when using these technologies may, whether they realize it or not, lead us to certain uses and practices allowing us to imagine some elements of the future. This, of course supposes that artists are capable of anticipating uses in the domain of technical innovation. In order to explore this hypothesis, we decided to analyze artists work to try to understand how " artistic uses " arise during the process of the elaboration and realization of a project, but equally the way in which this work which we qualify as " tekhne-logic " either invent or bring into play new uses (either imagined or real) in contemporary communications. Along with an analysis of multimedia artistic practice, an in depth analysis of the collaboration between France Telecom R-D and artists was conducted over three years (2001 - 2004)
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Sauvaget, Catherine. „De la synthèse d'images expressive aux effets bande déssinée : vers un outil d'aide à la création artistique“. Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083398.
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Nous présentons un système d'aide à la création artistique permettant de produire une grande variété de stylisations d'images 2D fixes pour l'obtention d'effets de type « bande dessinée ». Ce système confère à l'utilisateur un rôle important dans le contrôle de la stylisation. A partir d'une analyse artistique, nous proposons un système reposant sur les principaux critères artistiques importants dans le processus de réalisation d'une illustration. Nous proposons des modèles répondant aux attentes des artistes. Nous présentons un premier modèle générant semi-automatiquement une carte de profondeur permettant de styliser des images tout en évitant des problèmes de profondeur. Elle permet également de produire des atmosphères utilisées par les artistes pour provoquer des effets psychologiques sur l'observateur. Nous proposons ensuite deux modèles montrant l'intérêt d'harmoniser les images et utilisant le contraste de quantité défini par Johannes Itten. Le premier, permet de garantir une telle harmonie dans des images de type photographies ou illustrations ; le second propose, par extension, une aide au coloriage d'esquisses fondée sur la même harmonie, consistant à obtenir des images harmonieuses dès les premières étapes de création. Notre dernier modèle traite des effets lumineux contenus dans les images. Il permet de styliser les différents types d'effets lumineux en les déplaçant, en les déformant ou en leur donnant un style particulier élaboré à partir de courants artistiques reconnus. Nous concluons par les apports de notre outil et nous présentons des améliorations possibles ainsi que nos projets pour le futurWe present a tool for assisting artistic creation which produce a wide variety of image stylizations with “comics” effects. The system gives to the user an important role in the control of stylization. Starting from an artistic analysis, we propose a system based on the most important criteria in the artistic process of picture creation. We present models coming up to artists expectations. First, we present a model semi-automatically generating a depth map to stylize images while avoiding depth problems. It can also produce atmospheres used by artists to induce specific psychological effects to the observer. Then, we propose two models showing the interest of harmonizing images and using the contrast of quantity defined by Johannes Itten. The first one ensures this harmony in images like photographs or illustrations; based on the same harmony, the second one offers, by extension, a coloring aid for sketches to obtain harmonious images at the early stages of creation. Our last model deals with the effects of light contained in the images. It allows to stylize different kinds of lighting effects by moving, reshaping or giving them a style developed from well-known artistic movements. We conclude with our tool contributions and we present possible improvements as well as our plans for the future
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Bargenda, Angela. „Communication esthétique et construction identitaire dans le secteur financier européen“. Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0138.
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L'étude porte sur la genèse et les modalités de l'identité institutionnelle par la mise en valeur du patrimoine esthétique dans le secteur financier. Les diverses expressions visuelles, telles que le geste architectural, la pratique artistique, la rhétorique publicitaire et l'iconographie de la charte graphique, concourent à créer une matrice sémiotique idiosyncratique. En partant du constat que les institutions financières saisissent stratégiquement la culture comme moyen d'expression dans la nouvelle communication institutionnelle, l'appareil critique proposé est de nature éclectique et interdisciplinaire. Les outils méthodologiques de l'esthétique, de la sémiologie, de la communication marketing et de la sociologie contribuent essentiellement à relever les paramètres complexes de la conduite esthétique des banques. L'investigation empirique est basée sur un corpus composé de quatre banques : Banca Monte dei Paschi di Siena, UBS, Deutsche Bank et Société Générale. L'analyse de la Corporate Architecture (CA) comme moyen d'expression identitaire constitue l'objet du premier volet de l'étude. Une partie centrale est consacrée à la gestion de l'art, en mettant l'accent sur les traits caractéristiques des collections d'art en fonction de leur potentialité communicationnelle. La troisième partie propose de montrer comment les diverses pratiques culturelles des banques sont exploitées dans le discours publicitaire, aussi bien sur le plan iconographique que discursif. Cet examen est complété dans l'ultime volet par une approche herméneutique du logo, dans le but de relever des éléments de convergence et de divergence du paradigme esthétiqueThe purpose of this study is to examine the communicational relevance of aesthetic resources in identity-building strategies in the finance sector. In particular, the visual management of architectural features art collections advertising rhetoric and logo design is investigated in terms of its strategic impact on the generation of an idiosyncratic semiotic matrix. Given the fact that financial institutions increasingly adopt visual culture as a means of expression of their corporate identity, the study marshals multiple disciplinary perspectives, including aesthetics, semiotics, marketing communications and sociology. This broad-based methodological reference seeks to capture the complexity of aesthetic articulation as practiced in the finance sector. Empirically grounded in an intercultural framework of representative banks, a comparative approach of four European institutions, Banca Monte dei Paschi di Siena, UBS, Deutsche Bank and Société Générale, seeks to afford a differentiated analysis of their respective communication strategies in the area of Corporate Visualldentity (CVl). Firstly, the iconographic rhetoric of Corporate Architecture (CA), discussed both as a paradigmatic and a syntagmatic phenomenon, establishes a preliminary taxonomy of expressive forms. The second segment stresses the pervasive presence of art collections in the finance sector, emphasizing their central communicational potential. The third chapter outlines the status of advertising, both in terms of iconographic mechanisms and textual discourse. Finally, as the formaI definition of an organization's visual template, the logo significantly impacts on the generation of a visual paradigm
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Bourdot, Marielle. „Le dispositif artistique participatif comme processus d'émancipation éco-citoyenne : constructions communicationnelles autour de l'artiste médiateur“. Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2024. http://www.theses.fr/2024UBFCH013.
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L'effervescence créative constatée dans un contexte de lutte pour la préservation de terres maraîchères au sein de la ville nous questionne sur le rôle et la dimension de ces pratiques artistiques participatives. Nous étudierons ces dispositifs de co-création dans un quartier urbain particulier, le "Quartier libre des Lentillères" à Dijon, né d'une occupation illégale visant à préserver des terres maraîchères de l'urbanisation Notre travail de recherche vise à analyser les dynamiques communicationnelles de ces pratiques créatives, en examinant les processus institutionnels ou spontanés dans l'espace urbain. L'objectif est de comprendre les différences entre ces formes, leur perception, leur évolution, et leur rôle potentiel en tant que vecteur de lien social, d’émancipation, de réappropriation de l'espace public et d'engagement dans la transition socio-écologique.Notre étude s’inscrit dans une approche qualitative de nature ethnographique, empruntant à la recherche-action, en participation objectivante et observation participante. Cette méthodologie permet une immersion totale dans le terrain et une compréhension fine des processus étudiésJardins potagers collectifs, ateliers d'art et d'artisanat, événements festifs et culturels : la diversité des initiatives co-créatives qui fleurissent aux Lentillères témoigne de la vitalité et de la créativité de cette communauté. Ces initiatives ne sont pas de simples divertissements ou activités ponctuelles ; elles s'inscrivent dans une démarche collective visant à repenser les rapports sociaux, à réinventer l'aménagement urbain et à promouvoir des modes de vie alternatifs et soutenablesThe creative effervescence observed in a context of struggle for the preservation of market gardening lands within the city questions us about the role and dimension of these participatory artistic practices. We will study these co-creation devices in a particular urban district, the "Quartier libre des Lentillères" in Dijon, born from an illegal occupation aimed at preserving market gardening land from urbanization. Our research work aims to analyze the communication dynamics of these creative practices, by examining institutional or spontaneous processes in urban space. The objective is to understand the differences between these forms, their perception, their evolution, and their potential role as a vector of social bond, emancipation, reappropriation of public space and engagement in the socio-ecological transition.Our study is part of a qualitative approach of an ethnographic nature, borrowing from action research, objectifying participation and participant observation. This methodology allows total immersion in the field and a detailed understanding of the processes studied.Collective vegetable gardens, arts and crafts workshops, festive and cultural events: the diversity of co-creative initiatives that flourish in the “Lentillères” testifies to the vitality and creativity of this community. These initiatives are not simply entertaining or one-off activities; they are part of a collective approach aimed at rethinking social relationships, reinventing urban planning and promoting alternative and sustainable lifestyles
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Amamou, Leila. „A la recherche d'une nouvelle identité artistique transnationale dans les spots publicitaires tunisiens (1994-2007) : oscillation entre esthétique de l'image et efficacité de la communication“. Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010625.
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L'objectif de cette thèse est de montrer comment les créateurs des spots publicitaires en Tunisie de 1994 jusqu'à 2007 ont cherché à créer une nouvelle identité artistique transnationale. Et cela suite aux mutations culturelles et sociologiques connues dans ce pays ces dernières années. Dans un premier temps, il me sera primordial d'exposer les différents facteurs identitaires, sociaux, historiques, politiques, communicationnels ... qui ont poussé les créateurs locaux à cette quête inévitable. Dans un second temps, et dans le cadre d'une analyse exhaustive des spots publicitaires, je vérifierai d'abord les résultats auxquels je suis parvenue dans la première partie. Mais, j'essayerai également de montrer la façon avec laquelle les concepteurs ont pu faire une réconciliation avec l'identité arabo-islamique, mémoire des ancêtres des tunisiens et d'une certaine identité moderne, s'inspirant considérablement de la culture globale; tel que le recours aux nouvelles images qui ont permis aux publicitaires de donner une nouvelle apparence à plusieurs codes stéréotypés. Finalement, dans la troisième partie, j'essayerai d'évaluer l'efficacité de cette communication. J'étudierai l'impact de cette nouvelle image publicitaire afin d'en déduire l'action de cette approche artistique récenteThe aim of this thesis is to show how creative commercials in Tunisia from 1994 to 2007 sought to create a new transnational artistic identity. And that following the cultural and sociological mutations known in this country in recent years. At first, I will outline the various key elements of identity, social, historical, political, communicational ... which led local designers to this inevitable quest. In a second time, and as part of a comprehensive analysis of advertising spots, I will check first the results that I achieved in the first part. But I also try to show the way in which the designers have made a reconciliation with the Arab-Islamic identity, memory of' tunisian ancestors and some modern identity, inspired greatly from the global culture, as the use of new images that have allowed advertisers to give a new look to several codes stereotyped. Finally, in the third part, 1 will try to evaluate the effectiveness of this communication. I study the impact of this new advertising image in order to deduce the action of this recent artistic approach
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Tenier, Solenn. „Hypermondialisation et pensée artistique critique : enjeux d'un écrit du réel et d'une émancipation spéculative à l'ère des NTIC“. Thesis, Strasbourg, 2019. http://www.theses.fr/2019STRAC019.
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Ce travail de recherche artistique, soulève et propose d’étudier ces questions par le biais d’un fil conducteur : les enjeux de la pensée artistique. Une des perspectives envisageables, est celle de l’inclusion de la création artistique au sein des différents niveaux intellectuels et décisionnels œuvrant à la construction de notre monde ; mais aussi de la mutation du statut de l’artiste, rendue possible par l’utilisation des Nouvelles technologies de l’information et de la communication et permettant une liberté d’expression et de création artistique « nouvelle ». La créativité ne serait-elle pas la clé de l’avenir de notre société ? Les innovations technologiques et sociétales ne dépendront-elles pas des artistes ? La majorité des formes artistiques ont depuis longtemps démontré l’indépendance de leur pensée, leur humanité, leur force d’anticipation et de clairvoyance. C’est la raison pour laquelle ce travail construit ses mécanismes de pensées d’un point de vue artistique. Artistique dans l’exercice d’une mémoire citoyenne. Artistique dans ses propres expérimentations créatives (narration et pratique spéculative). Artistique dans la méthodologie de recherche et dans l’approche scientifique. Et enfin, artistique dans la forme, celle de l’objet-thèseThis artistic research’s work raises these questions through a common thread: the stakes of artistic thought. One of the possible perspectives, is the inclusion of the artistic creation within the different intellectual and decisive levels that contribute to the construction to the world as we know it. The mutation of the status of the artist that is made possible by the use of new technologies of information and communication that allows freedom of expression. Will creativity be the key to the future of our society ? Will technological and social innovations depend on artists ? The majority of artistic forms have long since demonstrated the independence of their thought, their humanity, their strength of anticipation and clairvoyance. That's the reason this work constructs its thought processes from an artistic point of view. Artistic in the exercise of a citizen memory. Artistic in his own creative experiments (narration and speculative practice). Artistic in the research methodology and in the scientific approach. And finally, artistic in the form, that of the object-thesis
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Raynaud-Bardon, Michel-Pierre. „Les artistes-interprètes face aux nouvelles technologies“. Montpellier 1, 2002. http://www.theses.fr/2002MON10061.
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Depuis la reconnaissance d'un droit voisin du droit d'auteur à l'artiste-interprète ; nous avons assisté à l' émergence et au développement de nouvelles technologies qui ont permis et accru la possibilité pour une interprétation de recevoir des utilisations secondaires voire même des modifications affectant sa substance même. En ce début de troisième millénaire, l'avènement de l'ère numérique pose de front la question cruciale : les règles relatives aux droits voisins sont-elles adaptées aux nouvelles technologies ? La définition ainsi que délimitation des droits voisins est sujette à question. Comment définir l'interprétation, quelle qualification lui donner ? Doit-on consacrer un droit de divulgation à l'égard des artistes-interprètes ? peut on parler de citation d'une œuvre musicale dans une autre œuvre musicale ? Ces questions existaient déjà, mais les nouvelles technologies leur ont conféré une acuité nouvelle ; principalement par la dématérialisation de l'interprétation.
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Alkhatib, Amna. „Apprendre l’expression orale par le biais du projet pédagogique artistique : enseignement-apprentissage du français langue étrangère en situation de guerre“. Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30022.
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Cette recherche porte sur l’expérimentation d’un dispositif relevant de la pédagogie du projet par la médiation des pratiques artistiques de la parole. Elle s’est déroulée au sein du département de français à l’université d’Alep, en Syrie, dans l’objectif d’améliorer les compétences communicatives et l’expression de la subjectivité des étudiants. Cette expérimentation a été mise en œuvre dans un contexte non seulement marqué par la guerre mais également caractérisé par un enseignement-apprentissage moins actif, transmissif malgré les nombreuses réformes qui se sont succédé. L’analyse des résultats des enquêtes effectuées sur le terrain nous a confirmé la nécessité de mettre en place un projet qui pouvait répondre aux besoins recensés et relevés par nous-même et exprimés par les étudiants. Plusieurs questions se sont posées au cours de notre recherche : Une telle démarche, dans un contexte de guerre, était-elle réalisable ? Cette démarche, de nature artistique, permettrait-elle aux étudiants de développer leurs compétences à l’oral et d’accroître leurs connaissances socioculturelles de la culture cible ? Une telle démarche, enfin, parviendrait-elle à remotiver des étudiants épuisés par la guerre ? Il n’est pas inutile de mentionner que nous avons effectué quatre projets sur le terrain, mais dans cette thèse nous en avons étudié un de manière approfondie, à savoir « La chanson française et francophone en classe de FLE ». Ce projet supposait la réalisation de différentes tâches, la construction de savoirs variés en FLE avec une démarche active et dynamique. Il s’agissait de présenter un spectacle de chant en français, et de produire un livret de projet « chanter pour voyager » à socialiser devant un public extérieur. Les résultats de cette expérimentation permettent de constater des progrès importants au niveau des savoirs, des savoir-faire, savoir-apprendre et savoir-être des étudiants. Soulignons néanmoins que l’intégration de ce dispositif au sein de notre contexte a été confrontée à certaines limites et contraintes d’ordre matériel, temporel, éducatif, technique, sécuritaire et socioculturelThis research focuses on the experimentation of a device related to a project-based learning through the mediation of artistic practices of speech. It took place in the French Department at the University of Aleppo, Syria, in order to improve the communicative skills and expression of the subjectivity of the participants. This experiment was conducted in a context which was not only marked by war but also characterized by a less active teaching-learning, that is to say transmissive despite the many educational reforms that have succeeded one another. The analysis of the results of the field surveys confirmed the need to start a project that could meet the needs which were collected and identified by us and expressed by the students. Several questions arose during our research : Was such an approach, in a context of war, feasible? Would this artistic approach allow students to develop oral skills and increase their socio-cultural knowledge of the target culture? Would it finally succeed in motivating students exhausted by the war? If it is worth mentioning that we have carried out four projects in the field, one has been studied in depth, namely « French and Francophonie song in FLE class ». This project involved the realization of various tasks among which the construction of various knowledge in FLE with an active and dynamic approach. It consisted in presenting a singing show in French and producing a project booklet, « singing to travel » to socialize in front of an external public. The results of this experiment show how significant progress was in terms of knowledge, know-how, learning process and social skills of the students. However, it should be noted that the integration of this device a context of war has encountered certain limits and obstacles of material, temporal, educational, technical, security and socio-cultural nature
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Yazeva, Alexandra. „Communication en tant que prédestination et authenticité d'une personne dans l'oeuvre de Valentin Raspoutine et Alexandre Vampilov“. Phd thesis, Université de Strasbourg, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01023916.
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Valentin Raspoutine (né le 15 mars 1937) et Alexandre Vampilov (19 août 1937-17 août 1972) sont deux auteurs dont l'œuvre présente un intérêt particulier pour la critique littéraire contemporaine. La pénétration émotionnelle et philosophique dans la nature de " l'Autre " et l'aspiration à sa reconstitution esthétique sont caractéristiques de Valentin Raspoutine comme d'Alexandre Vampilov. Le rôle de l'anthropologie artistique dans l'esthétique des deux créateurs reste toujours un champ vaste de réflexion et d'interprétation. La thèse prouve que ce sont les espaces communicatifs des œuvres de Raspoutine et de Vampilov qui contiennent des repères de l'authenticité et de la prédestination de la personnalité de fiction. L'étude met en évidence le but de l'existence artistique de la personnalité unique du narrataire, du héros et du narrateur dans l'œuvre de l'écrivain et celle du dramaturge.
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Dion, Michaël. „Scénographies communicationnelles des installations : regard esthétique et immersion sociale“. Thesis, Bordeaux 3, 2019. http://www.theses.fr/2019BOR30010/document.
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Cette thèse explore l’espace communicationnel contemporain à partir de la forme installative. L’enjeu est d’envisager comment dans une société médiatisée où l’exposition est devenue la norme du visible, l’installation parvient à créer ou renégocier dans l’espace social des formes de visibilités. Ces reformulations sensibles proviennent du geste scénographique, tout à la fois processus de création et de représentation, à travers lequel peuvent être circonscrites des « scénographies communicationnelles ». L’installation artistique est l’espace archétypal servant à entreprendre cette réflexion. À partir d’un corpus d’installations artistiques contemporaines, nous analysons les processus par lesquels l’installation conduit à une expérience hétérogène de l’espace tendant favoriser l’immersion du visiteur et le renversement des cadres qui servent à intelligibiliser le réel. Ces processus font de l’installation un espace permettant d’expérimenter le sensible à l’aune d’agencements spatiaux qui en redéfinissent le partage. L’installation peut être conçue comme une forme scénographique constitutive de pratiques et de processus communicationnels tendant s’intercaler entre l’expérience esthétique et l’expérimentation sociale de l’espace. La « communication anthropologique du sensible » favorisée par des dispositifs artistiques de toutes sortes, permet justement d’illustrer comment l’installation, devenue une scène sociale, transforme tout à la fois notre perception et nos modes d’êtres communicationnels. Pour saisir et mettre en perspective ces enjeux à cheval entre les disciplines de la communication et de l’esthétique, cette réflexion prend comme point d’appui l’espace muséal. Le musée, espace scénographié et régime d’exposition matérialisé, permet d’observer comment le paradigme communicationnel intervient dans les pratiques culturelles à travers le rôle que joue l’espace, alors conçu comme une « scène ». L’installation d’abord envisagée dans le milieu typique de l’hétérotopie muséale, sera observée au fil de ses déterritorialisations dans l’espace social, mais aussi à travers des processus circulaires et réflexifs qu’elle provoque sur notre regard. Il s’agit finalement de se demander comment l’installation non plus seulement artistique peut faire lieu de support ou de modèle pour analyser l’espace communicationnel contemporain et plus loin, une hypothétique « société de l’installation »This thesis explores the contemporary communicational space on the basis of the installation form. The challenge is to consider how installation manages to create or renegotiate forms of visibilities in a media-orientated society in which exhibitions have become the norm of what is visible. These sensitive reformulations result from the scenography movement, defined as a process of creation and representation through which “communicational scenography” may be contained. The artistic installation is the archetypal space that will be used to undertake this reflection. Using a corpus of contemporary art installations, we will analyse the processes by which installation leads to a heterogeneous experience of space, which typically favours the immersion of the visitor and the reversal of frameworks which serve to make the real world intelligible. These processes make installation a space which allows for experimentation with the sensory experience in relation to spatial layouts which redefine its division. Installation may be appreciated as a form of scenography constituting of communicational processes and practices which tend to insert themselves in between the aesthetic experience and the social experiment of space. The “anthropological communication of the sensible”, promoted by all sorts of artistic devices, illustrates precisely the way in which installation, as a social stage, transforms both our perception and methods of communication. To grasp and put into perspective these issues, which criss-cross between the disciplines of communication and aesthetic, this reflection will focus upon space specifically within the museum. The museum, acting as both a set designed space and a stage of materialised exhibition, makes it possible to observe how the communicational paradigm intervenes in cultural practices through the role played by space, here defined as a “scene”. Initially considered in the typical environment of museum heterotopia, installation will be observed over the course of its derritorialisation in social space, but also through circular and reflexive processes that it may have on our perspective. In the end, it is a question of whether installation, a not only an artistic practice, can act as a medium or a template to analyse the contemporary communicational space and, further still, as a hypothetical “society of installation”
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Fichaux, Etienne. „Le design comme dispositif communicationnel entre l’art et l’industrie“. Thesis, Rennes 2, 2012. http://www.theses.fr/2012REN20001/document.
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Le but de ce travail de recherche est de construire théoriquement le design comme dispositif communicationnel, d’abord entre deux entités abstraites ou deux “sociétés anonymes” que sont l’art et l’industrie. Ainsi, la première partie a pour objet la définition et l’évolution du sens des mots “art”, “industrie”, “design”. Une deuxième partie vise à définir un concept de design qui se distingue de l’actualisation constituée par le phénomène “design industriel” au cours du dix-neuvième et duvingtième siècle. La troisième partie cherche à mettre en lien ce phénomène avec l’émergence de la scène médiatique et de l’exposition universelle afin de produire la modernité comme religion de l’ère industrielle. Cet ouvrage théorique se propose aussi de mesurer en quoi l’art est altéré par le système industriel, et inversement comment les artistes parviennent à faire progresser une exigence esthétique dans ce système socio-économiqueThe aim of this research was to build in theory a concept of design as a communication device, first between two groups or moral persons : art and industry. The first part seeks for a definition of “art”, “industry”, “design” ; the emergence and evolution of these notions. A second part is aimed at building a concept of design that would distinguish itself from the usual definition of design understood only in its industrial extent, which is a phenomenon limited to the nineteenth and twentieth centuries. The third part is an attempt to link this phenomenon with that of the emergence of a mediatic worldwide scene and universal exibition in order to produce modernism as a religion for the industrial era. This theoretical work also offers to measure how art is being modified by and through this industrial system, and on the other hand how some artists make the dream of a greater aesthetical attention progress in this system
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Zghaibeh, Rasha. „La chanson française comme outil didactique : pour un nouvel enseignement / apprentissage de l'oral en classe de FLE en Syrie“. Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30050.
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Obieje, Oluchi Patricia. „Littérature et musique : esthétique et éthique du sujet "afro-descendant " dans quelques œuvres poétiques ou romanesques de Sterling Brown, Langston Hughes, Toni Morrison, Henri Lopes, Leonora Miano“. Electronic Thesis or Diss., Strasbourg, 2024. http://www.theses.fr/2024STRAC014.
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Les rapports entre littérature et musique et l’entremêlement des genres artistiques renvoient à une notion de mélange artistique impliquant une modalité littéraire et culturelle. Le maintien de différents genres artistiques dans la littérature évoque la production d’une intermédialité. L’implication inter-médiale dans ce contexte génère une variété littéraire et une diversité culturelle indiquant l’esthétique de l’hétérogénéité, de la réitération et de la mélodie dans la littérature. L’unification de ces deux arts distincts - la littérature et la musique - est reconnu comme une construction « musico-littéraire ». Le concept de création « musico-littéraire » pose en effet la question de l’intermédialité en littérature, de sa construction, de sa quête et du déchiffrement de son usage symbolique. Cette étude vise donc à étudier l’esthétique des effets musicaux en littérature et les usages symboliques de valeurs culturelles et musicales d’origine afro-descendante dans quelques œuvres poétiques et romanesques de Sterling Brown, de Langston Hughes, de Toni Morrison, d’Henry Lopes et de Léonora Miano. L’analyse « musico-littéraire » de ces textes révèlent une esthétique littéraire et culturelle ; concernant le mélange d’héritage musical et culturel afro-descendant et d’empreinte culturelle occidentale. Nous menons une étude thématique et comparée des œuvres du corpus pour identifier le rôle esthétique et l’éthique du mélange des genres littéraires et musicaux pour interroger les enjeux de l’intermédialité en littératureThe relationship between literature and music and the intermingling of artistic genres refer to a notion of artistic mixture involving a literary and cultural modality. The maintenance of different artistic genres in literature evokes the production of intermediality. The intermedial involvement in this context generates a literary variety and a cultural diversity indicating the aesthetics of heterogeneity, reiteration and melody in literature. The unification of these two distinct arts - literature and music - is recognized as a “musico-literary” construction. The concept of “musico-literary” creation indeed poses the question of intermediality in literature: its construction, its quest and the deciphering of its symbolic use. This study therefore aims to study the aesthetics of musical effects in literature and the symbolic uses of cultural and musical values of Afro-descendant origin in some poetic and novelistic works by Sterling Brown, Langston Hughes, Toni Morrison, Henry Lopes and Léonora Miano. The “musico-literary” analysis of these texts reveals a literary and cultural aesthetic concerning the mixture of Afro-descendant musical and cultural heritage and Western cultural imprint. We conduct a thematic and comparative study of the works in the corpus to identify the aesthetic role and ethics of the mixture of literary and musical genres to question the issues of intermediality in literature
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Fines, Schlumberger Jacques-André. „Enjeux techniques et politiques de la "communication optique" entre un titre de presse imprimée et un ordiphone“. Thesis, Paris 2, 2012. http://www.theses.fr/2012PA020008/document.
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Depuis 2002 en Asie, 2005 en Europe et aux États-Unis, des éditeurs de presse écrite et des annonceurs proposent à leur lectorat équipé en téléphone portable ou en ordiphone d’accéder à des contenus et services numériques via ceux imprimés dans le journal. Ces nouvelles formes de communications brouillent les relations traditionnelles entre éditeurs de presse, annonceurs et lectorat, également mobinaute. Les enjeux techniques et politiques de ces services de communication s’étudient simultanément à trois niveaux. Le premier, physique, se situe dans la combinaison entre le papier et le terminal électronique de l’individu relié au réseau. Le deuxième, logique, se situe dans la forme (privée ou publique) de ce qui est imprimé sur le papier (langage humain ou machine) et la méthode logicielle mise en oeuvre (lecture locale ou à distance) de manière synchrone (presse augmentée) ou asynchrone (code graphique, recherche ou identification par l’image). Le troisième niveau, des contenus, consiste à s’interroger sur le sens de la surimpression de contenus et de services numériques à l’écran de l’ordiphone suivant ce qui est imprimé dans le journal. Notre étude aura par ailleurs consisté à mettre en lumière les régimes juridiques des méthodes logicielles basées d’une part sur le contenu et régies par le droit de la propriété intellectuelle, et basées d’autre part sur un langage informatique et régies par le droit des liens hypertextes. Avec un ordiphone, un titre de presse évolue d’un support d’information à un canal de communications électroniques où le contexte et l’identité de l’individu jouent un rôle innovant dans la transmission et l’accès à l’informationSince 2002 in Asia, and 2005 in Europe and the United States, press editors and advertisers have offered access to digital content and services to readers that possess a smartphone. These new forms of communication blur the traditional relationships between press editors, advertisers and readers. To study the technical and political elements concerning these new communication services, we rely on the three-layer network approach: the physical, the logical and the content infrastructure layer. The physical layer is located between the sheet of paper and the electronic device that links the user to a network. The logical layer corresponds to the form (private or public) of what is printed on the page (i.e., human readable or machine language) and the software employed (i.e., local or distant reading), be it synchronously (augmented press) or asynchronously (graphic codes, image search or image identification). The third layer concerns the way the content from the printed page are presented on the screen of the smartphone. Our study equally aims to shed light on the current legal translations of software methods: when based on content, the methods are seen to concern intellectual property law; whereas when based on computer language they concern the laws on hyperlinks. With smartphones, a printed edition evolves from an information medium to an electronic communication channel where the context and the identity of the user play an innovative role in the transmission and access to information
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Julien, Sylvie. „Antécédents de l'engagement des jeunes auprès des personnes âgées: Une étude dans un contexte de bénévolat artistique“. Thesis, University of Ottawa (Canada), 2007. http://hdl.handle.net/10393/27522.
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Cette recherche consiste à cibler les facteurs en lien avec l'engagement bénévole artistique des jeunes auprès des personnes âgées. Le modèle élabore découle des concepts suivants: l'engagement effectif, le désengagement psychologique, l'estime de soi, la privation relative personnelle (PRP) et la privation relative pour autrui (PRA). Un questionnaire, construit à partir de quatre échelles validées sur la PRP, la PRA, le désengagement psychologique, l'engagement effectif et l'estime de soi a été distribué de façon volontaire et anonyme à un échantillon en fonction de l'âge (10 ans à 29 ans) et de l'activité artistique. Sur la base d'études empiriques antérieures, il a été suggéré que plus un jeune individu éprouvé de la PR à l'égard des personnes âgées, moins il se désengage au plan psychologique à leur égard; finalement, ce faible niveau de désengagement psychologique résulte en davantage d'engagement effectif, c'est-à-dire comportemental. Ce faisant, la mesure du désengagement psychologique nous a permis de mettre à l'épreuve une deuxième séquence de réactions: plus un jeune individu éprouve de la PRP, plus il se désengage psychologiquement et plus ce désengagement assombrit son estime de lui-même. Des analyses descriptives, des analyses de corrélation et des analyses de régression ont été effectuées dans le but de mettre à l'épreuve les hypothèses. Cette dernière séquence de réactions à été confirmée alors que la première n'a été que partiellement confirmée. Les implications théoriques et pratiques de cette étude sont expliquées dans la discussion.
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Cohen, Véronique-Déborah. „La spécificité des contrats liés aux technologies issues du numérique. Quelles singularités ces contrats présentent-ils, comparés à ceux du monde analogique ?“ Thesis, Paris 2, 2011. http://www.theses.fr/2011PA020083/document.
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Les technologies issues du numérique ont donné naissance à des contrats qui nécessitent une approche particulière et qui posent parfois des difficultés de mise en oeuvre, d’application, d’interprétation, et même de qualification, tant leur existence ne peut désormais plus être ignorée dans le paysage juridique. A cela, s’ajoute le fait qu’ils répondent à un réel besoin, à la fois de la part des praticiens du droit et des acteurs de ces contrats. C’est sans compter qu’ils se démarquent des conventions issues du monde analogique en de nombreux points, sachant que néanmoins, ils s’inscrivent dans le cadre d’une évolution logique et naturelle du droit. C’est ainsi que depuis quelques années, le droit voit se profiler des contrats imposant au législateur d’élaborer de nouveaux textes, en raison des lacunes juridiques encore grandes en la matière. La question qui se pose d’emblée est alors de savoir quelle est leur place dans la vie juridique, et surtout, comment ils sont perçus et analysés par rapport à ceux plus « classiques » issus du monde analogique. Dès lors, d’autres interrogations s’enchaînent : dans quel type d’environnement évoluent-ils ? Quels sont les critères qui caractérisent le mieux les contrats liés aux technologies issues du numérique ? Et surtout, qu’est-ce qui les rend si spécifiques et si inédits par rapport aux autres contrats, et qu’est-ce qui fait leur essence même ? On en vient alors à se demander si la dématérialisation de leur objet et leur orientation tournée vers les technologies influencent leur mode de formation et leur exécution. Autrement dit, quel est leur impact sur l’équilibre contractuel et quelles sont leurs implications juridiques concrètes ? Une chose est sûre : si ces contrats font appel à un vocabulaire technique propre au monde numérique et que leur objet peut sembler de prime abord inédit et complexe, en réalité, il en est autrement, les prestations auxquelles ils renvoient étant au final, très proches de celles qui nous entourent depuis toujoursOver the last decades, the fast-evolving technologies and the information and communication technologies (I.C.T) have been widespread in the current analogical world. They are engendered agreements which need a particular approach and which can’t be ignored today, because of their difficulties of application, interpretation, and even of qualification. The analogical world failed to offer a legal framework to that innovative and dynamic digital world creating tremendous legal uncertainty. Consequently, the emerging lack of appropriate agreements forced policymakers, regulators and legislators to elaborate new governance, new regulation and new acts to respond to those needs and expectations issued of the Information Society. The purpose is also to answer to the real needs of the lawyers and the professors of Law. These agreements are very different of the agreements of the analogical world in numerous points, but are inscribed in a logical and natural evolution of the Right of contracts. That’s why, it’s necessary to know what is their place in the legal life, and above all, how they are perceived and analyzed regarding the more "classical" contracts of the analogical world. Furthermore, other questions may be asked : in which kind of environment they evolve? What is characterizing the contracts linked to the information and communication technologies? What makes them so specific and so particular compared with the other agreements? The dematerialization of technology centered object can influence their way of formation, their execution and the balance of the agreements? What are their legal implications? If these agreements make reference to an specific and technical terminology of I.C.T., to the digital world, and if their object may be complex, in reality, the services generated by the Information Society are surrounding us in our daily life and are not different of the services we know since ever
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Nazari, Fariba. „Les couleurs : usages et significations dans l’art et dans la société islamique au Moyen-âge“. Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0176.
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Cette thèse revendique précisément une tradition de polychromie développée dans l'art et la société musulmane au Moyen-âge et nous allons nous attacher à la développer au cours de cette recherche. Poursuivre l'évolution des sensibilités islamiques de la couleur à travers les siècles qui nous séparent de ces époques rayonnantes de l'art islamique (du VIIIème au XVème siècle) est une tâche qui dépasse notre recherche. Notre objectif consiste à présenter, dans cette recherche, le concept de la couleur durant la période que nous avons retenue, en exposant la signification et l'utilisation de la couleur qui correspond à ce concept. Et puisque la réalisation des harmonies des couleurs matérielles dépend des procédés techniques appropriés, nous allons essayer de démontrer l'application concrète et objective de l'art islamique et des couleurs à cette période, en nous appuyant sur les témoignages plastiques qui nous sont parvenus. C'est pour cela que la peinture sera envisagée comme la matière première de notre travail. Le cadre de ces siècles nous procure tous les éléments esthétiques qui nous intéressent, en particulier en peinture (les miniatures), car parmi les différentes activités artistiques, la peinture reste le domaine dans lequel la couleur s'exprime avec une plus grande liberté. De Baghdâd à Tabriz et de Tabriz à Hérat, puis d’Herat à Chiraz et Ispahan, la miniature islamique a produit les plus belles pages de son histoire. Nous allons également étudier les éléments colorés dans la culture islamique dans la poésie, la mystique, les réglementations religieuses et les livres saints pour bien analyser la situation de la couleur dans les autres religions abrahamiquesThis thesis spells out specifically a developed tradition of polychrome in the art and the society Muslim Medieval, and tries to improve such concepts extensively. It should be mentioned that the recent improvements made in Islamic sensitivities for color over the recent centuries that separate us from the older period of time (the eighth to fifteenth century) that radiates the Islamic art is beyond this research. As a matter of fact in this study, our goal is to present the concept of color during the eighth to fifteenth century, explaining the meaning and the use of color during that time which correspond its true concept. Since the achievement of the harmony of colors depends on physical processes and appropriate techniques, we will try to demonstrate the practical application and objective of Islamic art and color at those centuries based on visual evidences that were obtained during our research, thus painting is considered as the raw material of our study. These centuries can present all the aesthetic elements of interest especially in painting (miniatures) because among the various arts, painting is the area where the colorist expressed with more freedom. From Baghdad to Tabriz, from Tabriz to Herat and from Herat to Shiraz and Isfahan, the Islamic miniature has produced the most beautiful pages of the history. In addition, color as an element in Islamic culture including poetry, mysticism, regulations and the religious holy book is studied to fully characterize the role of color in other Abrahamic religions
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Rodriguez, Aedo Javier. „Le folklore chilien en Europe : un outil de communication confronté aux enjeux politiques et aux débats artistiques internationaux (1954-1988)“. Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL028.
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Cette thèse étudie la circulation internationale du folklore chilien pendant la seconde moitié du XXe siècle. On aborde le parcours de chanteurs et ensembles folkloriques liés à la gauche chilienne, ainsi que leurs pratiques artistiques, les espaces de diffusion musicale et les manières dont la musique folklorique est accueillie par le public général, les critiques de musique, les organisations politiques et les médias, notamment sur la presse de gauche et les maisons discographiques. L’espace géographique de cette circulation est constitué par les pays de l’Europe occidentale. La période d’étude est circonscrite par deux moments significatifs pour la circulation internationale du folklore chilien : le premier voyage en Europe de la chanteuse Violeta Parra le 1954 et la fin de l’exil des musiciens chiliens en 1988. Ce sont plus de 30 ans pendant lesquels les musiciens interagissent largement avec les divers contextes artistiques et politiques d’Europe. La première partie de la thèse aborde les activités que les musiciens chiliens ont réalisées en Europe entre l’année 1954 et le gouvernement de Salvador Allende (1970-1973), dans le contexte d’un fort regard exotique vers les musiques de l’Amérique latine. La deuxième partie s’occupe des activités artistiques ayant lieu entre les années 1968 et 1982, quand les événements politiques du Chili situent les manifestations culturelles, y compris le folklore, dans un lieu privilégié des circuits artistiques de la gauche européenne. Finalement, la troisième partie aborde les expériences artistiques développées entre les années 1978 et 1988, et analyse les répercussions que la vie en exil provoque sur la pratique du folklore chilien en Europe, notamment la mise en question de rôle de la politiqueThis thesis studies the international circulation of Chilean folk music’s during the second half of the 20th century. We discuss the international trajectory of singers and folk ensemble related to the Chilean Left, also their artistic practices, the space of musical circulation and the ways in which this folk music is welcomed by the general public, music critics, political organizations and media, including the left-wing press and labels. The geographical space of this circulation is constituted by the countries of Western Europe. The study period is circumscribed by two significant moments for the international circulation of Chilean folklore: the first trip to Europe of folk singer Violeta Parra in 1954 and the end of the exile of Chilean musicians in 1988. For more than 30 years, the musicians have been interacting extensively with the diverse artistic and political contexts of Europe. The first part of the thesis studies the activities that Chilean musicians performed in Europe between 1954 and the government of Salvador Allende (1970–1973), in a context of a strong exotic look towards the music of America Latin. The second part examines the artistic activities taking place between 1968 and 1982, when the political events of Chile locate the cultural manifestations, including the folklore, in a privileged place of the artistic circuits of the European left. Finally, the third part examines the artistic experiences developed between 1978 and 1988, and analyzes the repercussions that life in exile has on the practice of Chilean folklore in Europe, notably the questioning of the role of politics
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Zaid, Nawal. „L'enseignement-apprentissage de la parole par les pratiques artistiques en classe de Français langue étrangère au Yémen“. Thesis, Montpellier 3, 2013. http://www.theses.fr/2013MON30032.
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Ce travail de recherche propose de mener une réflexion qui s’articule autour de deux axes : le premier axe consiste à observer, à partir d’une enquête de terrain, l’enseignement-apprentissage de l’oral dans le milieu universitaire yéménite, en particulier, au sein du département de français de Ta’izz. Ce travail d’observation est mené dans le but d’identifier les raisons de la passivité verbale des apprenants de cette institution. L’hypothèse sur laquelle repose cette réflexion est que la passivité verbale des apprenants yéménites en classe est en lien étroit avec leur insécurité langagière en français. Le deuxième axe de notre réflexion consiste à réfléchir sur les contributions que peut apporter la pratique théâtrale pour le développement de l’expression orale en classe de FLE, notamment dans la gestion de l’insécurité des apprenants face à l’acte de parler en français. L’hypothèse de notre recherche est qu’un projet de théâtre visant à un « accès esthétique à la parole en langue étrangère» et impliquant l’apprenant dans sa globalité (geste, voix, créativité, rapport à soi et à autrui) peut aider l’apprenant yéménite dans la construction d´une nouvelle énonciation en français langue étrangèreThis research work proposes to undertake a project based on two axes: the first axis revolves around a field study to observe the oral teaching and learning in Yemeni universities, in particular, at the heart of the French department of Ta’izz. The purpose of this monitoring is to identify the reasons why learners are verbally passive in this institution. The hypothesis for this assumption is that the verbal passivity of Yemeni learners in class is closely linked to their insecurity in speaking French. The second axis of our research is to think about the benefits of drama in the development of oral [verbal] expression in FLE classes, especially in managing the insecurity of learners when having to speak French. The hypothesis of our research is that a theater project aimed at an « aesthetic access to speech in a foreign language » and involving the learner in his entirety (gesture, voice, creativity, relation to self and to others) could help the Yemeni learner in building a new enunciation in French as a foreign language
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Gervais, Thierry. „L'illustration photographique : naissance du spectacle de l'information (1843-1914)“. Paris, EHESS, 2007. http://www.theses.fr/2007EHES0143.
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Entre 1843 et 1914, la photographie devient en France le principal mode d'illustration dans la presse et donne forme à de nouveaux objets. La production photographique se massifie, la reproduction photomécanique permet d'associer les caractères typographiques aux images argentiques et la presse s'empare de ce nouveau tandem pour illustrer ses pages. Du journal L'Illustration créé en 1843 à La Vie au grand air qui se développe à la Belle Époque, la photographie passe du statut de support iconographique pour le graveur au vecteur principal de l'illustration de l'information. La publication d'images se multiplie dans la presse et, sous la houlette d'un directeur artistique qui agence texte et photographies, le récit de l'actualité en image se déploie sur l'espace de la page, transformant le journal illustré en magazine. Entre ces deux dates, les protocoles de l'illustration photographique sont établis et produisent une information visuelle spectaculaireBetween 1843 & 1914, photography became the main means of illustrating stories in the French press, paving the way for many new kinds of publications. Photo-mechanical printing methods made it possible to combine typecast letters and silver print images and newspaper editors rushed to use this new tandem to illustrate their pages. From the magazine L'Illustration, created in 1843 to La Vie au grand air, which appeared during the Belle Époque, photography's importance increased enormously. Initially used by engravers and not published themselves, photographs soon became the main medium for illustrating news stories. The press began using more and more photographie images. Under the guidance of artistic directors, skilled in the art of marrying words and images, picture stories began to cover newspaper pages, transforming illustrated journals into magazines. Between these two dates, the protocols of photographie illustration were established, producing a spectacular form of visual news
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Assembe, Ela Charles Philippe. „Diderot : les Salons - modernité - postmodernité : pour une archéologie de la communication sociale et culturelle“. Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100141.
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Diderot arrive en philosophie par les Belles-lettres. Le parcours de cette oeuvre fleuve impose trois observations. La première relève une pensée disséminée irréductible à la seule Encyclopédie. La seconde fait état d'un esprit des marges qui sait jouer des limites du savoir institutionnel. La troisième regarde l'engagement existentiel et inébranlable de ce citoyen qui signe d'un anonymat bruyant l'un des textes de société le plus révélateur de sa carrière d'écrivain. En 1748, il écrit sous le couvert "d'un citoyen zélé". Or dans les années 1745 et 1770, les zèles religieux et politique constituent sa principale raison de philosopher. Comment appréhender cette double posture ? Le texte de 1748 fait la médiation entre les académiciens et les artisans. Ceux de 1745 et 1770 arbitrent les tensions sociales. Le premier a trait aux frictions du politique et du religieux. Le second investit les rapports du "petit peuple" avec les technocrates. "Libéral" et "anarchique", le mode de pensée "salon" séduit et inquiète. Frivole et sévère, il déploie une méthode "expectante" mettant en relief une casuistique communicationnelleDiderot is an essay writer, an encyclopédist and a "salonnier". The novelist's texts, those of the erudite and literary man overlap. In 1748, the encyclopedist and "salonnier" to be wrote, under a resounding anonymity, one of the most revealing social writings of his entire career. The thinker writes under the cover of the "citoyen zélé". Nevertheless in the years 1745 and 1770 the religious and political zeals were his motives for philosophizing. The text of 1748 sets up the mediation between the corporation of the academicians and that of the craftsmen. Those of 1745 and 1770 conciliate the social tension. The first of tension deals with the frictions between politics and religion. The second one is concerned with relationships between "le petit peuple" and the technocrats. "Liberal" and "anarchic", the style of thinking "Salon" attracts and worries. Diderot recommends the ambulatory writing, but it's nonnetheless that his philosophy is "sévère'. Although it is frivolous, the philosophy reveals itself in a "casuistique" where thinking tests the method "expectante" in matter of human sciences
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Doan, Thi Bich-Ngoc. „L'expérience perceptive directe : apports des pratiques artistiques, corporelles et méditatives dans les sciences cognitives“. Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010697.
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L'expérience perceptive directe se vit lors d'un moment juste qui donne accès, dans l'instant présent, à des données de la connaissance de soi et de la connaissance objective. Ce processus à caractère flou et insaisissable est étudié en première personne à partir de mes expériences en arts martiaux, en méditation et en accompagnement à autrui, en deuxième personne à travers les entretiens d'explicitation de pratiquants d'arts martiaux, et en troisième personne avec l'étude bibliographique de travaux scientifiques et artistiques. Cette thèse a suivi le cheminement parallèle d'un travail de recherche et d'une transformation intérieure. Cette double évolution trace une voie qui relie l'approfondissement du ressenti corporel et énergétique, les échanges nourrissants guidés par des connexions synchronistiques et l'harmonisation avec le contexte environnant, pour aboutir au passage d'une réflexion de la tête à un espace du cœur. Elle élargit la conscience perceptive qui voyage du regard sensoriel à une vision plus intuitive. La véracité des informations immatérielles perçues et non démontrables s'auto-valide par la création de son propre outil de vérification. Cet outil est porté par les valeurs d'intégrité qui responsabilisent le chercheur comme le lecteur à travers une relation d'équilibre interactif qui repose sur la notion d'utilité vitale et sur le positionnement éthique de chacune des parties. Ce ne sont plus les parties qui sont à la recherche scientifique du tout, mais l'universel qui vient guider le cœur de ces infimes parcelles de l'univers incarnée par chacun de nousDirect perceptual experience can be lived as a true moment providing access, in the present moment, to self-knowledge and objective knowledge. The details of this elusive process is apprehended through my experiences in martial arts, meditation, energetic healing and coaching (first-person point of view), through elicitation interviews with martial artists (second-person method), and the review of scientific and artistic literature (third-person approach). This dissertation has followed the parallel journey of research work and inner transformation. This twofold development follows a path that puts together the deepening of body energy and feeling, nourishing exchanges guided by synchronistic connections, and by harmonization with the surrounding context. This association leads to the passage of reflexion in the head to a space of the heart. It brings an expansion of perceptual awareness from sensory seeing to intuitive vision. The veracity of immaterial information that occurs through this perceptual enlargement, is self-validated by creating a holographic personal verification tool. This tool is supported by the values of integrity that empower the research as well as the reader, through an interactive equilibrium relationship based on the concept of vital utility and ethical stance of each party. No longer does scientific research use parts to provide a theory of everything: instead the universal comes to guide the heart of these tiny patches of the universe embodied in each of us
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Québriac, Geneviève. „L'enseigne : poétique d'une identité exhibée : de l'histoire des marqueurs à leur présentation dans les pratiques artistiques contemporaines“. Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20044.
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La société est ponctuée et marquée de signes informatifs, fédérateurs et identitaires. La thèse identifie ces signes sur une période historique étendue puis resserre le champ de l'étude à la contemporanéité artistique. L'analyse des diverses manifestations des signes susceptibles de ralliement met en évidence les enjeux sociologiques, économiques et politiques dont ils dépendent. Après avoir analysé d'un point de vue anthropologique et historique l'importance de la présence des marqueurs dans l'organisation sociale, la thèse répertorie et questionne les pratiques des artistes contemporains. Leur approche de la société actuelle se développe selon un point de vue critique. Ils mettent en scène le réel et les formes qui l'habitent en interrogant les logotypes, les slogans, les enseignes comme autant de véhicules d'influence qui soulèvent des discours polémiques, critiques, distanciés ou ludiques. Ces explorations font ressortir la capacité instrumentale propre à ce matériel qui le rend suspect, encombrant ou inintéressant aux yeux des artistes. Le fil conducteur de la thèse relie les marqueurs au récepteur, c'est-à-dire au collectif, spectateur ou passant. Les artistes contemporains détournent, s'approprient, reproduisent ou interprètent un matériel fortement connoté. L'oeuvre permet une lecture de la société et questionne la société de consommation et de surinformation. L'analyse de la société passe par une réflexion sur l'espace urbain. La thèse s'empare des signes de la société contemporaine et analyse son rapport au collectif. L'analyse s'appuie sur les pratiques artistiques qui questionnent la fabrique du monde à travers les marqueurs et les comportements qu'ils génèrent dans un système communicationnel : émission-réceptionappropriation- renvoi. Il s'agit de proposer une lecture des signes qui dessine leurs limites et leur capacité à tourner à vide, à être remis en question par le champ artistique. Ma pratique tente de bousculer les mécanismes propres aux marqueurs et de les priver de leur forceSociety is punctuated and marked with informative, federative and identity signs. The thesis identifies these signs throughout a long historical period before reducing the scope of the study to the artistic contemporaneousness. The analysis of the various appearances of the signs likely to be united highlights the sociological, economic and political stakes which they depend on. The thesis first analyses the importance of the presence of markers in social organization from an anthropologic and historical point of view. Then, it lists questions the practices of contemporary artists. Their approach to present society develops according to a critical point of view. The present reality and the shapes which inhabit it by questioning logos, slogans, signs as media of influence which bring up controversial, critical, distanced or play speeches. These investigations bring out the instrumental ability peculiar to this materials which makes suspicious, cumbersome or uninteresting to artists' eyes. The main theme of the thesis links markers to receiver that is to say to the collective, be it spectator or passer-by. Contemporary artists divert, appropriate, reproduce or interpret strongly connoted materials. The work permits to read society and questions consumer and over information society. The analysis of society goes through thinking about urban space. The thesis takes over the signs of contemporary society and analysis its relation to the collective. The analysis leans on artistic practices which question the making of the world through the markers and behaviours they generate in a communication system : sending out-reception-appropriation-feedback. It's a matter of suggesting a reading of signs which defines their limits and their ability to turn without gripping, to be questioned by the artistic sphere. My practice is an attempt at shaking up the mechanisms peculiar to the markers and at depriving them from their strength
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Naessens, Ophélie. „Les portraits des histoires : la parole vivante dans les pratiques artistiques des années soixante-dix à nos jours“. Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20038.
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Cette thèse examine le statut de la parole vivante dans les pratiques artistiques vidéo. À partir des années 1970, des artistes s’approprient le support vidéographique, se tournent vers ceux qui les entourent, ou parcourent le monde à la rencontre d’autrui, orientant leur caméra vers des visages, à l’écoute d’une parole. Ces vidéos relèvent d'esthétiques diverses mais un certain nombre de caractéristiques se dessinent au fil de l’étude, tissant des liens entre des projets d’apparence très différents. Il s'agit donc de dégager les enjeux qu'elles partagent et d'évaluer la contribution des plasticiens au renouvellement des représentations de parole. Le rapport que ces oeuvres établissent avec les structures narratives classiques du parler sur soi est d'abord envisagé à travers l’analyse des récits contenus dans les vidéos, et des stratégies adoptées par les artistes afin de questionner la construction narrative dans ses mécanismes structurels et formels. Puis, à partir d’un large corpus d’oeuvres, sont examinées les spécificités des protocoles d’enquête et d’entretien qui deviennent les conditions de la pratique artistique. Ces vidéos se caractérisent par une forme de représentation singulière qui révèle un réinvestissement du genre multiséculaire du portrait : un portrait parlant. L’étude d’installations vidéo contemporaines permet enfin d’examiner les rapports qu'entretiennent parole filmée et espace d’exposition / espace de réception d’une parole. Les inserts disséminés dans les pages du volume exposent la pratique artistique et les développements qui ont accompagné ce travail de recherche, instaurant un dialogue permanent entre théorie et pratiqueThis PhD thesis examines the status of the living word in the video art practices. From the 1970s, the artists use the videographic media, look to those around them, or travel the world meeting others, focusing their camera on faces, listening to a speech. These videos take on such different pertain to various aesthetics but a number of characteristics emerge throughout the study weaving links between projects that seem at first glance quite different. It is thus a question of identifying their common stakes, and evaluating the contribution of the artistes to the renewal of representations of speech. First, the relationship that these works establish with conventional narrative structures of talk about self is considered through the analysis of narratives contained in the videos, and strategies adopted by artists to question the narrative construction in its structural and formal mechanisms. Then, based on a large corpus of pieces, is examined the specificities of investigation and interview protocols that become conditions of artistic practice. These videos are characterized by a form of representation that reveals a singular reinvestment of centuries of portraiture: a speaking portrait. Finally, the study of contemporary video installations allows to examine the relationships between speech, filmed and exhibition space / reception space of a word. The inserts scattered in the pages of the volume expose the artistic practice and the developments that have accompanied this research, in a continuous dialogue between theory and practice
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Montagnon, Florence. „L'oeuvre d'exposition : enjeux et procès du concept de l'exposition“. Dijon, 2006. http://www.theses.fr/2006DIJOL015.
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Lavallée, Christine. „Récit d'un processus créatif qui cherche à détourner des images et des objets de leur usage conventionnel afin de créer des expériences artistiques nouvelles“. Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25705.
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Ce mémoire utilise la démarche expérimentale afin de détourner des images et des objets de leur usage fonctionnel conventionnel afin de créer des expériences artistiques nouvelles. Ce projet s'appuie d'abord sur une recherche théorique qui identifie des critères d'appréhension de l'image à partir d'études de cas et d'analyses de projets. La seconde partie de la recherche fait état des expériences effectuées sur le terrain et évalue leur efficacité à la lumière des constats faits dans la première partie.
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Ma, Lijun. „Intervention artistique dans les interactions d'apprenants de FLE en contexte universitaire chinois : exemple de la synchronisation du film pour une didactique des langues subjectivante -“. Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30036.
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Notre recherche a pour objectif d’analyser et montrer comment le cinéma, dans sa totalité, peut devenir un outil pédagogique pour effectuer une intervention par un biais artistique dans les interactions d’apprenants en cours de FLE en contexte universitaire chinois. Une réflexion théorique portant sur les interactions sociales, du point de vue des sociologues, nous dirige vers l’(inter)subjectivité des (inter)locuteurs en expression du français chez nos étudiants chinois. Nous sommes persuadée que chaque sujet communiquant se positionne devant les autres dans les interactions communicatives, pas simplement à travers le langage verbal, mais également à travers le langage non verbal (les gestes, les mimes, l’expression émotionnelle), jouant également un rôle adapté à un contexte donné. La synchronisation du film, en tant qu’activité empathique et subjectivante, favorise l’émergence de l’(inter)subjectivité des étudiants, ce qui rendra certainement les apprenants plus actifs et plus dynamiques dans leur positionnement face aux interactions en langue française. A travers cette expérience à la fois esthétique et subjectivante, cette pratique devrait également être un outil pédagogique efficace pour les étudiants afin de prendre en main la compétence informationnelle, qui est une compétence clé dans la société moderne. La méthode de recherche consiste en une Recherche-Action, une exploitation de l’enquête destinée à tous les étudiants sur notre terrain et des analyses de la remédiation, qui ont impliqué quelques séances de projets de synchronsiation du film effectuées depuis 2016. Cette thèse concerne non seulement tous apprenants chinois de FLE en Chine, mais également tous les pédagogues/praticiens de langue qui s’intéressent à l’emploi des pratiques artistiques dans leur classe de langueOur study aims to analyze and demonstrate how film as a whole has become an educational tool to intervene in the interaction between foreign language learners in Chinese universities in an artistic way. Sociologists’ thinking of social communication theory makes us realize the importance of inter-subjectivity when Chinese college students speak French. We firmly believe that in daily communication and interaction, each subject of communication conducts communication activities not only through sound language, but also non-sound language (such as gesture, expression imitation, emotional expression), which play indispensable roles in adapting to specific environment. Film dubbing, as an empathetic and subjective activity, has inspired the subjectivity of students when they use language, which will definitely make learners more active and dynamic in their interactions in French. Through this aesthetic and subjective experience, this practice should also become an effective teaching tool for students to master information skills, which is key to modern society. This study mainly adopts the action research method to analyze the questionnaire survey of all the students in the survey, and summarize and analyze some film dubbing projects since 2016. This paper covers not only all french learners in China, but also all language teachers and practitioners who are interested in using artistic practice in language classes
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Monjour, Servanne. „La littérature à l’ère photographique : mutations, novations et enjeux (de l’argentique au numérique)“. Thèse, Rennes 2, 2015. http://hdl.handle.net/1866/13614.
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Gagnon, Olivier. „Les caractères musicaux au sein d'une démarche artistique dramatique : exploration des indices acoustiques jouant un rôle dans l'évocation des états affectifs en musique“. Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/14059.
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Raymond, Claude. „Comment le trac influence-t-il l'expression artistique et la rétroaction du public dans les arts de la scène?“ Mémoire, 2009. http://www.archipel.uqam.ca/2544/1/M11137.pdf.
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Le trac ou ce que l'on pourrait appeler l'anxiété reliée à la performance touche tant les artistes de la scène que la plupart des personnes devant s'exprimer en public. Même si certains de nos contemporains ne le prennent pas vraiment au sérieux, le trac n'en demeure pas moins un avatar social important qui affecte, et parfois compromet, bon nombre de carrières artistiques. C'est ainsi qu'on dénombre, seulement aux États-Unis, une vingtaine de centres spécialisés dans le traitement du trac en lien avec les arts de la performance.
Au-delà des symptômes de ce mal-être, il importe de bien comprendre la nature même de la relation entre un exécutant et le public ainsi que de tenir compte de différents propos sur l'art. Dans le cadre de la présente étude, le trac constitue un point focal pour l'analyse de l'intersubjectivité à l'intérieur des processus communicationnels et créatifs au niveau des arts de la scène, et cela, en privilégiant l'expression. L'anxiété de la performance s'y trouve examinée non pas comme un trouble émotionnel, mais comme un phénomène relationnel. Comment le trac influence-t-il l'expression artistique et la rétroaction du public dans les arts de la scène? Quelle en est la genèse? Qu'elles en sont les répercussions? Semblable crainte découlerait d'une perception erronée de la part d'un interprète quant à son identité à la fois d'individu et d'artiste. Elle découlerait aussi du rôle qu'il s'attribue sur le plan social et de l'importance qu'il accorde au public. Il s'agirait en somme d'un sentiment de cohérence ou d'incohérence entre la transparence des intentions créatrices de l'artiste et leur expression. L'artiste se trouve alors en plein coeur d'une quête d'authenticité. Un parallèle peut naturellement s'établir entre l'anxiété reliée à la performance sur scène et le phénomène du chaos créateur qui survient surtout au stade d'une création artistique solitaire comme dans le cas de l'écriture ou de la peinture. Grâce au précieux apport de l'herméneutique, notre recherche de type phénoménologique nous permettra de mieux appréhender les périodes de doute et d'insécurité que vit l'artiste. Elle nous permettra également de mieux percevoir comment il peut en tirer profit en matière d'enrichissement épistémique. Les phénomènes du trac et du chaos intérieur, pourvu qu'ils soient bien compris, habilitent l'interprète de scène à redéfinir plus adéquatement le rôle créatif dont il s'investit. Ils lui donnent aussi l'occasion de se doter d'objectifs professionnels qui s'harmonisent davantage avec sa personnalité profonde, son art et son environnement tout en l'incitant à recourir à des techniques plus adéquates pour ce faire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Communication, Relation, Arts de la scène, Artiste, Oeuvre, Interprétation, Anxiété, Trac, Timidité, Phénoménologie, Herméneutique.
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Marcil, Françoix. „L'apport de la communication dans un processus de changement organisationnel : l'exemple de la pérennisation des activités artistiques et culturelles au Centre jeunesse de Montréal-Institut universitaire“. Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4395/1/M12165.pdf.
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Créé lors d'une fusion en 1992, le Centre jeunesse de Montréal-Institut universitaire (CJM-IU) est une organisation de 3000 employés qui a connu des débuts difficiles. En 2004, la proposition d'animer des activités artistiques et culturelles avec les jeunes formulée par des employés est reçue avec intérêt par la direction. Celle-ci y voit une façon d'associer le personnel au développement des programmes et de susciter son engagement. Aujourd'hui largement implantées, ces activités continuent souvent à être identifiées à une personne et à être offertes de façon restreinte à une portion des jeunes seulement. De plus, la pérennité de ces activités dépend de l'implication et de la disponibilité de certains employés du CJM-IU. En 2009, l'établissement a créé un Groupe de développement composé d'animateurs, d'intervenants et de gestionnaires avec le mandat d'identifier les différentes composantes des activités en arts et culture et les conditions à mettre en place pour assurer la pérennité de celles-ci. En associant les activités artistiques et culturelles à la notion de pérennité, la direction propose ainsi un virage important dans sa façon de les percevoir. Celles-ci sont maintenant définies comme une offre de service de l'établissement et non plus comme des initiatives individuelles. C'est la démarche de réflexion des membres du Groupe de développement menant vers ce changement organisationnel qui fait l'objet ici d'une analyse. Notre recherche-intervention a pour objet l'identification, dans une approche constructionniste, de l'apport de la communication dans le processus de changement organisationnel auquel réfléchit le Groupe de développement. En conclusion, trois fonctions jouées par la communication dans la pérennisation des activités artistiques et culturelles au CJM-IU sont identifiées et décrites. Il s'agit de la vision d'établissement, de la diffusion de "information et du soutien à la stratégie de changement. Bien présentes dans l'établissement, ces fonctions confèrent à la communication une place stratégique mise en lumière par nos travaux.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Centre jeunesse de Montréal-Institut universitaire, changement organisationnel, communication organisationnelle, constructionnisme, conversation, initiatives, métaconversation, pérennisation.
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Rozéfort, Farrah. „Étude de l'apport artistique de l'interculturalité dans la mise en scène de La nuit juste avant les fôrets de Bernard-Marie Koltès à partir des théories de communication interculturelle“. Mémoire, 2006. http://www.archipel.uqam.ca/2124/1/M9177.pdf.
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Cette recherche consiste à étudier l'apport de l'interculturalité dans un processus de création théâtrale en se basant sur les théories de communication interculturelle. La pièce choisie pour l'élaboration de ce mémoire-création est La Nuit juste avant les forêts de Bernard-Marie Koltès. Cette pièce a été interprétée par trois comédiens d'origines culturelles diverses en juin 2004. Le travail en répétition nous a permis de tirer nos conclusions sur la pertinence de la communication interculturelle dans un processus théâtral. Les bases théoriques auxquelles nous avons eu recours sont des ouvrages de Peter Brook, Edward T.Hall, Carmel Camilleri, Adam Kiss et Patrice Pavis. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Communication interculturelle, Bernard-Marie Koltès, Théâtre, Transculturalité, Interculturalité.
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Hellégouarch, Solenn. „De la Bretagne au Québec : le succès de Théodore Botrel (1868-1925), chansonnier breton“. Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/4674.
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La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).Le chansonnier breton Théodore Botrel est connu pour être le père du mouvement de propagande de la Bonne Chanson. Ce mouvement naît dans le contexte montmartrois, alors qu’en 1900, les chansonniers se réunissent en Congrès pour discuter de l’avenir de leur art, malmené par le flot infatigable des chansons de café-concert. Ce combat pour la « saine » culture, c’est aussi celui de la IIIe République au nom de la moralité. C’est dans ce contexte que Botrel, débutant dans les cabarets artistiques parisiens, choisit de ne chanter que sa Bretagne dans un répertoire exempt de grivoiseries. Il s’inscrit alors dans un courant qui embrasse la Belle Époque : le régionalisme. Soucieuse de préserver le particularisme des « petites patries » et face au pouvoir centralisateur parisien, l’élite culturelle régionale entreprend un vaste travail de valorisation des régions. La Bretagne occupe une place particulière dans ce courant en tant que conservatoire de la tradition et principale victime des réformes d’Émile Combes qui s’attaquent aux ferments de son identité : sa langue et sa religion. Ce mouvement trouve écho au Canada français où l’idéologie dominante brandit l’étendard du nationalisme politico-culturel. Parce qu’ils défendent l’idée de la « vocation française » en Amérique et le maintien des « bonnes mœurs », l’élite traditionnelle et les journaux saluent les venues de Botrel au Québec en 1903 et 1922. Patriotique, catholique et conservateur, le chansonnier bénéficie de la conjoncture historico-culturelle québéco-bretonne. De Paris à la Bretagne, puis au Canada, Botrel connaît un succès sans égal.
The Breton cabaret singer Théodore Botrel is known as the father of the propagandist movement of La Bonne Chanson. In the context of Montmartre's culture, the year 1900 sees the creation of this movement during a Congress uniting cabaret artists to discuss the future of their art, scoffed by the tireless torrent of café-concert songs. This fight for “sane” culture is also the one of the Third Republic in the name of morality. It is in this context that Botrel, who makes his debut in the Parisian artistic cabarets, chooses to sing only about Brittany and without bawdy talk. Therefore, he is part of a trend which embraces the Belle Époque : regionalism. Concerned about protecting the distinctive identity of “small homelands” and in the face of Parisian centralizing power, the regional cultural elite begins greatly promoting regions. Brittany occupies a particular place in this trend as conservatory of traditions and as the main victim of the reforms of Émiles Combes which attack the ferments of its identity : language and religion. This movement finds echo in French Canada where the dominant ideology brandishes the banner of politico-cultural nationalism. Because they defend the idea of the “French vocation” in America and seek to preserve “good customs”, the traditional elite and newspapers welcome Botrels’ visits in Quebec in 1903 and 1922. Patriotic, catholic and conservative, the cabaret singer benefits from the historico-cultural circumstances in Quebec and in Brittany. From Paris to Brittany, then in Canada, Botrel knows an unequalled success.
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Klein, Anne. „Archive(s) : approche dialectique et exploitation artistique“. Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11648.
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Les archives sont aujourd’hui utilisées et envisagées hors de leur lieu traditionnel qu’est le service d’archives et souvent même hors de l’action des archivistes. Cette thèse de doctorat propose un renversement dialectique benjaminien dans la conception de l’archivistique dont le point central devient l’utilisation des archives définitives plutôt que la production des documents. Les premiers chapitres retracent les différentes compréhensions des archives depuis la création des institutions nationales au 19e siècle jusqu’au renouvellement opéré par certains archivistes se réclamant de la postmodernité à la fin du 20e siècle. Cette histoire des archives et de l’archivistique montre que les archives définitives sont caractérisées au regard du rapport au passé qu’elles permettent et que les archivistes pensent leur objet depuis la question historiographique de l’écriture de l’histoire. Ainsi, deux conceptions générales des archives coexistent aujourd’hui et apparaissent comme essentiellement contradictoires en ce que l’une (traditionnelle) est centrée sur le créateur des documents et le passé compris comme l’ensemble des actes posés par le créateur, tandis que l’autre (postmoderne) se fonde sur les fonctions sociales des archives et sur le rôle de l’archiviste. L’élément commun à ces deux visions est l’absence de prise en charge théorique des utilisateurs et de l’exploitation des documents.
Or, en suivant les traces et la pensée de Walter Benjamin, nous proposons de penser la double nature des archives comme documents et comme témoignage tout en articulant cette pensée à l’archive comme modalité d’inscription de soi dans le temps. Il en ressort que les archives peuvent être considérées comme une objectivation du passé relevant d’une temporalité chronologique au cœur de laquelle réside, à l’état latent, l’archive potentiellement libératrice. L’exploitation artistique des archives, telle qu’elle est présentée dans le cinquième chapitre, montre comment la notion d’archives explose. En outre, l’observation de ce type particulier d’exploitation permet de mettre au jour le fait que les archives sont toujours inscrites dans des conditions d’utilisation (contexte, matérialité, dispositif, rapport au public) qui sont autant de conditions d’existence de l’archive. Parmi les questions abordées par les artistes celles de la mémoire, de l’authenticité, des archives comme moyen d’appropriation du monde et comme objet poétique sont alors autant de points d’entrée possibles pour revisiter l’archivistique.
Le dernier chapitre synthétise l’ensemble des renouvellements proposés au fil de la thèse de manière implicite ou explicite. Nous y envisageons une temporalité non chronologique où les archives sont un objet du passé qui, saisi par un présent dialectique singulier, sont tournées à la fois vers le passé et vers l’avenir. De nouvelles perspectives sont ouvertes pour l’archivistique à partir des caractéristiques assignées aux archives par les artistes. Finalement, c’est le cycle de vie des archives qui peut être revu en y incluant l’exploitation comme dimension essentielle.This thesis proposes a dialectical reversal in the archival science concept whose central point is the use of archives rather than the production of records. The first chapters outline the various understandings of the archives since the creation of national institutions in the 19th century until a renewed approach done by some archivists defining themselves as postmodernists in the late 20th century. The history of the archives and the archival science shows two coexistent views which appear as essentially contradictory in that one (traditional) is centered on the creator of the records, and the past understood as the set of actions performed by the creator, while the other (postmodern) is based on the social functions of the archives and the archivist’s role. Following the dialectical thought of Walter Benjamin, the fourth chapter proposes to think the dual nature of archives as documents and testimony while articulating that thought about the archive as a means of inscription of self in time. It appears that the archives can be considered as an objectification of the past within a chronological temporality at the heart of which resides, latently, the archive as a potential emancipator. The artistic use of archives as presented in the fifth chapter shows how this particular type of exploitation highlights the fact that the archives are bound by their conditions of use, which are also the conditions of existence of the archive. Among the issues addressed by the artists, those of memory, authenticity, archives as a means of appropriating the world, and as a poetical object become as many possible entry point to revisit the archival science. The last chapter summarizes all the proposed renewals detailed throughout the thesis. We envision a non-chronological temporality where the archives, objects of the past handled by a singular current dialectic, are being oriented towards both the past and the future. New opportunities are being offered for the archival science from the new properties being assigned to the archives by the artists. Finally, it is the life cycle of the archives itself that can be revised by including the exploitation as a key dimension.
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Théorêt, Alexandrine. „« Économies imaginaires », ou les relations entre pratique artistique et économie“. Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/18340.
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L’économie a toujours fait partie des productions artistiques. En effet, que ce soit par les commandes des mécènes, par les coûts des matériaux utilisés ou encore par la mise en vente des œuvres, l’art et l’argent sont deux entités inséparables. Toutefois, les artistes qui représentent et qui s’entretiennent de l’argent et de l’économie dans leurs œuvres se font plus rares. Des représentations du commerce adviennent avant le modernisme. Toutefois, ce n’est que récemment que les artistes se sont mis à s’intéresser aux manifestations de l’économie en les intégrant dans leur pratique.
Existe-t-il actuellement une place dans le monde de l’art pour ce type particulier de production conceptuelle qui réfléchit à des questions économiques ? Notre recherche tourne autour de cette réflexion et explore la vente des productions artistiques à caractère économique sur le marché. C’est sous les termes d’économies imaginaires que nous retrouverons ces productions tout au long de ce mémoire. Nous nous pencherons plus spécifiquement sur la définition de cette pratique particulière, ainsi que sur sa vente dans les galeries et maisons de vente aux enchères.Economy has always been a part of artistic productions. Indeed, whether it be through patronage or by the cost and worth of the materials employed, or even by the selling of the artworks, art and money have always been two inseparable entities. However, artists who represent and deal with money and economy in their work are still quite scarce. We are able to find some representations of trading in ancient artworks, but it is only recently that the artists began to address the various expressions of economy by integrating them into their practice. Is there currently a place in the art world for this particular type of conceptual production that reflects on economic issues? Our research is guided by this topic and explores the sales of this type of artistic productions on the markets. This type of production will be referred to as “imaginary economics” throughout this master’s thesis. We will explore its definition as well as its sales in galleries and auction houses.
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Tampayeva, Zhamila. „La performance artistique à l’ère de l’ubiquité photographique : le cas de Vanessa Beecroft“. Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23780.
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La photographie numérique a transformé les comportements sociaux, en devenant un élément important de nos vies quotidiennes. Ne restant pas à l’écart, le milieu de l’art contemporain a suivi cette tendance. La fin des années 1960 marque l’apparition de l’art éphémère, y compris la performance. Сes courants artistiques au 20e siècle ont incité une documentation des œuvres qui est passée par la photographie. Progressivement, elle a pris une position plus forte, intervenant comme support majeur de la création artistique. En documentant ces œuvres, la dimension éphémère de la performance est remplacée par une certaine matérialité qui devient un moyen de posséder ces œuvres. Vanessa Beecroft, une artiste italienne-américaine, est un exemple parfait qui réunit ces tendances et ces paradoxes. Attaquée par les uns qui critiquent son approche qui « exploite » les femmes, elle est glorifiée comme « féministe » par les autres. Sa production artistique efface en effet les frontières entre le monde réel et l’imaginaire, ainsi qu’entre le monde de l’art légitime et celui de la culture populaire, du marché de l’art et du commerce. Dans notre mémoire, nous étudions les photographies prises pendant les performances de Beecroft en tant qu’objets indépendants, ce qui nous permet de pousser l’analyse sociologique de l’œuvre plus loin, démontrant une série de médiations qui sont au cœur de l’œuvre de l’artiste et qui créent la valeur de son œuvre. Enfin, cette analyse nous permet de placer l’œuvre de Beecroft dans un contexte du marché de l’art plus global.Digital photography has transformed our social behaviour and has become an important part of our daily lives. The contemporary art scene also followed this trend. The late 1960s were marked by the emergence of ephemeral art practices, including performance. These twentieth-century artistic trends prompted an intensified usage of photographic documenting in art. The photographic medium has gradually become a major support for ephemeral artistic creation. The ephemeral dimension of photography has thus become more material, which has in turn allowed possessing these works of art. Vanessa Beecroft, an Italian American artist, is a perfect example of this phenomenon, as her art brings together these tendencies and paradoxes. She has been both criticized for her exploitative approach toward women who participate in her performances and glorified as a feminist artist. Her artistic production erases the boundaries between the real world and the imaginary, as well as between the world of legitimate art and that of popular culture, the art market, and commerce. In my thesis, I study the photographs taken during Beecroft’s performances as independent works of art. This allows me to push the sociological analysis further and to trace a series of mediations that are at the heart of her work and that create the value of these artworks. Lastly, this analysis places Beecroft’s work in the global context of the current art market.
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Blais-Racette, Marianne. „Théorisation et contextualisation des microchromies dans le cheminement artistique et spirituel de Fernand Leduc“. Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/22052.
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Ricard, Marjolaine. „L'art public : les nouveaux modes d'expression artistique et le processus d'intégration en milieu urbain“. Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11872.
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L’art public se présente sous divers modes d’expression artistique dans l’espace public. Qu’il soit permanent, temporaire ou éphémère, qu’il soit singulier, interactif ou participatif, qu’il soit traditionnel ou numérique, l’œuvre intégrée ou insérée dans ce contexte tente d’interpeller le public.
Cette recherche examine l’évolution des modes d’expression artistique dans l’espace public, dans l’espoir de trouver une définition de l’art public. L’étude de cas de la Ville de Montréal est la base de cette recherche pour examiner les nombreuses manifestations de l’art dans l’espace public et ses périmètres. Dans une perspective conceptuelle et transdisciplinaire, sous lesquels nous considérons les approches artistiques, paysagères et politiques dans l’analyse du sujet, nous nous intéressons aux frontières des modes d’expression artistique et les moyens de les représenter. En somme, nous souhaitons saisir ce que l’on considère comme l’art public dans l’aménagement urbain montréalais et générer des connaissances plus générales. Notre revue de littérature et les observations faites sur le terrain révèlent de nouveaux enjeux qui influencent les pratiques artistiques et la perception que peut susciter une œuvre d’art public aujourd’hui. Nous examinons les facteurs qui les influencent à ce jour.
En étudiant la question, nous constatons que la tâche de définir ce qui constitue l'art public est difficile, d'autant plus que les pratiques évoluent constamment. Souvent définie comme une fonction plus cosmétique qu’artistique et dans une logique d'équipement, l'art dans l'espace public joue un rôle passif et fait l'objet de débats et de critiques. Pour le public, l'art public est difficile à discerner bien que sa présence semble être appréciée.
Nos résultats mettent en lumière la complexité des processus politiques, les attentes spécifiques, les règles et modalités oppressantes pour l'artiste, la difficulté à saisir les œuvres d'art et le manque de médiatisation pour sensibiliser le public. Avec la politique d'intégration, l’art dans les espaces publics résulte souvent d'une médiation conflictuelle dans un rapport de compromis et d’attentes contrastées afin que soit réalisée une œuvre. Les résultats permettent de penser que les processus de sélection sont souvent pervers et fermés aux initiatives artistiques. En outre, il serait nécessaire dans ce contexte que les artistes définissent mieux leur statut professionnel et leur pratique.
Malgré des efforts du Bureau d'art public de Montréal, l'art public semble peu perçu sur son territoire. Par ailleurs, les nombreuses discussions avec le grand public portent à l'attention l'absence de médiatisation pour les arts publics sur le territoire de Montréal.Public art comes in various modes of artistic expression in the public space. In this context, whether it is permanent, temporary or ephemeral, if it is singular, interactive or participatory, whether traditional or digital, the integrated or inserted artwork attempts to engage the public. This research examines the evolution of artistic expression modes in the public space, hoping to find a definition of public art. The case study of Montreal City sits at the base of this study to examine the various manifestations of art in the public space and its perimeter. In a conceptual and transdisciplinary approach under which we consider the artistic, political and the landscape boundaries of artistic expression modes and the means to represent them, in order to understand the significance of public art. In short, we wish to seize what is considered public art in the Montreal urban development and generate a more global knowledge. In studying the issue, we find that the task of defining what constitutes public art is difficult, especially since practices are constantly evolving. Often defined to a function more cosmetic than artistic and in a logic of equipment, art in public space plays a passive role and is the subject of debates and criticism. As for the public, public art is hard to discern although its presence seems to be appreciated. Our results highlight the complex political processes, specific expectations, rules, and oppressive methods for the artist, the difficulty in understanding the works of art and the lack of effort to touch the public. With the politics of integration, art in public spaces often result from a mediation conflict in a relation of compromise and contrasted expectations for a piece of art to be achieved. The results allow to think that the selection processes are often perverse and often closed to artistic initiatives. In addition, it is necessary in this context that artists define their professional status and practice. Despite the efforts of the Bureau d’Art Public de Montréal, public art seems to be little perceived on its territory. Incidentally, many discussions with the general public brought to the attention the absence of mediatisation for the public arts on Montreal’s territory.
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Bamdadian, Anahita. „Face au Portrait d’homme de Hans Memling : la valeur artistique et culturelle du paysage“. Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23772.
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Le portrait individuel, qui est toujours marqué par l’autorité et l’identité du modèle, devient un genre accessible pour les riches bourgeois et occupe une place culturelle importante au XVe siècle. Les grands portraitistes, particulièrement dans le nord de l'Europe, maîtrisent ce genre de peinture. Alors que les peintres flamands et les artistes italiens utilisent principalement une échelle similaire pour le portrait, Hans Memling (1433-1494) développe un vocabulaire visuel distinct pour ce genre. Par l’utilisation de paysages verdoyants à l’arrière-plan de ses portraits individuels, peints majoritairement à partir de 1470, Memling déborde des cadres picturaux européens traditionnels plus anciens, enracinés au Moyen Âge.
Ce mémoire représente une analyse minutieuse de l’imagerie du paysage et de son rapport avec les contextes social, culturel et artistique dans les portraits de Memling; et il tente d’éclairer les conceptions de l’identité au XVe siècle. En considérant la structure de la production artistique à Bruges, cette étude examine le rôle de l'identité artistique ainsi que celle du modèle représenté, et la réciprocité de leurs caractéristiques avec la valeur conceptuelle du paysage. L’emploi de vastes paysages par Memling, à l'arrière-plan de ses portraits individuels, révèle une dualité de sens qui a contribué à la valeur unique et extraordinaire de ses œuvres. Cette représentation pourrait être signifiée non seulement par la pensée spirituelle de l’homme de la Renaissance, mais aussi par la définition sociale de la noblesse. En outre, elle pourrait faire référence à l’aspect expérimental et empirique de l’art de Memling.The individual portrait, which is always marked by the authority and identity of the model, became an accessible genre for the rich bourgeoisie and occupied an important cultural place in the fifteenth century. The great portrait painters, especially in northern Europe, excelled at this kind of painting. While Flemish painters and Italian artists mainly used a similar scale for portraiture, Hans Memling (1433 – 1494) developed a distinct visual vocabulary for this genre. By using rich, green landscapes in the background of his individual portraits, painted mostly after 1470, Memling expanded the boundaries of an older European pictorial tradition, which was rooted in the Middle Ages. This thesis presents a careful analysis of landscape imagery and its relation to social, cultural and artistic contexts in Memling's portraits, and attempts to shed light on conceptions of identity in the fifteenth century. Considering the structure of artistic production in Bruges, this study examines the role of artistic identity as well as that of the model represented, and how this reciprocal relationship was represented within the conceptual value of the landscape. Memling’s use of vast landscapes in the background of his individual portraits reveals a duality of meaning that contributed to the unique and extraordinary value of his work. The inclusion of landscapes in a portrait may not only signify the spiritual philosophy of Renaissance man, but may also enhance the social definition of nobility. Moreover, the use of landscape in the portraits refers to the experimental and empirical aspect of Memling's art.
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Le, Corné Alexandra. „Stefano della Bella et Le Vase de Médicis : dessin et éducation artistique au XVIIe siècle“. Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/22063.
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Landry, Marie-Philip. „Nature et paysage dans la littérature artistique et dévotionnelle à l'époque de la Contre-Réforme“. Thèse, 2014. http://hdl.handle.net/1866/11495.
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À l’aide des écrits d’humanistes chrétiens, ayant exercé un contrôle sur la pratique des arts après le Concile de Trente, nous tenterons d’expliquer le développement du genre paysager en peinture. Le cardinal Federico Borromeo, Louis Richeôme ainsi que Jean Calvin figurent parmi les théologiens qui ont contribué à cette littérature chrétienne influente. Nous nous servirons surtout de l’historiographie récente afin de prouver le rôle essentiel joué par la pensée chrétienne dans le développement de la représentation de la nature en art. Prenant appui sur certaines études importantes, nous analyserons des exemples tant picturaux qu’architecturaux qui reflètent cette influence chrétienne sur la perception de la nature. Au préalable, nous tenterons de dresser un portrait de l’environnement culturel et religieux dans lequel ces humanistes chrétiens ont vécu et développé leur pensée. Notre objectif sera de prouver que l’humanisme chrétien a joué un rôle important pour l’essor du paysage à l’époque de la Contre-Réforme. Les sources contemporaines ainsi que leur interprétation par les historiens et les historiens d’art modernes permettront de mieux comprendre le rôle joué par la pensée chrétienne au sein de ce développement artistique.Examining the writings of Christian humanists, who exercised control over the practice of the arts after the Council of Trent, this paper seeks to understand the development of landscape painting in the Early Modern period. Cardinal Federico Borromeo, the Jesuit Louis Richeome and Jean Calvin, are among those theologians who contributed to this influential Christian literature. We will mainly use the recent historiography to demonstrate the essential role played by Christian thought in the rise of the representation of nature into art. Building on some important studies, we will analyze both pictorial and architectural examples that reflect this Christian influence on the perception of nature. First, we will try to paint a picture of the religious and cultural environment in which the Christian humanists lived and developed their thinking. Our goal is to prove that Christian humanism played an important role in the development of landscape representations during the Counter-Reformation. Contemporary sources as well as their interpretation by modern historians and art historians will help us to better understand the role of Christian thought in this artistic development.
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St-Louis, Lamoureux Ariel. „Le documentaire collaboratif : enjeux et pratiques artistiques sous l’angle des dynamiques autochtones-allochtones“. Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23779.
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Ce mémoire de recherche et création propose une étude théorique et artistique des démarches collaboratives en cinéma documentaire. Les enjeux contemporains de la représentation de l’Autre poussent les artistes documentaires à développer des méthodologies innovantes où les relations de pouvoir entre filmeur.euse–filmant–filmé.e sont reconceptualisées. Les volets théorique et créatif de ce mémoire réfléchissent ces enjeux sous l’angle des dynamiques autochtones-allochtones au Mexique et au Canada.
Le premier chapitre se penche sur les relations de pouvoirs coloniales ancrées dans nos sociétés contemporaines et perpétuées dans l’exercice documentaire. L’approche collaborative se présente alors comme une option empruntée par plusieurs artistes, dont Roberto Olivares Ruiz et Iphigénie Marcoux-Fortier. Le chapitre deux se consacre ainsi à l’analyse de leur travail. Les considérations éthiques et pratiques étudiées ont servi au développement du court-métrage Segunda Piel; le chapitre trois expose donc les caractéristiques de la collaboration et du processus créatif qui ont été menées. Enfin, le mémoire conclut en évaluant les limites et les réussites de l’approche documentaire collaborative au niveau du processus créatif et des relations de pouvoirs qui s’y trouvent.This research-creation master’s thesis proposes a theoretical and artistic study of collaborative approaches in documentary film. Contemporary issues of the representation of the Other push documentary artists to develop innovative methodologies where power relations between filmmaker—filming equipment—filmed are reconceptualized. The theoretical and creative components of this thesis consider these issues from the perspective of indigenous—non-indigenous dynamics in Mexico and Canada. The first chapter examines the colonial relationships of powers rooted in our contemporary societies and perpetuated in the documentary exercise. The collaborative approach is presented as an option borrowed by several artists, including Roberto Olivares Ruiz and Iphigénie Marcoux-Fortier. Chapter two is devoted to analyzing their work. The ethical and practical considerations studied served the development of the short film Segunda Piel; therefore, chapter three outlines the characteristics of the collaboration and the creative process that have been carried out. Finally, the thesis concludes by measuring the limits and successes of the collaborative documentary approach in regard to the creative process and inherent power relations.
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Maziade, Marc. „L’élaboration d’un langage musical basé sur la musique traditionnelle québécoise et influencé par les musiques savantes“. Thèse, 2009. http://hdl.handle.net/1866/4675.
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La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU).Le présent travail explique et approfondit la démarche artistique d’un compositeur travaillant à partir de la musique traditionnelle québécoise et cherchant à donner un élan à son travail en s’inspirant des musiques savantes. Il est divisé en trois chapitres dans lesquels on retrouve des analyses détaillées de pièces issues du répertoire traditionnel québécois et des répertoires classique et jazz. Le premier chapitre traite d’œuvres de Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard et Aimé Gagnon en cherchant à préciser les éléments stylistiques qui caractérisent le style d’ici. Le deuxième chapitre analyse les pièces Stolen Moments d’Oliver Nelson et Waltz for Debby de Bill Evans et explore un jazz en équilibre entre conservatisme et innovation. Le troisième chapitre explore deux approches originales à la modalité dans des musiques riches en variations par l’analyse de Pagodes de Claude Debussy et de Ostinato de Béla Bartók. Le quatrième chapitre expose ma démarche.
This work explains and elaborates the artistic approach of a composer that works primarily with traditional Quebec music and wishes to give momentum to his work by inspiring himself with the jazz and classical idiom. It is divided in three chapters in which pieces of the traditional repertoire and of the classical and jazz repertoires are analyzed in detail. The first chapter describes works of Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard, and Aimé Gagnon and aims at defining some stylistic elements specific to Quebec's traditional style. The second chapter addresses the pieces Stolen Moments by Oliver Nelson and Waltz for Debby by Bill Evans and explores a jazz in balance between conservatism and innovation. The third chapter deals with original approaches to modality through the analysis of two musical pieces rich in variations: Pagodes by Claude Debussy and Ostinato by Béla Bartók. The fourth chapter presents my own creative process.
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Couture, Ariane. „Institutions et création musicale à Montréal de 1966 à 2006 : histoire et orientations artistiques de la Société de musique contemporaine du Québec, des Événements du Neuf, de l'Ensemble contemporain de Montréal et du Nouvel Ensemble moderne“. Thèse, 2013. http://hdl.handle.net/1866/10753.
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La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU).Cette étude vise à mettre en lumière le rôle important de la Société de musique contemporaine du Québec, des Événements du Neuf, de l’Ensemble contemporain de Montréal et du Nouvel Ensemble Moderne, quatre organismes qui ont présenté en concert 515 programmes de musique contemporaine au Québec entre 1966 et 2006. Ces sociétés se distinguent en fonction des genres représentés, des générations d’artistes, mais aussi de l’évolution des esthétiques. Toutefois, elles ont en commun le même objectif qui est de faire connaître la musique contemporaine en commandant, créant et diffusant les œuvres incontournables du répertoire contemporain d’ici et d’ailleurs. De plus, ces sociétés servent à la fois de médiateur entre le public et les créateurs et de catalyseur d’événements artistiques marquants, comme la Symphonie du millénaire (SMCQ) ou le Forum international des jeunes compositeurs (NEM). L’étude historique et l’analyse des orientations artistiques et des activités de concerts de la SMCQ, des Événements du Neuf, de l’ECM et du NEM permettront de dévoiler une nouvelle dimension de l’histoire musicale au Québec au cours de la seconde moitié du XXe siècle. Une fois posées les balises historiques qui entourent la fondation des sociétés à l’étude, une analyse détaillée de leur programmation met en relief l’appartenance des œuvres des compositeurs les plus connus à des courants esthétiques particuliers. Cette analyse est réalisée à partir de l’inventaire des concerts qui retrace de la façon la plus précise possible les données factuelles les concernant (date, lieu, titre), les noms des compositeurs et les titres des œuvres, l’instrumentation et les interprètes. Au final, l’analyse des concerts met en évidence le développement d’un répertoire de musique contemporaine au Québec à travers de grands axes de programmation. On peut ainsi mieux comprendre en quoi ces sociétés ont joué un rôle essentiel dans le développement des tendances esthétiques variées et en quoi elles ont ainsi modelé le milieu de la création musicale québécoise pendant quarante ans.
This study aims to bring to light the important role of four organizations who presented through concert 515 contemporary music programs in Quebec between 1966 and 2006: Société de musique contemporaine du Québec, Événements du Neuf, Ensemble contemporain de Montréal, and Nouvel Ensemble Moderne. These groups are unique in terms of genre, artist generation, and evolution of esthetics. However, they share the same objective, which is to spread awareness of contemporary music by commissioning, creating, and diffusing inescapable pieces of the contemporary repertoire locally and internationally. Furthermore, these societies serve at once as mediator between the public and the artists, and as catalyst for notable artistic events, as the Symphonie du millénaire (SMCQ), or the Forum international des jeunes compositeurs (NEM). The historical study and the analysis of the artistic directions and of the activities of SMCQ, Événements du Neuf, ECM, and NEM will allow for the unveiling of a new dimension of music history in Quebec during the second half of the 20th century. Once the historical markers that surround the foundation of the societies under consideration have been laid out, a detailed analysis of their programming underlines the particular esthetic trends to which the work of the best-known composers belongs. This analysis is accomplished by taking as precise inventory of the concerts as possible, which retraces the concert data (date, place, title), the composers’ names, the titles of the pieces, the instrumentation, and the interpreters. Finally, the analysis of the concerts displays the main programming principles underlying the development of a contemporary music repertoire. This allows better understanding of how these societies have contributed on varied esthetical tendancies development and how they shaped the milieu of Québécois musical creation during forty years.