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Auswahl der wissenschaftlichen Literatur zum Thema „Artiste américain“
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Zeitschriftenartikel zum Thema "Artiste américain"
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Lacombe, Anne-Marie. „Art et archives : le cas Robert Rauschenberg1“. Documentation et bibliothèques 60, Nr. 4 (11.09.2014): 198–205. http://dx.doi.org/10.7202/1026488ar.
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La manière dont les artistes s’intéressent aux archives peut nous permettre de découvrir de nouveaux aspects à propos de ces dernières. C’est sous cet angle que cet article aborde le cas de l’artiste américain Robert Rauschenberg, par le biais de la dimension archivistique de son oeuvre. Dans un premier temps, nous présentons un aperçu du mouvement américain des archives dans l’art au cours des années 1960, au sein duquel s’inscrit Rauschenberg. Nous effectuons ensuite une brève revue de la littérature portant sur les liens qui unissent cet artiste et les archives, pour ensuite aborder sa démarche artistique et son intérêt pour l’inventaire, l’archivage et la cueillette de documentation. Cet intérêt pour les archives est notamment perceptible à même sa collection d’art privée, rendue publique à l’automne 2012. Finalement, une lecture archivistique d’un corpus de trois oeuvres de l’artiste fournit une illustration des particularités de l’utilisation des archives chez Rauschenberg.
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Souladié, Catherine. „Ron Athey ou le corps comme ultime recours“. Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 4, Nr. 1 (1999): 581–92. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.1999.1224.
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Le body artiste américain Ron Athey se présente, depuis 1980, comme le chaman de la génération “piercing”. Gay, séropositif, porte-parole des minorités, il propose un art corporel provocateur, agressif et violent, s’inspirant à la fois des pratiques sado-masochistes et des rites initiatiques des Indiens Mandans. Piercings, scarifications, brandings et autres “tortures” mettent en scène un corps “écœurant”, nouvelle version du corps-viande pornographique de Michel Joumiac. Faisant suite à la déferlante punk, il rejoint son compatriote Fakir Musafar dans une redéfinition esthétique du corps, avec des pratiques auto-mutilatoires et érotiques. Ce nouveau corps sanglant est aussi politique : par une suite de provocations, il dénonce la réalité d’un corps socialisé et conformiste, mettant en scène tabous et faiblesses de la société américaine. Son sang, porteur de mort, offert en martyr, propose un nouveau mode de communion.
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Elmaleh, Éliane. „Art afro-américain, stéréotypes et ethnicisation dans les œuvres de Robert Colescott“. Migrations Société N° 193, Nr. 3 (05.10.2023): 95–112. http://dx.doi.org/10.3917/migra.193.0095.
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Cet article se penche sur les travaux du peintre Robert Colescott, artiste noir américain qui doit sa renommée aux substitutions qu’il a opérées dans les années 1970 dans un certain nombre d’œuvres d’art dont il a changé les personnages originaux pour les remplacer par des personnages noirs. L’objectif est de montrer qu’en ethnicisant les œuvres concernées, l’artiste questionne l’autorité du canon de l’histoire de l’art et l’identité aussi bien ethnique que de genre des personnages représentés. Cet article analyse tout particulièrement deux exemples très emblématiques des appropriations et détournements d’œuvres d’art opérés par Robert Colescott : George Washington Carver Crossing the Delaware: Page From an American History Textbook (1975), tableau qui reprend l’œuvre historique d’Emmanuel Leutze, Washington Crossing the Delaware (1851), et Eat Dem Taters (1975), la version de Colescott des « Mangeurs de pommes de terre » de Vincent Van Gogh (1885). Dans la première œuvre, Colescott remplace le premier président des États-Unis, George Washington, qui apparaît au centre de l’original, par une figure emblématique de l’histoire afro-américaine, le botaniste George Washington Carver. Dans Eat Dem Taters, l’artiste remplace les paysans européens réunis autour d’une table pour « manger des pommes de terre » par des métayers noirs. L’objectif de cet article est de montrer comment dans ces deux œuvres, les opérations de réappropriation jouent avec les concepts d’appartenance ethnique, de race et de commémoration.
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Gervais, André. „L’intertete Mallarmé/Duchamp (exemples)“. Études littéraires 22, Nr. 1 (12.04.2005): 77–90. http://dx.doi.org/10.7202/500889ar.
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Il s'agit d'indiquer, à partir de la notion d'intertextualité (selon Jean Ricardou et Michael Riffaterre), sept ou huit points d'ancrage précis entre tels poèmes et proses de Stéphane Mallarmé et telles oeuvres picturales (ready-mades) et littéraires (notes, aphorismes) de Marcel Duchamp, artiste et anartiste français et américain du XXe siècle. Comme quoi cela déborde nécessairement, au-delà de l'amitié de Mallarmé et de Manet, par exemple, et le siècle et l'enclos littéraire.
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Tuduri, Claude. „Bill Viola ou l’art de la paix retrouvée“. Études Octobre, Nr. 10 (26.09.2016): 77–88. http://dx.doi.org/10.3917/etu.4231.0077.
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Une rétrospective des œuvres de Bill Viola au Grand Palais en 2014 (installations monumentales, tableaux en mouvement, etc. ; en tout, une vingtaine d’œuvres) a permis de faire connaître ce vidéaste américain à un large public. Cet artiste, l’un des plus créatifs de ces dernières décennies, parle de mystique et de spiritualité à travers la trivialité de la vie quotidienne et une attention renouvelée aux éléments du cosmos – l’eau, le feu, l’air et la terre.
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Sassanelli, Fiorella. „Un pianiste français face au public américain : les trois tournées de Raoul Pugno (1897-1906)“. Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, Nr. 1-2 (25.04.2017): 63–76. http://dx.doi.org/10.7202/1039613ar.
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À partir de 1894 et jusqu’en janvier 1914, année où il meurt à Moscou au cours d’une tournée, le pianiste Raoul Pugno a voyagé à travers le monde en messager et en ambassadeur de l’art français. Le 17 novembre 1897, il débute à New York, à la salle Waldorf Astoria avec le violoniste Ysaÿe. Le 10 décembre 1897, ses débuts avec orchestre au Carnegie Hall, où il joue le Concerto de Grieg, révèlent aux Américains la grandeur musicale et humaine de cet artiste à l’image fort différente du virtuose séduisant et aux cheveux longs, mais attachant de par son enthousiasme unique pour la musique et par l’exubérance de son tempérament latin. Pugno visite les États-Unis en trois occasions, de novembre 1897 à mars 1898 pour des concerts à New York et Chicago ; d’octobre 1902 à janvier 1903 ; de novembre 1905 à mars 1906, quand il traverse les États-Unis d’est en ouest jusqu’au Canada. Cet article traite de la triple aventure américaine de Pugno à travers la presse américaine et la correspondance du pianiste avec ses collègues et amis. C’est un récit à deux niveaux : le point de vue du pianiste parisien aux États-Unis, mais surtout celui des Américains qui nous racontent leur réception de la musique européenne, du jeu pianistique de Pugno, de son image, mais aussi de l’école française de piano et de la musique française. Les lettres du pianiste témoignent de son succès, mais aussi des difficultés et des déceptions qui marquent son rapport avec la société américaine. Les commentaires de la presse tracent un changement presque radical de la réception. Au cours de huit ans et demi, la presse surmonte une certaine méfiance suggérée par son aspect d’homme « normal » et, au moment du troisième et dernier départ de Pugno pour la France, elle salue le pianiste avec une vive admiration. Face à lui, les critiques laissent même suspendu leur jugement sur l’école française de piano, qui ne jouit pas chez eux de la plus haute considération.
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Châton, Gwendal. „Entre revendication artiste et gramscisme de droite : le cinéma de Clint Eastwood comme apologie du libertarianisme américain“. Quaderni, Nr. 86 (05.01.2015): 39–54. http://dx.doi.org/10.4000/quaderni.863.
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Dean, William. „Des Américains dans la guerre du Rif“. Revue Historique des Armées 246, Nr. 1 (01.01.2007): 46–55. http://dx.doi.org/10.3917/rha.246.0046.
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Cet article met en lumière le rôle des Américains dans la guerre du Rif, tant comme observateurs que comme acteurs. Le capitaine Charles Willoughby, officier de renseignement de l’armée américaine, a étudié la rébellion et a tenté, à travers l’analyse réalisée de tirer un certain nombre de leçons de ce conflit. Parallèlement et contrairement aux souhaits du département d’État américain, des aviateurs américains ont servi au Maroc comme mercenaires. Au cours de l’été 1925, le gouvernement français a utilisé les pilotes américains afin de pallier les manques de l’armée de l’Air française. Mais pendant que les pilotes américains montraient leur efficacité au Maroc, les autorités de la population américaine s’opposaient à leur engagement. En dépit des progrès stratégiques réalisés au Maroc, la réaction négative de l’opinion publique américaine continuait de militer en faveur d’un retrait de l’escadrille chérifienne. Les militaires français ont tiré différentes leçons de l’engagement américain, ce qui a contribué à l’amélioration des relations franco-américaines. En dépit des raisons coloniales qui ont motivé cette guerre.
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Ayub, Tanzeela, und Michael Pereira. „Planification fiscale personnelle : Les enjeux pour les bénéficiaires américains de successions canadiennes“. Canadian Tax Journal/Revue fiscale canadienne 70, Nr. 2 (Juli 2022): 451–71. http://dx.doi.org/10.32721/ctj.2022.70.2.pfp.
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Cet article donne un aperçu des questions fiscales américaines auxquelles sont susceptibles d'être exposées les successions étrangères dont les bénéficiaires sont des particuliers américains. Même si les familles peuvent mettre en œuvre des stratégies de planification pour gérer efficacement le transfert de patrimoine du point de vue national, les lois fiscales américaines peuvent créer des problèmes complexes et entraîner des conséquences négatives pour les imprudents. Cet article vise à présenter les considérations générales sur la fiscalité américaine pour une succession étrangère, y compris l'application possible des règles anti-report d'impôt régissant les sociétés de placement étrangères passives (SPEP) et les sociétés étrangères contrôlées (SEC). L'article comporte une étude de cas qui illustre comment ces règles peuvent s'appliquer aux bénéficiaires américains d'une succession canadienne si celle-ci détient des actions d'une SPEP ou d'une SEC. Il propose également quelques lignes directrices et stratégies pour réduire les conséquences américaines potentiellement néfastes et atténuer certains risques fiscaux.
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Haine, Malou. „Le magazine américain Vanity Fair (1913-1936) : vitrine de la modernité musicale à Paris et à New York“. Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, Nr. 1-2 (25.04.2017): 23–37. http://dx.doi.org/10.7202/1039610ar.
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De sa création en 1913 à sa fusion avec Vogue en 1936, le magazine américain Vanity Fair a pour vocation de parler de l’art contemporain européen et américain par de courts articles de vulgarisation, des photographies et des caricatures. Plusieurs domaines artistiques sont couverts : musique, danse, opéra, littérature, peinture, sculpture, arts graphiques, cinéma, photographie et mode. La France constitue tout à la fois le rêve, l’attraction et le modèle des Américains : elle reste omniprésente jusqu’au milieu des années 1920, puis cède la place aux artistes américains. Vanity Fair reflète plus particulièrement la vie culturelle à New York et à Paris, même si ses ambitions sont plus largement ouvertes sur l’Europe et les États-Unis. Dans la rubrique intitulée « Hall of Fame », il n’est pas rare de trouver un Français parmi les cinq ou six personnalités du mois. La France est présente davantage pour ses arts plastiques et sa littérature. Le domaine musical, plus réduit, illustre cependant plusieurs facettes : les Ballets russes de Diaghilev, les ballets de Serge Lifar, les ballets de Monte-Carlo, les nouvelles danses populaires (tango, matchiche), l’introduction du jazz, la chanson populaire, les lieux de divertissements. Quant à la musique savante, le Groupe des Six, Erik Satie et Jean Cocteau occupent une place de choix au début des années 1920, avec plusieurs de leurs articles publiés en français. Dans les pages de Vanity Fair, des critiques musicaux américains comme Virgil Thomson et Carl Van Vechten incitent les compositeurs à se débarrasser de l’influence européenne. John Alden Carpenter ouvre la voie avec The Birthday of the Infanta (1917) et Krazy Kat (1922), mais c’est Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) qui donne le coup d’envoi à une musique américaine qui ne copie plus la musique européenne. À partir de là, la firme de piano Steinway livre une publicité différente dans chaque numéro qui illustre, par un peintre américain, une oeuvre musicale américaine.
Dissertationen zum Thema "Artiste américain"
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Buclon, Anaïs. „Europe rêvée, Europe vécue. Le Grand Tour de Thomas Cole : réinterprétation de l'Europe à travers le regard d'un artiste américain (1829-1848)“. Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2024SORUL022.pdf.
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Thomas Cole se rendit en Europe afin d'admirer les paysages et l'art, à l'instar des touristes de l'Antiquité et des Grands Touristes européens. Cet artiste de la première moitié du XIXe siècle effectua ses séjours avec un regard tourné vers un passé rêvé et idyllique. Au cours de ses périples, il se laissa transporter par ce que symbolisaient et faisaient vivre en lui les vestiges de l'Antiquité qu'il découvrit. À la suite de chacun de ses deux Grands Tours, il réussit à transcrire ce rêve à travers ses toiles, sans toutefois négliger les paysages américains qu'il arpenta avec passion également et qu'il lui tenait à cœur de préserver. Cole réinventa le Grand Tour en organisant ses propres voyages sans se laisser dicter ce qu'il devait voir ou faire dans les différentes villes d'Europe. Il s'agit de ce fait d'un Grand Tour original qui montre en creux ce qu'était le Grand Tour des Américains en lui apportant une tout autre dimension. Le peintre résida longtemps en Europe : trois ans pour son premier Grand Tour et un an pour le second. Il était tout autant à la recherche du Beau, du Pittoresque ou du Sublime européens que porté à l'observation et à l'étude de la peinture des Grands Maîtres. L'artiste fut particulièrement émerveillé par l'Italie et les paysages alpins de la Suisse, auxquels il attribua les qualités des trois catégories. Nous avons étudié la connaissance que Cole avait de ces catégories esthétiques et comment tout ceci se retraduisit dans son œuvre, jusqu'à influencer ses contemporains et la peinture de paysage aux États-Unis. En complément de ses toiles européennes ou d'inspiration européenne, ses écrits et ses croquis nous permettent de nous faire une image plus complète de son expérience sur le Vieux Continent. Loin du songe de l'Arcadie, nous avons également étudié les aspects matériels du voyage de l'époque. Nous avons en effet analysé en quoi l'image rêvée de l'Europe se heurta à la réalité, à quel point la vision que Cole avait de l'Europe fut modifiée par son expérience, ainsi que ce qu'il en ressortit dans son œuvre. Cet artiste américain fut un personnage très intéressant et complet, regroupant différents types d'art : peinture, architecture et écriture. L'analyse put ainsi être plus complète concernant l'influence de l'Europe sur le développement de l'art américain. Nous avons étudié les différents aspects de son art, en prenant en compte non seulement ses toiles finales, mais également ses esquisses et ses écrits de différents types (poèmes, articles, lettres, journaux, carnets de voyages, etc.). Ses témoignages nous donnent à voir, entendre, goûter, sentir, toucher, les paysages, que ce fussent des landscapes ou des cityscapes, créant ainsi cette mosaïque européenne des paysages. Après avoir visité l'Europe, Cole rentra chez lui, enrichi de nombre de croquis du Vieux Continent, lui permettant de créer de nouvelles toiles. Il délivra de cette manière une image très riche des lieux, confrontant parfois les siècles, donnant vie à une histoire idéalisée de l'Antiquité. Il prit pour habitude dans ses notes d'animer les lieux à l'aide de descriptions des activités, mœurs et modes vestimentaires des habitants rencontrés sur son chemin. Grâce aux diverses formes de narration dont l'artiste américain fit usage, nous avons eu accès pour nos recherches à une vision tour à tour authentique, intime, formelle, plus aboutie artistiquement (dans ses poèmes et articles) ou délivrant une vision d'ensemble, par ses toiles, offrant une impression immédiate à l'œil du spectateur quant aux sensations éprouvées sur les différents lieux découverts lors de son voyage. L'artiste se nourrit de la mythologie, de l'histoire, de l'art et de la littérature européenne pour bâtir son œuvre, comme il est aisé de le remarquer dans son Course of Empire. Il souhaitait élever la peinture de paysage au rang de la peinture historique ; il y parvint avec succès, tant par ses toiles européennes, qu'au travers de ses œuvres américainesThomas Cole travelled to Europe, to see its landscapes and art with his own eyes, like the tourists of Antiquity and the Great European Tourists. This artist from the first half of the 19th century travelled there with his eyes set on experiencing a dreamy, idyllic past. During his travels, he allowed himself to be transported by what the vestiges of Antiquity he encountered symbolised and brought to life for him. Following each of his two Grand Tours, he succeeded in transcribing this dream through his canvases. However, he did not neglect the American landscape, which he also explored with great passion. Perhaps his attachment to discovering and preserving the American wilderness was due to the fact that his roots were in England, where he was born and spent his first 17 years. Cole reinvented the Grand Tour by organising his own trips and refusing to be dictated by what he should conventionally see or do during his stays in the various cities of Europe. As a result, this is an original Grand Tour that gives a whole new dimension to the American Grand Tour. The painter stayed in Europe for a long time: three years for his first Grand Tour and one year for the second. He was as much in search of the Picturesque, the Beautiful or the Sublime in Europe as he was observing and studying the paintings of the Great Masters. He was particularly enchanted by Italy and the Alpine landscapes of Switzerland, to which he attributed the qualities of all three categories. We have looked at Cole's knowledge of aesthetic categories and how this translated into his work, influencing his contemporaries and landscape painting in the United States. In addition to his European or European-inspired paintings, his writings and sketches give us a more complete picture of his experience on the Old Continent. Far from the dream of Arcadia, we have also studied the material aspects of travel at the time. We have analysed how Cole's dream image of Europe measured against reality, and the extent to which his vision of Europe was altered by his experience. We have studied what emerges from this in his work. Cole was a very interesting figure, bringing together different types of art: writing, painting and architecture. This enabled us to make a more comprehensive analysis of the influence of Europe on the development of American art. We studied the different aspects of his art, considering not only his final canvases, but also his sketches and his writings of various kinds (poems, articles, letters, journals, travel diaries, etc.). His testimonies allow us to see, hear, taste, smell and touch landscapes and cityscapes, creating this European mosaic of landscapes. After visiting Europe, Cole returned home, enriched by a wealth of sketches from the Old Continent, to paint from. In this way, Cole delivered a very rich image of the place, sometimes comparing the centuries and giving life to an idealised history of Antiquity. He made a habit of populating his notes with descriptions of the activities, customs, and modes of dress of the people he met along the way. Thanks to the various forms of narration used by the American artist, we had access for our research to a vision that was alternately authentic, intimate, formal, more artistically accomplished (in his poems and articles), or providing an overall vision thanks to his paintings, offering the viewer an immediate impression of the sensations felt in the various places discovered on his journey. The same landscape was sometimes represented in his sketchbook from different angles, in order to preserve as accurate a memory as possible. The artist drew on European mythology, history, art, and literature to create his work, as can be seen in his Course of Empire. His aim was to elevate landscape painting to the level of historical painting, and he succeeded in doing so both in his European canvases and in his American works
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Capdevila, Elisa. „Les artistes américains à Paris de 1945 à la fin des années soixante“. Paris, Institut d'études politiques, 2012. http://www.theses.fr/2012IEPP0057.
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Cette étude s'intéresse à la persistance d'un mythe américain de Paris de 1945 aux années 1960. Les années d'après-guerre voient l'arrivée de nombreux artistes américains dans le cadre du GI Bill. Un petit groupe s'installe de façon durable à Paris, participant activement aux échanges transatlantiques. Au tournant des années 1950-1960, on observe l'arrivée de nouvelles avant-gardes et d'une jeune génération dont les pratiques sont davantage tournées vers des modes collectifs de production. Cette thèse s'ouvre par une étude de cette communauté américaine de Paris. Est ensuite examiné le rôle de ces artistes dans la diffusion de l'art américain en Europe durant la Guerre froide. Dans les années 1950, les abstraits américains de Paris profitent d'une situation de relativement faible circulation artistique de l'art américain. Ils sont reçus comme les « passeurs » de l'expressionnisme abstrait et guident les Européens dans leur découverte de l'Amérique. Conforme à certaines attentes, leur production encourage une réception tronquée de l'abstraction américaine dont l'agressivité est écartée en faveur d'une peinture plus lyrique. Dans les années 1960, la capitale française accueille les membres d'avant-gardes plus marginales aux Etats-Unis – nouvelle figuration et happenings. Ils contribuent à donner une image complexe de l'art américain tout en confortant, par leur aspect contestataire, certaines critiques à l'égard du modèle américain. La première moitié des années 1960 apparaît par bien des aspecst comme un moment court de collaborations transnationales en rupture avec les rivalités de la décennie précédente et une conception à la fois nationale et universaliste de l'artThe American myth of Paris, its evolution and decline from 1945 to the late 1960s, is at the core of this study. The GI Bill encouraged many young American artists to come to study in Paris after war. A small group settled in the city, actively taking part in transatlantic exchanges throughout the 1950s. In the late 1950s, a younger generation of artists and members of new avant-gardes arrived in Paris, turning to more collaborative forms of art production. The first part of this thesis deals with the collective life of American artists in Paris. The second part examines the role these expatriate artists played in the promotion of American art in Europe during the Cold War. In the 1950s, American abstract painters in Paris benefited from the sparse exchanges and slow arrival of American art in Europe. They were easily considered as the ambassadors of the new American painting by Europeans eagerly waiting for shows of abstract expressionism. Their artworks met European expectations but also encouraged a partial acceptance of American abstraction, whose violent dimension was rejected in favor of more lyrical forms of abstraction. The American artists who arrived in Paris in the 1960s represented new avant-gardes that were still marginal in the United States – from Chicago new figuration to happenings. They gave a more diverse and complex image of what American art was. Their work was also appreciated in Parisian circles for its radicalism and criticism of the American model
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Sar, Pich-Chenda. „Les artistes américains à Paris (1900-1914)“. Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040142.
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Dès la fin du 19ème siècle jusqu’à la première guerre mondiale, les artistes américains se sont rendus à Paris dans le but de parfaire leur parcours artistique dans les écoles et académies d’art dont regorgeait la capitale française. Au début du 20ème siècle, alors que Paris assiste avec enthousiasme et émotion à la naissance de l’art moderne, la communauté américaine de tradition conversatrice connait de profonds changements qui vont affecter à jamais le visage de la communauté elle-Même, le développement de l’art moderne dans un Paris marqué par l’internationalisme, et le futur de l’histoire de l’art américain pour de longues années. Cette étude se propose de revenir sur ces années cruciales pour les artistes outre-Atlantique souvent négligés des études portant sur cette époque. Ces artistes tissèrent des relations amicales et professionnelles importantes avec les principaux acteurs parisiens et contribuèrent pleinement au développement et à l’essor de l’art moderne aussi bien en France qu’aux Etats-UnisFrom the end of the 19th century until the First World War, American artists travel to Paris to attend the numerous art schools and official academies in order to build and refine their career. At the beginning of the 20th century, while Paris gives birth to modern art, the American community who was artistically conservative, is subject to many changes that will alter the course of modern art in Paris along with the future of American art. This study goes back to these crucial years and focuses on these artists who lived in Paris at a very special time, when the French capital was an international center for the arts. These artists are often neglected and underestimated, yet they dealt with the main artists of the time and played their
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Loire, Cédric. „L’art de (ne pas) fabriquer : Évolution des modes de conception et de production de la sculpture, a l’ère de l’objet produit en masse, entre le milieu des années 1950 et le début des annees 1970, aux États-Unis“. Thesis, Tours, 2012. http://www.theses.fr/2012TOUR2035/document.
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L’analyse de la réception critique des nouvelles formes d’art apparaissant dès la fin des années 1950 et se développant au cours des années 1960, en particulier dans le champ de la sculpture et des œuvres en trois dimensions, constitue le socle de notre réflexion. Celle-ci vise à mettre en lumière les profondes évolutions que connaissent les processus de conception et de production des œuvres en trois dimensions, chez des artistes que la réception critique « à chaud » puis l’histoire de l’art ont séparés en fonction de critères stylistiques : néo-dada, pop, minimal… L’observation de ces déplacements de la pratique, intégrant des matériaux et des modes de production industriels (ou résistant à ces derniers) offre une autre approche des enjeux de l’art de cette période, qui voit s’éloigner la figure archétypale et héroïque du sculpteur moderniste incarnée par David Smith, et s’élaborer la figure nouvelle de l’artiste « post-studio ». Parallèlement, apparaissent de nouveaux soutiens, institutionnels, financiers et surtout techniques, pour les artistes produisant des œuvres en trois dimensions et délégant tout ou partie de la fabrication à des sociétés industrielles. Un nouveau type d’entreprise voit le jour, spécialisé dans la fabrication d’œuvres en trois dimensions et de sculptures monumentales. Au début des années 1970, les nouveaux modes de fabrication expérimentés durant la décennie précédente sont parfaitement intégrés à l’économie générale de l’art. En proposer une forme d’archéologie afin d’en comprendre les motivations initiales vise à mieux penser les enjeux actuels des pratiques artistiques ayant recours à la fabrication déléguéeThe analysis of the critical reception of the new forms of art appearing from the end of the 1950s and developing during the 1960s, especially in the field of sculpture and tridimensional works, constitutes the foundation of our thought. It aims at bringing to light the profound shifts in the conception and production processes of the works in three dimensions, made by artists separated by the critical reception then the art history according to stylistic criteria : Neo-Dada, Pop, Minimal, and so on. To observe these displacements of the art practice, integrating industrials materials and means of production (or resisting them) offers another approach of the art stakes in this period, which sees the archetypal and heroic figure of the modernist sculptor (embodied by David Smith) fading, and elaborating the new figure of the post-studio artist. At the same time, new supports (institutional, financial and especially technical) appear for the artists producing works in three dimensions and delegating all or any of the manufacturing to industrial companies. A new type of company, specialized in the manufacturing of works in three dimensions and monumental sculptures, is born. In the early 1970s, the new means of manufacturing experienced during the previous decade are perfectly integrated into the general economy of art. To propose a kind of archeology of these means in order to understand the initial motivations aims at a better thinking of the current stakes in the artistic practices turning to delegated manufacturing processes
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Tauliaut, Henri. „Art biologique et artificiel chez les artistes contemporains de la Caraïbe et du continent Américain“. Thesis, Antilles, 2019. http://www.theses.fr/2019ANTI0504.
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L’objectif principal de ma thèse est de déterminer si les artistes du numérique et du Bio art du continent américain et de la Caraïbe, travaillant sur le vivant avec des moyens digitaux, ont des pratiques artistiques contemporaines spécifiques, par rapport à celles produites en Europe et en Occident en général. Cette thèse présente dans sa première partie les concepts principaux que sont le vivant et le numérique, ainsi que les définitions de l'art numérique. En même temps, est présentée une brève chronologie de l’art numérique, montrant son émergence en Europe en Amérique et partout dans le monde à partir de la seconde moitié du 20e siècle. La seconde partie s'attache véritablement au travail de certains artistes : Joachim Fargas, Natascha Vita-More, Nicolas Reeves et Vera Silvia Bighetti. Ce groupe d'artistes réalise des œuvres que l'on peut assimiler aux problématiques et à la production artistique occidentale. Enfin, la troisième partie concerne le travail des artistes qui ont une production qui se détache de la vision naturaliste et matérialiste du monde prônant le dualisme et la séparation entre nature et culture, chère à Descartes. Ces artistes se nomment Michel Pétris, Carlos Estrada, André Éric Letourneau et Gilberto Esparza. Ils créent et proposent, tous, des œuvres qui ont la particularité d'être hybrides en ce sens qu’elles sont la rencontre entre différentes cultures, entre différentes techniques, entre différents domaines. Ces œuvres sont des hybridations entre l'art, la science et une spiritualité animiste (généralement). Ces créateurs proposent de nouveaux paradigmes artistiques contemporains non-occidentauxDo the digital and bio art artists of the American continent and the Caribbean, working on the “living” with digital means, have specific contemporary artistic practices, compared to those which are produced in Europe and in the West in general ? This thesis presents in its first part the main concepts that are the “living” and the “digital”, as well as the definitions of digital art. At the same time, is presented a brief chronology of digital art, showing its emergence in Europe, in America and around the world from the second half of the 20th century. The second part focuses on the work of the following artists: Joachim Fargas, Natascha Vita-More, Nicolas Reeves and Vera Silvia Bighetti. This group of artists produces artworks that can be assimilated to Western’s issues and artistic production. Finally, the third part concerns the work of artists who have a production that stands out from the naturalist and materialistic vision of the world, advocating dualism and the separation between nature and culture, dear to Descartes. These artists are called Michel Pétris, Carlos Estrada, André Éric Letourneau and Gilberto Esparza. All create and offer artworks that have the particularity to be hybrid as they are the encounter between different cultures, different techniques and different fields. These works are hybridizations between art, science and an animist spirituality (mostly). These creators propose new non-Western contemporary artistic paradigms
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Guillaume, Isabelle. „Le personnage noir dans le cinéma américain : entre remise en question et rémanence des formes classiques“. Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083975.
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Cette thèse porte sur le processus de mise en stéréotype du personnage noir dans le cinéma américains. L'analyse fait apparaître que dès l’apparition de l’homme de couleur sur les écrans, naît le stéréotype du personnage noir. L'enjeu de ce travail est d'expliquer que cette toute première image figée, caricaturale, stéréotypée et réductrice du Noir, lui collera à la peau, tout au long de son évolution cinématographique. La vision proposée par cette étude repose sur les représentations majeures du personnage noir stéréotypés qui ont été répertoriées par l’historien américain Donald Bogle auquel nous nous réfèrerons tout au long de ce travail. Ces figures du personnage noir seront au fil de ce travail, des repères à la compréhension d’un cinéma américain qui oscille entre un désir de faire évoluer cette représentation et une irrésistible envie de répéter inlassablement les figures traditionnelles. L’objectif de ce mémoire étant de donner un aperçu de l’évolution de l’identité noire au sein du cinéma américain depuis sa création à nos jours, nous verrons se succéder, dans le contexte historique de chaque époque, des genres cinématographiques, des acteurs et réalisateurs noirs ou blancs, produits en indépendants ou financés par l’industrie hollywoodienne. En conclusion, l'itinéraire suivi par ce personnage tout au long de notre étude démontre que le chemin fut long et semé d'embuches et que des inégalités persistent, ce qui confirme la nécessité pour l'audience américaine de rester vigilante puisque la rémanence des représentations classiques du personnage noir renferme des images fantômes qui continueront encore longtemps à hanter le cinéma américainThe subject matter of this doctoral work is the process by which black characters have become stereotypes in American cinema. The work shows how, very early on, American cinema, the first appearances of black people on screen gave rise to stereotypical black characters. The purpose of this work is to try and show that these very first caricatured, stereotypical, reductive and set images of black people have endured thereafter, in more or less varied forms, throughout American cinema’s history. The work is based on the five major stereotypical black figures listed by American historian Donald Bogle. The categories of stereotypes drawn by Bogle form the backbone of this work. Throughout the work, these black figures will be used as a benchmark to show that American cinema has both, tried to improve its portrayal of black characters while, at the same time, given in to the easy endless repetition of traditional figures. The aim of this dissertation being to provide an overview of black identity’s evolution in American cinema from the early days up until now, it will, therefore, focus on several genres, black and white actors and directors, and independent films, as well as films financed by Hollywood’s movie industry. By way of conclusion, the journey of black characters throughout this study is a long, arduous one. Inequalities remain. American audiences must, therefore, be wary of the persistence of classical representations of black characters, as such representations bring back ghost images that will continue to haunt American cinema for many years
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Pellegrini, Fabiana Camargo. „O artista e sua época: estudo comparado entre Mário de Andrade e José Carlos Mariátegui“. Universidade de São Paulo, 2008. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8145/tde-26052008-154948/.
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Este trabalho tem como intuito o estudo comparado entre Mário de Andrade (1893 - 1945) e José Carlos Mariátegui (1894 - 1930), através de seus textos críticos sobre arte e literatura. A proposta para o desenvolvimento deste estudo centrou-se na análise do projeto estético e ideológico destes autores para que, a partir desta prerrogativa, pudéssemos indagar sobre o papel do artista e do intelectual frente a sua época. No primeiro capítulo desta dissertação abordamos a relação entre Mário de Andrade e José Carlos Mariátegui perante o modernismo brasileiro e peruano. No segundo, tratamos da dicotomia entre a tradição e a modernidade, através de um \"método moderno\" de observação crítica da arte e da literatura, comum a ambos os autores. No terceiro capítulo desenvolvemos uma comparação entre os preceitos advindos das vanguardas européias junto a dois artistas latino-americanos: Candido Portinari e José Sabogal. Por fim, procuramos examinar as condições nas quais o artista e o intelectual desenvolvem suas obras e o conceito de mediação decorrente de suas atuações.Este trabajo tiene por objetivo el estudio comparado de Mário de Andrade (1893 - 1945) y José Carlos Mariátegui (1894 - 1930), a través de sus textos críticos sobre arte y literatura. La propuesta para el desarrollo de este estudio se centró en el análisis del proyecto estético e ideológico de estos autores para poder indagar, a partir de esta prerrogativa, el papel del artista y del intelectual frente a su época. En el primer capítulo de esta disertación abordamos la relación entre Mário de Andrade y José Carlos Mariátegui frente al modernismo brasileño y peruano. En el segundo, tratamos de la dicotomía entre la tradición y la modernidad, a través de un \"método moderno\" de observación crítica del arte y de la literatura común a ambos autores. En el tercer capítulo desarrollamos una comparación entre los preceptos provenientes de las vanguardias europeas y dos artistas latinoamericanos: Candido Portinari y José Sabogal. Finalmente, procuramos examinar las condiciones en las que el artista y el intelectual desarrollan sus obras y el concepto de mediación que resulta de sus actuaciones.
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Ronzier, Elisabeth. „Le gage sans dépossession : éclairages américains pour une meilleure efficacité du droit français et international“. Thesis, Paris 11, 2014. http://www.theses.fr/2014PA111013.
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L’ordonnance du 23 mars 2006 a réformé le droit des sûretés en France et introduit un gage sans dépossession inspiré du security interest américain dans l’objectif d’améliorer l’efficacité de la matière. L’amélioration est visible mais peut encore être approfondie. En premier lieu, la prépondérance de l’autonomie de la volonté dans la constitution et le régime du gage sans dépossession traduit son détachement progressif de la matière réelle. En effet, le droit du créancier bénéficiaire a pour objet plus la valeur du contenu de l’assiette affectée que son incarnation matérielle. Ainsi, il faut, d’une part, autoriser l’évolution du contenu matériel de l’assiette de constitution pour admettre que l’assiette de réalisation ne soit pas constituée des mêmes biens mais représente toujours la même valeur affectée. D’autre part, il faut reconnaître l’opposabilité du droit de rétention fictif aux procédures d’insolvabilité. En second lieu, le détachement de la sûreté de son objet réel et la prévalence de l’autonomie de la volonté doivent se prolonger en droit international privé. Ainsi, il convient d’admettre l’abandon de la compétence de la lex rei sitae, source de difficultés liées à la nature mobilière du bien grevé, et de reconnaître la compétence de la lex contractus, tirée de la prépondérance de la source conventionnelle de la sûreté.Ainsi, tant l’adaptation de la sûreté permise par la place laissée la volonté des parties, que la possibilité de circulation transfrontalière offerte par la reconnaissance des sûretés étrangères, font du gage sans dépossession une sûreté plus efficace aussi bien en droit interne qu’au niveau internationalOn March 23rd 2006, the French reform of security law introduced the « gage sans dépossession », inspired by the security interest of the Article 9 of the U.C.C. from the United- States, in order to improve the efficiency of security law in France. The enhancement is undeniable and yet but there remains room for improvement.First of all, the increased autonomy given to parties when creating and ruling a security results in its detachment from the scope of personal property. Indeed, the creditor is more entitled to the value of the collateral rather than to the good itself. Therefore, the physical content of the collateral should be allowed to change physically as long as collateral remains of same value. On the other hand, the creditor’s fictive right of retention must be enforceable against insolvency proceedings. Secondly, both the detachment of the security from its physical collateral and the preponderance of parties’ autonomy must be taken into account in international private law. Should a matter of choice of law arise, the security should be governed not by lex rei sitae, given the issues raised when applied to movable goods, but by lex contractus, on account of the contractual source of the security. As a result of its adaptability enabled by autonomy, and as a result of the ability to move the security over borders and still be enforceable, the French “gage sans dépossession” appears to be more efficient both in France and on an international level
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Sol, Credence. „Le droit des artistes-interprètes à la protection de leur travail à l'ère numérique“. Thesis, Tours, 2017. http://www.theses.fr/2017TOUR2026/document.
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Ce travail s’attache à étudier le droit des artistes interprètes à la protection de leur travail à l’ère numérique. La première partie de ce travail s’intéresse à la théorie des droits d’auteur, l’histoire des droits moraux, et à l’application de la théorie des droits moraux aux procès qui impliquent les artistes interprètes aux Etats-Unis, au Royaume-Uni, et en France. De plus, ce travail présente le droit international en la matière, y compris la Convention de Berne et le Traite de Beijing. La deuxième partie de ce travail examine l’histoire de l’industrie du cinéma. Plus spécifiquement, il se concentre sur l’histoire de l’industrie du cinéma aux Etats-Unis, au Royaume-Uni et en France, en observant comment les progrès des technologies cinématographiques ont affecté les droits des acteurs de cinéma dans le domaine du droit national et international. La troisième partie de ce travail propose un Protocole au Traité de Beijing afin que créer un mécanisme pour diminuer les obstacles à l'accès à la justice qui empêchent les artistes interprètes de faire valoir leurs droits. La thèse se termine par uneréflexion sur les leçons qui peuvent être tirées de l'histoire et des pratiques actuelles des États-Unis, du Royaume-Uni et de la France en ce qui concerne les droits moraux des artistes interprètes, en recommandant que les trois pays fournissent à l'avenir des protections plus significatives aux artistes interprètesThis work provides a broad study of the right of performing artists to protect their performances in the Internet era. The first part of this work explores the theoretical foundation of copyright law, the history of moral rights, and the application of the theory of moral rights to cases affecting performing artists in the United States, the United Kingdom, and France. In addition, this work discusses relevant international law, including the Berne Convention and the Beijing Treaty. The second part of this work addresses the history of the movie industry. More specifically, it concentrates on the history of the film industry in the United States, the United Kingdom, and France, observing how technological progress in filmmaking techniques have affected the rights of movie actors under both national and international law. The third part of this work proposes a Protocol to the Beijing Treaty that would create a mechanism to lower the barriers to justice that currently prevent performing artists from vindicating their rights. This work concludes with a reflection on the lessons that can be drawn from both the history and the current practices of the United States, the United Kingdom, and France with respect to the moral rights of performing artists, recommending that the three countries provide more significant protections to performing artists going forward
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Fatio, Carla Francisca. „Processos artísticos no continente latino-americano: uma perspectiva histórica e crítica da I Bienal latino-americana de 1978 e seu legado para a América Latina e o Brasil“. Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/84/84131/tde-22102012-123405/.
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O trabalho apresenta um estudo sobre a I Bienal Latino-Americana de 1978 e seu Simpósio. O evento trouxe subsídios para o pensamento crítico sobre a América Latina Contemporânea. Observa-se no estudo a relevância do diálogo sobre a arte em sua identidade especificamente latino-americana (não europeia e nem americana), ocorrido nesta Bienal, e dentro dos quadros da Fundação Bienal de São Paulo. A tese apresenta quatro capítulos, além da introdução e das considerações finais. Os capítulos trazem informações sobre: (1) a Fundação Bienal de São Paulo e as Bienais Internacionais e Nacionais; (2) a organização da I Bienal Latino-Americana, o papel e a expectativa da crítica de arte; (3) o Simpósio, a apresentação de algumas teses, a perspectiva dos artistas; (4) a visão crítica de Aracy Amaral, os procedimentos relacionados a uma possível II Bienal Latino-Americana, as comissões estabelecidas pelos críticos de arte; e em especial, fazemos um comparativo da I Bienal Latino-Americana com a 30º Bienal de São Paulo, e as atuais 54º Bienal de Veneza e a Documenta 13, com uma complementação das Bienais do Mercosul e VentoSul. Recuperaram-se documentos inéditos, tendo-se uma preocupação de reconstruir historicamente o processo de organização desta Bienal, e extrair, dos diálogos registrados em textos, as ideias e estratégias pensadas pelo diretor artístico (curador), e pelos críticos envolvidos no Conselho de Arte e Cultura, e no Simpósio sobre o conceito de arte latino-americana. Evidencia-se o papel da crítica de arte. Trata-se igualmente, a questão da I Bienal Latino-Americana em permanecer parcialmente incógnita, por tantas décadas, nos estudos sobre a arte no Brasil. Na análise empreendida, discorre-se sobre a cena política e artística das décadas 1970 e 1980, sempre que este contexto é relevante para entender a ideia de uma mostra latino-americana de grande porte, a organização desta exposição e os seus desdobramentos críticos e culturais no debate sobre América Latina e Caribe. Uma atenção especial é dada, ao papel da arte no processo de integração desta região do continente americano, e seu possível legado para a contemporaneidade.Initially, this work presents a research on the I Latin America Biennial of 1978 and its Symposium. Secondly, the event brought subsidies to critical thinking about Contemporary Latin America continent. We have noted the relevance of the dialogue about art in its specifically Latin American identity (neither American nor European) occurred in this biennial, and within the frames of the São Paulo Biennial Foundation. Moreover, the thesis is presented in four chapters, besides the introduction and final considerations. The chapters bring information about: (1) São Paulo Biennial Foundation, including the view of the international editions plus the fourth national ones; (2) its organization of the first Latin America Biennial, its position and expectations of the art criticism; (3) the Symposium, the presentation of some thesis, and its artists belief; (4) the thought of the art critics of this period, especially the critical view of Aracy Amaral, the procedures related to a possible II Latin America Biennial, the commissions of art critics; in particular, the comparison of the I Latin American Biennial with the 30th São Paulo Biennial, and similarities with the 54th Venice Biennial and Documenta 13, plus, the Biennial of MERCOSUR and VentoSul. We recovered some unpublished documents and were concerned to reconstruct historically the process of organizing this biennial in study. Ideas and strategies designed by the artistic director (curator) about the concept of \"Latin American art and also by the art critics involved in the Art and Culture Council as well as in the Symposium were extracted from the documents. We have also investigated the issue of the Biennial being partially unknown for so many decades, especially in studies about art in Brazil. All in all, in the undertaken study, the artistic and political scene of the 1970 and 1980s were considered whenever it is a relevant context to understand the idea of a large Latin American exhibition, its organization and its critical and cultural branches for the debate on Latin America and Caribbean. A special attention is given to the role of art in the process of integration of this region of the American continent.
Bücher zum Thema "Artiste américain"
1
Plaxine, Gleb. Français, Américain, Russe, ou, l'insolite destinée de Gleb, artiste et homme de guerre. Le Coudray-Macouard: Cheminements, 2008.
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Plaxine, Gleb. Français, Américain, Russe, ou, l'insolite destinée de Gleb, artiste et homme de guerre. Le Coudray-Macouard: Cheminements, 2008.
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3
Shoaf, Turner Jane, Hrsg. Encyclopedia of American art before 1914. London: Macmillan Reference, 2000.
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4
1956-, Turner Jane, Hrsg. Encyclopedia of American art before 1914. New York: Grove's Dictionaries, 2000.
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5
Giverny, Musée américain, Hrsg. Ville et campagne: Les artistes américains 1870-1920 : 1er avril-31 octobre 1999, Musée d'art américain, Giverny. [Evanston, Ill.]: Terra Foundation for the Arts, 1999.
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6
Pop américains. Paris: IMEC éditeur, 2012.
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7
Felton, Jamila Zahra. On Blackness: You Have the Right to Remain. [Washington, D.C.]: Jamila Zahra Felton, 2016.
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8
Les artistes et la politique: Terrains franco-américains. Saint-Denis: Presses universitaires de Vincennes, 2010.
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9
Latin American women artists of the United States: The works of 33 twentieth-century women. Jefferson, N.C: McFarland, 1999.
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Ise, Maria Laura. Descubrir, exhibir, interpretar: Arte latinoamericano en Estados Unidos (1987-1992). Buenos Aires: Ediciones Imago Mundi, 2021.
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1
Selbach, Gérard. „Le marketing : une aide aux voix des femmes artistes américaines“. In Voix de femmes à la scène, à l'écran, 33–45. Presses universitaires de Rennes, 1994. http://dx.doi.org/10.4000/books.pur.1835.
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2
Stastny, Francisco. „Vicente Carducho y la escuela madrileña en América“. In Sobre el Perú: homenaje a José Agustín de la Puente Candamo, 1195–311. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023. http://dx.doi.org/10.18800/9789972424724.077.
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Es habitual referirse a la influencia de España en la pintura americana como un fenómeno limitado al ámbito geográfico de Andalucía. En efecto, desde finales de la cuarta década del siglo XVII la presencia probada de obras de Zurbarán 1 y de lienzos de varios artistas de su círculo que sistematizaron el envío de series pictóricas a ultramar, jugaron un papel preponderante en la formación del barroco pictórico de América (Kinkead 1983: 73). Otras influencias de igual origen llegaron en oleadas sucesivas representadas por artistas de inicios de siglo (1608-1610) como Miguel Güelles y Domingo Caro, autores de la Vida de Santo Domingo del convento limeño; y más adelante con Francisco Varela o Matías Arteaga y Alfaro, cuyos lienzos portaban las renovaciones estilísticas de Roelas, Murillo y Valdés Leal. En cambio, la incidencia de escuelas distintas de la andaluza apenas ha sido reconocida en la importación aislada de pinturas llegadas entre los bienes de autoridades eclesiásticas o gubernamentales, como los lienzos de El Greco, Patricio Cajés y Juan Carreño conducidos al Cuzco por el obispo Mollinedo y Angulo. Por su alto aprecio en la imaginería piadosa, también fue ubicua en América la modalidad del artista extremeño del siglo XVI, Luis de Morales; y por su importancia como retratista real, la del pintor de corte Alonso Sánchez Coello, cuyo hijo se radicó en Lima.
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„Pedro vargas, el tenor de las Américas“. In Los artistas chiquinquireños Rómulo Rozo y Pedro Vargas, eximios exponentes del mestizaje indoamericano, 77–120. Academia Colombiana de Historia, 2016. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv262qsh9.7.
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4
Meding, Holger M. „¿ARTISTA, HISTORIADORA, ESPÍA, FEMME FATALE? UNA ACTRIZ ALEMANA EN LAS GARRAS DE LOS SERVICIOS SECRETOS“. In Género en América Latina, 339–62. Iberoamericana Vervuert, 2022. http://dx.doi.org/10.31819/9783968691992-017.
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Merke, Federico, und Gisela Pereyra Doval. „La politique étrangère face au cycle électoral latino-américain“. In Annuaire français de relations internationales, 433–56. Éditions Panthéon-Assas, 2023. http://dx.doi.org/10.3917/epas.ferna.2023.01.0433.
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Le cycle électoral des régimes présidentiels sert généralement de point de départ pour étudier les changements et continuités de la politique étrangère, comprise en fonction de facteurs nationaux et internationaux. Dans cet article, nous examinons les cas du Brésil, du Chili et de la Colombie de 2000 à nos jours afin d’analyser comment le cycle électoral a affecté leur politique étrangère. Nous comparons ensuite les trois pays à partir de cinq variables : 1) les relations avec les États-Unis et la Chine ; 2) le commerce extérieur ; 3) la sécurité et la défense ; 4) les migrations ; et 5) le changement climatique. Cela nous permet d’estimer l’influence que le cycle électoral a eue dans chaque pays au cours des années analysées. Enfin, nous présentons quelques questions prospectives sur le cycle électoral et sa pertinence pour comprendre les politiques étrangères latino-américaines.
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Maccagno, Anna. „Situación actual de la formación en las artes plásticas en América Latina y El Caribe“. In Homenaje a Anna Maccagno: I simposio sobre la escultura peruana del siglo XX, 29–33. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023. http://dx.doi.org/10.18800/9972-425-24-x.003.
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El tema es complejo y difícil de definir en pocas palabras ya que no es suficiente hablar del nivel académico, humanístico o referirse a los diferentes puntos de vista de los que nos dedicamos a la formación de jóvenes artistas. En el campo del lenguaje artístico por ejemplo, habrá que analizar qué impacto tuvo cada una de las tantas influencias foráneas (comenzando por la importación y asimilación del arte europeo, hasta la gravitación de los tantos «ismos» y vanguardias) en un país andino como el Perú, donde el peso histórico del arte pre-colombino no puede dejar de ser parte del artista nacido en esta tierra. Resumiendo en pocas palabras lo que vino aconteciendo en Lima en los últimos cincuenta años, podemos ver cómo dos centros de formación toman caminos diferentes.
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Espinar Castañer, Esther. „Octavio Pinto, un artista argentino en el Japón (1928-1931)“. In Extremo occidente y extremo oriente: herencias asiáticas en la América hispánica, 143–77. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023. http://dx.doi.org/10.18800/9786123173722.007.
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Este estudio pretende analizar la difusión y la influencia de la cultura japonesa en Buenos Aires desde la disciplina de la Historia del Arte. La aportación de Octavio Pinto (1890-1941) reside en su contribución a la difusión artística y cultural del Japón. Lo hizo a través su producción artística en grabados y pinturas, así como a través de las páginas literarias con sus escritos de pintura, de cultura y de filosofía japonesa.
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Bernal, María Clara. „Solidaridad: América Latina y Europa. El caso de la revista Espiral“. In Redes transatlánticas : intelectuales y artistas entre América Latina y Europa durante la Guerra Fría. Iberoamericana Vervuert, 2023. http://dx.doi.org/10.31819/9783968694665_003.
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Bouvet, Françoise. „¿Mito o monstruo?“ In America: il racconto di un continente | América: el relato de un continente. Venice: Edizioni Ca' Foscari, 2019. http://dx.doi.org/10.30687/978-88-6969-319-9/011.
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Pablo Escobar died in 1993 but his figure is still present in today’s artistic environment. This article studied the ‘character Escobar’ as he appears in the Columbian fiction, and more precisely in six novels published between 1993 and 2017 by writers such as Restrepo, Vallejo, Franco, Vásquez, Forero Quintero and Mesa. By analysing the allusions to the capo, his (dis)appearences, different names, descriptions…, this study examines how these authors deal with the heroic or monstrous facets of the so-called Patrón del Mal, and his mythical and sacred dimension, raising the question of an eventual responsibility of the writers in the mythification process of Escobar.
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Cáceres Cuadros, Tito. „Carlos de la Riva : el deslumbramiento de un artista ante China“. In Extremo occidente y extremo oriente: herencias asiáticas en la América hispánica, 179–207. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023. http://dx.doi.org/10.18800/9786123173722.008.
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Carlos de la Riva escribió Donde nace la aurora. Estampas de la nueva China en 1961, luego de su viaje por Oriente en 1959. Siendo pintor y escritor, le fue fácil tomar notas de su viaje y compilar algunas de sus ideas. Queda claro, pues, que se trata del testimonio de un artista «comprometido», de un verdadero engagé político y cultural. El libro no es del típico viajero que describe, sino la del hábil creador que recrea su estancia apelando a la comparación entre dos mundos, dos concepciones y dos universos culturales. Su mayor asombro es haber perdido allí la «extranjeridad» que había sentido en los países europeos al inicio de su viaje. Uno de los capítulos sobre la visita a las trece tumbas de la dinastía Ming le permite historiar un poco y oponer el «renmin» (el «pueblo», de donde, en esta nueva china, «el “renmin”» está «trabajando para el “renmin”»). Igualmente, aprovecha para analizar los conflictos sociales, las guerras y revueltas campesinas, los diálogos con gente del pueblo y la lectura de muchos autores clásicos, desde Confucio hasta Mao Tse-Tung, viendo en este último su poesía y su filosofía política.
Konferenzberichte zum Thema "Artiste américain"
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Costa, Rafael Machado. „Salomon Smolianoff: o Rei dos Falsários e artista esquecido“. In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2017. http://dx.doi.org/10.20396/eha.12.2017.4551.
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Salomon Smolianoff (1897-1976) é conhecido através de pesquisas internacionais por ter sido o mais habilidoso falsificador europeu da primeira metade do século XX e foi apelidado como "Rei dos Falsários". Judeu, foi prisioneiro nos campos de concentração nazistas e forçado a chefiar a equipe de falsificadores da Operação Bernhard, em que o governo alemão falsificou libras e dólares para desestabilizar a economia dos Aliados e financiar dívidas. Após a guerra, Smolianoff abandonou a Europa para viver na América do Sul.
2
Lapunzina, Alejandro. „Crónica de un desencuentro: Le Corbusier en las Américas“. In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.985.
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Resumen: La relación de Le Corbusier con el continente americano abarca virtualmente toda su vida activa. Plasmada en una veintena de viajes trasatlánticos y en un conjunto heterogéneo de propuestas, proyectos y obras, esta relación estuvo marcada por frecuentes malentendidos y desencuentros que condicionaron la concreción de algunos de sus proyectos. No obstante, el valor de su obra americana, representada por dos obras extraordinarias –la Casa Curutchet en Argentina y el Carpenter Center en Estados Unidos— y por una serie de proyectos notables que no llegaron a materializarse, merece un tratamiento específico. Este artículo está dedicado a presentar una síntesis de la relación y recíproco desencuentro entre Le Corbusier y el continente americano. Abstract: The relationship between Le Corbusier and the American continent virtually encompasses his entire professional life. Embodied by about twenty transatlantic trips and a series of heterogeneous projects and buildings, this relationship was marked by frequent misunderstandings that conditioned the materialization of some of his projects. However, the significance of Le Corbusier’s work for the Americas, represented by two extraordinary buildings –the Curutchet House in Argentina and the Carpenter Center in the United States— and by a series of noteworthy projects that remained unbuilt, deserves special consideration. This article is dedicated to present an outline of the relationship and reciprocal misunderstanding between Le Corbusier and the American continent. Palabras clave: Américas; Planes urbanos; Casa Curutchet; Carpenter Center; Viajes y Proyectos. Keywords: Americas; Urban Plans; Curutchet House; Carpenter Center; Travels and Projects. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.985
3
Lima, Valéria Alves Esteves. „Alessandro Ciccarelli e Quinsac Monvoisin:arte e política na América oitocentista“. In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2009. http://dx.doi.org/10.20396/eha.5.2009.4016.
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A história da arte na América Latina, bem como o estudo do estatuto da imagem nos países de colonização ibérica, é indissociável das análises em torno da circulação e difusão de teorias, modelos e pessoas no continente, desde o período colonial. No século XIX, esse movimento está vinculado às estreitas relações entre arte e política, no momento de consolidação dos processos de independência e de afirmação de projetos de nacionalidade nos novos Estados. O presente trabalho procura desenvolver as idéias acima, acompanhando as trajetórias de dois artistas estrangeiros, cuja atuação foi de extrema significação para os contextos artísticos do Brasil e do Chile em meados do s. XIX: Alessandro Ciccarelli e Raymond A. Quinsac de Monvoisin.
4
Silva, Rosangela de Jesus. „Diálodos entre América Latina e Europa através da imagem na imprensa oitocentista“. In Encontro da História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2013. http://dx.doi.org/10.20396/eha.9.2013.4467.
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A produção de revistas ilustradas se consolidou no século XIX. O desenvolvimento de técnicas de impressão possibilitou um espaço crescente para as imagens nessas publicações. Na Europa, na primeira metade do oitocentos, revistas como Le Charivari e La Caricature na França e Punch em Londres obtiveram grande sucesso, além disso, inspirariam muitas outras publicações ao redor do mundo. Na América Latina não seria diferente, a circulação de publicações e de artista, muitos deles imigrados do “velho continente”, dariam origem a publicações com características próximas aos periódicos europeus, sobretudo na forma. Marcados por ideias “civilizatórios” e de ilustração a partir de princípios iluministas, essas publicações tentaram responder aos anseios de constituição das jovens nações americanas.
5
Curi, Carolina Vieira Filippini. „Wanda Pimentel e Gloria Goméz-Sanchéz: novos olhares sobre as produções de extração Pop de mulheres artistas na América do Sul (1960 e 1970)“. In Encontro da História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2019. http://dx.doi.org/10.20396/eha.vi14.3477.
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6
Boone, Silvana, und Jacks Ricardo Selistre. „O lugar da arte latino-americana no século XXI“. In Encontro da História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2015. http://dx.doi.org/10.20396/eha.11.2015.4378.
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O presente texto objetiva ampliar a discussão sobre o lugar da arte latino-americana no contexto da arte contemporânea. Passada a primeira década do século XXI, evidências percebidas em décadas anteriores ainda se manifestam, diferenciando a produção advinda de países da América Latina em relação às produções de outros países. A ocupação menor de espaços em museus, feiras e coleções por obras e artistas latino-americanos ainda comprovam tal distanciamento.
7
Campos, Letícia Badan Palhares Knauer de. „Alcova Tragica de Giuseppe Amisani e a belle époque paulistana“. In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2011. http://dx.doi.org/10.20396/eha.7.2011.4088.
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A presente comunicação é um recorte da pesquisa de iniciação científica “Acerca de La Culla Tragica – Giuseppe Amisani no Brasil”, que encontra-se ainda em andamento e desenvolvida sob orientação do Prof. Dr. Jorge Coli, no Departamento de História do IFCH/UNICAMP. Como principal objetivo visa-se abordar a passagem de Giuseppe Amisani (1881-1941) pelo Brasil, durante a belle époque – entre os anos de 1912 e 1913 – quando o pintor monta seu atelier na cidade de São Paulo. Este artista, originário de Mede Lomellina, pequena cidade italiana localizada na província de Pavia, trabalhou principalmente como retratista dentro e fora da Itália. Passou pela Inglaterra, pela América do Sul e foi no Cairo onde conseguiu sua maior fama, ao imortalizar em suas pinceladas ágeis e coloridas o rosto juvenil e vivaz do príncipe herdeiro, Farouk I (Ritratto di Farouk bambino, 1924 – Coleção privada). Na América do Sul passou por Buenos Aires e fez sua passagem pelo Brasil em duas datas até hoje conhecidas – 1912 e 1913. Nesta comunicação trataremos sobre sua segunda viagem. Apresentando algumas das obras trazidas, das realizadas aqui, bem como sua relação com algumas importantes figuras políticas nacionais.
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Lodo, Gabriela Cristina. „I Bienal latino-americana de São Paulo: a influência de um presidente e do meio artístico“. In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2012. http://dx.doi.org/10.20396/eha.8.2012.4209.
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A I Bienal Latino-Americana de São Paulo ocorreu no ano de 1978, entre os dias 03 de novembro e 17 de dezembro, apresentando 13 países da América Latina; sendo eles Argentina, Bolívia, Brasil, Chile, Colômbia, El Salvador, Equador, Honduras, México, Paraguai, Peru, República Dominicana e Uruguai. A exposição apresentou obras dos mais diversos artistas dentro da temática “Mitos e Magia”, tema escolhido pelo Conselho de Arte e Cultura (CAC) da Fundação Bienal de São Paulo (FBSP), conselho este responsável pela organização da mostra.
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Sousa, André Mediote de, und Karin Becker. „Comparando os posicionamentos a favor/contra a vacinação COVID nos Estados Unidos da América e no Brasil“. In Simpósio Brasileiro de Banco de Dados. Sociedade Brasileira de Computação - SBC, 2022. http://dx.doi.org/10.5753/sbbd.2022.224628.
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The World Health Organization endorses vaccination as the most effective way to fight the COVID-19 pandemic, but hesitation to get vaccinated is a reality in many countries. This article develops a temporal study of stances for/against COVID-19 vaccination in the United States of America (USA), drawing a parallel with Brazil using data from Twitter. We conclude that the anti-vaccination movement in the US is more dominant in relation to Brazil. While there are many common elements between the two countries, the US population is more objective in defending their positions (health and safety versus individual freedom). In Brazil, we observe the population's anxiety about getting vaccinated and a political bias.
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Barsoumian de Carvalho, Beatriz, Felipe Ximenes de Brito Franco Ruela und Matheus Bonini Machado. „PLANEJAMENTO REGIONAL E HABITAÇÃO RURAL NA AMÉRICA LATINA. O VI Curso Regional de Habitação Rural e os diálogos CINVA-SUDENE“. In Seminario Internacional de Investigación en Urbanismo. Universitat Politècnica de Catalunya, Grup de Recerca en Urbanisme, 2024. http://dx.doi.org/10.5821/siiu.12656.
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The main objective of this article is to collaborate in the historiographic construction of the development of Regional Planning in Latin America, understood as a thought and an area of activity in the interface between Rural Sociology and Urban Sociology, in the context of the subcontinent starting from the second half of the 20th century. In this sense, the VI Regional Course on Rural Housing, held in Brazil in 1965 through a pioneering partnership between the Centro Interamericano de Vivienda y Planeamiento (CINVA) and the Superintendência do Desenvolvimento do Nordeste (SUDENE) is taken as a case study. Based on transnational dialogues in the subcontinent and based on the concept of contact zone as coined by Weinstein (2013), the article intends to clarify how the technical and intellectual means related the production and reproduction of Latin American rural spaces to Regional Planning in the subcontinent. Keywords: Regional planning, Rural housing, CINVA, SUDENE. O presente artigo tem como objetivo principal colaborar na construção historiográfica do desenvolvimento do Planejamento Regional na América Latina, compreendido enquanto campo de pensamento e área de atuação possíveis na interface entre a Sociologia Rural e a Sociologia Urbana, no contexto do subcontinente a partir da segunda metade do século XX. Nesse sentido, toma-se como estudo de caso o VI Curso Regional de Habitação Rural, realizado no Brasil em 1965 através de uma parceria pioneira entre o Centro Interamericano de Vivienda y Planeamiento (CINVA) e a Superintendência para o Desenvolvimento do Nordeste (SUDENE). Destacando os diálogos a nível transnacional no subcontinente e partindo do conceito de zona de contato como cunhado por Weinstein (2013), o artigo pretende esclarecer como os meios técnicos e intelectuais relacionaram a produção e reprodução dos espaços rurais latino-americanos ao Planejamento Regional no subcontinente. Palavras chave: Planejamento regional, Habitação rural, CINVA, SUDENE.
Berichte der Organisationen zum Thema "Artiste américain"
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Näslund-Hadley, Emma. ALAS BID premios al desarrollo infantil temprano: 2012. Inter-American Development Bank, April 2012. http://dx.doi.org/10.18235/0006142.
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Los Premios ALAS-BID nacen de la necesidad de reconocer el compromiso de tantas personas que trabajan por el desarrollo infantil temprano en América Latina y el Caribe. Los premios son otorgados por el Banco Interamericano de Desarrollo (BID) y la fundación ALAS, dirigida por la artista internacional Shakira. Existen cuatro categorías que distinguen a aquellos educadores, centros, publicaciones e innovaciones de desarrollo infantil temprano que se destacan como líderes en la región.
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Näslund-Hadley, Emma. Un comienzo igual: La enseñanza de la matemática y las ciencias naturales en América Latina y el Caribe. Inter-American Development Bank, Juli 2010. http://dx.doi.org/10.18235/0006144.
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Esta muestra de arte encarna las esperanzas y aspiraciones de que todos los estudiantes alcancen el nivel de aptitud numérica que es esencial para una participación provechosa en la escuela, en el trabajo y en la vida cotidiana. Merced al trabajo manual y la visión de artistas de la región, esperamos despertar interés en la matemática y las ciencias naturales como aptitudes básicas que nuestros niños necesitan. En las sociedades de hoy, en las que el conocimiento es fundamental, la comprensión de los conceptos y teorías numéricas básicas y la capacidad de estructurar y resolver interrogantes científicas son más importantes que nunca. Los conocimientos de la matemática y las ciencias naturales que alguna vez sólo necesitaron unos pocos, ahora son necesarios para obtener empleo en la economía global de hoy.
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Bilbao, Tatiana, Luis Camnitzer, Cecilia Ciancio, Christopher Cozier, Amanda De la Garza, Gustavo Dudamel, Analía Hanono et al. Cómo sanar un mundo herido: el poder del arte como motor de transformación social en la era pospandémica. Inter-American Development Bank, Januar 2022. http://dx.doi.org/10.18235/0003844.
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Esta publicación reúne ensayos de reconocidos líderes culturales, artistas, economistas, urbanistas, arquitectos y tecnólogos de la región, que abordan temas tales como el rol de las instituciones culturales en reimaginar comunidades; los artistas y su capacidad de reacción en tiempos de crisis; el futuro de nuestras ciudades y sus adelantos tecnológicos ante los avances del trabajo y el aprendizaje remoto, el aislamiento y las nuevas plataformas de comunicación y movilidad. Todos ellos participaron de la cumbre virtual Cómo sanar un mundo herido realizada por el Banco Interamericano de Desarrollo en abril de 2021. Es parte de los esfuerzos realizados por el BID en su compromiso por facilitar vías innovadoras de control y recuperación ante la pandemia del coronavirus. En línea con la Visión 2025, para impulsar la recuperación en América Latina y el Caribe, esta publicación reflexiona sobre cómo el arte y la cultura pueden proporcionar un espacio para sanar, reencontrarse, colaborar y proponer soluciones a los desafíos del desarrollo.
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América en la gráfica: Junio 12 - Septiembre 1, 1996. Inter-American Development Bank, Juni 1996. http://dx.doi.org/10.18235/0006108.
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47 obras gráficas del BID llevadas a San José, capital de Costa Rica, para exposición en los Museos del Banco Central de Costa Rica, incluyendo obras de 33 artistas representando 12 países de América Latina, los Estados Unidos y el Caribe.
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Primer concurso y exposición de videoarte de América Latina y El Caribe. Inter-American Development Bank, April 2003. http://dx.doi.org/10.18235/0006123.
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Una exhibición de videoarte de América Latina y el Caribe, primera en su género presentada en Washington, D.C., mostró 53 videos, de menos de cinco minutos cada uno, seleccionados por un jurado internacional, de un total de 235 videos provenientes de 21 países. Los videos también se proyectaron en el Istituto Italo-Latinoamericano (IILA) de Roma, Italia y luego comenzarán un ciclo itinerante por varios museos internacionales. Se otorgaron dos primeros premios, cuatro menciones honoríficas y 5 premios por votación popular a artistas de Brasil, Colombia, Costa Rica, México, Panamá, Perú y Venezuela. El objetivo del concurso fue ampliar el debate en torno a los factores económicos y sociales que afectan a los países de América Latina y el Caribe a través de la tecnología basada en los medios visuales. El concurso y exposición establecieron un punto de referencia en el adelanto del videoarte como forma de expresión en esos países. El concurso y exhibición han sido organizados por el Centro Cultural del BID y la División de Tecnología de la Información y Comunicación para el Desarrollo del BID
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6 Bienal Interamericana de Video Arte. Inter-American Development Bank, Dezember 2008. http://dx.doi.org/10.18235/0006118.
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El Centro Cultural del Banco Interamericano de Desarrollo se complace en presentar la cuarta edición de la Bienal Interamericana de Videoarte, acontecimiento que ha logrado mantener el considerable interés despertado entre gran parte de los artistas de video de la Región. Así lo demuestran las casi doscientas obras enviadas por éstos, como en anteriores ocasiones, para que fueran sometidas a la consideración del jurado internacional. Se recibieron videos de América Latina, el Caribe y varios países de Europa, así como de Estados Unidos -incluido Puerto Rico-, que este año participó con quince obras.