Dissertationen: „Arts et environnement“

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Canevet, Rozenn. „Ambiance versus "ambiente" : essai d'une généalogie en art, architecture et design“. Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083966.

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Il est désormais admis que la seconde moitié du XXème siècle a mis à mal l’hégémonie du régime scopique au profit d’une immersion psychosensorielle. En sont nées un certain nombre de productions - tant en art qu’en architecture ou design -, jouant sur des expériences psychologiques plus que sur des formes stables, favorisant la temporalité à l’immédiateté, le processus au signe. Si les termes installation ou environnement ont fait usage, celui d’ambiance est resté inconsidéré. Or, en le prenant comme fil rouge, on s’aperçoit de sa portée fondamentale tant sur les plans artistiques que technologiques ou idéologiques. Mais c’est avant tout son opposition fonctionnelle – son versus – avec le terme italien ambiente qui s’avère particulièrement édifiant. A l’heure où l’on parle d’artiste architecte ou de designer artiste, il semble essentiel de rappeler que si ces termes sont communs à ces disciplines, leurs enjeux diffèrent sensiblement selon leurs champs d’application. L’ambiance s’accorde aux notions de format, de signes, de conditionnement en exacerbant le potentiel dissociatif des technologies. Elle s’oppose aux caractéristiques de l’ambiente comparables à l’expérience d’un paysage physique comme mental où la temporalité fait acte. La relation de l’individu au monde est ainsi réinterrogée comme l’idéal utopien de la conscience du sujet. Car si le caractère éminemment moderne d’ambiance comme d’ambiente est incontestable, c’est pourtant toute une critique de l’esthétique moderniste de l’autonomie qui se tisse dans leurs déclinaisons de formes des années cinquante à nos jours
It is now accepted knowledge that in the second half of the 20th Century the predominance of a retinal system has been replaced by psycho-sensory immersion. From this, a certain number of works in art, architecture and design – based more on psychological experiences than on traditional forms – have grown, advocating temporality over immediacy and the process of representation. If the terms installation and environment have become common currency, that of ambiance still remains negligible. Following through this train of thought we become aware of the significance of the term, whether artistic, technological or ideological but it is above all in its role -– as counterpart – to the Italian term ambiente that proves to be particularly instructive here. At a time when an artist could be construed as an architect, the designer an artist, it would appear essential to remember that the terms common to these aforementioned disciplines could have potentially encourage crossover and dialogue, their goals and their scope however differ significantly, depending on their implementation. Hence, ambiance is consistent with the concept of size, of representation, of conditioning, highlighting the potential of disassociation between technologies. This is in opposition to the characteristics of ambiente that conform more to the experience of a physical or mental landscape where the relation between the individual and the world is re-examined as the utopian ideal of ones own consciousness. If the eminently modern characteristic of ambiance as ambiente is undeniable, it remains nevertheless a critique of the modernist aesthetic of autonomy that has from the 1950's to the present day woven through their variant forms

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Fouilleul, Martin. „Un environnement de programmation temporelle pour le spectacle vivant et les installations artistiques“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2023. http://www.theses.fr/2023SORUS016.

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Le temps est un aspect fondamental de tout spectacle vivant, et de bon nombre d’installations artistiques. Les dispositifs techniques participent à un riche réseau d'interactions temporelles avec les interprètes humains et le public. Dans ce contexte, les techniciens et les artistes ont besoin d’outils pour planifier et contrôler les scénarios temporels de leurs œuvres. Dans ce travail, nous présentons un environnement appelé Quadrant, destiné à concevoir et mettre en œuvre des scénarios temporels. Ces scénarios peuvent être utilisés pour piloter divers aspects techniques de spectacles, comme lancer des sons ou des vidéos, contrôler des lumières, etc. Nous explorons une approche hybride entre un langage de programmation et un logiciel de conduite de spectacle. Cet environnement comporte un éditeur structuré opérant sur un arbre de syntaxe combinant des éléments textuels et graphiques. Ceci permet de spécifier algorithmiquement des scénarios, tout en exprimant des transformations temporelles continues grâce à des courbes de tempo. Les scénarios sont compilés à la volée vers un bytecode exécuté par une machine virtuelle. Un ordonnanceur coopératif organise l’exécution de flux concurrents le long d'axes temporels multiples, utilisant des dates et des délais symboliques. Le temps symbolique est traduit en temps réel par le biais de courbes de tempo, pour lesquelles nous fournissons un formalisme en termes d'équations différentielles. La machine virtuelle fournit un flux d'informations à l'éditeur, qui peut ainsi afficher ces informations directement dans le code du programme. Ceci permet à l'utilisateur de visualiser la progression du scénario pendant la performance
Temporality is a critical aspect of live shows and art installations. Technical artifacts and processes participate in a rich network of temporal interactions with the human performers and/or the audience. In this context, technicians and artists need tools to plan and control the temporal scenarios of their show or installation. In this work we present Quadrant, a programming environment for designing and performing temporal scenarios. Such scenarios can be used to drive various technical aspects of live shows and art installations, such as audio and video playback, lights, or mechatronics. We explore a hybrid approach aimed at bridging the gap between a programming language and a show controller. Our environment features a structure editor operating on a syntax tree that combines textual tokens and user interface widgets. This allows specifying scenarios algorithmically, while expressing continuous time transformations using graphical curves. Scenarios are compiled on-the-fly into a bytecode run by a virtual machine. A cooperative scheduler organizes the execution of concurrent flows along multiple time axes, using abstract dates and delays. Abstract time is mapped onto wall-clock time through the use of time transformations, specified as tempo curves, for which we provide a formalism in terms of differential equations. Tempo curves can be built from cubic Bézier curves. The virtual machine feeds back execution informations to the structure editor, which uses it to highlight executed statements and display progress wheels and status icons directly in the code. This allows an operator to easily monitor the progression and the temporality of the scenarios

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Gagnon, Dominique. „Le paysage et ses rapports avec l'art, la nature et l'environnement“. Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/38740.

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Cette thèse/œuvre démontre, dans la partie thèse, comment l’art pictural a joué un rôle clé dans la formation et l’évolution du concept de paysage en Occident de la Renaissance au XXe siècle et comment ce genre pictural a contribué à ancrer notre intérêt pour les paysages pittoresques matériels et leur représentation. L e déroulement de l’histoire du mot « paysage » qui est apparu simultanément dans différentes langues à la Renaissance est d’abord passé en revue. Les différentes théories sur le concept de paysage sont ensuite présentées. Puis les concepts de nature et d’environnement sont développés dans leur rapport avec le paysage. La dernière partie traite du corpus présenté en accompagnement de la thèse, dans le contexte où les arts visuels peuvent à nouveau jouer un rôle à l’époque actuelle pour réévaluer et éventuellement nous aider collectivement à réinventer notre rapport à la nature, au paysage et à l’environnement.
This thesis in research/creation will develop in the research portion, how painting has played a major role in the evolution and formation of the concept of landscape in Western civilization, from the Renaissance to the 20th century. It will explain how landscape painting has contributed to our present fascination in the ‘picturesque’ landscape, and its representation. The evolution and transformation of the word ‘landscape’, which emerged simultaneously in several European languages during the Renaissance will be summarized. The various theories on the concept of landscape will be presented, and the concepts of ‘nature’ and ‘environment’ will be developed in relation to the landscape. The last part is dedicated to the body of work linked to this thesis. It expresses how the visual arts may now, as during the Renaissance and several centuries after, play a role in the reevaluation and re-creation of our relationship to nature, landscape and the environment.

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Gaudreau, Roger. „Du temps de la terre au jardinage d'art“. Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1996. http://theses.uqac.ca.

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Mémoire (M.A.)--Université du Québec à Chicoutimi, 1996.
"Communication de recherche présentée pour l'obtention du grade de maître es arts (M.A.)" CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU

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Delfino, Max. „Le tourisme en Méditerranée : situations et perspectives“. Aix-Marseille 3, 1994. http://www.theses.fr/1994AIX32045.

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L'objectif de cette these est d'une part, de donner des elements de reflexions afin de mieux apprecier la totalite des incidences de l'activite touristique sur l'espace mediterraneen et d'autre part, d'attirer l'attention sur le nouveau role que le tourisme peut jouer dans une politique de protection de l'environnement physique et d'epanouissement de l'homme, en vue d'un developpement solidaire et durable. La premiere partie indique quelle est la situation actuelle de l'environnement general en mediterranee. Cet environnement general qui est envisage sous trois angles, environnement physique, environnement demographique et environnement socioeconomique, permet de noter les differences entre le nord et le sud du bassin. La deuxieme partie definit les facteurs de la demande et mesure l'activite touristique des pays mediterraneens. La troisieme partie recense les incidences du tourisme sur l'economie, sur les environnements physique et socio-culturel des milieux d'accueil en mediterranee. La quatrieme partie qui donne des elements de prospective propose deux methodes necessaires a une meilleure approche du tourisme et de l'ensemble de ses retombees ainsi qu'une nouvelle conception du tourisme
The purpose of this thesis is on the one hand to provide something to lean on so that the whole incidence of tourist activity upon the mediterranean space may be better estimated, and on the other hand to draw attention to the new part which can be played by the tourist industry as regards a policy preserving the physical environment and the blooming of man with a joint and soustainable development in mind. The fisrt part points out what the present situation of the general environment in the mediterranean area is. This general environment which is considered from three points of view i. E. Physical, demographic, socioeconomic draw attention to the differences between the northern side and the southern side of the area. The second part specifies the factors of the demand and measures the tourist activity in mediterranean countries. The third part makes an inventory of the incidences of tourism upon the economy, the physical and sociocultural environments of the accomodating countries in the mediterranean. The fourth part together with a prospective study suggests two necessary methods to a better approach to tourism and its various effects as well as a new idea of tourism

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Leflot, Thomas. „La correspondance des arts chez Vincent d’Indy : étude de ses pratiques musicales, picturales et de ses écrits au regard de son environnement socio-culturel, philosophique et artistique“. Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040120.

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Célèbre compositeur et enseignant, Vincent d’Indy est moins connu pour l’intérêt qu’il porta tout au long de sa vie aux beaux-arts. Il pratiqua le dessin et la peinture pendant plusieurs décennies et parcourut l’Europe à la recherche des plus beaux sites historiques et des plus fameux musées. Sa fréquentation des artistes et des mécènes dans les Salons et les expositions lui permit d’avoir de fructueux échanges avec de nombreux plasticiens. Son obsédante référence à la nature dans ses aquarelles apparaît également dans ses poèmes symphoniques ou ses opéras. Cette thématique bucolique s’inscrit dans une sphère d’influence romantique qui jalonne ses compositions. Enfin, son approche de l’histoire de la musique est réhaussée de multiples références esthétiques. Elles nous éclairent sur ses influences, d’Émile Mâle à John Ruskin en passant par Félicité de Lamennais
The celebrated composer and professor Vincent d'Indy is less well-known for his lifelong interest in the arts. He drew and painted for many decades, and he travelled throughout Europe looking for the most beautiful historical sites as well as the most famous museums. Associating with artists and patrons of art in salons and exhibitions enabled him to benefit from contact with numerous painters or sculptors. His constant reference to nature in his watercolours was also apparent in his symphonic poems or operas. This rustic theme places him in a field of romantic influence in which compositions blaze a trail. Also, his approach to the history of music is heightened by the many aesthetic references which throw light on his influences, such as Émile Mâle, John Ruskin or Félicité de Lamennais

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Verron, Damien. „" De Leitrim à Sligo " : des sessions de musique traditionnelle instrumentale à danser irlandaise : systématique, interactions musique/environnement“. Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00939408.

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Instants et espaces investis par la musique, les sessions sont actuellement en Irlande un marqueur d'expression culturelle.En surface, celles-ci peuvent être définies en tant que regroupement prévu ou spontané de plusieurs musiciens dans le but de faire de la musique et de passer un agréable moment ensemble. Toutefois, un travail d'enquête réparti sur sept années de recherches dans le nord-ouest irlandais a révélé qu'en profondeur, les sessions représentent un phénomène socioculturel complexe, phénomène social autant que musical, fait musical autant que social, édifice symbolique mixte tissé d'interactions dont la combinatoire à chaque fois renouvelée implique un jeu de relations entre facteur individuel et les stratégies collectives qui, radicalement, affectent l'ensemble de la structure de l'évènement.Comprendre le fonctionnement d'une session revient alors à poser un certain nombre de questions ayant pour finalité de révéler la manière dont les deux pôles du social et du musical se trouvent, en même temps que distincts, inextricablement liés, à partir d'une procédure de mise en série, il est proposé d'apprécier les liens entre structure et contexte à travers l'analyse comparée d'un corpus de 26 pièces musicales, collectées dans le cadre de 7 situations de sessions distinctes. Il s'agit d'observer si 1)les spécificités sonores immanentes d'une performance musicale en session dépendent des rapports entretenus par les musiciens et leur environnement ; et si 2) des indices musicologique tangibles de cela existent, en même temps que suffisent à rendre compte des différents processus interactionnels auxquels on les suppose liés - l'idée en question étant bien ici celle d'une possible incarnation des faits interactionnels lesquels, figés en quelque sorte dans la musique, s'inscrivent dans le produit symbolique à l'instar pourrait-on dire du fossile prisonnier de la roche. Le sonore, comme objet formerait alors le témoin matériel d'une réalité symbolique mixte, la musique, aux contours restant toutefois à définir sur bien d'autres plans.

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Guillaume, Ann. „I can swin home : Recherche-création sur deux territoires méditerranéens autour de l'art et du vivant“. Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2022. http://www.theses.fr/2022COAZ2006.

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Cette thèse de création dont le maître objet est un moyen métrage – I Can Swim Home (I C S H) – s’inscrit dans le contexte du renouvellement des formes et des pratiques plastiques, dans un contexte où le climat général est en crise (environnement, sanitaire, économie, politique, institutionnel). Quels potentiels de l’art permettent-ils toutefois d’envisager un horizon commun ? Comment l’art et la recherche se proposent t-ils d’expérimenter et d’inventer des outils, des formes partageables, des alternatives concrètes pour renouveler nos modes d’échange, de partage, d’attention, d’adresse et d’imaginaire ? L’angle adopté dans ce doctorat ne consiste pas à recenser des formes plastiques au travers d’une histoire de l’art, mais à saisir ce qui, dans leur motif, relève du désir de « collectif » de l’artiste, et même du travail du « commun » comme œuvre principale. Il s’agit de revenir à cette vérité première de l’art comme « instauration » d’une communauté ouverte, tant par le concernement écologique de l’artiste que par son inscription dans une éthique du soin (care).De ce fait, le travail artistique oscille bien entre la polarité négative d’une crise de la production/reproduction à l’heure de l’Anthropocène et la polarité positive d’une quête d’identité par la pluralité des inscriptions environnementales et sociales de l’artiste. Quant aux pratiques mobilisées ici, en adéquation avec le parti-pris théorique,I Can Swim Home expérimente les voies de l’enquête sur la « reconnexion » (de l’artiste au milieu de l’art, de l’art au vivant) à partir de deux terrains méditerranéens, la Villa Arson et les Îles de Lérins. I Can Swim Home est une œuvre multiforme, constituée d’un film de fiction, de nombreux moments collectifs d’intensification de l’expérience esthétique, d’un carnet de recherche donnant libre cours aux intuitions et questionnements de l’artiste, et d’une analyse critique sur la pratique artistique mobilisant entités et personnes au bénéfice de l’invention plastique
This creation/thesis revolves around a medium-length film – I Can Swim Home (I Can Swim Home), questioning the renewal of forms and the artist’s practice in a context of global crisis (environmental crises, health crisis, economical, political and institutional crisis.) What leads may art provide toward envisioning a communal horizon? How may art, through research and experimentation, contribute to invent tools and practical alternatives allowing us to renew our modes of exchanging, sharing, attention, and imagining? This research doesnot aim to make an inventory of forms throughout art history, but to underline what, in the patterns encountered therein, might reveal the artist’s desire to invoke the collective, and to invoke commonality as the nature of the work itself. I C S H aims to go back to one of art’s primary truth: the “inauguration” of an open community, relying upon both the ecological concern of the artist and their adhesion to an ethics of care. The work of the artist will therefore oscillate between the negative pole of the crisis of production/reproduction in the era of the Anthropocene, and the positive pole of a quest for an identity through the plurality of their environmental and social inscriptions. In line with this theoretical stance, through the multiplicity of practices it implements, I C S H constitutes an experiment in investigating “reconnection” (between the artist and the art world, between art and the living), situated in two Mediterranean sites, the Villa Arson and the Lerins Islands.I Can Swim Home is a multiform comprehensive work including a fictional film, a number of collective moments of intensification of the aesthetical experience, a research notebook documenting the artist’s intuitions and questioning, and a critical analysis of the artist’s practice, inviting entities and individuals to partake into the aesthetic invention

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Dutil, Daniel. „L'in situ trans-site, selon une perspective de l'interactionnisme symbolique“. Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1994. http://theses.uqac.ca.

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Mémoire (M.A.)-- Université du Québec à Chicoutimi, 1994.
Cette communication a été réalisée à l'Université du Québec à Chicoutimi dans le cadre du programme de maîtrise en arts plastiques de l'Université du Québec à Montréal extensionné à l'Université du Québec à Chicoutimi. CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU

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Bernardes, Proença Renata. „Les transformations de la relation artiste - oeuvre - spectateur à travers de l'art de Joseph Beuys, Hélio Oiticica et Robert Smithson“. Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0091.

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Une recherche sur les transformations du rapport entre l'art et son spectateur qui ont profondément changé le monde de l'art dans les années 60-70 et dont la marque ne cesse de se faire sentir. « L’œuvre » et les espaces de l'art sont repensés: ils sont invariablement considérés trop limités pour pouvoir exprimer les désirs de ces artistes, qui veulent tous élargir la notion et le champ de l'art. C'est donc un rapport social inédit qui prend place dans la sphère culturelle. Il s'agit d'une étude de ce phénomène social à travers les productions et l'expérience de l'art de Joseph. Beuys, Hélio Oiticica et Robert Smithson, trois exemples emblématiques appartenant à trois cultures différentes : l'allemande, la brésilienne et l'américaine. Ce processus de transformation de l'attitude interne de l'artiste par rapport à son "œuvre" et au spectateur est analysé à partir du surgissement des premiers objets-concepts jusqu'au développement d'un art environnemental
The phenomenon of the transformation between art and the spectator had changed considerably the art world during the 1960's and 1970's and continues to do so until today. The notion of the art work, in relation to the art spaces, have been revaluated: They are considered very limited to express the desires of those artists that want to expand the notion and the art field as a whole. Therefore, a new social rapport took place in the cultural scene. My research is about this social phenomenon, studied through the artwork and the artist's creative experience of Joseph Beuys, Hélio Oiticica and Robert Smithson; three symbolic examples representing three different cultures: German, Brazilian and American. The process of transformation of the artist, in relation to his work and the spectator, is analyzed since the appearance of the first conceptual objects until the development of environmental art

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Rasmi, Jacopo. „une écologie des méthodes documentaires.à partir d'écritures filmiques et littéraires de l'Italie contemporaine“. Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019GREAL001/document.

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Cette recherche se structure autour de quelques pratiques documentaires dans le contexte italien contemporain : Michelangelo Frammartino, Gianni Celati, Pietro Marcello… Étudiées en tant que méthodes particulières de médiation et d’écriture parmi de nombreuses autres agençant l’univers médial actuel, ces expériences nous révèlent leur spécifique statut écologique. C’est à une écologie générale (socio-politique, perceptive et symbolique) qu’on se réfère : celle qui a été proposée par des théoriciens tels que Felix Guattari, Tim Ingold ou Bruno Latour. Fidèles à un certain empirisme habitant ainsi qu’à une attention interactive envers nos milieux, ces créations documentaires captent, questionnent et racontent l’ensemble enchevêtré de présences composant nos milieux. Malgré un intérêt cinématographique prioritaire (pour Michelangelo Frammartino, d’abord), les théories et les exemples mobilisés permettent de définir une catégorie de « documentaire » capable d’inclure des formes médiales très variées comme la littérature (à travers Gianni Celati, surtout) ou le théâtre sur la base d’un principe commun d’enquête appareillée des environnements qu’on habite. Entre les lignes de ce paradigme écologique et trans-médiale du documentaire nous identifions les coordonnées d’une manière plus soutenable et attentive d’habiter les milieux complexes (autant « naturels » que sociaux, techniques et sémiotiques) dans les lesquels nous sommes toujours déjà impliqués. Elle est inaugurée par d’autres récits et d’autres perceptions de ce qui nous entoure qu’on appellera des « contre-fictions »
This research takes place among some documentary practices in the contemporary Italian field : Michelangelo Frammartino, Gianni Celati, Pietro Marcello… Studied as specific methods of mediation and writing in the middle of many others organizing today’s medial world, these experiences reveal us their specific ecological status. We refer to a general ecology (socio-political, perceptive and symbolic) : the one that has been defined by thinkers like Felix Guattari, Tim Ingold or Bruno Latour. Devoted to an empirical dwelling as much as to an interactive attention towards our environments, these documentary creations record, question and narrate the entanglement of presences composing our milieux. Despite a fundamental cinematic interest (first of all for Michelangelo Frammartino), the theories and the exemples taken into account allow us to define a category of « documentary » capable of including other medial forms like literature (through Gianni Celati, above all) or theatre on the basis of a commun technical exploration of the environments we dwell in. Between the lines of such an ecological and trans-medial concept of documentary we spot the landmarks of a more sustainable and attentive way of living the multilayered environments (« natural » as well as social, technical and semiotic) in which we are always already involved. Such an alternative way of living begins with other storytellings and other perceptions of what surrounds us that we will call « counter-fictions »

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Manneh, Alice. „Environnements technologiques et développement de compétences en arts appliqués : étude des représentations d'enseignantes et d'enseignants du collégial“. Sherbrooke : Université de Sherbrooke, 2002.

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Manneh, Alice. „Environnements technologiques et développement de compétences en arts appliqués étude des représentations d'enseignantes et d'enseignants du collégial“. Mémoire, Université de Sherbrooke, 2002. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/536.

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La réforme de l'enseignement au collégial se traduit par l'implantation de nouveaux programmes développés par compétences et par l'intégration des TIC aux activités pédagogiques. Les programmes en arts appliqués comprennent des compétences en résolution de problèmes et en créativité. Cette recherche s'est intéressée aux représentations d'enseignantes et d'enseignants relatives au développement de ces compétences par les TIC. La recension des écrits a permis d'étudier différents concepts de compétence, de résolution de problèmes et de créativité et de colliger des résultats d'études faites sur les effets pédagogiques de l'utilisation des TIC. Le protocole des entrevues portait sur les différences entre nouveaux et anciens programmes, sur la résolution de problèmes et la créativité, sur les TIC, leur utilisation et leur incidence sur le développement de ces compétences. L'interprétation des données fut l'occasion d'exposer des réflexions au niveau pédagogique, au niveau de la conception des environnements technologiques et au niveau du profil enseignant.

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Tremblay, Denys. „La sculpture environnementale : point de vue historique, articulation conceptuelle et illustration“. Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080197.

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La mutation envirionnementale de la sculpture s'effectue lorsque des artistes impliquent les contextes de presentation dans de nouvelles relations esthetiques et existentielles avec l'oeuvre. Avec le litchrequisit, moholy-nagy s'empare arbitrairement du contexte quotidien de presentation en projetant sur lui un spectacle d'ombres et de lumieres. Avec fountain, duchamp qualifie arbitrairement d'artistique un objet quotidien en voulant l'exposer dans un contexte artistique de presentation. Dans ces deux exemples, les artistes realisent des sculptures dependantes du contexte environnant et tributaires de l'evenement qu'elles y produisent. Ces oeuvres manifestent un art en interaction avec la vie et expriment une dominance esthetique ou existentielle selon que l'objet sculptural est decrete arbitrairement quotidien ou que l'objet quotidien est decrete arbitrairement artistique. En suivant le cheminement de smithson, de christo et de l'illustre inconnu, nous realisons que certains artistes contemporains developpent et approfondissent davantage les processus existentiels et esthetiques impliques par leurs oeuvres. En effet, ces artistes proposent et negocient des projets artistiques qui s'enracinent davantage dans le substrat culturel et social d'une localite. De plus, ils inaugurent une mutation "regionaliste" de la sculpture environnementale en permettant de transcender le temps et le lieu meme de la localite concernee. Le resultat sculptural prend alors la forme d'un really-made, c'est-a-dire un acte d'art introduit dans le champ de la vie et assume a la fois comme art et comme vie par des responsables locaux devenus des partenaires a part entiere. La deuxieme partie de la these relate les experimentations pratiques de l'auteurartiste. Ce dernier opere des rituels protocolaires dans diverses localites a titre d'illustre inconnu de l'impouvoir-peripherique. Il procede a l'inhumation de l'histoire de l'art metropolitaine recuperee au centre pompidou a paris. Plus tard, il negocie un protocole d'entente unique en son genre pour la sauvegarde de sculptures contemporaines a chicoutimi. De plus, il elabore les plans d'un pavillon thematique et universitaire tout a fait revolutionnaire. Veritable contrat contemporain et local entre l'art et la vie, la these devient elle-meme un really-made lorsqu'elle invite le lecteur a l'accepter comme "unite volumetrique" de base de l'auteur.

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Michel, Aurélie. „Objets-environnements, des interfaces biomimétiques entre arts plastiques et design, en France, de 1993 à nos jours“. Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2012. http://www.theses.fr/2012LORR0420.

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L’observation des productions actuelles fait apparaitre une tendance à l’hybridation des disciplines. Ce constat touche en particulier un type de pratique design, qui s’oriente de plus en plus vers la conception d’objets en petites séries ou en pièces uniques, interrogeant le rapport de l’usager aux espaces familiers et plus spécifiquement à la sphère intime. Bien que la plupart des designers refusent le rapprochement de leur travail avec les Arts Plastiques, il n’en demeure pas moins que certains d’entre eux adoptent des démarches analogues à celles des plasticiens. La formulation de cette hypothèse interroge la validité des catégories en vigueur et la légitimité des lois qui président à leur constitution. Par ailleurs, la production des designers qui intègrent une démarche similaire à celles des artistes se construit sur un mode évolutif, faisant croître l’objet vers l’installation, une forme de pénétrable que peut expérimenter le spectateur/usager. Il suffit d’examiner les variations d’échelles et la répétition modulaire créant une architecture mouvante chez Ronan et Erwan Bouroullec pour comprendre les glissements opérés entre l’unité et l’environnement qu’elle construit. La manipulation des échelles questionne, au cœur de l’espace même (qu’il s’agisse du cadre institutionnel de l’exposition ou de la sphère personnelle de chaque individu), la classification des objets, ainsi que leur hiérarchisation. Ces problématiques sont propres à un type de pratique, dont la poïétique use du détournement des produits de la nature et, notamment, des trois règnes animal, végétal et minéral. La transposition de pratiques naturalistes visant à établir un dépaysement par l’objet (au sens d’un déplacement hors d’un contexte habituel) découle d’une réflexion autour des modalités de l’hybridation. Ainsi, lorsqu’on se penche sur les textes jalonnant l’histoire naturelle et, en particulier sur ceux traitant des problématiques de classification, d’Aristote à Pline l’Ancien, en passant par la nomenclature de Carl von Linné, on remarque la récurrence (ou « survivance » pour reprendre la formule initiée par Georges Didi-Huberman), d’éléments situés dans l’entre-deux. Ces « types », que nous pouvons qualifier d’« aléatoires » révèlent un déplacement constant de la norme et questionnent la détermination du monstre. À partir de quel moment pouvons-nous juger du caractère anormal de tel élément ? N’existe-t’il pas des objets, qui, tout en présentant tous les « symptômes » du monstre coïncident malgré tout avec les modèles établis ? L’analyse des pratiques actuelles convoquant des démarches de création à la croisée des Arts Plastiques et du design révèle une influence profonde de ce type de fabrique pour un imaginaire scientifique, qui prend sa source dans le theatrum mundi des cabinets de curiosités. D’ailleurs, on observe, depuis le début des années 1990 (et surtout suite à la constitution de la collection d’art contemporain Curios & Mirabilia par Jean-Hubert Martin en 1993, visant à confronter un lieu chargé d’histoire, le château d’Oiron à la production d’artistes divers) une recrudescence des expositions empruntant la forme des cabinets de curiosités, afin de susciter un intérêt renouvelé pour l’objet d’art et en particulier les échos foisonnants entre les artefacts (œuvres et objets d’art, même s’ils prennent l’apparence d’installation) et l’univers poétique de la nature, manifestation viscérale d’un retour aux origines. Ainsi, l’emprunt symbolique de la figure des « zoophytes » ou plantes-animaux, mentionnés dans les traités d’histoire naturelle les plus anciens nous permet d’interroger la transversalité des pratiques artistiques qui cherchent à provoquer un décloisonnement des disciplines, en faisant de l’objet une entité située à la croisée des démarches de création
The observation of the actual artistic productions shows a trend towards a hybridization of disciplines. This statement concerns particularly a type of design practices which is increasingly shifting towards objects manufactured in small quantity, even in unique pieces questioning the relations between the users and their familiar spaces and more specifically their intimate sphere. Even though most designers reject the comparison of their production with plastic arts, we can see that some of them have adopted approaches similar to those of plasticians. The formulation of this hypothesis brings up the questions of the validity of classifications and the legitimacy of the laws presiding to their constitution. Furthermore, the production of designers who integrate similar approaches to those of artists is built on an evolutive mode, the object being developed towards art installation, a form of penetrability a spectator/user can experience. By examining the scales variations and the modular repetition creating a fluid architecture in Ronan and Erwan Bouroullec design, we can understand the shifts operated between the piece and the environment it builds. Scales manipulation questions at the heart of the space itself the established objects classifications as well as their hierarchization (in domestic space and in exhibitions too).These issues are specific to a type of practice, which the poetic uses, of diverted natural products and especially the three systems : vegetal, animal and mineral. The transposition of naturalistic practices aiming at bringing a change through the object ( in the sense of placing it out of the usual context ) derives from considerations around the processes of hybridization. Thus, when one looks at natural history writings, and, in particular, those of Aristotle, Pliny the Elder or the nomenclature of Carl von Linné, we notice the recurrence ( or” survivance” to use the expression initiated by Georges Didi- Huberman) of elements located in an in-between space. Those types that we can describe as “random practices” reveal a constant displacement of the norms and question the determination of the monster. At which moment, can we designate an element as being abnormal? Aren’t there objects which, while presenting all the characteristics of the monster, coincide nonetheless with established models ? The analysis of actual practices standing at a crossroad between plastic arts and design reveals a profound influence from this type of process for a scientific imaginary inspired by the theatrum mundi of the curiosities cabinets. Moreover, we can observe since the beginning of the 1990ies (in particular, following the constitution of the contemporary art collection “Curios & Mirabilia” by Hubert Martin, aiming at confronting a place charged with history , Oiron Castle, to the production of various artists) a resurgence of exhibitions using curio cabinets forms. The aim is to renew the interest in artifacts and especially the relations of those manufactured objects and the poetic universe of nature, a manifestation of visceral attachment to primitive origins. Thus, the symbolic use of the figure of “zoophytes” or animal-plants, mentioned in the most ancient natural history treaties helps to show the transversality of artistic practices trying to dismantle the partitions between disciplines by placing the object as an entity at the crossroad between the creation processes. Through artists, designers and actors of institutions interviews, we can identify too major types of practices inscribed in a fertile prolongation of nature : a type of art which uses the formal aspects of flora and fauna to create a common vocabulary for art and design, alongside with a type of production transposing natural mechanisms which become creation protocols applied to the conception of objects

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Pollet, Solvejg. „Création musicale et environnements sonores“. Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20049.

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@Depuis plusieurs années, la problématique du paysage sonore est au coeur des recherches menées par différents scientifiques et laboratoires universitaires. Cette notion, mise en évidence au milieu des années mille neuf cent soixante-dix par le compositeur canadien R. -Murray Schafer, développe une prise en compte de l'univers sonore quotidien, par le biais d'une écoute active. La dimension qualitative des sons de l'environnement constitue alors une orientation nouvelle qui mobilise l'attention de certains urbanistes, architectes et acousticiens dont les études considéraient jusque là la globalité sonore en termes de quantification et de nuisance. Une équipe pluridisciplinaire, réunie par le sociologue Jean-François Augoyard, oeuvre à décloisonner les champs des connaissances et des pratiques du sonore. Aujourd'hui, devant un monde en transformation dans sa conception et sa perception, la notion de bruit et les schèmes d'écoute se modifient. Qu'en est-il alors de la réflexion des compositeurs? Sous cet angle particulier du paysage sonore existe un passé historique de la création musicale. S'inscrivant dans l'évolution de la musique du XXème siècle, les démarches compositionnelles qui intègrent cette dimension des sons du quotidient révèlent des approches novatrices aux esthétiques multiples. Depuis la prise de conscience insufflée par Pierre Schaeffer et rejoignant aussi les préoccupations des plasticiens et des artistes du Land Art, les compositeurs développent une écriture avec et pour le paysage sonore. Cette conception d'une création "entre catégories" s'inscrit directement dans un mouvement de postmodernité. La mise en écho de ces oeuvres permet d'établir quelques repères au sein d'une production diversifiée. Cet élargissement du champ de la création musicale contemporaine suscite une remise en question du statut du compositeur. Ce dernier se situe ici dans un rôle de médiateur et répond alors à une nécessité dictée par les mutations qui transforment en profondeur les contextes sociaux. Ces oeuvres tentent de renouer un dialogue avec le public qu'elles sollicitent par des propositions d'écoute à la croisée des chemins du quotidien, des pratiques de vie et de l'oeuvre artistique
The @question of soundscape has been at the centre of scientific and university laboratory research for several years. This notion brought to the fore in the mid-seventies by the Canadian composer R. -M. Schafer is a consideration of the daily sound environment through active listening. The qualitative dimension of the environment sounds in thus a new orientation for urbanists, architects and acousticians whose research had focused until then on the totality of sound in terms of quantity and nuisance. A multidisciplinary team under the sociologist J. -F. Augoyard in working on the separation of spheres of knowledge and sound practices. Today, when conception and perception of the world are changing, both the notion of sound and listening schemes are being modified. What of the thought of composers in all this? This particular angle on soundscape has a history in musical creation. Rooted in the evolution of XXth century music in musical compositions which integrate this dimension of daily sounds, they reveal innovative approaches with various aesthetic characteristics. Since the awareness inspired by P. Schaeffer along with the concerns of plastician and Land Art artists, composers have developed writing with and for soundscape. This conception of an "entre catégories" creation comes directly within the of a postmoderne movement. The linking and comparing of these works is a means of establishing a few points of reference within a diversified production. This widening of the field of contemporary musical creation provokes a questioning of the composer's status. The latter assumes the role of a mediator and must therefore adapt to the mutations which deeply transform social contexts. These works attempt to renew a dialogue with the public by offering them listening works which combine everyday life, ways of living and works of art

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Michel, Aurélie. „Objets-environnements, des interfaces biomimétiques entre arts plastiques et design, en France, de 1993 à nos jours“. Thesis, Université de Lorraine, 2012. http://www.theses.fr/2012LORR0420.

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L’observation des productions actuelles fait apparaitre une tendance à l’hybridation des disciplines. Ce constat touche en particulier un type de pratique design, qui s’oriente de plus en plus vers la conception d’objets en petites séries ou en pièces uniques, interrogeant le rapport de l’usager aux espaces familiers et plus spécifiquement à la sphère intime. Bien que la plupart des designers refusent le rapprochement de leur travail avec les Arts Plastiques, il n’en demeure pas moins que certains d’entre eux adoptent des démarches analogues à celles des plasticiens. La formulation de cette hypothèse interroge la validité des catégories en vigueur et la légitimité des lois qui président à leur constitution. Par ailleurs, la production des designers qui intègrent une démarche similaire à celles des artistes se construit sur un mode évolutif, faisant croître l’objet vers l’installation, une forme de pénétrable que peut expérimenter le spectateur/usager. Il suffit d’examiner les variations d’échelles et la répétition modulaire créant une architecture mouvante chez Ronan et Erwan Bouroullec pour comprendre les glissements opérés entre l’unité et l’environnement qu’elle construit. La manipulation des échelles questionne, au cœur de l’espace même (qu’il s’agisse du cadre institutionnel de l’exposition ou de la sphère personnelle de chaque individu), la classification des objets, ainsi que leur hiérarchisation. Ces problématiques sont propres à un type de pratique, dont la poïétique use du détournement des produits de la nature et, notamment, des trois règnes animal, végétal et minéral. La transposition de pratiques naturalistes visant à établir un dépaysement par l’objet (au sens d’un déplacement hors d’un contexte habituel) découle d’une réflexion autour des modalités de l’hybridation. Ainsi, lorsqu’on se penche sur les textes jalonnant l’histoire naturelle et, en particulier sur ceux traitant des problématiques de classification, d’Aristote à Pline l’Ancien, en passant par la nomenclature de Carl von Linné, on remarque la récurrence (ou « survivance » pour reprendre la formule initiée par Georges Didi-Huberman), d’éléments situés dans l’entre-deux. Ces « types », que nous pouvons qualifier d’« aléatoires » révèlent un déplacement constant de la norme et questionnent la détermination du monstre. À partir de quel moment pouvons-nous juger du caractère anormal de tel élément ? N’existe-t’il pas des objets, qui, tout en présentant tous les « symptômes » du monstre coïncident malgré tout avec les modèles établis ? L’analyse des pratiques actuelles convoquant des démarches de création à la croisée des Arts Plastiques et du design révèle une influence profonde de ce type de fabrique pour un imaginaire scientifique, qui prend sa source dans le theatrum mundi des cabinets de curiosités. D’ailleurs, on observe, depuis le début des années 1990 (et surtout suite à la constitution de la collection d’art contemporain Curios & Mirabilia par Jean-Hubert Martin en 1993, visant à confronter un lieu chargé d’histoire, le château d’Oiron à la production d’artistes divers) une recrudescence des expositions empruntant la forme des cabinets de curiosités, afin de susciter un intérêt renouvelé pour l’objet d’art et en particulier les échos foisonnants entre les artefacts (œuvres et objets d’art, même s’ils prennent l’apparence d’installation) et l’univers poétique de la nature, manifestation viscérale d’un retour aux origines. Ainsi, l’emprunt symbolique de la figure des « zoophytes » ou plantes-animaux, mentionnés dans les traités d’histoire naturelle les plus anciens nous permet d’interroger la transversalité des pratiques artistiques qui cherchent à provoquer un décloisonnement des disciplines, en faisant de l’objet une entité située à la croisée des démarches de création
The observation of the actual artistic productions shows a trend towards a hybridization of disciplines. This statement concerns particularly a type of design practices which is increasingly shifting towards objects manufactured in small quantity, even in unique pieces questioning the relations between the users and their familiar spaces and more specifically their intimate sphere. Even though most designers reject the comparison of their production with plastic arts, we can see that some of them have adopted approaches similar to those of plasticians. The formulation of this hypothesis brings up the questions of the validity of classifications and the legitimacy of the laws presiding to their constitution. Furthermore, the production of designers who integrate similar approaches to those of artists is built on an evolutive mode, the object being developed towards art installation, a form of penetrability a spectator/user can experience. By examining the scales variations and the modular repetition creating a fluid architecture in Ronan and Erwan Bouroullec design, we can understand the shifts operated between the piece and the environment it builds. Scales manipulation questions at the heart of the space itself the established objects classifications as well as their hierarchization (in domestic space and in exhibitions too).These issues are specific to a type of practice, which the poetic uses, of diverted natural products and especially the three systems : vegetal, animal and mineral. The transposition of naturalistic practices aiming at bringing a change through the object ( in the sense of placing it out of the usual context ) derives from considerations around the processes of hybridization. Thus, when one looks at natural history writings, and, in particular, those of Aristotle, Pliny the Elder or the nomenclature of Carl von Linné, we notice the recurrence ( or” survivance” to use the expression initiated by Georges Didi- Huberman) of elements located in an in-between space. Those types that we can describe as “random practices” reveal a constant displacement of the norms and question the determination of the monster. At which moment, can we designate an element as being abnormal? Aren’t there objects which, while presenting all the characteristics of the monster, coincide nonetheless with established models ? The analysis of actual practices standing at a crossroad between plastic arts and design reveals a profound influence from this type of process for a scientific imaginary inspired by the theatrum mundi of the curiosities cabinets. Moreover, we can observe since the beginning of the 1990ies (in particular, following the constitution of the contemporary art collection “Curios & Mirabilia” by Hubert Martin, aiming at confronting a place charged with history , Oiron Castle, to the production of various artists) a resurgence of exhibitions using curio cabinets forms. The aim is to renew the interest in artifacts and especially the relations of those manufactured objects and the poetic universe of nature, a manifestation of visceral attachment to primitive origins. Thus, the symbolic use of the figure of “zoophytes” or animal-plants, mentioned in the most ancient natural history treaties helps to show the transversality of artistic practices trying to dismantle the partitions between disciplines by placing the object as an entity at the crossroad between the creation processes. Through artists, designers and actors of institutions interviews, we can identify too major types of practices inscribed in a fertile prolongation of nature : a type of art which uses the formal aspects of flora and fauna to create a common vocabulary for art and design, alongside with a type of production transposing natural mechanisms which become creation protocols applied to the conception of objects

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Zattoni, Olivier. „Cyberespace et paysage : regards croisés sur la ville et les environnements digitaux“. Thesis, Nice, 2014. http://www.theses.fr/2014NICE2041/document.

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Cette recherche porte sur les enjeux symboliques, artistiques et représentationnels liés à la démocratisation des appareils connectés. Car l’écran, désormais envisagé dans sa mobilité, fait non seulement office de fenêtre ouverte sur le monde (Alberti), mais plus encore, il compose un vaste paysage où le cyberespace, monde virtuel aujourd’hui à portée de tous, se combine avec un réel mis à distance, fragmenté, puis recomposé. Ainsi en va-t-il de nos trajectoires se dessinant sur Google Maps, de cette ville qui apparaît comme un nouveau texte à déchiffrer et sur laquelle les appareils connectés juxtaposent de nouvelles cartes. Dès lors se dessine, dans la frénésie informative que nous proposent ces objets techniques d’un nouveau genre, une vision de la technique participant de ce que Michel de Certeau appelait une ’sensibilité partagée’. Cette sensibilité, acquise à mesure que les dispositifs informatiques se sont perfectionnés, tisse de nouveaux réseaux d'associations entre l'individu et son milieu. Par conséquent, là où l’histoire et la théorie de l’art ont mis au jour un certain nombre de questions relatives à la surface, au cadre, au plan, la cybersensibilité actuelle s'inscrit dans une histoire non seulement technique, mais également optique. La ville, et sa symbolique du territoire, se présente non pas comme décor mais se donne à voir tel un terrain de jeu (sandbox) propice à de nouvelles explorations. Considérant ce maillage inédit de perspectives, nous garderons de la cybersensibilité sa formidable aptitude à reconsidérer le milieu urbain ou numérique suivant de multiples points de vue qui sont autant de nouvelles tactiques de nouvelles approches
This research focuses on symbolic, artistic and representational issues linked to Web and connected systems, such as mobile phones and tablets. Because the screen, i.e. the monitor, is now considered in its mobility, it has to be perceived as a window opened toward the outside. However, the monitor also sketches a lanscape where cyberespace, beyond its logical nature, has to be combined with a reality that aftermath becomes fragmented and recomposed. This applies to the steps we spread while walking in the street, soon transcribed in data on our smartphone : from a simple walk to a track that edges into the city. In this context, city becomes a kind of text and digital artefacts participate to its rewriting, juxtaposing new maps. As city represents the fragmented and the multiple, cyberspace implies a vision of urbanity where man merges himself with technology in a specific way: virtual worlds, along with videogames, science-fiction litterature and movies bring us back to the cyberpunk movement, and before, with the ’shock’ of cities experienced during the modernity by Georg Simmel and Walter Benjamin. This chaos of senses, space and time which defines modern cities is also typical of a technological power that tends to lead the society. Far from orwellian visions, the current advanded technology, although it appears crossed by political, technological and social matters, has to be situated in the context of cybersensbility. Actually in this era of networks and mature technology stands a new vision of technology that implies new practices, new attempts, and makes the cybersensibility concept tangible, as it is opposed to a passive conception in the use of technologies

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Sicardy, Bruno. „Étude observationnelle, analytique et numérique des environnements planétaires : applications aux anneaux de Saturne et d'Uranus et aux arcs de Neptune“. Paris 7, 1988. http://www.theses.fr/1988PA077204.

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Nous présentons dans cette thèse les résultats que nous avons obtenus sur les anneaux planétaires entre 1980 et 1987. Plusieurs techniques ont été employées (imagerie, occultation stellaire, approche analitique, simulation numérique). Elles ont permis en particulier de mesurer l'épaisseur équivalente des anneaux de Saturne, d'obtenir une haute résolution spatiale sur les anneaux d'Uranus, et de découvrir les arcs de Neptune. Des résultats sur les profils de température et la stucture turbulente des stratosphères d'Uranus et de Neptune sont également présentés. Les approches analytiques et numériques nous ont permis d'autre part de mieux préciser le rôle respectif des résonances de Lindblad, des corotations et des collisions inélastiques dans les anneaux planétaires. Notre code numérique permet en particulier de suivre l'évolution d'arcs de matière autour d'une planète, et pourrait expliquer les observations faites autour de Neptune.

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Park, Sook-Young. „Le cinétisme dans la sculpture des années 60 : prémisses-évolution“. Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080998.

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Notre recherche a porte sur le cinetisme dans la sculpture des annees 60, a travers les quatres mediums qui expriment le mouvement : la technologie : l'utilisation de la technique electrique puis de l'electronique montre l'evolution de la conception du mouvement dans la sculpture, qui va de la rotation de la construction-meme au processus de transformation de la construction ; la force de la nature ; l'utilisation de ce medium a pour consequence d'obliger l'artiste a exposer son oeuvre en plein air, la ou il peut exploiter les forces de la nature ; la lumiere artificielle : grace a ses possibilites de dessiner des formes illimitees dans l'espace, la sculpture en mouvement s'ouvre sur le nouveau domaine de l'art de l'environnement ; la participation du spectateur : la sculpture se transforme d'oeuvre d'art, en proposition plastique qui sollicite la participation du spectateur. En conclusion, l'objet d'art comme une oeuvre materielle, achevee, independante et unique se transforme en oeuvre ephemere, dematerialisee, et multiple
This study treats kinetism in sculpture in the sixties through four mediums which express movement : technology : the use of electric then electronic techniques shows the evolution of the concept of movement in sculpture form the physical rotation of the sculpture itself, to its process of transformation ; force of nature : the result of using this medium is that the artist is compelled to exhibit out of doors where he can exploit nature's forces ; artificial light : due to the possibilties of frawing limitless forms in space, sculpture in movement opens into the new domain of enviromental art ; spectator participation : sculpture transforms from work of art to a plastic proposition which solicits spectator's participation. In conclusion, the "objet'art" as a material, self-contained, indepenent and unique work is transformes into one that is ephemeral, dematerialised et multiple

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Yum, Myung-Soon. „Les figures humaines et leur environnement dans les tableaux de Valerio Adami“. Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010512.

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Valerio Adami est un des rares peintres qui s'adonnent à la représentation des figures humaines. Le corps humain occupe le centre de ses toiles, tantôt défiguré, tantôt mutilé, témoignant de notre vie actuelle menacée par la technologie, la pression sociale et l'aliénation. Dans les œuvres des années 1960-1970, il s'agit de dépeindre une réalité sociale oppressante, où homme est réduit à une construction mécanisée dans un espace clos. À travers le thème urbain, le peintre dénonce le système qui détruit notre humanité et la crise de notre époque. Vers 1975, le changement de tournure du peintre accompagne celui des thèmes. Des éléments de la mythologie et des éléments de l'autobiographie du peintre jouent un rôle important. Il donne une nouvelle dimension aux thèmes mythiques. Adami détruit la représentation conventionnelle en cherchant à trouver une nouvelle image de l'existence humaine. Il réinvente les structures du corps ainsi que celles de leur environnement.

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Chen, Chiao. „Interactivité et dissolution de la structure Autre dans les environnements d'inerfaces transparentes“. Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010669.

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En s'appuyant sur douze situations de mise en oeuvre d'environnements à interfaces transparentes (EIT), cette thèse examine ce qui peut arriver à un individu, l'interacteur, plongé dans un environnement préparé où une machine analyse différentes données de sa présence en' même temps qu'elle suspend, ou subvertit, le modèle stimulus-réponse dans le rapport homme-machine. Quelles sont les conditions de la mise en relation interactive de l'homme avec cette machine? Quelle est la nature de l'altérité des EIT ? Comment cette machine, qui ressortit à la prothèse, ne s'intègre-elle pourtant pas complètement dans la double logique de' la prothèse ? Enfin, quid de la temporalité dans ces environnements où les trois registres du temps (passe, présent, avenir) s'interpénètrent et se télescopent de telle sorte que l'interacteur expérimente un certain ébranlement de la logique de causalité ?

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Sohn, Youngsil. „L' énonciation en photographie en tant que tension entre le matériau et l'idée : étude d'analyse sémiotique du discours photographique dans un environnement numérique“. Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082627.

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L’énonciation, acte de parole, permet d´analyser de manière significative l’activité d’un sujet. C´est également le cas du travail basé sur la sémiotique subjectiviste. L’énonciation en tant que tension entre matériau et idée dérive des caractéristiques à la fois artistique et technique de la photographie. Notre analyse du discours photographique de Barbara Kruger montrent qu’à un niveau stratégique, l´artiste nous invite au jeu de l’énonciation par la combinaison entre la photographie et le texte. Il semble clair que la recherche systématique de l’image amène à comprendre de façon effective la genèse du sens à travers la position du sujet et ses corrélations intersubjectives, et contribue à la compréhension approfondie du sens des images. La recherche sur l’énonciation en photographie à travers l’approche théorique et les analyses des oeuvres photographiques nous retracent les caractéristiques du médium photographique
Enunciation, as an activity of speech, allows to analyze in a significant way the activity of a subject. This is also the case of the work based on subjectivist semiotics. The enunciation as tension between material and idea results of the characteristics both artistic and technical of photography. Our analysis of Barbara Kruger’s photographic discourse shows how at a strategic level, this artist invites us in the enunciation game by means of the combination of picture and text. It seems clear that the systematic study of the image helps us to understand in an effective way the genesis of the meaning through the position of the subject and its intersubjective correlations, and contributes to the profound understanding of the meaning of the images. The study on photographic enunciation through a theoretical approach and the analysis of the photographic works reveals the characteristics of the photography medium

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Trapani, Roberta. „Patrimoines irréguliers en France et en Italie : origines, artification, regard contemporain“. Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100087.

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Depuis les années 1930, un lent processus d’« artification » investit des lieux de vieembellis par leurs propres habitants avec des techniques improvisées. Considérés àl’origine comme des curiosités locales, ces sites sont révélés au monde de l’art par lessurréalistes, qui amorcent leur documentation. Dans l’après-guerre, ils connaissent uneréception de plus en plus enthousiaste au sein de certains milieux artistiques et serontannexés successivement à l’art médiumnique, à l’art naïf, à l’art brut, à l’outsider art, àl’architecture fantastique, entre autres, donnant lieu à une pléthore de définitions. Cesenvironnements irréguliers seront alors considérés souvent comme l’expressionspontanée d’impulsions intérieures, sans influences ni tradition. Cette thèse propose derevenir aux origines de cette forme artistique, en révélant le mouvement circulaire qui larelie, d’une part, aux cultures populaires et, d’autre part, aux courants officiels del’histoire de l’art contemporaine. Elle examine également les conditions de sa réceptions,dans un contexte dominé jusque dans les années 1970 par le paradigme primitiviste,avant de se concentrer sur la multiplication des initiatives qui, depuis la fin des années1970, marquent un renouvellement du regard. Tout au long, les environnementsirréguliers sont questionnés dans leur faculté à associer des notions fondamentales –art, culture, marginalité, architecture, grotesque, baroque, ornemental, entre autres – età être saisis comme un outil opératoire désignant une forme d’authenticité artistique ouculturelle
Since the 1930s, a slow process of « artification » invested living spaces decorated bytheir own inhabitants with improvised techniques. Originally regarded as localcuriosities, these sites have been introduced to the artistic world by the Surrealists, whobegan their documentation. In the post war period, they have been seen with increasingenthusiasm in some artistic circles and then have been linked to mediumistic art, naiveart, art brut, outsider art, fantastic architecture, among others, creating a plethora ofdefinitions. Irregular environments have often been considered as the spontaneousexpression of inner impulses, without influence or tradition. This thesis proposes toreturn to the origins of this form of art, revealing the circular movement that connects it,on one hand, to the popular cultures and, on the other hand, to the officials movementsof the history of contemporary art. It also examines the conditions of its own reception,in a context dominated until the 1970s by the primitivist paradigm, before of focusing onthe many initiatives that, since the late 1970s, brought a renewed look. All along,irregular environments have been questioned in their ability to combine fundamentalconcepts - art, architecture, culture, marginality, ornamental, among others - and to betaken as an operational tool for a form of artistic or cultural authenticity

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Younes, Elhem. „Poïétique de l’indiscernable : approche esthétique de la perception dans les environnements virtuels et oniriques“. Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080017.

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Poïétique de l’indiscernable est une approche esthétique des modalités perceptives et imageantes déployées dans la relation aux environnements virtuels et oniriques. Elle désigne dans notre recherche-création, un état de conscience singulier et l’ensemble des qualités esthétiques d’une image. L’analyse détaillée des phénomènes du rêve, de l’hallucination, de l’imagination ainsi que des illusions perceptives, fondée sur une étude transdisciplinaire alliant science et phénoménologie, révèle les différents régimes de mise en jeu d’une conscience immersive et d’un sentiment de présence dans leur rapport causal à l’esthétique de l’indiscernable propre aux images oniriques. Le rêve, pris comme modèle de référence pour la mise en place d’une expérience onirique, nous a permis d’apprécier les conditions nécessaires et suffisantes à l’instauration d’un état d’indiscernabilité qu’il fallait compléter par les théories cybernétiques spécialisées en la matière. A partir de cette étape d’investigation les enjeux pratiques liés à notre démarche artistique se sont articulés. Ils concernent le processus même de génération d’un ensemble d’images numériques animées et d’une matière virtuelle destinée à une expérience interactive en temps réel et les dispositifs de mise en relation des spectateurs avec ces dernières. L’esthétique de l’indiscernable doit être le résultat d’une poïétique de l’indiscernable basée sur le principe de conversion créative caractéristique des phénomènes oniriques étudiés. Les images générées doivent éveiller l’imaginaire grâce à la structure intrinsèque et extrinsèque, instaurer une poïétique du regard et donner à vivre un état d’indiscernabilité
Poietics of the indiscernible is an aesthetic approach to perceptual and imaginary modalities deployed in relationship to virtual and oneiric environments. In our research-creation, it designates a singular state of consciousness and a set of aesthetic qualities of an image. A detailed analysis of dreaming, hallucination, imagination and perceptual illusions phenomena based on a transdisciplinary research linking science and phenomenology, reveals different challenging regimes putting at stake both an immersive consciousness and a sense of presence in their causal link to the aesthetic of the indiscernible proper to oneiric images. Dreaming, taken as a model reference for the establishment of an oneiric experience, allowed us to assess the necessary and sufficient conditions for triggering a state of indiscernibility that had to be completed by cybernetic theories specialized in this matter. From this investigation step practical issues related to our artistic approach have been hinged. The latter deals with the creation process of a range of digital animations and a virtual matter intended for a real time interactive experience, and the apparatus for putting spectators through them. The aesthetic of the indiscernible must be the result of Poietics of the indiscernible based on creative conversion, which is the essential principle of the studied oneiric phenomena. The computer-generated images have to awaken one’s imaginary by means of the intrinsic and extrinsic structures, establish a Poietic of gaze and eventually give rise to a state of indiscernibility

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Bergère, Raphaël. „Ecopoïèses : enjeux écologiques de la création artistique à l'ère des nouveaux médias“. Thesis, Toulouse 2, 2015. http://www.theses.fr/2015TOU20076.

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Les rapports que l’homme entretient avec son environnement semblent évoluer au fil des nombreuses découvertes scientifiques et technologiques. En effet, ces dernières engendrent de nouvelles manières d’intervenir sur le monde qui nous entoure. À l’ère des biotechnologies, des nanotechnologies, du numérique, des réseaux et des nouveaux systèmes audiovisuels, nos possibilités d’interactions avec le monde sont en mutation. Il semblerait bien qu’en explorant ces nouveaux médias pour réaliser des œuvres, de nombreux artistes interrogent la complexité des systèmes écologiques et technologiques qui nous environnent. Lorsqu’ils posent un regard critique sur ces technologies, ou inventent de nouveaux modèles systémiques, cela ne serait-il pas souvent des manières de nous inciter à nous réapproprier nos milieux de vie ? Le travail d’écriture mené au long de cette thèse entreprend d’étudier comment, dans les pratiques artistiques contemporaines, la notion d'écologie peut être revisitée au regard des technologies et des nouveaux médias. Nous avançons l’hypothèse qu’une étude des relations entre l’art et son (ou ses) environnement(s) en articulation avec les nouveaux médias puisse nous aider à repenser nos manières humaines d’habiter le monde. Nous proposons d’employer le terme « écopoïèse » pour désigner de manière générale les processus de création qui ont des enjeux écologiques. Il s’agit alors d’élaborer une pensée qui tient compte des relations complexes et systémiques que les créateurs, les œuvres et les spectateurs entretiennent avec leur environnement
Man's relationship with his environment seems to evolve following a pattern similar to that of the discoveries of science and technology, which bring about new ways to interact with the world. Now in the age of biotechnology and nanotechnology, of digital networks and new audiovisual media, our capacity to act in the world mutates accordingly. In their practice of new media in order to produce their works, many artists question the complexity of the ecological and technological systems that surround us. When they seem to criticize these technologies or try to create new systemic models, is it not often their way of encouraging us to claim ownership of our very habitats? This dissertation studies the ways in which ecology may be revisited through the use of new media and technologies in contemporary artistic works. Our hypothesis is that a study of the relation between art, the environment(s) where it is displayed and the new media it uses may help us rethink the way we inhabit the world. Tentatively, we suggest the word « ecopoiesis » to qualify the creative processes in which ecology is at stake. The goal is to come up with a notion of the complex and systemic relations that the artists, the works of art and the audience have with their environment

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Abbes, Naoufel. „Design virtuel : enjeux des technologies numériques dans l'évolution des modes de conception des objets et de leurs environnements“. Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084081.

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Cette recherche a pour objet d’interroger les enjeux des technologies numériques et leurs impacts sur le processus de conception en design. Il s’agit de cerner les conditions permettant aux technologies numériques de contribuer à redéfinir le monde virtuel et proposer des interactions qui aboutissent à des manifestations réelles. Comment l’objet, le corps et l’espace, parviennent-ils à s’hybrider par le biais d’interfaces qui impliquent l’interaction ou l’immersion ? Dans quelle mesure ces technologies rendent-elles nécessaire la scission de frontière entre le réel et le virtuel ? A quelles conditions l’espace peut-il se déconstruire au profit d’une matérialisation qui dépasse les notions a priori pour établir de nouvelles expériences spatiales ? Le corps habitué à des sensations tangibles et palpables peut-il, dans ces conditions, accéder à de nouvelles sensations ? Le propos de cette thèse consiste à étudier comment l’interférence du concepteur avec les environnements virtuels interpelle des données cognitives et ergonomiques. Comment ces données déterminent des procédés spécifiques pour l’utilisation des outils numériques et proposent des approches propres à la démarche complexe de la conception. Hypothèse est ici débattue que le processus de conception évolue et trouve de nouvelles opportunités à travers l’utilisation des technologies numériques. Il s’agit de montrer que de nouveaux outils et de nouvelles méthodes numériques peuvent s’inscrire dans la continuité du processus de conception traditionnel et présenter pour le concepteur, des avantages permettant d’acquérir de nouvelles possibilités d’idéation, de créativité, de représentation, de simulation, d’évaluation et de conception collective
This research paper aims to examine the stakes of digital technologies and their impact on the design process. The focus, therefore, is to identify the conditions that enable digital technologies to contribute to redefining the virtual world and providing interactions that lead to the actual realization of the design. How do the digital object, body and space manage to hybridize through interfaces which involve interaction and immersion? To what extent do theses technologies blur the boundary between the virtual and real world? What are the conditions required for the space to deconstruct to the benefit of a realization which transcends the a priori notions in order to set up new spatial experiments? Could the virtual body, which is accustomed to objective and palpable sensations, gain new ones under these conditions? The purpose of this thesis is to investigate how the interference of the designer with the virtual environments involvers cognitive and ergonomic data. How do these data determine specific procedures for the use of digital tools and suggest approaches to the complex design process. The assumption hereby debated is that the design process is evolving and creating new opportunities through the use of digital technologies. This paper intends to show how new tools and digital methods can be part of the traditional design process while creating advantages that allow the designer to acquire new opportunities of ideation, creativity, representation, simulation, evaluation and collective design

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Saint-Girons, Franck. „Marginalité et innovation culturelle dans les friches urbaines : un enjeu dans l'aménagement du territoire“. Pau, 2004. http://www.theses.fr/2004PAUU1004.

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Abordée en sciences humaines et sociales surtout à partir des années 1970, la marginalité a été étudiée par diverses disciplines scientifiques, dont la géographie et en particulier la géographie sociale. Souvent confondue et utilisée pour caractériser l'exclusion, elle a connu une dérive sémantique la faisant alors apparaître comme subie. Or, pourquoi ne pas entrevoir dans la marginalité un choix volontaire selon lequel l'individu devient un sujet actif œuvrant à l'élaboration de sa propre vie et de son cadre de résidence ? Les marges s'apparentent dès lors à des laboratoires de l'innovation et de la création, développant une idéologie, des normes et des valeurs propres à chacune d'elles. Les sujets en marge s'inscrivent plutôt comme des contributeurs indirects à l'aménagement du territoire et au développement local. Ainsi, en s'appuyant sur les friches urbaines investies en France par des mouvements créatifs, nous montrons les dynamiques, processus et mécanismes qui peuvent faire qu'une marge puisse devenir une centralité au cœur de processus de recomposition et de redéfinition territoriales, vecteurs de nouvelles approches planificatrices, d'aménagement du territoire et de développement local
Marginality was first tackled especially from the 1970's and was analysed by various scientific disciplines, for instance by geography and more particularly by social geography. It was often confused and used to characterise exclusion, and it also knew a shift in meaning so that it was then regarded as subjected. However, why not define marginality as a voluntary choice which will enable the individual to become an active subject who will be shaping their own life and their surroundings. Margins, from then on, come down to laboratories for innovation and creation, thus developing an ideology, standards, and distinct values. Subjects in margin indirectly contribute to the town and territory planning as well as to the local development. Thus, relying on urban wastelands invested in France by creative movements, we aim at showing the dynamics, the process and the mechanisms thanks to which a margin can become a centre of the process of territorial reconstruction and redefinition, leading to new planning approaches and new approaches of territory planning and local development

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Chen, Chu-Yin. „Systèmes autonomes en création artistique numérique : la vie artificielle : développement génétique et comportemental de créatures virtuelles en environnement évolutif“. Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA081985.

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Initiée au dessin automatique par Li Chun-Shan, ce mode d'expression par l'automatisme psychique est devenu ma démarche artistique personnelle. Le dessin automatique est, pour moi, une ontogenèse qui s'apparente à la Vie, semblant provenir de la même caractéristique essentielle : l'autonomie, point de repère de toute cette recherche. Un système vivant autonome se construit, se régule et définit son identité par son autopoièse. Cette création artistique numérique fait apparaître un monde virtuel et imaginaire. Des créatures autonomes subsistent à partir de ressources provenant d'un environnement conçu comme une biosphère. Une vie artificielle naît de la mise en oeuvre d'automates cellulaires pour un environnement actif, d'une morphogenèse de créatures virtuelles par algorithmes génétiques. . .

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Matheron, Corine. „Des productions artistiques et culturelles pour protéger la nature ?“ Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2023. http://www.theses.fr/2023PA030009.

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Depuis longtemps, l’art environnemental est implicitement associé à la préservation de la nature. Le dérèglement du climat a récemment amplifié le recours à la création artistique pour favoriser la « transition » écologique. A partir de l’analyse de projets culturels et d’œuvres d’art tournés vers la protection de la nature, cette thèse interroge les termes du dialogue entre artistes, professionnels de la culture, scientifiques spécialistes de l’environnement, écologues, amenés à participer à l’émergence des projets dans les territoires. Le croisement des regards apparaît comme une condition nécessaire à des choix pertinents pour soutenir l’émergence d’actions artistiques et culturelles adaptés.L’évidence du recours à l’art et à la culture pour préserver la nature est pourtant mise à mal, tant par la faiblesse de cette approche pluridisciplinaire, que par les multiples questions qu’ouvre le rapprochement entre art, culture et écologie : la diversité des représentations de la nature, la multiplicité des priorités des sciences de l’environnement, la variabilité des orientations des politiques publiques.L’effervescence autour du thème « culture et écologie », inspirant des approches variées (programmation engagée, projets écoresponsables, actions éducatives,etc) confirme malgré sa prégnance, un grand cloisonnement qui restreint les imaginaires.Ce travail aborde différents débats situés à l’interface des cultures professionnelles, susceptibles d’orienter les choix et d’éviter les écueils du greenwashing, dont celui de l’assimilation de la logique environnementale à un phénomène de mode.Parmi les pistes, la question de la valeur intrinsèque de la nature, de la valeur associée aux œuvres ou aux démarches culturelles de protection de la nature, apparaît comme une hypothèse sérieuse pour extraire la démarche artistique environnementale des impasses du développement durable
Environmental art has long been implicitly associated with nature conservation. Climate breakdown has recently brought an increase in the use of art to help facilitate the ecologic transition. Starting from the analysis of cultural projects and artwork aimed at the protection of nature, this thesis seeks to inquire about the terms of dialogue between artists, professionals in the cultural sector, environment scientists, and ecologists who become involved in various projects in our regions. The cross-fertilisation of outlooks in search of appropriate actions seems to be necessary in order to make relevant choices between artistic or cultural actions.The effectiveness of resorting to art and culture in support of nature conservation is nevertheless undermined, not only by the inherent weakness of the multi-sectorial approach, but also by the many questions emerging from the reconciliation of art, culture, and ecology: the diversity of nature representation, the sheer number of priorities in environmental science, the array of public policy directions.The current excitement around the theme of ‘Culture and Ecology’, which has inspired many diverse projects (for example the scheduling of cultural activities committed to the green agenda, green sustainable projects, or education programmes), shows nevertheless a partitioning which actually constrains imagination and cross-fertilisation.This work raises several discussions at the intersection of all these threads, with a view to help with policy choices and to avoid greenwashing, which likens the environmental logic to a fad. Among the possible avenues, the question of the inherent value of nature, of the value given to artworks or cultural actions to protect nature, comes across as a serious way to pull the environmental artistic offering away from the dead-ends of sustainable development

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Brun, Jean-Paul. „Nature, art contemporain et société : le Land Art comme analyseur du social“. Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1026.

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Il s'agit de comprendre la nature des forces sociales à l'œuvre dans l'Amérique des Sixties, qui mènent, entre 1969 et 1973, De Maria, Heizer, Holt, Ross, Smithson, Turell, à construire ou à projeter des œuvres-sites-monuments (œuvres de terre, dont la Planète est le socle, de dimensions monumentales) dans les déserts du Sud-ouest. Qu'expriment ces œuvres du social de leur époque, nommées par la suite Land Art ? Sont-elles un art de rupture enraciné dans la culture américaine et portant ses traits identitaires ? La thèse retrace la construction de l'identité culturelle de l'Amérique, les fondements et l'histoire de la contestation. Elle présente le " bricolage " conceptuel articulé autour des notions de réseaux et de cliques et la méthode d'enquête mobilisant monographies et journal de bord. C'est la lecture des pratiques sociales de création alliées aux intentions des artistes révélées par la forme des œuvres qui montre les traits identitaires qu'elles portent.

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Vaillancourt, Benoit. „De l’héritage au patrimoine : trajectoires intergénérationnelles de quatre environnements d’art populaire au Québec“. Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/66437.

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Le terme « patrimoine » désigne au sens propre les biens dont on a hérité de ses ascendants. Par analogie, il s’est étendu aux richesses collectives qui se transmettent de génération en génération. Alors que le parallèle entre les deux acceptions du mot est bien connu, les chercheurs se sont peu intéressés aux cas où le patrimoine familial et le patrimoine culturel se recoupent. Ce mémoire analyse donc le passage de l’un à l’autre afin d’éclairer les rapports entre les formes privée et publique de l’héritage. Pour ce faire, les successions de quatre artistes populaires québécois ont été étudiées dans une perspective ethnologique et historique : celles de Médard Bourgault (1897-1967), d’Arthur Villeneuve (1910-1990), de Léon Bouchard (1920-2012) et de Léonce Durette (1932-2011). Chacun a légué à sa famille un terrain ou un domicile où il avait déployé ses créations. Les trajectoires intergénérationnelles de ces quatre « environnements d’art populaire » permettent de comprendre comment et pourquoi la patrimonialisation d’un objet de famille peut s’opérer à la deuxième génération grâce à la collaboration, voire à l’activisme de ses légataires.

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Rézeau, Joseph. „Médiatisation et médiation pédagogique dans un environnement multimédia : Le cas de l'apprentissage de l'anglais en Histoire de l'Art à l'université“. Phd thesis, Université Victor Segalen - Bordeaux II, 2001. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00007305.

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Cette thèse relate une recherche-action en didactique de l'anglais de spécialité en lien avec les environnements d'apprentissage multimédias. Le versant “recherche” fait appel aux disciplines connexes de la philosophie de l'éducation, de la psychologie de l'apprentissage, de la linguistique appliquée et des sciences cognitives pour forger des outils théoriques. Nous revisitons les modèles ternaires de la situation pédagogique, d'abord pour y redéfinir la place du processus d'enseignement puis pour y introduire les instruments d'enseignement, ce qui nous amène à proposer un modèle nouveau, le carré pédagogique. Les concepts de médiatisation et de médiation sont redéfinis à la lumière de la théorie des situations d'activités instrumentées de Rabardel. Les conceptions et approches de la didactique des langues étrangères de la seconde moitié du XXe siècle sont examinées du point de vue de la situation pédagogique et de la place qu'elles font aux instruments didactiques. Le versant “action” de la recherche conduit au développement d'un didacticiel multimédia dont on fait l'hypothèse qu'il amènera une amélioration de la motivation et des stratégies d'apprentissage de la population cible. On formule une deuxième hypothèse selon laquelle la valeur de la médiation exercée par l'instrument multimédia est fonction de l'action de médiatisation exercée par l'enseignant. Le dispositif a fait l'objet d'une expérimentation in situ pendant six ans, période au cours de laquelle des données ont été recueillies a) par enquêtes et questionnaires, b) par enregistrement informatique de la trace du parcours des utilisateurs et c) par enregistrement audio d'interactions verbales. Les données des types a) et b) ont été analysées par l'analyse factorielle de correspondances et celles de type c) par les méthodes de l'analyse du discours.

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Crawshaw, Alexis Story. „La musique électro-Somesthésique : approches spatiales, théorisation et expérimentations créatives“. Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080074.

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Ce travail de recherche propose l’idée d’une musique électro-somesthésique (MES). Nous la définissons en tant qu'une musique informatique qui cible la somesthésie dans des perspectives artistiques et musicales. La MES engage les sens somatiques non-cochléaires sensibles aux ondes mécaniques. Nous proposons que l’expérience somesthésique de l’espace est qualitativement distincte des autres sens. Ces sensations opèrent en haute précision dans notre espace intime : à travers notre seuil corporel et voire à l’intérieur de nous-même. Ces subtilités offrent un terrain novateur artistique à explorer. Toutefois, les considérations spatiales potentielles sont complexes et peuvent prêter à confusion. Ainsi, pour mieux apprécier leurs relations et expérimenter des idées compositionnelles, nous avançons des considérations théoriques avec quelques preuves de concept techniques et artistiques. Dans la première partie, nous abordons l’espace conceptuel de l’expression spatiale MES : les relations spatiales parmi les niveaux du percepteur, du contenu et de l’environnement. Dans la seconde partie, nous élaborons les possibilités matricielles du rendu spatial en informatique : trois paradigmes principaux de la manipulation spatiale—la physique (par l’acoustique), le virtuel (par l’informatique), le perceptuel (par des illusions d’espace pas apparentes)—qui passent par deux optiques : où des événements sonores sont relatifs au niveau du corps (égocentrée) ou où ils sont relatifs à l’environnement externe au corps (allocentrée). Ensemble, ces cas théoriques constituent un espace créateur prometteur et les expérimentations pratiques explorent des chemins pour ses investigations futures
This work of research proposes the idea of electro-somaesthetic music (ESM). We define it as a computer music that targets somatosensation for artistic and musical ends. ESM engages the non-cochlear somatic senses sensitive to mechanical waves. We propose that the somatosensory experience of space is qualitatively distinct from other senses. These sensations operate at high resolution within our intimate space: across our bodily threshold and even within the interior space of our bodies. These subtleties offer a novel artistic terrain for exploration. However, its potential spatial considerations are complex, and these can lend themselves to confusion. As such, to better appreciate their relationships and experiment with compositional ideas, we advance some theoretical considerations with several technical and artistic proofs of concept. In the first part, we address the conceptual space of ESM spatial expression. We examine the relationships among the levels of the perceiver, the content, and the environment. In the second part, we elaborate upon the matrix of possibilities regarding computational spatial rendering: three principal paradigms of spatial manipulation—physical (via acoustics), virtual (via computation), perceptual (via non-evident spatial illusions)—that transpire through two lenses: where sonic events are relative to the level of the body (egocentric) or where they are relative to the environment external to the body (allocentric). Together, these theoretical cells form a promising creative space and our practical experimentations explore paths forward toward future investigations

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Biros, Camille. „Contribution à l'étude du discours environnemental : les organisations et leurs discours au Royaume-Uni“. Thesis, Bordeaux 2, 2011. http://www.theses.fr/2011BOR21860/document.

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Située dans une perspective d’anglais de spécialité et adoptant des outils d’analyse de discours, cette thèse vise à contribuer à la caractérisation du discours environnemental entendu comme un discours spécialisé. Résultat d’une conception changée de notre environnement, les mouvements de pensée, les pratiques et les discours qui se développent dans le but de sa protection, préservation ou régénération font partie du domaine spécialisé environnemental. Ce domaine émergent, ainsi que ses composants principaux, sont définis dans cette thèse.La première partie de notre thèse présente une vision globale du domaine et de son discours. Les concepts centraux de mouvement environnemental, d’environnementalisme, d’écologie et d’écologisme y sont analysés. Nous offrons ensuite une définition du concept de discours environnemental en partant du contenu des travaux faits par différents auteurs sur cet objet et en aboutissant à la prise en compte de ses spécificités grâce aux outils élaborés dans le cadre des études d’anglais de spécialité. La deuxième partie s’attache plus particulièrement aux discours et aux pratiques des organisations au Royaume-Uni. Dans ce contexte culturel particulier, nous présentons les principales organisations qui ont un rôle à jouer dans le domaine environnemental et décrivons leurs principaux discours de communication dans le domaine en nous interrogeant notamment sur les nouveaux genres de discours, les termes spécialisés et les pratiques discursives récurrentes. L’organisation interne du domaine est également considérée avec la présentation d’une typologie des organisations et des relations entretenues entre elles ainsi que du rôle et de la spécificité des experts dans le domaine. Cette étude est complétée dans une troisième partie par une analyse descriptive d’un genre de discours jouant un rôle prééminent dans le domaine : les rapports sur la responsabilité sociale des organisations. Après avoir présenté son contexte d’apparition et sa fonction principale, nous nous interrogeons sur la représentation des acteurs du domaine offerte par l’étude de ce genre puis sur les phénomènes de normalisation générique de ces rapports d’un point de vue diachronique
With an English for Specific Purposes perspective and adopting the methodological tools of discourse analysis, this thesis explores the characteristics of environmental discourse considered as a specialized type of discourse. As a result of a change of conception of our environment, the trends of thinking, the practices and discourses that are developing, with the aim of contributing to the protection, preservation, or regeneration of the environment have become part of the specialized domain referred to as environmental. This emerging domain and its main components are defined in this thesis.The first part of the thesis presents a global vision of the domain and of its discourse. The central concepts of the environmental movement, environmentalism, ecology and ecologism are analyzed. A definition of the concept of environmental discourse is then offered, starting with the presentation of the content of various authors' work on the object and concluding with the identification of its specificities thanks to tools elaborated in the French school of English for Specific Purposes. The second part of the thesis is devoted to the discourses and practices of organisations in the UK. We present, within this specific cultural context, the main organisations that have a role to play in the environmental domain and describe their principal environmental communication discourses with a particular focus on new genres, specialized terms and recurrent discursive practices. The internal organisation of the domain is also considered with the presentation of a typology of organisations, of the relations they maintain as well as of the role and specificities of environmental experts.The study is completed in a third part by a descriptive analysis of a genre that plays a decisive role in the domain: reports on corporate social responsibility. After having presented the context in which this type of report emerged and its main function, we question the way these reports represent the main actors of the domain and the existence and influence of generic norms in a diachronic perspective

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Fernandez-Moujan, Carola. „Design d'espaces et pratiques numériques : de la "réalité augmentée" à la notion d'entr'espace“. Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010610/document.

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Autrefois enfermés à l'intérieur des écrans, les médias numériques s'invitent aujourd'hui au cœur même du quotidien. Informatique ubiquitaire, objets connectés, dispositifs de réalité «mixte» et «augmentée» ... font advenir de nouveaux modes d'expérience spatiale. Pourtant, la portée de cette rupture est encore mal comprise, soit parce que l'on confond expérience esthétique et démonstration technique, soit parce que l'on peine à dépasser les registres traditionnels de la fonction, de l'information et de la fiction. Quelles conséquences pour le design d'espaces? La première partie de cette thèse analyse la terminologie en usage afin de montrer qu'elle ne permet pas de rendre compte de l'expérience esthétique qu'il s'agît de décrire, et propose la notion d'entr'espace comme outil susceptible de la caractériser. Les enjeux sont déplacés depuis le champ strict du numérique vers le cadre plus large de l'histoire du design en vue de mettre en évidence la manière spécifique au design de se saisir des questions soulevées par ces moments de rupture. La deuxième partie explore les tensions qui traversent l'entr'espace en partant du paradigme baroque. Alors que ces dispositifs numériques sont souvent conçus sans prendre en compte les relations spatiales que pourtant ils articulent, l'hypothèse développée est que c'est précisément au niveau de ces relations, considérées dans toute leur épaisseur sensible, que se situent les principaux enjeux. La troisième partie, enfin, propose des axes de réflexion prospectifs en explorant la manière dont l'entr'espace transforme notre expérience de l'habiter à travers les notions de matière, interaction, vie et existence
Formerly confined inside computer screens, digital media dwells today at the very heart of everyday environments. Ubiquitous computing connected objects, «mixed» and «augmented» reality ... bring about new modes of spatial experience. This breakthrough, however, has not yet been fully acknowledged. Dominant lines of thought either mistake aesthetic experience and technological demonstration, or struggle to get beyond traditional notions of function, information and fiction. What are the consequences for spatial design practice? The first part of this thesis discusses current terminology in order to show its ineffectiveness in describing the precise nature of the aesthetic experience, and proposes the notion of interspace as a conceptual tool to characterize it adequately. The stakes are shifted from the sole realm of the digital towards the larger frame of design history in order to show the specific way that design as a discipline has taken to size the questions rose by analogous technological breakthroughs in the past. The second part explores the tensions that run through interspaces departing from the Baroque paradigm. Whilst such digital devices are often designed without consideration for the spatial relationships they nevertheless organize, the main hypothesis is that it is precisely at the level of such relationships -their fullest sensorial wealth considered-that the highest stakes are. The third and last part introduces prospective lines of thought by exploring the way interspaces transform our experience of dwelling through the notions of matter, interaction, life and existence

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Hermann, Isabelle. „Green Power ! : l'art écologique a-t-il un impact social mesurable? : formulations plastiques et militantes, des années 1960 à 1986“. Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010569.

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Dans le contexte économique, social, politique et mass-médiatique des années 1960, les reportages photographiques et télévisuels ont pris le relais d'une représentation de la nature et du paysage jusque-là réservée aux artistes. Ces images rompent avec la représentation idyllique d'une nature naturelle et pittoresque pour révéler la nature telle qu'elle est, vivante et fragile, dont l'homme fait partie, mais dont il menace l’intégrité. Paysages blanchis autour des cimenteries, forêts décimées, nuages de dioxine s'échappant du réacteur d'une usine chimique, déversement de pétrole en mer : les images des premières catastrophes écologiques frappent l'imagination. La représentation du paysage devient problématique, les concepts liés à l'idée de nature - tels que l'échelle planétaire, le long temps, le climat, la pollution - y introduisent une part d'immatérialité. Des stratégies plastiques et visuelles se mettent en place à un niveau international : les artistes renouvellent leur approche de la nature. Ils l’envisagent dans ses processus physiques et biologiques, comme site à réhabiliter et comme écosystème. Outre la production de tableaux, environnements, objets, performances et photographies, certains rédigent des communiqués, déclarations, manifestes, lettres ouvertes, s’engagent dans des associations, des partis politiques ou mènent des actions concrètes dans la sphère publique, parfois avec quelques résultats. La présentation du corpus de formulations plastiques et/ou militantes forme l’occasion de questionner l’impact de ces travaux : sont-ils l’occasion d’un renouvellement de la fonction sociale de l’artiste ou relèvent-ils du domaine de l’utopie? Comment leurs auteurs les envisagent-ils ? Leurs effets sont-ils mesurables ? Peuvent-ils faire l’objet d’études d’impact ? Selon quelle méthodologie et avec quelles précautions ?
In the economic, social and political environments of the 1960s, themass media evolution led photography and television reports to take over the representation of nature and landscape. Until then, the illustration of nature and landscape had been the preserve of artists. The new trend was to move away from the idyllic representation of the natural world in order to reveal nature as it really is, alive and fragile, a nature in which man plays an integral role while also posing a threat to its integrity.Landscapes started to feature ecological disasters such as: decimated forests, clouds of dioxin billowing from chemical reactors, oil spills in the sea or also cement work, – in essence, familiar images that strike the imagination. Such representation of landscape was in itself a challenge. Concepts connected to the idea of nature, such as a global climate, pollution, scale effect, and long term impact, introduced an element of immateriality.Various strategies to create visual and plastic representations were initiated across the world; a number of artists renewed their approach to nature. They envisaged it in its physical and biological processes, and addressed it as a series of ecosystems and locations that need to be rehabilitated. Concrete actions in the public sphere have sometimes produced significant results: photos, objects, performances, environments, as well as draft communiqués, declarations, manifestos, open letters and the participation in associations or political parties.The presentation of the body of plastic formulation and/or militant acts raises the issue of their impact. Do they represent the renewal of the social role of the artist, or are they just an utopian vision? How do their authors envisage them? Are their effects measurable? Can it be the subject of environmental studies? What methodology to use? And what are its limitations ?

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Dechamps, Yves. „Méthode d'analyse des risques majeurs liés aux immeubles de grande hauteur sur leur environnement immédiat“. Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209500.

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Les immeubles de grande hauteur (IGH) sont des constructions symboliques liées, le plus souvent, aux problématiques de la rareté du foncier, aux défis de la densification urbaine dans les grandes villes et aussi au questionnement de la construction durable. Pourtant, un IGH ne se limite pas seulement à ces seuls points :quel impact en terme de risque représente un IGH sur son environnement ?Quelle démarche d'analyse d'un éventuel péril lié à la présence de ces constructions sur leur environnement faut-il considérer ?

La conception d'un IGH ne peut être effectuée sans une analyse des risques engendrés par la présence de tels immeubles sur leur environnement et sur le développement urbain. En effet, quand un événement indésirable y survient, un IGH peut se révéler être une menace pour ses occupants et son

voisinage immédiat. Les IGH sont des immeubles où plusieurs centaines de personnes sont présentes, ce qui engendre de nombreuses contraintes au niveau de la sécurité incendie notamment. En cas d'accident comme un incendie, diverses matières toxiques peuvent être libérées dans l'atmosphère, endommageant l'environnement de l'immeuble.

C'est ici que peut intervenir une méthode d'analyse des risques environnementaux permettant à un expert d'évaluer différentes situations envisagées pour l'immeuble même et son environnement. Le modèle proposé est une nouvelle méthode quantitative issue d'une approche semi-quantitative. Des matrices d'évaluation et une formulation quantitative permettent de quantifier le risque environnemental. Ce risque est déterminé pour différents secteurs autour de l'IGH car chaque environnement étudié est hétérogène et différent.

La méthode proposée reprend un ensemble de paramètres déterminés à l'aide de critères d'évaluation et de paramètres géométriques tels que la différence d'altitude entre les immeubles, la distance, etc. Nous verrons comment ces paramètres influencent le modèle et l'analyse de risques environnementaux. Un ensemble de simulations numériques seront effectuées sur un panel de cas d'études simples afin de valider le programme. Deux IGH actuellement détruits ont été étudiés avec pour objectif de comparer les résultats obtenus avec la réalité de la situation ainsi que les différentes propositions correctives. Pour chaque étude, des critiques et commentaires seront produits afin de se rattacher à la réalité des situations décrites.

The high-rise buildings (HRB) are symbolic constructions linked most often to scarce building lands, urban density challenges for big cities and the problematic of sustainable construction. However, an HRB is not limited to just these items alone: what risk impact does an HRB have on the environment? What analysis method of possible risk on the environment is to be considered for the presence of constructions?

HRB design cannot be done without any environmental risk assessment for such buildings on their environment or their impact on urban development. When an unwanted event occurs, an HRB can be a threat to its occupants and its immediate vicinity. The presence of large numbers of people in those building definitely generates a lot of problems at the level of fire safety, for example. Accidents such as a fire can release toxic materials, which will thus impact the environment of the building.

In such circumstances, a method of analysis of environmental risks come useful to experts to assess the different situations to be considered for the building itself. The proposed model is a new quantitative method which is the result of a semi-quantitative approach. Quantifying the environmental risk is made possible by evaluation matrices and quantitative formulation. This risk is determined for various sectors around HRB because every environment is heterogeneous and different.

The proposed method incorporates a set of parameters which were determined by means of evaluation criteria and geometrical parameters such as the difference in height between the buildings, distance, etc. We will see how these parameters affect the model and analysis of environmental risks. A set of simulations are performed on a range of simple models to validate the program. Two HRBs which have now been demolished were studied so as to compare the results obtained with the real-life of the situation and the corrective different proposals. For each study, criticism and comments will be produced to relate to the reality of the situations which has been described.

Doctorat en Sciences de l'ingénieur
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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La, Corte Géraldine. „Analyse des discours de Barack Obama sur la question environnementale et de leur réception dans la presse européenne francophone (2008-2013)“. Thesis, Montpellier 3, 2017. http://www.theses.fr/2017MON30100/document.

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Il s'agit d'analyser un corpus de 32 discours du président Obama en anglais abordant la question de l'environnement et la réception de ceux-ci dans 125 articles de presse européenne francophone afin de mettre à jour les particularismes discursifs des deux corpora et d'étudier la circulation des discours
This PhD study deals with the analysis of 32 speeches delivered by President Obama and their reception in 125 articles published in the French-speaking European press to understand some discursive particularities and to study the criculation of words, lexical items and speeches

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Gevart, Louis. „La sculpture et la terre : histoire artistique et sociale du jardin de sculpture en Europe (1901-1968)“. Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100016.

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Établir que la sculpture et le jardin suivent une longue histoire commune relève du lieucommun. Au XXe siècle pourtant, le jardin de sculpture est devenu un espace porteur dansl’évolution des arts plastiques. Lieu intermédiaire entre la ville et le paysage, le jardin est un champ d’expérimentation formelle pour les artistes en même temps qu’une propositionmuséale ouverte. La première partie de l’étude porte sur le temps des prototypes (1901-1945),marqué par la diversité des pratiques : le plein air attire autant les sculpteurs questionnant leur rapport à la tradition et à la nature que les collectionneurs qui par leurs choix d’exposition posèrent les jalons d’une histoire de la sculpture en marche. Dans tous les cas, l’ancrage à la terre est fort. La deuxième partie traite de l’affirmation institutionnelle du jardin de sculpture dans la reconstruction (1945-1958). Réel ou imaginaire, le musée de sculpture en plein air est un champ où s’expriment les forces de la sculpture contemporaine et où s’affirment au public les questions sculpturales de l’avant-garde et où s’opère une mutation de la dialectique nature/(s)cul(p)ture. La troisième partie concerne les déplacements du jardin de sculpture (1958-1968) : de la nature à la ville dans une volonté des artistes d’investir pleinement l’espace public et d’acteurs culturels trouvant dans l’architecture un autre « en-dehors », mais aussi de la ville à la nature avec un retour à la terre de collectionneurs et directeurs de musées visionnaires concevant des espaces paysagers spécifiques, posant les prémices d’un art in situ dans le cadre institutionnel
It is generally accepted that sculpture and garden have shared a common history. Throughoutthe 20th century, however, the sculpture garden has become a strengthened space for theevolution of plastic arts. As an intermediate place between city and landscape, the garden isan experimental field both to the artists (in a formal sense) and to the museum (as an openspace). The first part of the dissertation deals with the time of prototypes (1901-1945) whenthe sculpture garden was characterized by its variety. Outdoors, sculptors have questionedtheir relation ton tradition and nature while collectors have put the first steps of a livinghistory of sculpture by their exhibition choices. By all means, their anchoring to the earthremained strong. The second part relates to the growing of the sculpture garden as culturalmodel during the Reconstruction (1945-1958). Whether real or ideal, the open-air sculpturemuseum then turns into a public theatre in which the forces of the contemporary sculpturefind their expression, particularly through the mutation of the nature/(s)cul(p)ture dialectic. At last, the third part deals with the sculpture garden shifts during the 60s (1958-1968). On the first hand, these shifts went from the landscape to the city: the artists would integrate moredirectly the urban space and the curators saw the architecture as another “outside”. On the second hand, they went from the city to the landscape: collectors and museum directors came back to the earth, conceiving specific landscapes for sculpture, laying the foundation of theexpression of an in situ art in the institutional framework

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Bérubé, Gabriel. „Expériences sensibles et design urbain, un projet de recherche création : les productions sonores ordinaires des usagers en espace collectif urbain, le cas des traces sonores de pas“. Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH025/document.

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Dans cette thèse, nous souhaitons explorer la valeur heuristique des sons de pas de l'usager dans l'espace collectif urbain. Cette intention est à l'origine, celle d'un intérêt concernant les productions sonores ordinaires de l'usager, de leurs aspects productifs et actifs à l'intérieur de son expérience quotidienne de la ville. Suite à ce dessein, la notion de trace sonore a été développée afin de mieux saisir, catégoriser et caractériser ces sonorités particulières et ordinaires engendrées par l'usager via ses actions. Souvent ignorées, restant au niveau de l'inconscient de l'usager, les traces sonores de pas font partie de ces sons produits par l'usager, mais qui ne sont pas étudiés dans les domaines liés à l'aménagement. Nous souhaitons alors en connaître davantage sur la teneur des informations que peuvent contenir ces traces sonores de pas et surtout sur les potentiels d'action qui, selon nous, y sont attachés. En résumé, nous cherchons à savoir ce qu'un pas peut nous dire au travers des traces sonores qu'il laisse suite à sa production. C'est ainsi que nous énonçons l'hypothèse que les traces sonores de pas sont porteuses d'informations clés sur l'usager producteur et acteur, sur les autres usagers ainsi que sur l'espace et ce, à même l'expérience sonore en « train de se faire ». Afin de saisir et questionner spécifiquement cette dimension de la trace sonore de pas, une méthodologie singulière a été construite venant interroger l'usager directement sur son vécu sonore, au moment de sa construction. La recherche création et la recherche projet nous ont donné le cadre, mais aussi la latitude nécessaire au développement d'un outil novateur propre à notre problématique : le dispositif sonore. Le dispositif a donc été installé sur quatre sites d'intervention : une terrasse et le parvis de l'ENSAG, une passerelle à proximité des locaux d'un collectif d'artistes et une passerelle située dans un parc urbain à Nantes. Entre immersion et observation, entretien et travail vidéographique, en lien avec le domaine de l'art sonore, notre recherche croise les dimensions sonores, spatiales et usagères. Les analyses conduites s'attardent à révéler et restituer les comportements, conduites, micro-mouvements, gestes et attitudes effectués par les usagers. Les résultats intéresseront le domaine de l'environnement sonore ainsi que le milieu de la conception architecturale et urbaine. En effet, cette recherche propose une meilleure compréhension du rôle des traces sonores de pas dans la composition des espaces collectifs urbains
In this thesis, we explore the heuristic value of a user's footstep sounds in the urban public space. This intention is originally one of a common interest in user sound productions, their productive and active aspects within the daily experience of the city. To achieve this, the concept of sound trace has been developed in order to better understand, categorize and characterize these special and ordinary sounds produced by the user. Often ignored, remaining unconscious to the user, footstep sound traces are part of the sounds he produces, but are not studied in the fields related to urban design. We thus want to learn more about the information content of footstep sound traces, and especially about the potential of action that we believe are related to them. In summary, we want to know what a footstep tells us through the sound traces it makes. We thus state the hypothesis that footstep sound traces carries key informations on its producer, the other users as well as the space, all this throughout the sound experience “in process”. To capture and question this specific aspect of the footstep sound traces, we built a unique methodology that questions the user in real-time on his sound experience. Research design and research project gave us the framework, and the flexibility to develop an innovative tool specifically designed for our problematic : the sound device. The device has been installed on three sites : a terrace and the front of the ENSAG, a footbridge near the studio of a collective of artists and a footbridge located in a city park of Nantes. Between immersion and observations, interviews and video work, in connection with the field of sound art, our research crosses sound, space, and practice dimensions. The analyses reveal the behavior, conduct, micro-movements, gestures, and attitudes made by the users. The results will be of interest in the fields of sound environment as well as architectural and urban design. Indeed, this research offers a better understanding of footstep sound traces roles in the composition of urban public spaces

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Leclercq, Christophe. „Experiments in Art and Technology : la question environnementale“. Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010663.

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L'activité théorique et pratique d'Experiments in Art and Technology (E.A.T.) soulève un certain nombre de problèmes esthétiques, ceux posés par une organisation qui soutient la collaboration entre artistes et ingénieurs, à l'intérieur comme à l'extérieur du monde de l'art. Cette thèse interroge l'irruption, jugée symptomatique, de la question environnementale en art, et la mobilisation, par les principaux acteurs d'E.A.T., du concept équivoque d'environnement pour désigner non seulement ce qui nous entoure, mais aussi ce qui peut nous influencer. En confrontant les propos de John Cage, Robert Whitman et Robert Rauschenberg sur leur pratique à des œuvres de références attestant de l'imprégnation des technologies dans nos existences on identifie une approche environnementale qui participe d'une explicitation, par l'art, de l'environnement contemporain. Ces artistes s'efforcent en effet de mettre en évidence, par leur travail, les qualités esthétiques d'un environnement naturel et artificiel, à l'égard duquel on ne peut plus être indifférent. L'attention portée à la perception dans l'expérience de cet environnement, témoigne d'un intérêt commun pour une physique phénoménale qui, bien qu'en relation avec des préoccupations scientifiques, s'en démarque cependant. Il s'agit non seulement de transformer cet environnement diffus en un espace perçu, mais également d'interroger la place et le rôle de l'artiste dans la mise en forme de l'environnement humain. S'élabore ainsi avec E.A. T., une recherche-action centrée sur l'individu, et qui envisage la possibilité, non plus simplement de vivre dans, mais d'exister avec son environnement
The theoretical and practical activity of Experiments in Art and Technology (E.A. T.) raises a number of aesthetic problems - those posed by an organization whose aim was to facilitate and encourage collaboration between artists and engineers, both inside and outside the art world. This thesis investigates the eruption of environmental issues in art and the use made by E.A.T.'s main actors of the ambiguous concept of the environment, a concept which includes not only what surrounds us but also that which can have an influence on us. By juxtaposing and comparing what John Cage, Robert Rauschenberg and Robert Whitman had to say about their practice with key works on the infiltration of technology into our lives, we will identify an environmental approach that is part of an “explicitation” of the contemporary environment by and through art. These artists strive to highlight, through their work, the aesthetic qualities of a natural and artificial environment, the consequences of which cannot leave us untouched or indifferent. The focus on perception in the experience of this environment reflects a common interest in a 'phenomenal physics' which, even if related scientific concerns, also differs significantly from them. It is not only a question of the transformation of this pervasive environment into a perceived space but also a matter of investigating the place and role of the artist in the shaping of the human environment. Thus we see in E.A.T.'s program an activity a form of action-research focused on the individual, which envisages also the possibility not only of living in but of existing with one's environment

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Balard, Lionel. „L'objet, la figure et l'entour : Essai sur l'objet pictural réel à partir des conditions et des modalités de mise en oeuvre de l' entour ; l' entour étant entendu dans différents sens : le fond, l' environnement spatial et le contour : Corpus d'artistes de référence : Pierre Bonnard, Giorgio Morandi, George Segal, Pablo Picasso“. Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00685830.

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Il s'agit d'une thèse visant à définir un artefact singulier issu de la création plastique : l'objet pictural réel. A près avoir circonscrit, dans une première partie, sa recherche théorique autour d'un objet de culture relevant des problématiques de l'art pictural figuratif moderne, et après avoir défini les concepts et enjeux qui s'y rapportent, l'auteur développe deux autres parties distinctes. La première renvoie à l'artefact artistique et vise à décrire les pratiques de création des artistes de la référence : Giorgio Morandi, Pierre Bonnard et George Segal. La seconde concerne la dimension esthétique de l'artefact et s'appuie sur l'analyse critique d'œuvres. Tout le propos de l'auteur tend à rendre appréhendables les caractéristiques poïétiques et esthétiques de l'objet pictural réel dont la particularité est d'invariablement mettre du jeu dans le regard du spectateur, l'obligeant à reconsidérer ses habitudes de perception, sa façon d'appréhender l'œuvre picturale.

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Favard, Maxime. „Manières de faire le projet et manières de faire des mondes“. Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC033/document.

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Cette recherche s’inscrit dans le contexte particulier d’une étude en design portant sur la multiplicité des conduites de projet. Des origines gréco-latines, de « mania » à « manuarius », le terme « manière » nous prédispose ici au sens d’une « habile folie ». Une acception qui permet alors d’interroger les « manières de faire le projet » de design comme des pratiques de l’écart. Invités ainsi à cheminer sur le terrain de polarités divergentes, dans une discipline faite à la fois de ruptures et d’accompagnements, nous sommes conviés par cette aporie à un nécessaire dépassement dogmatique. Des singularités à l’unicité plutôt que de l’universalité à l’unité, cette recherche construit l’hypothèse d’un dessein commun : faire-monde par des manières de faire des mondes. L’analyse de quelques projets qui intéressent la multiplicité nous conduit aussi à dégager la tension que peut entretenir le design à l’égard de l’environnement. À partir d’un intérêt critique envers des projections qui évoquent l’idée d’un paradigme de « centrement et de séparation » de l’homme dans le monde, la thèse interroge ensuite son renversement par des valeurs de « décentrement et d’inséparation »
This research is part of a study in design on the multiplicity of ways in project management. The word « manner », with its Greco-Latin origins from « mania » to « manuarius » inclines us to take it as « skilful folly ». This meaning allows us to question the various « manners to conduct the design project » as gap practices. Thus, we are invited to explore the field of divergent polarities in a discipline made of breaches and guidance. This aporia leads us to consider a necessary dogmatic passage. From singularities to unicity rather than from universality to unity, this research is constructed on the assumption of a common purpose: make the world through manners of making worlds.The analysis of a few projects related to multiplicity leads us to bring out the tension between design and the environment. Taking a critical stance toward projections evoking the idea of a « centering and separating » paradigm, this research questions afterwards its inversion through « de-centering and de-separating » values

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Duquerroy, Marion. „There is no such thing as nature ! : reconsidérations de l'idée de nature en Grande-Bretagne au soir de la grande période de désindustrialisation des années 1990 à nos jours“. Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010740.

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Questionner l'idée de la nature en Grande-Bretagne à la période contemporaine semble, de prime abord logique, tant la tradition paysagère du pays est importante et que la représentation de la Old England est ancrée dans les imaginaires collectifs. Cependant, en dépit de l'image omniprésente de cette Arcadie britannique, étendard de la stabilité du pays, d'autres natures semblent émerger au sortir de la période de désindustrialisation. Un constat paysager pluriel s'imposait révélant alors, les balafres et les ruines du nord usunier, le chantier et la percée du tunnel sous la Manche au sud. Touché par les politiques néolibérales du gouvernement de Margaret Thatcher, le paysage devient aussi politique. Qu'il soit rural ou urbain, il est un lieu de revendication comme d'exclusion et, parfois, se fait miroir des corps. Les laissés-pour-compte des politiques libérales et les classes moyennes attirées par l'abondance clinquante et bon marché qu'offre la production de masse sont, tour à tour, immortalisés par le documentaire social. La couleur permettra de faire ressortir aussi bien l'usure des hommes par la société. La nature, au tournant du nouveau siècle, est sujette aux peurs de sa propre disparition. Dans ce contexte fin-de-siècle, les artistes cherchent à la préserver et tentent d'imaginer de possibles futurs. Pour ce faire, ils utilisent les sciences et les nouvelles technologies pour la maintenir artificiellement en vie et lui faire ainsi traverser le temps. Hommes, animaux, plantes, sans distinction d'espèces, sont dupliqués, échantillonnés, mis sous verre et sur papier. Pourtant, la crainte d'une apocalypse à venir ne peut entièrement être éclipsée. Un paysage où l'homme sort des rebuts de la société de consommation ou s'adonne à la pire bestialité s'offre alors à nos yeux
Questioning the idea of nature in Great Britain in the contemporary times seems at first logical. Its landscape tradition is still important and the representation of the Old England is anchored in collective imaginations. However, in spite of the omnipresent image in the Bristish Arcadia, banner of the country's stability, some other natures seems to arise from the desindustrialisation epoch. A plural landscape statement was therefore necessary, revealing the scars and ruins od the industrial North, the building site and the breakthrough of the Channel tunnel in the South. The landscape, touched by the neoliberal political of Margaret Thatcher's governement, also becomes political. Rural or urban, it is a much a place for social claims as a place of exclusion. Sometimes, it turns into a mirror of the body. The social documentary movement immortalises successively those left behind y liberal politics and the middle class attracted by the flashy abundance offered by mass production. The use of colour will enable the underlining of men's weariness in modern society as well as the solidarity that unites them. Nature, as the turn of the new century, is subjects to the fears of its own disapperance. In the fin-du-siècle context, artists both seek to preserve it and attempt to imagine possible futures. To that end, they use sciences and new technologies for artificially maintaining nature alive and taking it across time. Mens, animals, plants, without distinctions of species, are duplicated, sampled, put under glass or on paper. Nevertheless, fears for a soon to come apocalyspe cannot be entirely eclipsed. A landscape where men come from the rubbish of consumption society or give themselves to the worst bestialy unravels in front of our eyes

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Blin, Marie-Christine. „Art et écologie dans l'Amérique du dix-neuvième siècle, 1820-1890 : artistes pionniers et exploration visuelle“. Le Havre, 2013. http://www.theses.fr/2013LEHA0013.

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On attribue souvent aux œuvres des peintres Albert Bierstadt et Thomas Moran et des photographes Carleton Watkins et William H. Jackson un impact certain sur la création des parcs nationaux de Yosemite et Yellowstone. Plutôt que de rechercher des preuves de leur influence sur les hommes politiques – preuves qui se révèlent ténues et appartiennent plus à la légende qu’à la réalité – cette thèse se propose d’étudier comment la représentation du paysage a pu progressivement, au cours de la période 1820-1890, façonner les esprits américains au point qu’ils puissent admirer cette nature sauvage qu’ils redoutaient depuis longtemps et en venir à prôner ou à accepter qu’on la préserve. Dans une première partie, nous aborderons l’évolution de l’image de la nature et de l’art depuis l’arrivée des premiers colons et leurs destins croisés. Dans la seconde partie, nous nous intéresserons aux facteurs qui firent des artistes des pionniers de l’esthétique et de la préservation, les envoyant en mission d’exploration pour étudier les éléments naturels et recréer les scènes observées. Puis nous analyserons les écrits de certains artistes où transparaît une sensibilité écologique précoce et les actions concrètes de ceux qui luttèrent pour préserver certains sites. Enfin, dans la troisième partie, nous examinerons les innovations technologiques ou artistiques et l’adaptation des traditions picturales européennes qui favorisèrent l’appropriation visuelle de la nature : panorama et stéréographie, alliance de la vision de loin et de haut et de la précision télescopique ou pastoralisation par une présence humaine, animale ou par l’alliance du sublime et du beau
The works of painters Albert Bierstadt and Thomas Moran and photographers Carleton Watkins and William H. Jackson are often credited with having been instrumental in the creation of the Yosemite and Yellowstone National Parks. Rather than look for evidence of their influence on politicians – evidence which turns out to be flimsy and the stuff of legend more than reality –this dissertation aims to study how landscape representation between 1820 and 1890 progressively shaped American mentalities so that people came to admire the wilderness they had dreaded for a long time and to advocate or accept its preservation. In the first part we will deal with the evolution of the image of nature and art since the arrival of the first settlers and their shared destinies. In the second part, we will look at how artists were made into aesthetic and environmental pioneers, sent on a mission of exploration to study the elements of nature thoroughly and recreate the scenes they had observed. Then we will analyze the writings of some artists which show a precocious ecological sensitivity and the concrete actions of those who fought for the preservation of certain sites. Finally, in the third part, we will examine the technological or artistic innovations and the adaptation of European pictorial conventions that favored the visual appropriation of nature : the panorama and the stereography, elevated vision from a distance and telescopic precision, as well as its pastoralization by human, animal presence or by the union of the sublime and the beautiful

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Rouliere, Camille. „Visions of Waters in Lower Murray Country“. Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMC014/document.

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L’eau a creusé son chemin jusqu’au cœur des discussions sur le développement durable. Les discours autour de la gestion des eaux soulignent à la fois son abondance dévastatrice et son absence critique : la montée des eaux se juxtapose à la désertification ; les tornades et les inondations répondent à des périodes de sécheresse prolongées. Alors que nous polluons, canalisons et dessalinisons à un rythme toujours croissant, la nature ambiguë de notre relation avec l’eau devient visible. Pendant que nous continuons d’endommager ce qui, par-dessus tout, rend la vie possible, la précarité augmente pour l’ensemble de la population. Il n’est donc pas étonnant qu’un changement de paradigme dans notre compréhension des eaux, devant engendrer une modification dans leur utilisation, soit présenté comme l’un des plus grands et plus pressants défis de notre époque. Ma recherche répond à ce défi. Elle porte sur la poétique de l’espace, c’est-à-dire sur l’étude de la manière dont les êtres humains vivent et interagissent avec leur environnement à travers les arts. Plus précisément, j’explore les relations entre les humains, les eaux et les sons (à la fois propres et générés par les humains) dans la Lower Murray Country (Australie Méridionale). Mon but est de révéler et théoriser ces relations qui évoluent en parallèle afin d’élaborer une cartographie mettant à jour toute une gamme de manières de percevoir et de comprendre ces eaux, et d’être ensuite à même d’utiliser cette pluralité pour remettre en question—et potentiellement imaginer à nouveau—leur construction et représentation culturelles. Afin d’atteindre ce but, j’érige “les eaux” en leitmotiv qui me permet d’unifier ma recherche et me déplacer entre des espaces physiques et théoriques pour mettre en dialogue les individus et leur environnement, tant au niveau local que général. En particulier, je me sers du mouvement des eaux que forment le courant et la résonance pour opérer cette synthèse, mouvement que j’associe à la rythmanalyse et la réverbération (d’après les philosophes Henri Lefebvre et Fran Dyson, respectivement). Je me suis également inspirée du travail du philosophe et poète Édouard Glissant. En particulier, son concept de Relation est une clef pour me permettre de traduire textuellement ces mouvements des eaux. J’applique cette méthodologie aqueuse à presque deux siècles de production musicale—allant des pratiques ngarrindjeri et des ballades coloniales à la musique classique contemporaine et l’art sonore ; et presque deux siècles de modifications touchant au “caractère sonore” des eaux de la Lower Murray Country—matérialisée à travers la déforestation défigurante, la retenue des eaux, l’irrigation mais aussi la salinité croissante des eaux comme des sols. Ainsi, cette thèse se construit selon le principe d’accumulation d’exemples prôné par Glissant (Poetics of Relation 172-4). Elle est structurée autour de quatre sections—quatre visions punctiformes des eaux écrites comme un prélude à une potentielle infinité d’autres. Furtives, partielles, orientées et fragmentées, ces visions procèdent de périodes particulièrement significatives : de périodes pouvant subir des changements, de périodes charnières où des altérations radicales peuvent poindre ou apparaître effectivement
Waters are contested entities that are currently at the centre of most scientific discussions about sustainability. Discourse around water management underlines both the serious absence and devastating overabundance of water: rising sea levels compete against desertification; hurricanes and floods follow periods of prolonged drought. As we increasingly pollute, canalise and desalinate waters, the ambiguous nature of our relationship with these entities becomes visible. And, while we continue to damage what most sustains us, collective precarity grows. It is therefore unsurprising that shifting our understanding, and subsequent use, of water has been described as one of the biggest—and most pressing—challenges of our time.My research answers to this challenge. It centres on spatial poetics, that is, on the manner in which people engage and interact with their environment through art. More precisely, I explore the relationships between humans, waters and sound—both intrinsic and human-produced—in Lower Murray Country (South Australia). My aim is to unveil, theorise and create maps of these co-evolving relationships to reveal an array of manners to perceive and relate to these waters; and then draw on this plurality to question—and potentially reimagine—their cultural construction and representation. In order to do so, I transform waters into a leitmotif which enables me to weave my investigation together and move in-between theoretical and physical spaces to bring people and their environments into dialogue, both at the local and global levels. In particular, I draw on the watery movements of flow and resonance to operate this weaving, and associate these with rhythmanalysis and resounding (after philosophers Henri Lefebvre and Fran Dyson, respectively). I am also inspired by the work of philosopher and poet Édouard Glissant and use his concept of Relation as a key to enable me to translate these watery movements textually.I apply this aqueous theoretical frame to nearly two centuries of sonic production—ranging from Ngarrindjeri performance and colonial ballads through to contemporary classical music and sound art; and to nearly two centuries of evolution in the sonic character of Lower Murray Country’s waters—ranging from disfiguring deforestation and damming through to rising salinity and irrigation. As such, this thesis is built on the “accumulation of examples” advocated by Glissant (Poetics of Relation 172-4). It is structured around four sections—four punctiform visions of waters written as a prelude to a potential infinity of others. Furtive, partial, oriented and fragmented, these visions denote times of particular significance: times open to challenge; times of hinges and articulations where radical alteration (can) occur

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Sung, Shin-Young. „Espace réel, espace virtuel, espace transcendantal dans l'art contemporain : le cas de Robert Irwin“. Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040051.

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La notion d’espace prend un sens très fort et comme actif dans le travail artistique de Robert Irwin. Celui-ci instaure un nouveau mode d’être pour l’espace par son installation dite « site-conditioned/determined » tout en la nouant pourtant avec celui du site préexistant, qu’il soit intérieur ou extérieur. Le statut ontologique de son installation est celui d’un « non-objet », d’une extrême simplicité de forme et d’un minimum de matérialité : une bande noire ou une surface de voile semi-transparent, à la fois objet montré et sujet montrant, mettent en jeu lumière et ombre, attirant notre attention non seulement sur lui mais tout autour, intégrant l’espace où il s’intègre. L’installation est mise en œuvre de son environnement architectural ou naturel. L’installation est ainsi installa(tten)tion, c’est-à-dire installation qui installe l’attention. Ce que procure l’artiste au spectateur par son installation est la sensation pure de l’apparaître dynamique et changeant de l’espace du monde réel. Sensible d’abord à la dimension réelle de l’espace physique, nous découvrons peu à peu sa dimension virtuelle, puis transcendantale, au fur et à mesure que ce processus de sensation pure déclenché par l’aspect inhabituel de cet espace pourtant réel se déploie. Grâce au toucher direct et vivant d’un sentir aiguisé, et visuel et kinesthésique, éveillé par l’installation de Robert Irwin, devient quasi palpable notre conscience d’exister. Elle résonne alors à la réalité directe et immédiate du monde mais aussi aux virtualités de son apparaître et à ce qui les rend possibles : sa forme en soi, révélée et actualisée comme la véritable nature de l’espace réel
The notion of space has a strong and active meaning in Robert Irwin’s art work. He establishes a new way of appearance of space through his so-called “Site-conditioned/determined” installation by uniting the installation with the space of the existing site, whether indoors or out. The ontological status of his installation is that of a “none-object”: extremely simple in form and with a minimum of materials. He uses a black tape or a surface of semitransparent scrim. These objects are both “object shown” and “subject showing”. They play with light and shadow, catching our attention not only on themselves but also on their surroundings, including the space into which they fit. So the art piece is not only the installation itself but its circumstance with its whole architectural or natural environment. So the installation is installa(tten)tion, that is to say an installation that installs attention. Through the installation, the artist provides for the viewer a chance to have a pure sensation of the dynamic and changing appearance of space in the real world. At first sensitive to the real dimension of physical space, we discover little by little its virtual and then transcendental dimensions, as this process of pure sensation unfolds, triggered by the unusual aspect of the real space caused by the installation. A direct and living contact through a sharpened feeling, both visual and kinesthetic, with the space, awakened by the installation of Robert Irwin, makes our awareness of existing almost palpable. This awareness of existing resonates with the direct and immediate reality of the world as well as potentialities of the world’s appearance and what makes these potentialities possible: form in itself, revealed and actualized as the true nature of real space

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Hilaire, Philippe. „Le libre parcours : présences du pittoresque dans les paysages aujourd'hui“. Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCC174/document.

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Issu du monde de la pratique paysagère, je ne pouvais pas ignorer le mouvement dialectique qui s’établit entre l’expérience physique de l’espace et sa représentation. La recherche s’organise à propos d’espaces concrets et de propositions théoriques parfois extérieures au champ de la pratique paysagère. C’est à travers cette double composante que le paysage et sa représentation in situ : le jardin, ou ses représentations in visu seront explorés. L’approche qui, sans être culturaliste au sens que ce mot a pris dans le débat des idées contemporaines, n’en n’est pas moins articulée à une forte présence de la culture dans la compréhension des phénomènes liés au paysage. Cette position permet à la fois la critique d’un formalisme appuyé sur un « picturalisme » puissant, et d’un nouveau naturalisme à peine né et déjà académique qui en tente la critique sans y parvenir néanmoins puisqu’il tombe dans le même travers d’une forme toujours déclinée à partir d’un dogme – dans un cas géométrique et dans l’autre écologique – sans le plus souvent envisager la relation de l’application de ce dogme au lieu et aux corps qui l’habitent. L’entrée initiale par la catégorie du pittoresque n’est pas pour autant abandonnée. En effet, à notre insu le plus souvent, les caractères du pittoresque impriment en nous les fondements de notre jugement esthétique sur les représentations picturales ou jardinées de la nature. Des formes contemporaines du pittoresque sont alors décrites comme des opérateurs de nos pratiques vis-à-vis de l’espace. Aujourd’hui, c’est de nouveau ce lien entre expérience et représentation que je tente de mettre au jour pour faire apparaître ce que j’ai appelé le « libre parcours »
Coming from the world of landscape practice, I could not ignore the dialectical movement that develops between the physical experience of space and its representation. The research is organized from trips and detours about concrete spaces and sometimes external theoretical proposals from the field of landscape practice. It is through this dual component that the landscape and its representation in situ : the garden, or its representations, will be explored. The approach is not culturalist, in the sense that this word has taken in the debate of contemporary ideas. It is nonetheless articulated to a strong presence of culture in understanding the phenomena related to the landscape. This position allows both the criticism of a formalism pressed ona powerful "picturialism", and a new naturalism just born and alreadyacademic who tries, unsuccessfully, the criticism of it, and fall however intothe same trap of a form declined from a dogma, geometric on one side andecological on the other, without consider the relationship of the applicationof this dogma to the bodies that inhabit spaces. The initial input by the picturesque category is not abandoned. In fact, unknown to us more often, the picturesque's features give us the foundation for our aesthetic judgment on pictorial or gardened representations of nature. Contemporary forms of the picturesque are then described as operators to our space practices. Today it is the link between experience and representation that I try tobring to light to show what I have called "le libre parcours."

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Synowiecki, Jan. „Paris en vert. Jardins, nature et culture urbaines au XVIIIe siècle“. Thesis, Paris, EHESS, 2019. http://www.theses.fr/2019EHES0123.

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Les jardins de Paris au XVIIIe siècle constituent un laboratoire inédit des transformations de la ville des Lumières. Il s’agit dans ce travail de s’intéresser à la construction conflictuelle de la nature en ville en réinscrivant les jardins dans leur contexte urbain et en s’intéressant aux pratiques concrètes de conservation des plantes, à l’approvisionnement en végétaux ainsi qu’aux relations entre les animaux, les hommes et les végétaux. Ces pratiques dessinent alors une nature urbaine composée de négociations, de tensions et d’asymétries. Elles constituent un terrain d’étude d’autant plus intéressant que les autorités royales et princières ne parviennent à imposer leur marque sur les jardins sans provoquer des résistances et des contestations. Dans ce terreau germe alors une politique des jardins où les usagers et riverains des jardins participent pleinement à la définition et à l’aménagement de ces espaces publics. Ce travail entreprend par ailleurs de mieux cerner l’articulation entre les jardins et la ville, dans un contexte où les frontières paraissent de plus en plus évanescentes, et de repenser la culture urbaine à partir de ses espaces végétalisés
The public gardens of Paris from the eighteenth century provide study material through which various developments and the urban culture of the Enlightenment City can be understood. This study examines the apparent contradiction of creating natural spaces in the middle of a city, by studying their urban contexts, historic plant conservation practices, plant supplies, as well as the relationships between animal, people and plants. These various influences resulted in the creation of a special urban form of nature, full of negotiations, tensions and asymmetries. They are a field of study that is all the more interesting as the royal and princely authorities of the time were unable to impose their mark on these gardens without provoking resistance and protest. Against that background, a public garden policy was developed, which, for the first time, allowed the users and residents to fully participate in the creation of urban, green spaces. This study also aims to improve our understanding of the relationship between gardens and the cities that surround them, in a context where borders seem increasingly fluid, and to rethink urban culture, based on the nature of its green spaces

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Dissertationen zum Thema „Arts et environnement“

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